60 recomendables discos del 2018

DISCO-VINILO-2018

Como viene siendo costumbre otro año más desde Makma no queremos que pase el 2018 sin volver a dejar de hacer una serie de recomendaciones discográficas por parte de quien ha estado durante todo el año escribiendo y publicando sobre el condumio musical de una notable cosecha la de esta añada, tanto por cantidad como por calidad.

Por encima de todo me gustaría remarcar a nivel internacional los dos debuts en solitario a nivel de álbum de Brent Cowles y Daniel McGeever, el primero tras su paso por You, Me And Apollo y el segundo dejando a un lado The Wellgreen con un álbum que aunque se publicó a mediados de diciembre del 2017 ha encontrado plena difusión durante el año que está a punto de concluir. Asimismo, en una vertiente enfocada al rock alternativo tenemos un trabajo de tendencias más acústicas y en solitario de J Mascis, lider de Dinosaur Jr, u otro más eléctrico de Car Seat Headrest con ese joven geniecillo al frente que es Will Toledo, etc.

A nivel español muy destacable el «Superfruit» con el que han sorprendido muy gratamente Carolina Otero y Mike Grau. También clásicos nacionales como Jose Antonio Garcia con el que es seguramente su mejor trabajo en solitario tras su paso por 091, los valencianos de Doctor Divago que nunca fallan, etc.

Pues eso, siempre difícil sintetizar lo más destacable en una añada a nivel musical. Con la parcialidad que ello implica por los gustos y, al mismo tiempo, con el propósito de ser ecuánime y neutral en la medida de lo posible por la experiencia de lo escuchado, aquí van 60 recomendaciones musicales del año 2018 dentro de un orden de preferencia muy subjetivo que tiene que ver con las sensaciones y emociones recibidas, en una adaptación para Makma de reseñas publicadas por un servidor en el Espacio Woody/Jagger con sus correspondientes links.

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1 – BRENT COWLES – How to Be Okay Alone (Colorado, USA)
Intensidad y emoción entre el rhythm&blues, el soul y el folk.

2 – DANIEL McGEEVER – Cross the water (Edimburgo, Escocia)
Folk-rock emocional de reminiscencias setenteras.

3 – J MASCIS – Elastic Days (Massachussets, USA)
Más acústico y bucólico que con los Dinosaur Jr, pero igual de liberador.

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4 – CAR SEAT HEADREST – Twin Fantasy (Virginia, USA).
Espectacular remodelación de las canciones que Will Toledo grabó con 19 años.

5 – GUTTERCATS – Follow your instinct (París, Francia).
Música de culto romántica y rocanrolera entre glam, afterpunk, blues y new wave.

6 – JOHN PRINE – The tree of forgiveness (Illinois, USA).
Música de raíces profunda y hogareña. Una joya de todo un clásico.

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7 – ISAAC GRACIE – ‘Isaac Gracie’  (Londres, Inglaterra).
Melancolía y emoción, en la línea de Jeff Buckley.

8 – SARAH SHOOK & THE DISARMERS – Years (Carolina del Norte, USA).
Raíces de música americana con ciertas connotaciones de rebeldía.

9 – JOHN PAUL KEITH – Heart shaped shadow (Tennessee, USA).
Otra gran demostración de estilos americanos por el roots rocker.

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10 – CHARLES LLOYD & THE MARVELS + LUCINDA WILLIAMS – Vanished garden (Memphis, USA)
El jazz más emocional junto a una incombustible musa del rock.

11 – CHRIS RICHARDS AND THE SUBTRACTIONS – Peaks and valleys (Detroit, USA).
Con la herencia de las mejores virtudes melódicas de Matthew Sweet.

12 – KELLEN OF TROY – Posthumous release (Granada, España).
Talento de una gran promesa. Pop, country alternativo y letras elaboradas.

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13 – HOLLOW HAND – Star chamber (Brighton, Inglaterra).
Sin ser puro revival sigue la tradición británica de Kinks, Donovan…

14 – THREE HOUR TOUR – You never know (Illinois, USA).
Powerpop melódico que cabalga entre influencias de Matthew Sweet y Replacements.

15 – CAROLINA OTERO & MIKE GRAU – Superfruit (València, España).
Poderío guitarrero con influencias de Pavement, Breeders, Pixies…

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16 – PETE ASTOR – One for the ghost (Londres, Inglaterra).
Jangle-pop con melodías exquisitas y fino sentido del humor.

17 – JOSÉ ANTONIO GARCÍA – Lluvia de piedras (Granada, España).
Fiereza y pasión en todo una insititución del rock nacional.

18 – TONY MOLINA – Kill the lights (San Francisco, USA).
Melodías muy breves y muy repletas de magia.

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19 – DOCTOR DIVAGO – Complejo Alquería Frailes 13 (València, España).
Otra vez más exploran ese universo tan personal que poseen.

20 – NAP EYES – I’m bad now (Halifax, Canadá).
Entre influencias del Lou Reed más melódico, Dean Wareham, Feelies, Pavement…

21 – TWELVE STRING HIGH – The last jingle jangle adventure. Vol.3 (USA, UK y España).
Extraordinario recopilatorio de powerpop melódico por el sello «You Are The Cosmos».

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22 – WAXAHATCHEE – Great Thunder (EP) (Alabama, USA).
Hay que rendirse otra vez más ante esta nueva diva del pop-rock alternativo..

23 – ÒSCAR BRIZ – No caure és que m’agafes de les mans (EP) (València, España)
Maravilloso artefacto musical sobre la amistad, el amor, la vida y la muerte .

24 – PAUL ZINNARD AND THE TROPIC – Songs for a better past (Mallorca, España).
Otra vez el mallorquín despliega brillantemente su sonido «americano». the-jayhawks-back-roads-and-abandoned-motels-1 carolina-otero-lil-knife-as-i-fade-out-1 barrence-whitfield-savages-soul-flowers-of-titan-1

25 – THE JAYHAWKS – Back roads and abandoned motels (Minneapolis, USA).
Grandes melodías y una refinada producción.

26 – CAROLINA & LIL’ KNIFE – As i fade out (Valencia, España).
Conecta muy bien con lo más alternativo de finales de los 80’s y principios de los 90’s.

27 – BARRENCE WHITFIELD & SAVAGES – Soul Flowers of Titan (Florida, USA).
Otro artefacto de indómito rock ‘n’ roll, garage, rhythm&blues…

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28 – STEPHEN’S SHORE – September love (Estocolmo, Suecia)
Jangle-pop- de armonías suaves y herederas de los Byrds.

29 – LUIS PRADO – Plays Standards Vol. 2 (Valencia, España).
Segundo episodio de extraordinario nivel con sus transformadas versiones al piano.

30 – THE GOON SAX – We’re not talking (Brisbane, Australia).
Grandes alumnos de la escuela australiana de Go-Betweens, The Clean, The Bats…

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31 – LANUCA – Rémora (València, España).
Sensibilidad, innovación, magia y calidad.

32 – THE MOLOCHS ‎- Flowers in the spring (Los Angeles, USA).
Fresquísimo cóctel de garage, folk, psicodelia y merseybeat sixtie.

33 – SEASICK STEVE – Can u cook? (California, USA).
Otro gran muestrario de blues renovador y modernista.

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34 – MIKE FARRIS – Silver & Stone (Tennessee, USA).
Amor y pasión entre el soul, el blues y el gospel.

35 – J EASTMAN AND THE DRUNK UNCLES – Pleasing some of the people none of the time (Ep) (Minneapolis, USA)
Rock alternativo americano a medio camino entre REM, Soul Asylum y Replacements.

36 – HOTEL VALMONT – El largo viaje (EP).  (Madrid, España)
Sabor americano con elaborada lírica en castellano.

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37 – THE LIMIÑANAS ‎– Shadow people (Perpignan, Francia)
Pop psicodélico garagero con detalles del post-punk.

38 – THE ESSEX GREEN – Hardly electronic (Brooklyn, USA)
Jangle-pop de melodías y armonías inspiradas en sonidos sixties.

39 – KURT VILE – Bottle it in (Pensilvania, USA)
Mayor eclecticismo junto a abundantes arreglos y temas de impacto inmediato.

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40 – THE LEMON CLOCKS – Songs from another time (Estocolmo, Suecia)
Powerpop, psicodelia y garage con influencias de Byrds, Kinks…

41 – KURT BAKER COMBO – Let’s go wild! (Portland, USA)
Powerpop de estribillos pegadizos en otro buen trabajo de este fenómeno.

42 – THE BOTTLE KIDS – Let me in on this action (Austin, USA)
Energético pop de guitarras, heredero de The Plimsouls, The Beat, The Knack…

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43 – RADIO DAYS – El delfín y el varano (EP) (Milan, Italia)
Se aproximan al surf, al beat más melódico y al punk ramoniano.

44 – THE CONNECTION – Wish you success (Portsmouth, USA)
Querencia hacia los primeros Stones, Ramones, Groovies, Paul Collins…

45 – MOTEL MIRRORS – In the meantime (Memphis, USA)
Soul, rockabilly y sensación a jam-session de swing.

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46 – DROPKICK – Longwave (Edimburgo, Escocia)
Mucha calidad melódica de estos alumnos aventajados de los Teenage Fanclub.

47 – FRANK – Atlas (Donostia, España).
Exquisito lirismo y cuidadosas melodías.

48 – JIM RILEY’S BLUES FOUNDATION – A Very British Blues Explosion (Kent, Inglaterra).
Rhythm&blues sixtie y pub-rock británico de casta.

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49 – WILKO JOHNSON – Blow your mind (Canvey Island, Inglaterra).
Vitalidad, optimismo y calidad pub-rockera de todo un clásico.

50 – DAVID MYHR – Lucky day (Estocolmo, Suecia).
Powerpop melódico, rock suave y música de cantautor.

51 – LOS RADIADORES – Puño en alto (EP). (Valencia, España)
Cuatro canciones con influencias de Joe Strummer y los Clash.

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52 – NICK LOWE – Tokyo Bay (Ep)  (Surrey, Inglaterra)
Auténtica joya para paladares selectos, en edición limitada.

53 – LAGARTIJA NICK – El testamento del sol (Ep) (Granada, España)
Con homenajes a Joe Strummer y a Jesús Arias.

54 – HOLY TUNICS – Butter dish (Brooklyn, USA)
Jangle-pop cercano a The Clean, The Feelies, Luna…

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55 – JUAN AGUILAR – El blues del arrabal (Valladolid, España).
Actitud, sinceridad e integridad con buenas letras en castellano.

56 – JUNE’S KALEIDOSCOPE – Brave Journey Into The English Sea (Ep). (Valencia, España)
Influencias desde Nick Drake a Natalie Merchant.

57 – TOMMY LORENTE – Stupefaction (Biarritz, Francia)
Powerpop vigoroso con estribillos pegadizos.

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58 – ADRIAN LEVI – Unexpected (Valencia, España)
Melancolía y atmósferas marca de la casa.

59 – THE DUSTBURDS – Summer pleasures (Lion, Francia)
Soul-pop con influencias cinematográficas como por ejemplo de Ennio Morricone.

60 – THE LOVE-BIRDS – In the lover’s corner (San Francisco, USA)
Diáfanas melodías entre Teenage Fanclub, Big Star, Pavement…

¡Feliz 2019 a todos los lectores y amigos de Makma!

Juanjo Mestre

El Museo del Prado más valenciano

Presentación del libro ‘Historia del Arte de la Comunidad Valenciana’, de Felipe Garín
Museo del Prado
Paseo del Prado, s/n. Madrid
Jueves 22 de noviembre de 2018

«Ninguna otra escuela pictórica, desde el siglo XV hasta Sorolla, ha tenido tanta presencia en el Museo del Prado como la valenciana», así de contundente es la aportación al arte de la Comunidad al arte nacional en mayúsculas, según el actual Director del Museo del Prado, Miguel Falomir.

Con la celebración del Bicentenario del Museo Nacional del Prado como telón de fondo, Felipe Garín presentó en el propio Museo la obra ‘Historia del Arte de la Comunidad Valenciana’. La presentación contó con la presencia de dos de los tres directores del Museo del Prado valencianos que ha habido en toda la historia del Museo: Felipe Garín, ya Director Honorífico y el actual Director, Miguel Falomir, acompañados por Manuel Broseta, Presidente de la Fundación Conexus Madrid-Comunitat Valenciana.

De izda a dcha, Miguel Falomir, Felipe Garín y Manuel Broseta. Imagen cortesía de la Fundación Conexus.

De izda a dcha, Miguel Falomir, Felipe Garín y Manuel Broseta. Imagen cortesía de la Fundación Conexus.

La presentación puso de manifiesto la importancia de la cultura y el arte realizado en la Comunidad Valenciana, su aportación e influencias con otras corrientes pictóricas y la gran huella que han dejado artistas de la Comunidad. En la presentación estuvieron presentes empresarios, políticos, directivos de la Comunidad Valenciana y amigos del arte.

Miguel Falomir y Manuel Broseta destacaron el gran trabajo realizado por el profesor Felipe Garín complementando y actualizando la gran obra que realizó su padre siendo Catedrático de Historia del Arte de la Comunidad Valenciana, una obra única en su categoría.

Falomir recordó la etapa en la que Garín fue Director del Museo y el gran recuerdo que había dejado su gestión y trabajo. En cuanto al libro, destacó que una de las grandes ventajas o aportaciones de esta obra es que analiza el arte en la Comunidad Valenciana realizado dentro de contextos y movimientos más amplios. Además, señaló la excepcionalidad de que padre e hijo hayan aportado tanto al arte desde su estudio.

Presentación del libro 'Historia del Arte de la Comunidad Valenciana', de Felipe Garín. Imagen cortesía de la Fundación Conexus.

Presentación del libro ‘Historia del Arte de la Comunidad Valenciana’, de Felipe Garín. Imagen cortesía de la Fundación Conexus.

Manuel Broseta, como Presidente de la Fundación Conexus, que trabaja desde Madrid para poner en valor la Comunidad Valenciana y su talento, destacó el prestigio que es para los valencianos contar con Falomir y Garín como grandes figuras en el mundo del arte. Broseta recordó también que el arte en la Comunidad Valenciana está viviendo momentos muy relevantes gracias al esfuerzo de mecenas privados, quienes están creando proyectos muy interesantes, como Vicente Quilis, José Luis Soler o Hortensia Herrero, entre otros. Broseta alabó la trayectoria y el trabajo de Garín y comparó el caracter inclusivo del arte con el carácter inclusivo de los valencianos, que «siempre aporta riqueza».

Felipe Garín quiso rendir homenaje a todos los grandes historiadores de arte de la Comunidad Valenciana, muchos ya fallecidos. Así, destacó que la Comunidad Valenciana permite hacer una gran obra de este tipo porque tiene una historia muy prolija de aportación al arte sin interrupción, sólo con altibajos. Además analizó ese cariz valenciano abierto de dar y recibir, convirtiendo la Comunidad en un espacio de confluencia y tránsito de muchos artistas. Garín también destacó sobre todo el siglo XIX en la que casi «fue una invasión» la aportación valenciana con grandes nombres como Aparicio, Sala, Sorolla, Pinazo o Gisbert.

De izda a dcha, Miguel Falomir, Felipe Garín y Manuel Broseta. Imagen cortesía de la Fundación Conexus.

De izda a dcha, Miguel Falomir, Felipe Garín y Manuel Broseta. Imagen cortesía de la Fundación Conexus.

Lo amable y lo siniestro de Juan Cuéllar

Heimlich, de Juan Cuéllar
Galería My Name’s Lolita
C / Almadén, 12. Madrid
27 de septiembre-noviembre 2018

La Galería My Name´s Lolita Art expone, en su inicio de temporada,  el último trabajo del pintor Juan Cuéllar (Valencia, 1967). Bajo el título ‘Heimlich’, el artista presenta una serie de obras realizadas en óleo sobre lienzo, las cuales son consecuencia directa de su trabajo anterior, que titulado ‘Distopía’ fue exhibido en La Nau, Sala Oberta, de la Universitat de València.

Obra de Juan Cuéllar. Imagen cortesia de My Name's Lolita.

Heimlich, de Juan Cuéllar. Imagen cortesia de My Name’s Lolita.

En Heimlich, el artista se adentra en el concepto de “extrañeza inquietante”. Según Freud, la palabra alemana Unheimlich (siniestro) es la negación de heimlich, que significa íntimo, familiar, hogareño, amable, refiriéndose a la sensación de espanto que puede provenir de las cosas conocidas y familiares.

Por ello, las imágenes que componen la muestra pueden resultar usuales y corrientes, pero a su vez aportan un desasosiego al observar ciertos elementos visuales que rompen, desplazan bruscamente e, incluso, deforman la lógica habitual, dirigiéndola hacia un efecto narrativo opuesto.

La Nuve, de Juan Cuéllar. Imagen cortesía de My Name's Lolita.

La Nuve, de Juan Cuéllar. Imagen cortesía de My Name’s Lolita.

En la muestra que se presenta en la galería My Name’s Lolita, el espectador observará escenas cotidianas, como un día de feria, o escenas familiares íntimas junto a invitados con capuchas que nos recuerdan al Ku Klux Klan y que refuerzan el sistema de despersonalización. En estas obras, la identidad grupal sustituye y suprime a la individual, en la que Juan Cuéllar consigue transmitir una sensación inquietante e incómoda.

Junto a estos temas también nos encontraremos con paisajes donde, mediante recortes de la imagen tradicional, el pintor nos ofrece una visión incompleta que nos altera su representación, la cual  se reconoce imperfecta e ineficaz, desde el punto de vista de la lógica usual e infrecuente, pero que le imprime un efecto estético excepcional. Cuéllar representa el complicado mundo freudiano con su tono de humor característico y en su renovado estilo ‘pop’ valenciano, del que es uno de sus herederos más insólitos.

La noche blanca, de Juan Cuéllar. Imagen cortesía de My Name's Lolita.

La noche blanca, de Juan Cuéllar. Imagen cortesía de My Name’s Lolita.

Dan Baird, una fiera rocanrolera excepcional

Dan Baird & Homemade Sin
Viernes 14 de Septiembre a partir 23:00 horas
Loco Club
Calle Erudito Orellana nº 12 de Valencia
Entradas 15 € (compra tu entrada en este link)

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Hoy quiero recomendar a uno de los tipos más grandes que hay en el mundillo del rock ‘n roll por talento, calidad y actitud. Con sus 64 años es además un superviviente de mucha dignidad a través de las décadas.

Para ello resulta inevitable recordar sus primeros tiempos como vocalista, compositor y guitarrista de los Georgia Satellites, la banda americana de Atlanta que durante la década de los 80’s enarboló con grandeza y pundonor un cóctel extraordinario de rock sureño, boogie-rock y hard-rock. Seguramente muchos conocerán su gran hit popular «Keep your hands to yourself» pero no tantos aquel MiniLp de debut del 85 titulado «Keep the faith» o la fundamental trilogía de álbumes entre el 86 y el 89 (homónimo, «Open all night», «In the land of salvation and sin») donde el desperdicio brillaba por su ausencia.

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Dan Baird, Mauro Magellán, Warner E.Hodges y Sean Savacool.

Tras la separación del grupo grabaría en la década noventera los que considero sus mejores discos en solitario, «Love songs for the hearing impaired» y, muy especialmente, el fabuloso «Buffalo nickel». Ya en el S.XXI y concretamente en la década 00 tuvo como acompañantes a The Sofa Kings mientras paralelamente formaba parte de otra estimable aventura musical con los Yayhoos o, posteriormente, con The Bluefields. Pero en medio de tantos proyectos es seguramente con Homemade Sin, la banda formada actualmente por Mauro Magellán a la batería, Warner E.Hodges a la guitarra y Sean Savacool al bajo, con la que más ha encontrado sintonía y perdurabilidad desde que en el 2005 publicasen «Feels so good».

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Imagen de una de las últimas actuaciones de Dan Baird & Homemade Sin En Valencia

Dan Baird lleva un motor de puro rock ‘n roll incrustado en su cuerpo, motivo por el que no ha parado en toda su trayectoria salvo el pasado año en que una leucemia lo apartaba de los escenarios, hecho que se producía casi inmediatamente después de la publicación de “Rollercoaster”, “SoLow” y del directo “The Red Wristband Special” en Kendal (Inglaterra). Por suerte lo ha superado y ahora vuelve para presentar otro trabajo, “Screamer” que, como no podía ser de otro modo, supura una vez más esa fiereza y esa esencia rocanrolera que le caracteriza.

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Cartel de la gira por España de Dan Baird and Homemade Sin

Cuatro posibilidades hay de verle con Homemade Sin en esta gira, el 12 de Septiembre en el Museo Marítimo de Bilbao, el 13 de Septiembre en la Sala El Sol de Madrid, el 14 de Septiembre en el Loco Club de Valencia y el 15 de Septiembre en la Sala Razzmatazz de Barcelona. Entre los muchos conciertos que el que suscribe ha podido ver en esta vida están los de Dan Baird en lo más alto del ranking. Por eso creo que todo amante del buen rock ‘n roll debería hacer lo posible por no perderse a estos fenómenos.

Juanjo Mestre.

Sótano de excelsos: Francisco Umbral

Transita por el mapa del olvido una neblina vallisoletana de helechos arborescentes, de genéticas espurias e inviernos sempiternos. Foulard en las faringes y laringes para sortear las pulmonías de los ateneos, gran galpón de la tisis y de los juegos florales venidos, otrora, de provincias.

Acumula polvo eximio por las librerías de lance Francico Alejandro Pérez Martínez, Francisco Umbral para los desconocidos. Cumplido ya un decenio desde su huida cardiorespiratoria en el Montepríncipe, apenas quedan rescoldos de conmemoración activa y escasos lectores de su excesiva y prolífica obra, henchida de sagrados males. Innumerables páginas adheridas al presente pretérito para los ociosos lectores de ficción, necesitados de espuma y distópicas guías de la posmodernidad.

Se recibe Umbral en los alveolos como un salbutamol acerbo que dilata las viejas cañerías de los urinarios, cisterna cacofónica de los grandes Cafés de ventanales madrileños, con vistas de invierno al spleen y plúmbea nicotina en la canícula interior, calimas de pensión, Argüelles lácteo y coctelería de jardín en las afueras nobles y la periferia heterodoxa donde fagocita su crónica la jet.

Francisco Umbral. Makma

Sorteando el artículo -edificio capital de la popularidad, escritura perpetua salpicada de mordaces urgencias, negrillas y pan-, permanece, inhumado, el hiperbólico autorretrato de un ilegítimo, amamantado en los hospicios de Embajadores -artería de manolerías y casticismo- con el calostro de la ignominia y el hedor de los arroyos, bajo las lejanas faldas castellanas de la “tía May” y la caligrafía etérea de Ana María Pérez en los cuadernos de Luis Vives. Sea la deshonra quien alimente al niño de derechas, al joven malvado, al desnortado dandy anatómico con ninfas e impostura, para beber, después, del inagotable caño de la memoria fantasmal, como un socialista sentimental manoseando las secas entrañas, hechas cecina, con el fin de llenar la crónica de lírica y jugar con estilo autodidacta a los aditamentos, en imperecedera búsqueda de la belleza convulsa.

Y ahí radica, ya tuberculosa, la excelsa distinción de la palabra, la amarilla y virtuosa vestimenta con botines blancos de piqué sobre el plomizo overol literario del funcionariado, herido ya de relato audiovisual en la inmediatez de los diccionarios pobres.

Francisco Umbral. Makma

Aún habita en el paríso artificial el sonido de la prosa y otras cosas, la noche del Gijón y el mentolado cuplé de las redacciones en los días felices, el orín enginebrado y Gordon’s que desciende por el lodazal setentón y turbio de las trilogías madrileñas, como un cadáver exquisito y encelado con el vientre convexo de Camilo José.

Amado siglo XX el de un Umbrales abstemio sobre la barras dipsómanas de giocondos y acero inoxidable, entre césares visionarios y señoritas de alcoba que duermen al mediodía los amores diurnos en el edificio España, mientras aquella otra y marital consiente al felino mecanógrafo, retornado al mimbre con palabras de la tribu con las que aliviar su capital del dolor, hecho trizas rosáceas y mortales.

Francisco Umbral. Makma

Jose Ramón Alarcón

 

 

 

 

La Galería Estampa inaugura la Biblioteca Americana

La Biblioteca Americana
Galeria Estampa
C/Justiniano, 6. Madrid.
Del 12 de Julio hasta el 20 de Julio de 2018.

El Jueves 12 de Julio a las 8 de la tarde tendrá lugar la inauguración de la exposición ´La Biblioteca Americana´ en la Galería Estampa, Madrid. La exposición está compuesta por una serie de poemarios escritos por autores de iberoamérica. La exposición se mantendrá en la galería hasta el 20 de Julio.

‘La Biblioteca Americana’ es una colección literaria donde se unen íntimamente la poesía y la ilustración. Junto a los distintos autores iberoamericanos se les han unido ilustradores españoles que han dado forma y color a sus versos marcando el objetivo de unir la poesía americana con la ilustración española.

Detalle de la exposición 'La Biblioteca Americana'. Imagen cortesía de la Galería Estampa.

Detalle de la exposición ‘La Biblioteca Americana’. Imagen cortesía de la Galería Estampa.

La poesía es un arte que posee gran expresión, el sentido que ella guarda puede reinterpretarse en otras artes, tomando distintas formas que nos hagan sentir, ese es uno de los objetivos que quiere mostrar la exposición. Cada ilustrador ha sido elegido de forma deliberada para entender la obra de cada poeta adaptándose a los versos para crear así una obra final perfecta. La muestra de ello es el largo proceso que ha llevado este proyecto desde que lo iniciaran en 2009.

Los poemarios están compuestos por un total de 9 ilustraciones acompañadas por poemas enteros o por los versos de la obra que pasan por todas las ilustraciones, aspecto que le da una estética muy agradable a la vista y que e da uniformidad a la colección. Cada obra tiene como portada la bandera de su país. Como colofón en cada libro se encuentra una obra original.

Detalle de la exposición 'La Biblioteca Americana'. Cortesía de la Galería Estampa.

Detalle de la exposición ‘La Biblioteca Americana’. Imagen cortesía de la Galería Estampa.

Dentro de la exposición encontramos a un representante de cada país de iberoamérica junto a un ilustrador español, a continuación encontrarán la lista de obras:

– ‘Celebraciones’ (Bolivia) Eduardo Mitre y Luis Mayo

– ‘Baladas de la memoria’ (Chile) Pedro Lastra y Fernando Álamo

– ‘Gatos’ (Colombia) Darío Jaramillo y Ramiro F. Saus

– ‘Ballenas’ (México) Vicente Quirarte y González de la Calle

– ‘Nueve sonetos’ (Brasil) Ledo Ivo y Luis Feito

– ‘Los sueños de mi padre’ (Cuba) Orlando González y Elena Blasco

– ‘Emergencia’ (Argentina) Mariano Peyrou y Carlos Forns

– ‘La plegaria infinita’ (El Salvador) Jorge Galán y Sara Huete

– ‘El rostro que no se ve’ (Venezuela) Rafael Cadenas y Eduardo Arroyo

– ‘Area de comienzo’ (Uruguay) Ida Vitale y Jaime Aledo

– ‘Botella al ma’r (Puerto Rico) José Luis Vega y Óscar Lagunas

– ‘Sueños de floripondio’ (Guatemala) Humberto Ak’abal y Fernando X. González

– ‘Brevario’ (Honduras) León Leiva y Luis Canelo

– ‘Una flor amarilla’ (Perú) Micaela Chirif y Karina Beltrán

– ‘La Marilyn Monroe de Santo Domingo’ (República Dominicana) Frank Báez y Nono
Bandera

– ‘Ariadna’ (Paraguay) Jacobo Rauskin y Nuria Rodriguez

– ‘Jacarandas’ (Ecuador) Iván Carvajal y Alejandra Freymann
Aún faltan por publicar las obras de Nicaragua, Costa Rica y Panamá.

Imagen de la portada del texto. Cortesía de la Galería Estampa.

Imagen de la portada del texto. Cortesía de la Galería Estampa.

José Antonio López

Dropkick y Star Trip, dos tazas del mejor caldo melódico

Dropkick + Star Trip
12 de julio del 2018 a partir de las 22 horas
Loco Club
c/Erudito Orellana nº 12 de Valencia
Entradas: http://www.lococlub.org/es/events/event/dropkick-2

dropkick-spain-tour-2018-2

Dropkick (Andrew Taylor, Ian Grier, Mike Foy y Alan Shields)

Se avecina un doble concierto en la sala Loco Club de Valencia para relamerse los dedos. Y es que los escoceses Dropkick están en una nueva gira por España que los trae en orden cronológico por Bilbao, Maliaño (Cantabria), Burgos, Zaragoza, Valencia, Alicante y Madrid.

El objetivo principal es promocionar su excelente nuevo álbum «Longwave», el siguiente a «Balance the light» del 2016, elogiado disco desde algunos sectores de la crítica especializada. Entre uno y otro la aventura en solitario que grabó su principal compositor Andrew Taylor y que llevaba por título «From the outside looking in».

dropkick y star trip

Imagen: The Melody Makers shows in Glasgow and Edinburgh. Con Dropkick, The Wellgreen, Attic Lights y Star Trip

Este nuevo trabajo junto a los otros miembros de la banda (Ian Grier, Mike Foy y Alan Shields) recoge las principales virtudes de los de Edimburgo, es decir, calidad melódica a raudales, con la influencia principal de sus paisanos Teenage Fanclub, así como de referentes tales como The Jayhawks, The Byrds, Elliott Smith…

Canciones como «It’s still raining», «Out of tune», «Giving way» o «Blue skies» representan perfectamente el concepto del disco aunque el resto no desmerece, hasta el punto de mantener una línea sumamente equilibrada.

Star Trip (Vicente Prats, Rafa Navarro, David Osete y Alvaro Gomez)

Star Trip (Vicente Prats, Rafa Navarro, David Osete y Alvaro Gomez)

Para la actuación de la sala Loco Club estarán acompañados de otra banda con especial querencia hacia las melodías, con letras de poso melancólico y guitarras eléctricas en perfecta armonía.

Hablamos de los valencianos Star Trip (Vicente Prats, Rafa Navarro, David Osete y Alvaro Gomez), también dignos herederos de ilustres nombres como Big Star, The Posies, Teenage Fanclub, Gigolo Aunts…

Resumiendo, dos tazas de buen caldo para una noche de alta tensión melódica.

Juanjo Mestre.

Confesiones de un artista gay

Quique Belloch: Escenas de una vida
Bel Carrasco

Su nombre sonaba mucho en el mundillo cultural valenciano de los años noventa. Enrique Belloch. Quique para los amigos. Un productor de teatro y cine que, a principios de los ochenta rodó en Madrid una película con un jovencísimo Antonio Banderas, ‘Pestañas postizas’, y que tras dar clases de teatro en Arganda del Rey regresó a su ciudad natal, Valencia, donde ofreció un taller de arte dramático muy concurrido en la Universidad Politécnica. Poco después abrió la mítica sala Trapezi, el primer espacio multicultural alternativo, donde se reunía la Asociación de Actores Valencianos y los jóvenes interesados en las artes escénicas. Pese a su éxito y proyección en los medios la sala tuvo que cerrar por falta de ayuda institucional, y Belloch derivó al doblaje al frente de Doble Banda productora también de tele movies. El cierre de Canal 9 le llevó a la ruina pero resurgió de sus cenizas cual Ave Fénix para montar ‘Teresa de Ávila’ de su amigo y admirado José María Rodríguez Méndez y rodar un documental sobre el travesti más famoso de la Transición, La Margot.

Cumplidos los 70 años, decidió que era buen momento para hacer recuento de su vida y confió en su amiga Bel Carrasco para contarla en negro sobre blanco. Es el libro ‘Quique Belloch: Escenas de una vida’ (NPQ Sargantana) en el que escribe también el periodista Rafa Marí y otros de sus numerosos amigos. A lo largo de sus páginas, ilustradas con imágenes de la vida y obras de Belloch, el polifacético creador desnuda su alma para evocar desde su feliz infancia hasta los momentos más duros de pérdidas y debacles. Sin tapujos ni pelos en la lengua. De cabo a rabo.

Potada del libro.

Potada del libro.

¿Este libro es un ajuste de cuentas con los fantasmas de su pasado?

No creo en fantasmas, ángeles y demonios. Tampoco en las mediums y mucho menos en las brujas vírgenes. En la serie ‘Midnight Texas’ se encuentran buenas respuestas.

¿Por qué decidió contar su vida?

Seguramente debido a la edad. Al final de la vida se acaban los recuerdos, y por desgracia uno tiene fecha de caducidad que por lógica en mi caso no debe estar ya muy lejos.

Quique Belloch, de bebé. Imagen cortesía del autor.

Quique Belloch, de bebé. Imagen cortesía del autor.

Ha dicho que se trata de un estriptís, ¿pero llega al desnudo integral o se reserva secretos inconfesables?

Lo del estriptís es una floritura literaria y en cuanto a los secretos inconfesables, son eso, secretos inconfesables, lo que no deja de ser una pura contradicción. Para mis amigos no tengo esa clase de secretos ni ningún otro, lo que no saben se lo imaginan. Al resto del mundo no creo que le interesen mucho.

¿Cómo influyó en su vida el hecho de ser gay?

Lo que ha influido en mi vida es el hecho de ser un hombre. Un hombre atractivo, simpático, inteligente y suficientemente culto. Todo eso me convierte en un gran seductor. Lo siento, pero lo que no soy es modesto.

Carnet de la Facultad de Quique Belloch. Imagen cortesía del autor.

Carnet de la Facultad de Quique Belloch. Imagen cortesía del autor.

Tenía un futuro asegurado en la empresa de su padre. ¿Por qué lo dejó para dedicarse a las artes escénicas?

Nunca he optado por decisiones acomodaticias. He sido y soy un aventurero en busca de la libertad tanto colectiva como personal. Lo he tenido todo y también lo he perdido todo en muchas ocasiones y siempre he seguido siendo el mismo.

¿Si pudiera empezar de cero, cambiaría muchas cosas de su vida?

Ninguna.

Se le nota cierto resentimiento contra los gestores culturales que, según usted, no supieron apreciar sus proyectos.

Lo de morderse la lengua no es bueno, la lengua es útil, es culta, puede ser muy larga, pero fundamentalmente es necesaria. Por eso no me gusta utilizarla para hablar de nimiedades.

Quique Belloch con sus perros. Imagen cortesía del autor.

Quique Belloch con sus perros. Imagen cortesía del autor.

¿Qué aportó al panorama cultural valenciano y cómo recuerda aquel ambiente?

Aquello era una merienda de negros en la que algunos engordaron demasiado en cualquiera de las opciones políticas. En lo que respecta a mi aportación en este amoroso y detestable mundo de las artes del espectáculo, tendrán que ser otros y en tiempos mejores los que analicen su significado…O no.

¿Le aburre que le pregunten por su relación con Antonio Banderas?

Sí.

¿Por qué confió en Bel Carrasco para que escribiera el libro?

Fue ella la que confió en mí y ante la duda opté por el sí, y le estoy muy agradecido. En el libro que debería haberse llamado ‘Desde la acera de enfrente’ en lugar de ‘Quique Belloch: escenas de una vida’, los lectores encontrarán en él todas las respuestas o…casi todas.

Quique Belloch. Imagen cortesía del autor.

Quique Belloch. Imagen cortesía del autor.

‘Gloriana’, De Benjamin Britten, en el Teatro Real

‘Gloriana’, de Benjamin Britten
Una producción del Teatro Real, la English National Opera y la Vlaamse Opera (Ópera Flamenca) de Amberes
Teatro Real
Plaza de Isabel II, Madrid
Hasta el 24 de abril de 2018

El Teatro Real ofrece, hasta el 24 de abril de 2018, diversas funciones de ‘Gloriana’, de Benjamin Britten, en una nueva producción del Teatro Real, en coproducción con la English National Opera y la Vlaamse Opera (Ópera Flamenca) de Amberes.

Será la séptima ópera del gran compositor inglés que se presenta en el Teatro Real desde su reapertura ─’Peter Grimes’ (1997), ‘El sueño de una noche de verano’ (2006), ‘La violación de Lucrecia’ (2007), ‘Otra vuelta de tuerca’ (2010), ‘Muerte en Venecia’ (2014) y ‘Billy Budd’ (2016)─, además de las obras infantiles ‘El pequeño deshollinador’ (2005, 2006 y 2008) y ‘El diluvio de Noé’ (2007).

Gloriana. Makma

‘Gloriana’ llegará por primera vez a Madrid bajo la batuta del director musical del Teatro Real, Ivor Bolton ─cuya lectura de ‘Billy Budd’, el pasado año, fue unánimemente aplaudida─ y con dirección de escena de David McVicar, muy fiel a la dramaturgia de la ópera. Este prestigioso director escocés vuelve a demostrar su meticuloso y hondo trabajo actoral, que ya se ha podido ver en 2010, también con un título de ‘Britten’ ─una intimista e inquietante versión de ‘Otra vuelta de tuerca’─ y posteriormente en ‘La traviata’ y ‘Rigoletto’, ambas de 2015.

Benjamin Britten (1913-1976) compuso ‘Gloriana’ para celebrar la coronación de la reina Isabel II de Reino Unido, que ha cumplido recientemente 65 años de reinado. El solemne y pomposo estreno de la ópera en el Covent Garden de Londres el 8 de junio de 1953, con la presencia de los más altos dignatarios del Reino Unido y de la realeza europea, resultó un estrepitoso fracaso, ya que la ópera retrata con crudeza un episodio poco digno de la atribulada vida de la reina Isabel I (1533-1603), que se debate entre sentimientos y pasiones “demasiado humanos”, sin el aura heroica que esperaba el público selecto congregado para la ocasión.

Ver a la mítica “reina virgen” renacentista, ya en edad avanzada y en el apogeo de su  reinado ─n el que florecieron William Shakespeare, Francis Bacon o Christopher Marlowe─namorada del joven (y casado) conde de Essex y actuando con ira y despecho, o despojada de su peluca en la intimidad de sus aposentos, supuso tal desconcierto para los asistentes, que la crítica castigó a Britten sin compasión, confundiendo el valor intrínseco de la partitura con la inadecuación de su tema a las circunstancias festivas del acontecimiento.

Imagen de un instante de la representación de 'Gloriana', de Benjamin Britten. Fotografía de Javier del Real, cortesía del Teatro Real.

Imagen de un instante de la representación de ‘Gloriana’, de Benjamin Britten. Fotografía de Javier del Real, cortesía del Teatro Real.

Después de un largo letargo, y ya alejada del contexto social de entonces, ‘Gloriana’ fue poco a poco imponiéndose en la programación de los teatros, por la calidad musical y dramatúrgica de la ópera, que alterna momentos de magnificencia operística casi verdianos con escenas de intimismo, una orquestación refinada llena de evocaciones de la música renacentista ─obre todo de Purcell─ y personajes herederos del teatro shakesperiano.

Son precisamente dos británicos conocedores de la rica tradición teatral inglesa y de la obra de Britten los encargados de dirigir la producción que se estrenará en el Teatro Real.

David McVicar sitúa a la Reina en el centro de un mundo palaciego corrompido e hipócrita, que ella controla con mano de hierro, en la misma medida en que es atentamente vigilada por súbditos y cortesanos, en una Europa inmersa en luchas religiosas y territoriales.

Isabel I se mueve en una escenografía depurada y conceptual de Robert Jones, que enfatiza el trabajo actoral de los intérpretes. El rico vestuario isabelino concebido por Brigitte Reiffenstuel, inspirado en pinturas de la National Gallery de Londres, asume un carácter casi escenográfico. La ópera reflejará así, en la escena, la ósmosis que traspasa también la música de Britten, escrita en el siglo XX pero impregnada de olores y colores renacentistas.

Ivor Bolton estará al frente de un doble elenco encabezado por las sopranos Anna Caterina Antonacci y Alexandra Deshorties, que estarán secundadas por un reparto muy coral ─Leonardo Capalbo y David Butt Philip (Robert Devereux, conde de Essex), Paula Murrihy y Hanna Hipp (Frances, condesa de Essex), Duncan Rock y Gabriel Bermúdez (Charles Blount, Lord Mountjoy), Sophie Bevan y Maria Miró (Penelope, Lady Rich, hermana del conde de Essex), Leigh Melrose y Charles Rice (Sir Robert Cecil, secretario del Consejo), David Soar y David Steffens (Sir Walter Raleigh, capitán de guardia)─ acompañadas por el Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real y los Pequeños Cantores de la JORCAM.

Imagen de un instante de la representación de 'Gloriana', de Benjamin Britten. Fotografía de Javier del Real, cortesía del Teatro Real.

Imagen de un instante de la representación de ‘Gloriana’, de Benjamin Britten. Fotografía de Javier del Real, cortesía del Teatro Real.

 

Apocalipsis ecológico en La Neomudéjar

‘Apocalipsis’, de Mahé Boissel
Museo La Neomudéjar
Antonio Nebrija s/n, Madrid
Hasta el 6 de mayo de 2018

“El apocalipsis ahora es ecológico y los humanos somos los primeros responsables”.

El Museo La Neomudéjar, Centro de Artes de Vanguardia y Residencia Artística Internacional, acoge, hasta el 6 de mayo de 2018, la exposición ‘Apocalipsis’, de la artista francesa Mahé Boissel, cuyo horizonte proposicional asienta una visión femenina sobre el fin del mundo.

“Estamos viviendo el Apocalipsis. Aquí y ahora”. En palabras de la autora, vivimos el fin del mundo “cada día, representado por los horrores de múltiples guerras y catástrofes naturales. Es algo universal y globalizado”.

Con ‘Apocalipsis’, Boissel no pretende realizar un catálogo exhaustivo de hechos, ni un inventario histórico. La artista, que desarrolla su trabajo principalmente entre Madrid y Marsella, recopiló durante años todo tipo de fotos y portadas de periódicos sobre catástrofes naturales. En este proyecto reúne todos los materiales que ha utilizado hasta hoy, como son pintura, dibujo, tela y escritura.

Imagen de una de las obras que forman parte de 'Apocalipsis', Mahé Boissel. Fotografía cortesía de La Neomudéjar.

Imagen de una de las obras que forman parte de ‘Apocalipsis’, Mahé Boissel. Fotografía cortesía de La Neomudéjar.

La exposición comprende casi trescientas obras, algunas de gran formato (210×140 cm, 162×114 cm, 162×130 cm), realizadas en tela, papel o lienzo.

Todo el proyecto se articula alrededor de una escultura central, un ángel –mujer–, que viene a anunciarnos el fin. Este ángel está hecho con guantes encontrados en las calles y en los parques. Por debajo de las faldas de esta escultura, nos guían caminos, hechos también de guantes, que apuntan a las representaciones de las catástrofes pronosticadas: terremotos, inundaciones, incendios, etc.

“Digamos que no tengo otro compromiso que el de mi lugar en el mundo como artista. Mi único prejuicio es ser la mirada de una mujer en la sociedad”.

“Cuando me conmueve la tierra, hay apocalipsis a la esquina del bosque Se lo digo: el tiempo antes/ de tiempo es un papel de artista
La noche calca el instante
El sueño recorta un lienzo
Yo escribo la revancha de las chicas de ojos claros Y las mañanas cayeron todas
Aquí viene el caballo con cara de plomo
Aquí viene la bella con tez de muerto
Remendé los lugares interrumpidos del pensar
Los hilos rojos bajaron la ladera de los montes
Mi corazón en avalancha vio cómo llegaba el Apocalipsis”
(Mahé Boissel)

Imagen de una de las obras que forman parte de 'Apocalipsis', Mahé Boissel. Fotografía cortesía de La Neomudéjar.

Imagen de una de las obras que forman parte de ‘Apocalipsis’, Mahé Boissel. Fotografía cortesía de La Neomudéjar.