Del entretenimiento al cambio global en el cine

‘La (re)evolución social a través del cine’, de Esther Marín
Sala Gregori Maians del MuVIM
C / Quevedo, 10. Valencia
Juves 28 de junio de 2018, a las 19.00h

La Institució Alfons el Magnànim-Centre Valencià d’Estudis i d’Investigació, dependiente del Área de Cultura de la Diputació de València, presenta este jueves 28 de junio una de sus últimas novedades editoriales, el libro ‘La (re)evolución social a través del cine. Los argumentos cinematográficos en la crisis de la modernidad’, de Esther Marín Ramos. El acto contará con la presencia de la propia autora; de Áurea Ortiz, técnica de la Filmoteca Valenciana i profesora de la Universitat de València, y de Anacleto Ferrer, director del Institut d’Humanitats del Magnànim. El estudio de Marín se ha publicado en la colección Novatores y se puede adquirir tanto en librerías como a través de la página web.

Esther Marín. Imagen cortesía de la Institució Alfons el Magnànim.

Esther Marín. Imagen cortesía de la Institució Alfons el Magnànim.

El ensayo de Esther Marín recoge los nuevos argumentos que el cine comenzó a mostrar a partir de la década de los noventa, a través de películas de Tim Burton o Spielberg, y otras como ‘La vida de Pi’, ‘Blade Runner’ o ‘Pretty woman’, y lo hace analizando las de mayor repercusión social de todos los tiempos. El resultado de esta minuciosa investigación descubre significativas aportaciones sobre la evolución del imaginario colectivo durante estas últimas décadas y pone en evidencia que bajo la pátina del entretenimiento hay una demanda de cambio global que se está haciendo realidad en muchos lugares del planeta con independencia de sus particularidades territoriales.

La presentación se enmarca dentro de la programación del festival Cinema Jove que se viene celebrando esta semana en diferentes espacios culturales de la ciudad de València, como el teatro Rialto o el Centre del Carme Cultura Contemporània, a los cuales se incorpora el MuVIM como el centro donde se presenta el libro.

Portada del libro, de Esther Marín.

Portada del libro ‘La (re)evolución social a través del cine, de Esther Marín.

Esther Marín Ramos (Alacant, 1972) es doctora en Sociología de la Cultura i licenciada en Periodismo per la Universidad Complutense de Madrid. Fundó la primera ONG española de Comunicación para el Desarrollo con la cual llevó a cabo diferentes programas sobre educomunicación en la década de 1990. Dedicada a la docencia durante más de diez años, fue profesora de Psicología de la Comunicación y Teoría de la Comunicación en el extinto Centre d’Estudis Ciutat de la Llum, adscrito a la Universitat Miguel Hernández de Elx. Escribe sobre cine y series de televisión en la revista Píkara Magazine desde una perspectiva de género y en otras publicaciones de carácter científico.

 

Fotograma de Blade Runner.

Fotograma de Blade Runner, de Ridley Scott.

Una mirada a les ombres, la narrativa d’Antoni Rubio

Black Friday, de Antoni Rubio
I·lustració de coberta de David Buisán
Sembra Libres

Vivim en un embolcall de color de rosa, som preses de les tecnologies i habitem els espais des de la distància que ens proporciona el nostre smartphone, aliens a les ombres que conviuen amb nosaltres. Parle d’un món enfosquit on, al lluny, encara es senten els brogits de les rebaixes, una dimensió a la qual no tots volem mirar però, que està més prop de nosaltres del que potser voldríem. És en aquest àmbit en el qual els relats, abans amagats en la penobra de la societat, ocupen l’espai literari de la mà de l’esciptor Antoni Rubio.

Antoni Rubio i Reverter (Esplugues de Llobregat, 1978) és professor de Llengua i Literatura a les Escoles Sant Josep de València, professió que compagina amb la redacció de la sèrie d’articles ‘Lletra de dona’ sobre la presència femenina a la literatura, publicada cada dos setmanes al suplement cultural ARTS de l’edició valenciana d’El Mundo. Donen fe de la seua passió pel periodisme els diversos mitjans en els quals ha col·laborat durant els últims vint anys, entre els quals es troben El Mundo, El Temps, La Veu, L’Informatiu, Las Provincias, Radio 9 i Cadena SER, entre d’altres. És coautor del llibre ‘Del Sud. El País Valencià al ritme dels Obrint Pas’ i autor de la sèrie de narracions breus ‘Mala lluna’, escrita per al suplement abans citat del diari El Mundo.

El seu últim llibre ‘Black Friday’ ens porta de la mà a conéixer aquests relats d’oblit on la fal·làcia deixa pas a la realitat genuïna a través d’històries que t’obliguen a empatitzar amb els personatges i mirar al revers del món. Contes breus carregats d’emocions que es fonen amb el lector i conviuen amb ell, encara després d’haver tancat les pàgines d’un llibre que té molt més de ‘Black’ que de ‘Friday’.

Antoni Rubio. Fotografia de José Cuéllar

Antoni Rubio. Fotografia de José Cuéllar

Per qué en relat curt?

Perquè és un gènere que m’ agrada molt, com a lector m’agraden els relats de Quim Monzó, els de Rodoreda, és a dir és un génere que crec que està molt treballat des de la literatura catalana. Quan vaig començar a escriure, vaig vore que era un gènere el qual, com a escriptor, em sentia molt còmode. També perquè l’origen o un dels origens del llibre són la sèrie de relats curts ‘Mala lluna’ que feia en el suplement ARTS del diari El Mundo, i ahí estàs condicionat per l’espai. Ja ha- via escrit relat curt abans, per exemple el de ‘Grossa’, que va guanyar el premi de relat curt del Sambori quan estava en la Universitat, que és un format que sempre m’ha agradat. Pense que té la seua dificultat perquè no ha de sobrar res, però al mateix temps diguem-ne que una novel·la seria una carrera de fons i el relat curt és com uns cent metres llisos. De moment a mi este sprint m’agrada més com a lector, i com a escriptor m’he sentit molt còmode. Volia fer una visió global de la societat i aleshores el format del relat curt em permet abordar moltes històries diferents des de molts punts de vista.

Qué et va motivar a escriure?

Va arribar un moment e el qual tenia escrits el conte ‘Grossa’ i els contes de ‘Mala lluna’ i vaig vore que d’alguna manera encara que parlaven d’històries molt diferents tots tenien un nexe comú, d’eixos personatges que estan un poc en el marge de la societat, en les ombres. Hi ha un dels contes, ‘Ombres’, que va ser un dels títols que vaig barallar per a tot el llibre. Eixos personatges que estan al nostre costat de nosaltres i que sembla que no veiem,  en la  part fosca de la societat i vaig vore que podria ser un fil conductor o un nexe dels contes i que podria continuar explotant eixa via. Així, els contes que són  inèdits, escrits expressament per al llibre, els vaig fer  conscientment explorant aquesta via, un poc com una casualitat, jo tenia relats breus esparsos, en principi sense cap conexió, però vaig vore que tenien eixe fil comú i vaig pensar que es podia explotar.

A qui van dirigits aquests contes? Quin és el lector en el qui pensaves quan escrivies?

Jo, si pensava en algú, pensava en qualsevol de nosaltres, qualsevol membre d’esta societat que s’informa, que llig la premsa, que veu el que passa i que sempre ho veu com coses que els passen als altres. Al llibre són tot històries que tenim al costat inclús dins de la nostra família, fins i tot podem ser nosaltres mateixos. D’alguna manera, volia despertar un poc la idea que això son fets que estan ahí i que passen moltes vegades desapercebuts, com la soledat de la gent gran, les persones amb trastorns d’alimentació, la drogadicció etc, i que moltes vegades, no volem mirar. La idea era fer mirar alló que de normal preferim no vore.

Sí que hi ha algun conte que potser  que estiga dirigit a un públic més jove. És inevitable, ja que treballe amb adolescents que hi haja algun conte que l’he fet pensant en este públic, parle de ‘H99: Inadaptació escolar’. Encara que continue pensant que, per exemple, el que relata eixe conte també ho haurien de llegir els adults.

És simplement això, el llibre va dirigit a eixes persones que poden ser qualsevol de nosaltres, jo el primer, que de vegades anem per la societat aliens al que passa.

Com van arribar els teus relats a Sembra Llibres? Per qué eixa editorial?

Sembra llibres és una editorial que, m’agrada per la sua manera de treballar i per com edita els llibres. Des del primer moment vaig pensar en ells, volia una editorial que fora menuda, però professional i potent, per tant van ser els primeres a qui vaig fer la proposta de publicar els contes i, mira la sorpresa, la van acceptar a la primera i, per tant, doncs jo, encantat. Va ser una tria conscient perquè el model d’editorial i la manera de treballar és el que m’agrada.

Exemplars de "Del Sud" i "Black Friday". Fotografia corstesia de l'autor

Exemplars de “Del Sud” i “Black Friday”. Fotografia corstesia de l’autor

Per què triares ‘Black Friday’ com a títol de tot el llibre, que té eixa història de particular per a tu?

No és tant per la història com pel títol. En primer lloc, el conte anomenat ‘Black Friday’ és una de les històries que em representa un poc, el personatge s’anomena Antoni i té unes certes característiques físiques que podrien recordar la meua persona. És ficció, jo mai he entrar a rebentar cap botiga a cops d’un bat de beisbol, però si que ets un personatge que està un poc angoixat pel ritme de la societat, els whatshapss, els problemes amb la tecnologia, amb els bancs, quan toques i et trobes amb una màquina, etc. D’alguna manera em sent molt identificat amb això i per aquest motiu era un dels títols que volia posar.

El llibre té molt a vore amb esta societat de consum ràpida, i, per tant, des d’este punt de vista pense que era adient. ‘Black Friday’ és un nom que té una doble lectura, significa divendres negre com tot el món sap, inclou la paraula negre, una paraula amb molt potencial perquè d’una banda té eixa relació amb el component consumista, de velocitat i societat lowcost, però al mateix temps també té una relació simplement amb la negror i tot alló que implica, és a dir són històries negres, són històries fosques, amagades en la penombra de la societat.

La portada de David Buisán representa molt bé la idea del llibre, un embolcall  de color de rosa amb les rebaixes, etc; on tot sembla que és meravellós i fantàstic com en el món de la publicitat, que t’ho pinta tot perfecte. Enmig, un personatge ennegrit, enfosquit, que sembla perdre’s en aquest embolcall rosa que encaixaria a la perfecció amb el black del Black Friday.

En aquest relat en particular hi ha res personal?

Jo vaig dir en un altra entrevista que sóc un tio normal, amb un treball normal, normal, amb allò que vulga dir “normal”. Allò que potser t’agradaria fer en la vida i no pots fer-ho, ho fas literariament. És una manera de traure els teus… a vore és metafóric, és un trencament amb tot este món… De fet jo sóc el primer que tinc un smartphone a la butxaca, que el miraré quan acabem i tindré vint-i-cinc whatshaps. El primer que estic pendent del rellotge, etc. És una manera molt ligth de rebel·lar-se, hi ha un moment en el qual hem de parar, que hem de trencar amb tot aixó, i pensar que estan les persones primer, abans que els calendars, els whatshaps i els correus sincronitzats. La idea era trencar eixa angoixa, de fet ‘Black Friday’ està contat des del punt de vista de les càmeres de seguretat que et van gravant, precisament per aixó, pel control de tots els punts de vista. Ara mateix si algú vol investigar, mira els moviments que has fet amb la targeta, sap per on has passat gràcies a les càmeres de seguretat, la teua correspondència amb el correu electrònic, els whatshaps, etc. Vull dir una autèntica angoixa.

Està escrit en un to de narració-realitat o més en un to satíric?

És narració seriosa, real, versemblant és més et diré que no tot, però gran part dels contes estan basats en fets reals, absolutament reals. A partir d’ahí, no només en el conte de ‘Black Friday’ sinó en algun altre va haver un moment que sí que vaig vore que el to del llibre, per la temàtica que tracta i per com acaben els contes, estava agafant un to molt negre i vaig pensar que es podia produir l’efecte rebot en el lector. Així sorgí la broma de la meta-realitat de l’últim conte, ‘Final Feliç’, la idea de “no serà per a tant”. Vaig pensar que en algun moment sí que caldria prendre-s’ho amb eixe humor tragicòmic. Per experiència quan a una persona li passen coses roïnes a la vida hi ha dues maneres d’encaixar-ho, el camí de la depressió, o tirar un poc de l´humor com a mecanisme de defensa quan et passen coses que poden ser quasi berlanguianes.Hi ha una expressió al llibre en un moment que diu: “és un monument al despropòsit”, és una expressió que parteix d’un fet real d’una persona que conec, que està en un centre de toxicòmans  en meitat de la Castella profunda a qui li va tocar una barca en un concurs. Li van enviar la barca i, aleshores, la barca estava ahi enmig de la planura de Castella. Un dels que seguia fent el Proyecto Hombre per segona vegada, mirant-la va dir: “és un monument al despropòsit”.

Antoni Rubio. Fotografia de José Cuéllar

Antoni Rubio. Fotografia de José Cuéllar

‘Valhalla’ és un relat que em va costar tancar, sembla que l’angoixa d’aquesta història s’adhereix al lector d’una manera inconscient i empàtica

La idea de ‘Valhalla’, encara que no és una història especialment original, el que volia era explicar els fets en paral·lel i trencar així el discurs entre víctima i botxí, que crec que això pot ser l’angoixant del relat. Si això passara en la vida real, ens ho vomitarén com una informació de neonazis, etc. Tindríem una resposta molt senzilla, m’imagine que la immensa majoria de la gent, tret del “animals” que hi ha pel món, empatitzarien amb la víctima i focalitzarien tot el seu odi contra el botxí. El que volia dir en aquest conte era que el que de veades identifiquem com a botxí també és una víctima, amb això no l’estic exculpant, evidentment, però moltes vegades hem de rascar un poc darrere de les persones que identifiquem com a botxins, que ho són, i que han fet coses per les quals han de pagar, però la societat no és tampoc innocent a eixe respecte. Jo no crec que la gent siga bona per se, però si que moltes vegades és una qüestió d’oportunitats i de situacions vitals. Per exemple, explique als meus alumnes que el meu besavi era analfabet i jo soc llicenciat, però que l’unica diferència que hi ha  entre el meu besavi i jo és una difència d’oportunitats. Probablement la difència que hi ha entre Mika i Omar és una diferència de recorregut vital. El que angoixa del conte és que et veus obligat, a empatitzar amb qui tu directament odiaries.

Qué hi ha d’Antoni Rubio en tots aquests relats? 

El que hi ha de mi en el llibre és que, encara que hi han històries que són ficció pura i dura, la immensa majoria d’alguna manera té una inspiració que parteix de la realitat. Abans de ser docent, vaig estar traballant de periodista encara que no ho he deixat del tot. Diguem-ne que estant en una redacció pura i dura, com activitat principal durant dotze anys  vaig trobar-me amb moltes històries que per unes coses o per altres, no es podien contar o no es podien contar bé als diaris; estes històries potser no resultaven rellevants, o feien referència a personatges que no tenen interés per a la societat. Diuen que este és el meu primer llibre de ficció, jo sempre dic que qualsevol paregut amb la realitat és pura coincidència, o no…

Va ser una manera de parlar de temes que malgrat haver estat dotze anys publicant pràcticament a diari, no havia trobat espai per a tractar-los. El llibre té un altíssim component periodístic, crec que d’alguna manera intenta adoptar una mirada que s’hauria de fer desde els mitjans de comunicació, però no es fa. La història ‘Ombres’, encara que té una gran part de ficció, presenta alguna part basada en fets reals i quan vaig intentar plantejar-la en el diari, la resposta va ser: “Això no l’intersa a ningú”, va ser una frase que va suposar un del meus primers moments de decepció amb el periodisme. D’alguna manera aquest buits del periodisme eren el que jo volia omplir, encara que fora des de la literatura.

Jo crec que més que “Això no interessa a ningú” la resposta hauria d’haver sigut: “Ningú vol llegir açò”, és a dir, no volem sortir del nostre embolcall rosa.

Clar, la història que es titula ‘Ombres’ és per aixó, pereferim que eixes històries romaguen en la penombra.

Aleshores, és un risc fer un llibre que parla de coses que ningú vol mirar o saber, no?

És un risc, efectivamente, però al final és com tot, si haguera volgut fer un bestseller el més fàcil haguera sigut escriure en anglés o castellà al voltant d’algún tema estil “Illuminati”, però la meua idea sempre ha sigut escriure d’allò que jo volia escriure. Al fnal la literatuta com el periodisme té un deute que és el de posar en el focus allò que queda fora, i és un poc el que he volgut fer en aquest llibre.

Per a quan la novel·la?

Tinc en ment fer una novel·la, però reconec que és una cosa que em produeix vertigen. Tinc dos projectes en ment que estan en una fase molt inicial, he de vore quin dels dos arranca primer, però el format que tinc al cap de moment és novel·la. No em marque terminis, vaig escriure “Del Sud” en 2007, ‘Black Friday’ ha eixit en 2017, però no m’agradaria publicar dins de deu anys. D’aquest últim llibre he acabat molt satisfet amb el resultat, no em vaig marcar més terminis que tindre’l quan jo considerara que estava com jo volía, siga encertat o no. I en el seguent vull fer el mateix.

Andrés Herráiz

Cita con el festival de libro Sindokma en La Nau

SINDOKMA. FESTIVAL DEL LIBRO
Centre Cultural La Nau
Carrer de la Universitat 2/Plaça del Patriarca, Valencia
Del viernes 27 al domingo 29 de octubre de 2017

El festival del libro acoge del 27 al 29 de octubre en La Nau a medio centenar de editoriales independientes y sellos de libro de artista.

El festival del libro Sindokma, que tendrá lugar del 27 al 29 de octubre en el Centre Cultural La Nau de la Universitat de València y contará con medio centenar de editoriales independientes y sellos de libro de artista, se abre a Iberoamérica. Será una de las novedades de la tercera edición (segunda bajo esta denominación, tras la génesis de Russafa Book Weekend en 2014), que busca de esta forma consolidarse como encuentro de referencia para el sector del libro.

Sindokma se abre a Iberoamérica

Sindokma reafirma su presencia anual emplazándose por primera vez en el Centre Cultural La Nau, histórica sede de la Universitat de València desde su fundación a finales del siglo XV, erigiéndose en un enclave arquitectónico y urbanístico estratégico que permitirá solidificar la apuesta del festival a la hora de visibilizar a sus expositores y asegurar la presencia de público heterogéneo allegado desde múltiples áreas de la ciudad, de la provincia y de España, tendiendo puentes con Iberoamérica en esta tercera edición.

En este sentido, Sindokma inicia un ciclo de presentación en abierto para reivindicarse como puerta de entrada de la edición contemporánea de Iberoamérica en Europa, y como puerta de salida de Europa a Iberoamérica. El primer contacto en la presente edición 2017 se establecerá con México y concretamente con Ireri Topete, Hortensia Mínguez, Ioulia Akhmadeeva y Alejandro Villalbazo, con los que Antonio Damián, Antonio Alcaraz, Jim Lorena, Agnieszka Marcelak, Alejandro León y Evangelio, realizarán comunicación virtual para abordar la actualidad del sector editorial, y mostrar fórmulas de colaboración a distancia, tomando como modelo el proyecto ‘Publicaciones ensambladas’, a la vez que se transmitirá la realidad del festival online vía streaming a diversos países de Iberoamérica.

SINDOKMA. ORGANIGRAMA

ACTIVIDADES EN EL AULA MAGNA Y CLAUSTRO DE LA NAU

Sindokma, festival coorganizado por Makma, la Generalitat Valenciana, a través de la Direcció General de Cultura i Patrimoni, y el Centre Cultural La Nau de la Universitat de València, cuenta con una programación que se repartirá entre el Aula Magna y el Claustro de La Nau, y en la que destacan la presencia de Javier Valenzuela, que presentará su último libro, ‘Limones Negros’;  Paz Fernández, directora de la Biblioteca de la Fundación Juan March, que pondrá el acento en el tema digital, con la conferencia que lleva por título ‘El acceso digital a los catálogos de arte de la Fundación Juan March’; Malile Crespo, Angel Cajal y Raquel de Prada, coorganizadores de la Feria del libro MASQUELIBROS; y otra vez Angel Cajal, que también presentará su libro de artista Pre-posiciones; Juanjo Mestre, que presentará su libro ’2020 discos cardinales’,  o Verónica Alarcón, Enrique Ferré y Andrea Familiar, que hablarán de ‘Los lindes del libro de artista’.

 TALLERES DE ‘LA PLAZA SE MUEVE’ Y SALA GONZALO MONTIEL

El festival del libro ofrecerá igualmente talleres infantiles gratuitos para el público en familia, que se llevarán a cabo en la Plaza del Patriarca en el marco del proyecto La Plaza se Mueve del restaurante Mar de Avellanas; ‘Joan Fuster i les máquines d’escriure’, elaborado por la casa Museu Joan Fuster, y ‘Huellas Frescas’ del colectivo L’Horta Gràfica de la mano de Andrea Familiar.

Igualmente, en la Sala Gonzalo Montiel se desarrollarán diversos talleres infantiles continuos enfocados en la elaboración de un libro de artista, titulados ‘Una historia: papel-libro de artista’ y realizados por Pinta Valencia.

Cronograma de actividades del Festival del Libro Sindokma.

Cronograma de actividades del Festival del Libro Sindokma.

 EXPOSICIÓN EN SALA OBERTA

La Sala Oberta del Centre Cultural La Nau acogerá la exposición ‘Tipografía y Dadá Libros’, que representa una formulación de contenidos del libro como espacio de creación y cuyo título lo dice todo. Muestra comisariada por Antonio Alcaraz y Antonio Damián en homenaje al artista y tipógrafo Emilio Sdun.

Sindokma acogerá decenas de actividades paralelas, entre charlas, conferencia y talleres, erigiéndose así en un punto de encuentro entre los diferentes agentes del mundo de la edición especial, como tipógrafos, diseñadores, encuadernadores, grabadores, curadores, autores, editores y, por supuesto, ciudadanos, compradores y consumidores de libros.

Atendiendo a los índices de consumo cultural que se desprende de los últimos informes emitidos por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, como son el ‘Anuario de estadísticas culturales 2016′ y la ‘Encuesta de hábitos y prácticas culturales en España 2014-2015′, se antoja decisivo la consolidación de un cauce de colaboración entre iniciativas ciudadanas e instituciones públicas, en pro de la materialización de un corpus cultural que disemine y acerque sus contenidos al ámbito y radio de acción cotidianos de los individuos y diferentes colectivos que componen el mapa social de cada región de nuestro país.

El festival del libro Sindokma cuenta con el patrocinio del Ayuntamiento de València, Gandía Blasco y Cervezas Alhambra, así como con la colaboración de ECOMUNICAM, El Caballero de la Blanca Luna, Pinta Valencia, Universitat Politécnica de Valencia, Col.legi Major Rector Peset, ESAT, IVAM, Museu Joan Fuster, Tapinearte y Masquelibros.

Sindokma

 

Los retos de la edición en Foro Edita Barcelona

II edición de Foro Edita Barcelona
Barcelona School of Management (Universitat Pompeu Fabra)
Balmes 132-134, Barcelona
Del 5 al 7 de julio de 2017

En su segunda edición, el Foro Edita Barcelona dibujará los retos del mundo del libro, proyectándolos tres lustros hacia el futuro y acogerá, además, encuentros y debates sobre cuestiones candentes de la edición actual. Figuras de prestigio internacional, grandes prescriptores dentro del sector como el holandés Koen Van Gulik, de la editorial Wereldbibliotheek; la francesa Teresa Cremisi, que fue responsable editorial de Gallimard y Flammarion, o la mexicana Consuelo Saizar, ex directora de Fondo de Cultura Económica, propondrán perspectivas a largo plazo, apuntando hacia el año 2030, de las grandes tendencias de la edición en distintas áreas geográficas del mundo.

En el capítulo literario, Edita Barcelona contará con la presencia del premio Cervantes 2017, Eduardo Mendoza, quien pronunciará la conferencia inaugural sobre el tema ‘Una vida con editores’. Otro de los más destacados autores actuales, Javier Cercas, dialogará con el presidente de la Federación de Gremios de Editores de España, Daniel Fernández, sobre el proceso de elaboración del libro, desde la imaginación del autor a las manos del lector.

Un instante de la I edición de Forum Edita Barcelona. Fotografía cortesía de los organizadores.

Un instante de la I edición de Forum Edita Barcelona. Fotografía cortesía de los organizadores.

Este año el Foro plantea un debate sobre el momento actual de las librerías de calidad en Europa con cuatro profesionales de referencia continental: James Daunt, de Daunt Books & Waterstones (Londres); Christian Thorel, de Ombres Blanches (Toulouse); y Maarten Asscher, de Athenaeum (Ámsterdam); moderados por el director de La Central, Antonio Ramírez.

En distintas mesas redondas como ‘Tengo 12 años y he dejado de leer’, ‘Nuevas tendencias de la ficción’y ‘¿Por qué vende un libro que vende?’, los expertos convocados por el Foro Edita Barcelona analizarán los cambios en el terreno de los gustos lectores. Entre ellos figuran los escritores Care Santos, Gemma Lienas y Marcos Chicot, y los editores Juan Cerezo, Elena Ramírez, Pilar Reyes, Núria Tey, Aniol Rafel, Esther Pujol y Iolanda Batallé.

Mientras que en las mesas dedicadas a ‘¿Lo más nuevo? Realidad aumentada, algoritmos y otras tendencias’ y ‘Perspectivas de distribución’ se abordarán las transformaciones conceptuales y tecnológicas que el mundo del libro se está planteando en el momento presente, a través de experiencias de última generación.

Un instante de la I edición de Forum Edita Barcelona. Fotografía cortesía de los organizadores.

Un instante de la I edición de Forum Edita Barcelona. Fotografía cortesía de los organizadores.

El director de cine Fernando González Molina, responsable de las versiones fílmicas de ‘Palmeras en la nieve’ y ‘El guardián invisible’, comentará el auge de las adaptaciones en ‘Del libro a la pantalla’, con otros profesionales de la producción audiovisual. Y, en la mesa de clausura, representantes del Ayuntamiento barcelonés, la Generalitat, la Comisión de Cultura del Congreso y el Ministerio de Cultura, discutirán si, en los temas de las campañas de fomento de la lectura, hay que hablar de ‘Eficacia o humo’.

El Foro Edita Barcelona, que se convoca por segundo año, es un encuentro de debate sobre los grandes retos, oportunidades y problemas del mundo del libro y la edición actual. Ubicado en Barcelona, entronca con la capitalidad editorial internacional en lengua española y también catalana de la ciudad, reafirmada por su integración en la Red de Ciudades de la Literatura UNESCO.

El Foro Edita Barcelona, organizado por el Gremi d’Editors de Catalunya y la Universitat Pompeu Fabra a través de su Máster de Edición, cuenta con el patrocinio del Ayuntamiento de Barcelona y la colaboración de CEDRO, el Departament de Cultura de la Generalitat, el Ministerio de Cultura y la Federación de Gremios de Editores de España.

El Foro está codirigido por Javier Aparicio Maydeu, Patrici Tixis Padrosa y Sergio Vila-Sanjuán. Las sesiones tendrán lugar en la Barcelona School of Management de la Universitat Pompeu Fabra (C.Balmes, 132-134, Barcelona) y estarán conducidas por el periodista y escritor Antonio Iturbe. El acceso es gratuito, y se requiere inscripción previa (www.editabarcelona.com). Hasta el momento se han inscrito ya más de 300 participantes.

Un instante de la I edición de Forum Edita Barcelona. Fotografía cortesía de los organizadores.

Un instante de la I edición de Forum Edita Barcelona. Fotografía cortesía de los organizadores.

El hombre que susurraba a la Garbo

Clarence Brown, de Carmen Guiralt
Ediciones Cátedra

¿A quién le suena el nombre de Clarence Brown? Incluso los más avezados cinéfilos desconocen a este director estadounidense que vivió el tránsito del cine mudo al hablado cuya trayectoria ha recuperado Carmen Guiralt en la única monografía que existe en el mundo sobre él publicada por Cátedra. Fascinada por el aura de misterio que rodea a este artista, Guiralt le dedicó su tesis y, tras muchos años de ardua investigación debido a la escasez de fuentes, culminó su estudio que abarca toda su producción fílmica,desde 1915 a 1953, y que lleva por título ‘Clarence Brown’.

Clarence Brown con Greta Garbo, del libro 'Clarence Brown', de Carmen Guiralt, por cortesía de la autora.

Clarence Brown con Greta Garbo, del libro ‘Clarence Brown’, de Carmen Guiralt, por cortesía de la autora.

Descendiente de una estirpe de caballeros sureños, era hijo de un productor de algodón, Brown fue un apasionado de los coches y de la mecánica, estudió ingeniería, pero después fue atrapado por la gran máquina de los sueños en la que se inició de la mano de Maurice Tourneur. “Uno de sus méritos es que fue el cineasta que más veces dirigió a la mítica Greta Garbo”, dice Guiralt. “En los años del cine mudo los directores solían comportarse en el plató como auténticos tiranos vociferantes y la Garbo, que era muy tímida y sufría ciertos complejos por sus dificultades con el inglés, agradecía la consideración sureña de Brown, que le susurraba discretamente al oído las instrucciones en vez de gritarle”.

Brown fue el artífice de títulos clásicos del cine americano: ‘Flesh and the Devil’ (1926), ‘Anna Karenina’ (1935), ‘National Velvet’ (1944) y ‘The Yearling’ (1946). Además de dirigir a Greta Garbo más veces que ningún otro director, consiguió la interpretación más veraz de Rudolph Valentino en el que está considerado por muchos su mejor film, ‘The Eagle’ (1925). También dio su primera gran oportunidad a Clark Gable en ‘A Free Soul’ (1931) y a James Stewart en ‘Wife vs. Secretary’ (1936). Realizó la película que convirtió en estrella a Elizabeth Taylor, ‘National Velvet’. Asimismo, está acreditado por la adaptación más fiel y sobresaliente de William Faulkner en la pantalla con ‘Intruder in the Dust’ (1949), uno de los primeros largometrajes antirracistas de Hollywood.

Carmen Guiralt. Imagen cortesía de la autora.

Carmen Guiralt. Imagen cortesía de la autora.

“El objetivo de mi libro es doble”, dice Guiralt. “Por un lado, subsanar numerosas ideas preconcebidas y erróneas que existen sobre la obra de Brown, pero también descubrir al ‘otro Brown’, al de sus modestas realizaciones en Universal y al de sus desconocidas cintas de Americana. Su vigencia hoy día es plena, por numerosos aspectos y en más de un sentido. Su asociación con las grandes estrellas de su época constituye un gran atractivo. Como ya he señalado, fue el cineasta que más veces dirigió a Greta Garbo, pero también a Joan Crawford, a la que guió en el mismo número de ocasiones que a Garbo. Ambas actrices representaron siempre papeles de mujeres fuertes e independientes, mujeres de gran valentía y determinación, caracterizadas por su sinceridad, fortaleza y capacidad de enfrentarse a la adversidad. En contraste, los personajes masculinos de sus filmes son a menudo cobardes, débiles, egoístas, mentirosos, insignificantes o simplemente mezquinos. Podemos afirmar que su obra refleja  un fuerte posicionamiento feminista”.

Portada del libro.

Portada del libro.

Otros aspectos interesantes de su filmografía son las técnicas novedosas de sus películas con las que se anticipó a otros pioneros del séptimo arte, pues su cine presenta abundantes dispositivos considerados insólitos para la época. Licenciado por The University of Tennessee, Knoxville, con una doble titulación en ingeniería, Brown fue un apasionado de la maquinaria, la técnica y las innovaciones tecnológicas. Esto no solo garantizó su éxito en la transición del mudo al sonoro, sino que con anterioridad, desde su época silente, sus películas se caracterizan por un gran virtuosismo técnico. Fue proclive a la realización de largos y complicados movimientos de cámara, generalmente travellings, con maquinaria diseñada por él mismo. Son especialmente significativos ‘The Eagle’ (1925) y ‘Anna Karenina’ (1935), filmes de los que Brown explicó cómo ideó la maquinaria específica para lograr determinadas tomas largas en encuadres móviles.

Clarence Brown. Imagen del libro que lleva su nombre, escrito por Carmen Guiralt. Imagen cortesía de la autora.

Clarence Brown. Imagen del libro que lleva su nombre, escrito por Carmen Guiralt. Imagen cortesía de la autora.

Bel Carrasco

La ópera antes del Palau de les Arts

Crònica de l’òpera representada a València (1936-1959): la Guerra Civil i la Postguerra, de Ernest González
Institut Alfons el Magànim

¿Existía la ópera en Valencia antes del Palau de les Arts? Algunos melómanos mal informados creen que no, pero se equivocan. A pesar de la miseria cultural del franquismo el bel canto vivió grandes momentos alentados por un público variopinto que acudía no sólo a los auditorios, sino también a representaciones al aire libre en la plaza de toros o en los Jardines de Viveros.

Un extenso estudio de Ernesto González publicado en valenciano por el Institut Alfons el Magnànim demuestra que durante la primera mitad del siglo XX la relación de los valencianos con la música lírica fue intensa, apasionada y también muy cambiante. “No es exacto que la evolución de la ópera desde el inicio de la guerra civil decayera hasta casi desaparecer como se ha dicho”, afirma González.

La soprano valenciana Ana María Olaria.

La soprano valenciana Ana María Olaria.

Su libro, ‘Crònica de l’òpera representada a València (1936-1959): la Guerra Civil i la Postguerra’ es el fruto de más de seis años de trabajo y de una rigurosa documentación. Sus páginas hacen un repaso a estas décadas, a lo largo de las cuales se produjeron picos de excelencia y puntos muertos en lo que la ópera se refiere siendo ésta un fiel reflejo de los acontecimientos políticos como, por ejemplo, el auge y caída del régimen de Mussolini. ¿Cuáles fueron sus mejores y peores etapas?

“Desde 1939 hasta la caída del régimen de Mussolini vinieron a Valencia excelentes cantantes de ese país”, explica González. “Si se suman las representaciones de la compañías del Liceo barcelonés, en una sola de aquellas temporada se escuchaba en Valencia tanta ópera como en el periodo republicano anterior a la guerra civil. Los momentos más brillantes fueron la temporada 1946-47 y las comprendidas entre 1952 y 1955. A finales de los cincuenta se vivieron los años más oscuros, incluso peores que en la guerra civil. En todo caso, la evolución de la ópera, tanto en calidad como cantidad no es lineal sino accidentada, con subidas y bajadas. Incluso en las temporadas más negras se podía disfrutar alguna actuación interesante”.

El tenor Carlo Bergonzi de Radamès.

El tenor Carlo Bergonzi de Radamès.

En la etapa que cubre el libro las representaciones de ópera no se concentraba en un sólo auditorio, sino que se difundían por toda la ciudad. “Desde el modesto teatro del Patronato (ahora Sala Escalante)  hasta el Principal o el Apolo. Lírico, Ruzafa y Alkázar también ofrecían sesiones de ópera y en primavera y verano se celebraban al aire libre en Viveros y la plaza de toros.

Aunque el público de la ópera se asocia a la aristocracia y burguesía, esta visión “sólo es una parte de la realidad”, matiza González. “La ópera ha gustado a toda clase de público en todas las épocas. En la Valencia de la posguerra la burguesía la usó para alardear de su poderío, pero también incluía diferentes tipos de público”.

Del estudio exhaustivo realizado por González se desprende el amor de los valencianos por la ópera italiana, especialmente, por Puccini. También la reiteración obsesiva de títulos. “Marina de Arrieta se representó 126 veces y Madame Butterfly nada menos que 42 en 20 años. “Los amantes del bel canto valencianos  han sido siempre italianófilos y me atrevería a decir que lo siguen siendo, sobre todo admiradores de Puccini”

González considera que “la inauguración del Palau de les Arts, en 2005,  supuso un impulso a la ópera equivalente a la creación del Teatro Principal, en 1832, pero con un acceso más democrático. Gracias a la continuidad de la programación se ha consolidado un público estable y entendido. Su mayor virtud es combinar títulos del repertorio habitual con otros de estilos y procedencias más desconocidas, algo que en la época que trata mi libro no solía hacer, pues los empresarios no se arriesgaban”, concluye Ernest González.

Ernest González. Imagen cortesía del autor.

Ernest González. Imagen cortesía del autor.

Bel Carrasco

Ilustrando personajes valencianos

Ilustres Valencians Il.lustrats, de Migue Martí y Judith Coronado
Estudio 64
C/ Benicolet 2. Valencia
Del 12 de enero al 9 de febrero de 2016

Ilustres Valencians Il.lustrats, del diseñador Migue Martí y la historiadora Judith Coronado, comprende una cuidada selección de personajes valencianos nacidos entre los siglos XIX y XX, destacados por su aportación al arte y a la cultura. Personajes caídos en el olvido o, en muchos casos, desafortunadamente desconocidos, rescatados por dos jóvenes valencianos interesados en la historia, la cultura y el arte que define nuestra identidad.

Migue Martí  diseñador gráfico y natural de Ontinyent, crea un proyecto que aglutina diseño y cultura, “La ilustración es una herramienta perfecta para sintetizar formas y recordar nuestros referentes”. La historiadora Judith Coronado, también del mismo pueblo que el diseñador, desarrolla las biografías que acompañan a las ilustraciones, con las que trata de dar a conocer las características principales de nuestros ilustres valencianos. Busca ser “un texto sencillo que incite a la investigación para dar respuesta a muchas curiosidades”, ese es el objetivo de los dos ontinyentins. Rescatar del olvido el arte y la cultura de los últimos dos siglos y utilizar a nuestros referentes valencianos para reivindicar el arte y la cultura de nuevo, a través del diseño y la investigación. Una aportación imprescindible a la formación de nuestra identidad.

Diseño de Joan Fuster. Imagen cortesía Estudio 64.

Diseño de Joan Fuster. Imagen cortesía Estudio 64.

Según afirman los autores, la selección de personajes fue un arduo trabajo ya que, “todos ellos nos parecían muy interesantes y nos parecía decisiva su aportación”. Aseguran haber aprendido mucho haciendo el trabajo y lo que es más importante, haber disfrutado en su desarrollo, durante los casi dos años que ha durado el proceso de ilustración e investigación. Según Martí, “ha sido toda una aventura buscar imágenes de todos los personajes para convertirlos en diseño, hacer de esos retratos antiguos ilustraciones ha sido un trabajo enriquecedor y divertido”. El ilustrador utiliza pequeños guiños a los personajes como es el caso de las teclas de piano que hacen a su vez de pestañas de Amparo Iturbi o de la nota musical que adorna el pelo de Lucrezia Bori. “Muchos personajes no tenían prácticamente rasgos característicos y tuve que jugar de manera hábil con ciertos recursos a modo de pista. En el caso de los hombres he trabajado mucho con rasgos evidentes como bigotes, barbas o sombreros. Pero reconozco que ilustrar a muchos de los personajes ha sido un reto”.

En el libro encontramos desde personajes tan conocidos como el escritor y político Blasco Ibáñez o el pintor y artista gráfico Josep Renau, hasta cineastas como Luis García Berlanga y cantantes como Bruno Lomas o Nino Bravo, pasando por escritores y gramáticos que tanto han hecho por la lengua y la cultura como Enric Valor o Joan Fuster.

En cuanto a las mujeres, como indica Judith Coronado, solo forman el 25 % del libro ya que fue un trabajo costoso encontrar más y añade “desafortunadamente las mujeres no tenían un espacio en igualdad al de los hombres para poder desarrollar con libertad sus profesiones. A las trabas políticas y sociales se les sumaba el mero hecho de ser mujer”. Aun así destacan en el libro personalidades de todos los ámbitos como la escritora Amalia Fenollosa, la ginecóloga Concepción Aleixandre, la soprano Lucrecia Bori, la militante feminista Pura Arcos, la pintora Juana Francés de la Campa o la bailarina Olga Poliakoff.

Diseño de Joaquín Sorolla. Imagen cortesía Estudio 64.

Diseño de Joaquín Sorolla. Imagen cortesía Estudio 64.

El libro consta de 95 ilustraciones, susceptibles de estar colgadas en cualquier rincón de la casa y esconde 95 biografías que nos sirven para adentrarnos en el contexto económico, político y social de finales del siglo XIX y el siglo XX. Como si de la Nouvelle Historie se tratase, el lector puede conocer su pasado a través de la historia de las mentalidades que fijará en su recuerdo de forma gráfica gracias a la peculiaridad de las ilustraciones de Migue Martí.

Con este libro el diseñador e ilustrador  Migue Martí y la historiadora Judith Coronado, obtienen su objetivo que es conocer quien somos y de dónde venimos, para poder entender y valorar nuestra identidad como valencianos.

El próximo jueves 12 de enero, algunas de las ilustraciones de Migue Martí colgaran de las paredes de Estudio 64, librería-galería especializada en ilustración, en la Plaza de Benimaclet de Valencia. Una exposición dedicada al trabajo de selección e investigación de los personajes así como a los procesos de bocetaje y diseño de las ilustraciones. La exposición permanecerá en Estudio 64 hasta el jueves 9 de febrero.

Centenario ‘Olympico’

Centenario del Teatro Olympia
Sala Oberta de La Nau de la Universitat de València
C / Universitat, 2. Valencia.
Del 11 de noviembre de 2016 al 8 de enero de 2017

Muy pocos teatros españoles de gestión privada pueden ufanarse de haber mantenido viva la llama de Talía a lo largo de un siglo. El Olympia de Valencia así lo ha hecho abriendo sus puertas y levantando en telón con una continuidad y puntualidad admirables, casi heroicas, a lo largo de cien años. Cumplir ese primer Centenario es un buen motivo de celebración que la familia Fayos ha orquestado por todo lo alto  mediante una serie de eventos que se han desarrollado estos últimos meses. Este mes tiene lugar el colofón con la publicación de un libro de relatos y una exposición antológica en La Nau. El 14 de noviembre una gala en la sala de la calle San Vicente pondrá broche de oro al calendario de evocaciones.

El pasado 8 de noviembre se presentó Entre Bambalinas. Cien años del Teatro Olympia, en el que participan 27 autores con historias inspiradas en la mítica sala, de los que 17 son miembros del colectivo literario Generación Bibliocafé (GB)  y los diez restantes elegidos entre los 91 que se presentaron a un concurso de cuentos.

La portada es una fotografía de Carlos Herrando, hermano de Mariscal, que representa la majestuosa platea y escenario del Olympia bajo un techo de nubes con la misteriosa presencia unos cuantos invitados ilustres. Gallos, gallinas, ocas, un pollito y una oveja que resaltan como surrealista referencia al gallinero o la corrala. La edición ha sido coordinada por Mauro Guillén experto en estas lides tras la publicación de trece títulos de GB.

Cubierta del libro 'Entre bambalinas' por el centenario del Teatro Olympia. Imagen cortesía del Olympia.

Cubierta del libro ‘Entre bambalinas’ por el centenario del Teatro Olympia. Imagen cortesía del Olympia.

Dedicado a  “todos los que viven por y para el teatro”, especialmente, a “los espectadores que han hecho del Teatro Olympia una realidad”, el libro se divide en un primer y segundo acto, con un entreacto que reproduce recortes de la prensa valenciana que dan cuenta de la inauguración del Olympia, el miércoles 10 de noviembre de 1915 con la ópera El Barbero de Sevilla interpretada por la soprano Graziella Pareto y el barítono Ricardo Stracciari.

A ese día histórico se remonta el relato que abre la colección, Largo al Factótum, de Elena Casero, un encuentro imaginario de  Félix Azzati de origen italiano y el gran Stracciari evocado en primera persona por el periodista de El Pueblo. Isabel Barceló viaja mucho más atrás en el tiempo en El cielo no hay palomas para ponerse en la piel de una de las residentes del Convento de San Gregorio, que en un excelente soliloquio que rememora su vida y su condena a penar como fantasma del teatro emparedada entre las viejas paredes.

José Luis  Rodríguez-Núñez y Vicente Marco  rinden homenaje al género dramático con sendas piezas breves empapadas de humor negro y capacidad satírica. En Seis escritores en busca de editor, Rodríguez-Núñez pone en solfa el mundo editorial y la proliferación de escritores y, en Los hijos de puta, Marco presenta un surrealista encuentro entre una agencia de asesinatos a la carta y un potencial cliente. En Amores de teatro Marta Querol hace  una referencia a Arturo Fernández, actor que también es aludido en La señora del anillo de Bel Carrasco. Por su parte Franz Kelle traza un plano de Valencia, desde la ruta del bakalao al antiguo cauce para recalar en el corazón y alma de la ciudad, el Teatro Olympia. Otros autores de la GB son: María Tordera, Susi Bonilla, Alfredo Cot, Benjamín Blanch, José Luis Sandín, Felicidad Batista, Alicia Muñoz, Luisa Berbel y Susana Gisbert.

Teatro Olympia. 100 años.

Fotografía de la exposición por el centenario del Teatro Olympia en La Nau. Imagen cortesía del Olympia.

Cien imágenes

Por otra parte, el viernes 11 de noviembre se inauguró en La Nau la exposición Teatre Olympia: Cent anys en escena, abierta al público hasta el 8 de enero de 2017.

Organizada por la Universitat de Valencia y el Teatro Olympia, la muestra repasa la historia de la  sala a través de un centenar de piezas entre fotografías, carteles, folletos y otros materiales provenientes de colecciones privadas y públicas. Una muestra de la evolución de este teatro, integrante de la identidad cultural de la ciudad desde su condición de testigo y parte activa de la industria del espectáculo y los gustos del público en la Valencia moderna y contemporánea.

La exposición ofrece la oportunidad de contemplar obras inéditas de gran interés plástico, como es el caso de un cartel modernista del artista J.Bellver, propiedad del coleccionista Díaz Prósper, o programas de teatro y de cine cedidos por los coleccionistas Rafael Solaz, Juan Monsell o José Huguet. En la muestra también figuran fotografías de pioneros del fotoperiodismo como Barberà Masip, Lázaro Bayarri o Luis Vidal, así como de  maestros del reporterismo cultural de la posguerra: Antonio Calvo y, más recientemente, José Marín, Daniel García Sala, García Poveda El Flaco, José Aleixandre, Manolo Molines o M. Angeles Valenciano. Por su parte, la asociación Valentiga ha colaborado en las labores de documentación.

La exposición se despliega de manera cronológica en torno a los grandes momentos vividos por el Olympia, arrancando con la rápida consagración de la sala como teatro de moda y foco de modernidad en la ciudad, para continuar con su etapa cinematográfica.  Cierra la muestra una selección de momentos capturados frente a su escenario en los últimos treinta años a modo de resumen del medio millar de compañías de prestigio que han recalado en él tras su transformación, de nuevo, en teatro. Un teatro que, con la incorporación a su dirección de Enrique y Mariángeles Fayos, se ha alzado entre los primeros del Estado en cuanto a número de espectadores.

Centenario del Teatro Olympia.

Fotografía de la exposición por el centenario del Teatro Olympia. Imagen cortesía del Olympia.

Bel Carrasco

La ciudad a ojo de aguja

Valencia al detalle, de Tono Giménez y Tomás Gorria
Guía inusual de Valencia, que se presentará en octubre de 2016

Tono Giménez, que durante años ha ido fundamentando su colección fotográfica con múltiples detalles de la ciudad de Valencia, y Tomás Gorria, diseñador editorial y articulista, parecen haber seguido los pasos de Italo Calvino en Las ciudades invisibles. Como él, estos dos inquietos valencianos han trazado un mapa de su ciudad dibujado con aspectos minimalistas, sumamente delicados y que exige una percepción distinta a la habitual.

Tono Giménez (izda) y Tomás Gorria, autores de Valencia al detalle. Imagen cortesía de los autores.

Tono Giménez (izda) y Tomás Gorria, autores de ‘Valencia al detalle’. Imagen cortesía de los autores.

La Valencia al detalle que ambos viajeros interiores nos proponen está escrita “en los ángulos de las calles, en las rejas de las ventanas, en los pasamanos de las escaleras, en las antenas de los pararrayos, en las astas de las banderas, surcado a su vez cada segmento por raspaduras, muescas, incisiones, cañonazos”. Son palabras de Calvino, pero a buen seguro que las suscriben quienes a su vez ponen el acento en aldabas, bocallaves, canalones, escudos, puertas, rótulos, rejas, gárgolas, campanas y marquesinas.

“¿Podemos hablar de una Valencia inédita?”, se pregunta Gorria. Y su respuesta va en la dirección de esos detalles que, efectivamente, configuran una ciudad distinta, en la que “lo verdaderamente importante es casi invisible a los ojos, y en momentos como este, donde la vida transcurre tan deprisa”, explica el diseñador. La ciudad de Giménez y Gorria tiene mucho que ver con la sensación extraída de esas otras ciudades invisibles a las que alude Calvino: “Comprendí que debía liberarme de las imágenes que hasta entonces me habían anunciado las cosas que buscaba”.

Gárgola Catedral de Valencia.

Gárgola Catedral de Valencia.

Valencia al detalle pretende ser un libro para descubrir esas cosas que a simple vista pasan desapercibidas. Para ello se hace necesario rozar los cuellos de las camisas por delante o por detrás, de tanto alzar la mirada del suelo o penetrar en él en busca de altas gárgolas y canalones, y superficiales alcantarillas. Una mirada huidiza, ajena a la espectacularidad de Les Arts y al bullicio de Internet, y más próxima a la contemplación minuciosa.

Por ejemplo, de aldabas que invitan a golpear la puerta con la perplejidad de quien de pronto se da cuenta de su forma de anillo, de sus distintas cabezas (de perro, de diablo, del políticamente incorrecto moro). Aldabas, que no timbres, abriéndose paso entre una multitud de singulares puertas y casonas. Edificios majestuosos, como La Lonja, de cuyas paredes sobresalen figuras con gestos desvergonzados, y gárgolas que a veces sobrecogen. Detalles y más detalles que Gorria y Giménez, tanto monta, descubren en aras de quebrar esa imagen rutinaria de la Valencia turística.

Bocallave de las Torres de Serranos. Imagen cortesía de los autores.

Bocallave de las Torres de Serranos. Imagen cortesía de los autores.

La ciudad invisible que muestran ha necesitado el apoyo de 144 mecenas para que el proyecto vea definitivamente la luz en octubre, cuando será presentado el libro. La Administración bastante tiene con festivales de marca para fijarse en ciudad tan minúscula por fuera como grande por dentro. El crowdfunding o financiación colectiva vuelve a tener la “culpa” de que un proyecto modesto alcance la categoría de imperiosa necesidad. Porque Valencia, como dicen sus promotores, se merecía otra mirada.

Canalón de la Calle Pelayo. Imagen cortesía de los autores.

Canalón de la Calle Pelayo. Imagen cortesía de los autores.

Más allá del horroroso cableado que afea la ciudad y de la desidia que atesoran muchas calles, Valencia guarda pequeños tesoros que Tono Giménez y Tomás Gorria descubren. “Los rótulos que dan nombre a sus calles, las pequeñas esculturas de sus edificios góticos, las veletas que coronan sus cúpulas, pero también elementos menos conocidos como las tapas de las alcantarillas que han soportado millones de pisadas o los curiosos rostros de los canalones”. Todo eso y más conforma Valencia al detalle, que contará con una serie de rutas en las que diversos especialistas mostrarán a pie de calle algunas de esas joyas. “Es el posible despertar de un latente amor por lo justo, no sometido todavía a reglas, capaz de recomponer una ciudad más justa aún de lo que había sido antes de convertirse en recipiente de la injusticia”, por concluir de nuevo con Calvino.

Valencia al detalle.

Rótulo antiguo Café El Siglo, en la calle Paz, 1 de Valencia. Imagen cortesía de los autores.

Salva Torres

Carles Mondrià ilustra a Gerard Vergés

Art i literatura. Glossari infidel d’imatges
Carles Mondrià ilustra Gerard Vergés
Octubre Centre Cultura Contemporània
C/ San Fernando, 12. Valencia
Hasta el 24 de julio

La de la imagen y la palabra es una de las relaciones más estudiadas tanto por artistas plásticos como por creadores literarios. La gran mayoría de las obras consecuentes reflexionan de distinta manera y muchas son las propuestas que vinculan lo textual con lo visual. Viendo de lejos estas posibilidades y como una nueva forma de fomentar la lengua catalana, el Centro de Documentación de Arte Valenciano Contemporáneo (CDAVC) Román de la Calle y Arola Editors se han unido para presentar el proyecto ‘Art i literatura. Glossari infidel d’imatges’ en el Octubre Centre de Cultura Contemporània.

Fruto del proyecto y de la colaboración entre ambas entidades, surge la exposición de Carles Mondrià donde ilustra los poemas de Gerard Vergés sobre el ‘Jardín de las Delicias’. La compleja narratividad que Hyeronymus van Aeken Bosch, más conocido como El Bosco, elaboró para el tríptico del ‘Jardín de las Delicias’ hace que, todavía hoy, continúe siendo considerada una de las obras más complejas de la Historia del Arte. El paraíso, el infierno, Adán y Eva y un nexo común en las tres partes: el pecado. La temática no es, ni mucho menos, algo original en la época. Pero a través de la ejecución, composición, estética y, sobre todo, gracias la maestría en la narratividad, el observador de la obra del Bosco se sumerge en una nueva historia, casi como si no tuviera nada que ver con la temática bíblica.

'Lacrima vitrum' una de las obras creadas por Carles Mondrià. Fotografía: María Ramis.

‘Lacrima vitrum’ una de las obras creadas por Carles Mondrià. Fotografía: María Ramis.

Una obra de arte tan atemporal no suele pasarle desapercibida a casi ningún creador, es por ello quizá que Gerard Vergés se interesó por la misma y compuso poesía. Unos versos que entremezclan la sensualidad, reflexión, escritura y el placer de los sentidos. Partiendo de esta base también Carles Mondrià enfoca su trabajo del mismo modo componiendo visualmente, tomando elementos y simplificándolos. “No se trata de ilustración tal cuál, sino sugerencias”, explica el artista. Sorprende el material y el resultado obtenido si atendemos a la trayectoria del artista. Confiesa que nunca se había enfrentado a un trabajo como este, donde tuviera que aportar su visión particular de otra interpretación realizada sobre otra obra plástica diferente.

Ricad Silvestre, comisario de la muestra nos indica que “no es casual hablar de palabra e imagen”, pues CDAVC tiene entre sus objetivos la reflexión sobre la imagen y la colaboración expositiva y literaria. El resultado de todo este proyecto de comisariado, editorial y artístico es la re-edición del libro de Arola Editors con la inclusión de las imágenes de las obras recién expuestas. Apostar por el arte contemporánea ha supuesto el resalte de todo el conjunto del libro, donde podemos leer las poesías de Vergés, contemplar la originalidad de El Bosco, y por supuesto, realizar una comparativa con las obras de Mondrià. Mucha Historia dista de unas a otras interpretaciones pero siempre atendiendo y dejándose llevar por un sentido comunicativo y primigenio, ese derivado de su existencia continúa, de la palabra y de la imagen.

Algunos poemas de Vergés también estaban expuestos. Fotografía: María Ramis.

Algunos poemas de Vergés también estaban expuestos. Fotografía: María Ramis.

María Ramis