Lliure Briz en Mustang Art Gallery

Lliure Briz, “Inflorescentia- Out of the Bloom”
Sala MAG
Mustang Art Gallery
C/ Severo Ochoa, número 36, Elche Parque Empresarial
Hasta el 25 de septiembre de 2014

Esta es la instalación artística número 25 que acoge Mustang Art Gallery desde que se puso en marcha en julio de 2010. La Sala MAG se configura así como una sala de exposiciones para la promoción y difusión del nuevo arte contemporáneo. Sin duda se trata de una iniciativa innovadora dentro de un entorno empresarial.

Lliure Briz durante el montaje en la Sala MAG. Cortesía Mustang Art Gallery.

Lliure Briz durante el montaje en la Sala MAG. Cortesía Mustang Art Gallery.

“Inflorescentia-Out of the Bloom”, de Lliure Briz, dado como resultado una intervención mural que cubrirá como un tapiz el gran muro central de Mustang Art Gallery. Briz ha utilizado la pigmentación de las flores como paleta cromática fusionando pintura y animación. De este modo la abstracción del color y la evolución de las formas dotan de profundidad y libertad estética a esta experiencia visual.

Esta es la singular propuesta de esta artista, de la galería “Say Hi”, ganadora del “Just Mag Premio Joven 2013”, que otorga anualmente la Sala MAG en el marco de la Feria Internacional de Arte Emergente, JUSTMAD.

Formada en la Royal Academy of Arts de Amberes fue seleccionada para representar al talento emergente de Bélgica en La Haya. Su trabajo también ha sido valorado por el Museum Quartier de Viena y el MOMA de Nueva York.

Lliure Briz durante el montaje en la Sala MAG. Cortesía Mustang Art Gallery.

Lliure Briz durante el montaje en la Sala MAG. Cortesía Mustang Art Gallery.

Y en el marco de esta exposición se dará a conocer el proyecto “Confluencias” que acogerá Mustang Art Gallery en octubre, en colaboración con AVVAC (Associació d’Artistes Visuals de València, Alacant i Castelló) y la UHM. Se trata de un networking que pretende ser un punto de encuentro entre artistas jóvenes y artistas profesionales, críticos, gestores culturales y galeristas de primer orden. Se planteará como una serie de conversaciones privadas entre ambas partes que incluirá un espacio propio de exposición para cada joven artista. Podrán participar tanto estudiantes de grado de la facultad de Bellas Artes de Altea como socios de AVVAC. Estos últimos podrán presentarse tras el lanzamiento de la convocatoria en septiembre, que se comunicará a través de la propia asociación.

Lliure Briz gana el Just MAG Premio Joven

LLIURE BRIZ GANA EL “JUST MAG PREMIO JOVEN” EN EL MARCO DE LA FERIA DE ARTE CONTEMPORÁNEO “JUST MAD4”

El premio consiste en la adquisición de dos de las obras presentadas en la feria y la posibilidad de exponer en la Sala MAG a lo largo del 2014. Con esta iniciativa se pretende promover y apoyar a los jóvenes creadores

La artista Lliure Briz, de la galería “Say Hi”, ha sido la ganadora de la segunda convocatoria del “Just Mag Premio Joven”, galardón otorgado en el marco de la Feria Internacional de Arte Emergente, JUST MAD4, que ha acogido Madrid del 14 al 17 de febrero.

Gracias a esta iniciativa Mustang Art Gallery ha adquirido dos de sus obras de pintura digital, que pasarán a formar parte de la colección MAG. Las dos obras pertenecen a un proyecto titulado “Somewhere” donde la artista trabaja con imágenes de la tierra captadas por satélite que se traducen a imágenes digitales manipuladas y tratadas con un enfoque pictórico.

Además, el “Just Mag Premio Joven” ofrece también la oportunidad a Lliure Briz de exponer en la Sala MAG a lo largo del 2014. Se busca así apoyar, promocionar y difundir el arte contemporáneo más joven y emergente.

El jurado ha estado compuesto por Roberto Vidal, comisario de la sección off Gallery de JUST MAD4, y Juan Fuster, director de Mustang Art Gallery. Se han seleccionado y mencionado también otros tres artistas por su interesante trabajo: Andrés Pachón de la galería “Ángeles Baños”, Amelie Bouvier de la galería “Javier Silva” y Bell Fullana de “Louis 21”.

ESPACIO MAG-UMH 2013

En esta cuarta edición de JUST MAD la Universidad Miguel Hernández y Mustang Art Gallery han participado conjuntamente con el objetivo de apoyar y promocionar el arte emergente y a los jóvenes creadores.

De este modo, el stand MAG-UMH, ubicado dentro de la sección JUST CAMPUS, ha mostrado el sugerente proyecto “Plantas Eléctricas”, de la artista multidisciplinar Miriam Martínez Guirao. Se trata de la obra ganadora de la primera edición de la Beca Puenting, puesta en marcha conjuntamente entre Mustang Art Gallery y la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Miguel Hernández, con la intención de generar un puente de conexión entre la formación que se imparte en la universidad y la profesionalización en el ámbito de la producción artística.

Además, y por otra parte, en la tarde del viernes se presentó el libro “ON/OFF. CAUSA-EFECTO”, que recoge los últimos trabajos de la reconocida artista multidisciplinar en la escena contemporánea española Ana Soler. Entre ellos y destacado en portada se encuentra Causa-Efecto, uno de los proyectos que pasó por Mustang Art Gallery en 2011 y que ha dado la vuelta al mundo a través de redes sociales. Este atrevido montaje llenó el edificio MTNG Experience con 2.000 pelotas de tenis suspendidas y dibujando todo tipo de parábolas y rebotes. Causando gran repercusión e impacto social y mediático.

En la presentación Ana soler estuvo acompañada por el director de la sala MAG, Juan Fuster y por los artistas contemporáneos Marina Nuñez, Ángela Nordenstedt y Javier Tudela.

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Mustang Art Gallery en JustMad4

Mustang Art Gallery presenta en JustMad4 varios de sus proyectos de apoyo a la joven creación contemporánea.

La Beca Puenting es un proyecto de Mustang Art Gallery junto a la Facultad de Bellas Artes de Altea – Universidad Miguel Hernández de Elche, con el apoyo del Vicerrectorado de Cultura y del Departamento de Arte. Orientada a la profesionalización artística, la Beca Puenting es una iniciativa que busca generar un puente de conexión entre la formación que se imparte en la universidad y la profesionalización en el ámbito de la producción artística

580877_540295826003154_735021603_n El proyecto ganador de la primera edición de la Beca Puenting “Plantas Eléctricas” de Miriam Martínez Guirao, es el protagonista del stand de MAG dentro de la sección JUST CAMPUS.

En sintonía con la filosofía de la Feria JUSTMAD, y uniendo sinergias con el espacio MAG que apoya y promueve el arte emergente, se ha creado el premio JUSTMAG PREMIO JOVEN. El premio consiste en una dotación de 4.000€ para compra de obra de un artista joven participante en la Feria y una exposición en el 2014 en la Sala MAG.

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Con el título de ON/OFF presentan una publicación que recoge los últimos trabajos de la artista ANA SOLER, entre ellos y en portada, CAUSA- EFECTO, uno de los proyectos que pasó por Mustang Art Gallery en 2011 y que ha dado la vuelta al mundo a través de las redes sociales.

Kir Royal Gallery en JustMad4

La propuesta de Kir Royal Gallery para JUSTMAD 2013 es un conjunto de artistas jóvenes con una obra coherente y crítica que revisa el contexto del que son parte, desde las propias problemáticas del arte y los modelos de legitimación con el proyecto fotográfico de Mariela Apollonio, pasando por Keke Vilabelda que reinterpreta el paisaje desde las visiones de una cámara de vigilancia de tráfico a Cristina Otero que autorretrata a modo de “Diario de adolescente” su mundo y los cambios que sufre una adolescente hoy en una era hipermediatizada.

Mariela Apollonio (Argentina, 1979)

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Es una artista residente enValencia. Su proyecto artístico para JUSTMAD 2013 es “El círculo del arte”. El proyecto, iniciado en 2008, es una reflexión sobre el mundo del arte, sobre los diferentes ámbitos que lo componen y sobre la relación que se establece entre ellos. Lo que ahora se muestra es una primera serie de fotografías representando a directores de museo, que tienen en común estar retratados de manera individual, sobre un pedestal blanco y ubicados dentro de un contexto arquitectónico preciso. En series posteriores de este proyecto se mostrará a otros estamentos que conforman lo que ha venido a denominarse el sistema del arte.

En estas fotografías vemos la personalización de una política artística o de una tendencia expositiva en la presencia cosificada de los protagonistas. Con su acción fotográfica la artista convierte a los expertos, aquellos que deciden qué mostrar y el modo como el público debe mirarlo dentro de las respectivas instituciones que dirigen o dirigieron, en objeto de mirada. Así pues, existe una inversión de roles en el hecho de que, quien determina qué es o no es obra de arte, deviene en sí mismo obra artística, a su vez representante última y significante máximo del entramado que conforma ”El círculo del arte”.

El pedestal, como objeto pleno de simbología dentro del contexto de la historia del arte, actúa en este caso como la fisura que se interpone entre la persona y la arquitectura, escogida y tratada con detalle y minuciosidad. Existen tres elementos que intervienen y se entrelazan entre sí: arquitectura, pedestal y personaje. El personaje ocupa el espacio para mostrarse según las condiciones establecidas por la artista; el pedestal es el elemento que construye pensamiento y resignifica toda la escena, trastocando un significado (el de ser directores) para generar otro (convertirse en objeto de mirada).  Por su lado, la arquitectura es el marco donde la escena ocurre y es el escenario que dignifica al retratado, igualándose en importancia al personaje; representa también el contexto que envuelve las obras de arte y que otorga jerarquía y estatus, tanto de manera real como simbólica, a la escena. Los espacios elegidos, no necesariamente distintivos o identificables, simbolizan la institución, y devienen consistentes y creíbles a través de la arquitectura. La institución museo emplea la arquitectura para mostrar su significado, su rol, dentro de la ciudad y la sociedad donde acontece, así como su evolución en el tiempo.

Esta serie se inscribe en lo que ha venido a denominarse “fotografía escenificada”, donde todo lo mostrado recrea una situación e interviene en su contexto inmediato, alterándolo siquiera sutilmente. A su vez, existe una suerte de contradicción entre la aparente naturalidad de lo representado (aquello que es) y su cuidada planificación, aquello que parece o pretende ser, avivando el debate a propósito de la fotografía manipulada versus la fotografía documental.

El título de cada fotografía ofrece información suficiente como para que el espectador se sitúe, presentándose como una leyenda en su margen inferior que incluye el nombre del director, cargo, nombre de la institución y fecha de principio y final de su gestión. En los casos en que la persona mostrada aún se encuentre ejerciendo su cargo, sólo figura la fecha de inicio de su proyecto, reservándose para copias futuras la de conclusión, siempre que estas se produzcan posteriormente a esa fecha. La leyenda responde a la cualidad tipológica de la serie, la cual en tanto que serie, nos permite tomar distancia de un tema particular y concreto para acercarnos a otro de carácter más universal. Sospechamos que aquí no se habla de directores de museo de un país, ni se retrata un perfil determinado de gestión o institución, sino que más bien se representa una reflexión que los engloba e implica a todos.

El título del proyecto, “El círculo del arte”, está tomado del libro de Georges Dickie, donde se plantea una revisión de la acuñada “teoría institucional” ya desarrollada por él en ensayos anteriores. Para él, el círculo, como figura que engloba todo y relaciona sus partes entre sí, es el símbolo de la relación de interdependencia que se establece entre los diferentes agentes del ámbito artístico. En este sentido, este proyecto posee varios niveles de interpretación, a modo de capas, y es pertinente, porque tiene una vinculación directa con las problemáticas del arte actual, reflexionando sobre el contexto donde se ubica. Asimismo, se posiciona en la historia del arte porque, si bien está armado desde la fotografía, es relevante dentro del ámbito artístico por varias razones, pero especialmente por dirigir la mirada, en un sentido amplio, hacia la institución: el espacio vital de las obras de arte.

 

Keke Vilabelda (Valencia, 1986)

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Con un trabajo depurado y contemporáneo ha conseguido trasladar el lenguaje del paisaje al “metapaisaje” de la comunicación. Una obra con gran intensidad que deviene de la mirada fotográfica absorbida por la potencia geométrica encarnada en la descripción de sus formas ambientales. Un ascetismo vigilante que provoca en el espectador el sentido de documento y de información graduada un documento que participa en la crónica de una sociedad contemporánea vigilada por ojos vigías, cámaras y satélites. Keke, en su corta edad, ha logrado prestigiosos premios nacionales como el BMW de pintura y reconocimientos internacionales como la incorporación en NEW SENSATIONs en la prestigiosa Saatchi Gallery de Londres. Para la feria JUSTMAD presenta dos proyectos: “The Long Voyage” y “Acid-Houses”.

“The Long Voyage” es un proyecto donde el artista, trabajando a partir de imágenes apropiadas de cámaras de tráfico, nos propone un viaje imaginario a través distintos paisajes donde la ilusión y la realidad quedan superpuestas. Estos espacios capturados en movimiento dan paso a una imagen plana e intensa  donde se caracteriza e identifica la simplificación de detalles, la incorporación de mínimos elementos geométricos a modo de compases entre la superficie y el interior de la obra.

Los recorridos sugeridos existen en algún punto entre lo mental y lo físico, una realidad difusa, subrayando la experiencia de habitar el espacio evocado, generando, sin embargo, nuevas percepciones entre espacio y tiempo.

Por su parte, “Acid-Houses” muestra la fría y racional arquitectura de los bloques de viviendas, que se convierten en pretexto para establecer un juego visual y formal sobre la superficie de sus fachadas. Dos lenguajes complementarios se contraponen: por un lado la dureza del cemento, el estatismo de la objetividad fotográfica. Por otro lado los colores ácidos, el dinamismo del gesto y la flexibilidad de la pintura plástica.

Podemos hablar, en este caso, de hibridación, repetición y síntesis. Entornos de simulación construidos por capas que nos remiten a imágenes infográficas que nos hablan de sociedad, política, construcción, cemento, acción y reacción en una obra en continuo movimiento.

 

Cristina Otero (Cadiz, 1995)

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Con tan solo 15 años esta fotógrafa autodidacta ya ha revolucionado las redes y parte de su mundo. A los 13 años descubrió la fotografía y en sólo dos aporta una frescura y novedad indiscutible en cada uno de los autorretratos que nos muestra.  Expresividad, iluminación, metamorfosis… Una gran madurez puebla sus imágenes, aunque en ellas veamos las dudas y cambios que experimenta cada día una niña que se convierte en mujer. Fotos bellas, oscuras, alegres o muy tristes pero, sin duda, con una gran fuerza visual. Para JUSTMAD presenta El otro el mismo: otra para sí misma”.

“El otro el mismo: otra para sí misma” es una exploración de la adolescencia. El Otro, del lenguaje para hablar de lo que se implica y no se dice, lo implícito.  Los retratos como reafirmación de sí mismo y en ello la presencia del otro, de la complicidad y la colaboración del espectador para alcanzar cierto grado de semejanza y universalidad con el otro.

Mientras la identidad puede ser vista a través de diferentes supuestos del yo, no se puede pasar por alto la representación del otro para comprender la identidad del retratado, el disfraz que descubre en vez de tapar. Todo y nada. Claramente se trata de una construcción. Una pose materializada para un Otro. Una visión de la adolescencia desde el propio sentimiento, desde su interior. Como una representación de papeles derivados de la imaginación y la fantasía.

 

Galería pazYcomedias en JustMad4

Galería pazYcomedias presenta para su stand de JUST MAD4 una propuesta donde se puede ver la obra más reciente de los artistas Nuno Nunes-Ferreira, Nina Markl y Zoé T. Vizcaíno. Tres jóvenes artistas que mediante distintas disciplinas traducen, conceptualizan y ensamblan los mecanismos de alteración y combinación visual resultantes del binomio razón-emoción.

NUNO NUNES-FERREIRA
ACTA DIURNA

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En torno al año 1440 Gutenberg inventa la imprenta moderna, lo que posibilita la rápida impresión y divulgación de libros y textos. Este importante acontecimiento histórico fue el inicio del diario actual, y originó una rápida divulgación de ideas y conocimiento que caracterizaron y fueron motor del Renacimiento. Partiendo de esta idea de divulgación masiva de imágenes e información, Nuno Nunes-Ferreira hace una reflexión y crítica sobre el impacto que las noticias tienen hoy día en cada uno de nosotros y de cómo los emisores transmiten la información, muchas veces mediatizando, engañando o, cuando no, censurando, y de cómo toda esta información diaria es por nosotros interpretada y rápidamente olvidada.

Para esta cuarta edición de Just Mad, Nuno Nunes-Ferreira presenta bajo el título de “Archivo II” una instalación formada por 12 fotografías y un antiguo mueble tipográfico del que cada uno de sus 12 cajones corresponde a un mes del año. A su vez, en cada cajón encontramos todos los días del mes en el lugar que ocuparían los sellos de carácteres en plomo en cada uno de ellos. Los sellos han sido sustituidos por imágenes que corresponden a un hecho “extraordinario” o “raro” sucedido durante ese día en determinado año. Cada fotografía representa a cada uno de los cajones, donde se puede leer los días, años, meses y ver cada imagen en su posición real, pues en el mueble está todo invertido, ya que sus sellos estaban invertidos. Así se escribía la historia.

 

ZOÉ T. VIZCAÍNO
INTO THE MAELSTROM

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Un vórtice genera una forma geométrica elíptica en movimiento. Su rotación espiral produce una fuerza centrípeta que arrastra y concentra la materia hacia una profundidad invisible. El proyecto surge de la investigación en torno al vórtice y se centra en la documentación y recopilación de formas análogas a ella. Este primer acercamiento tiene como objetivo explorar y documentar el vórtice marino más grande del mundo, el Maelstrom Saltstraumen, un colosal fenómeno de la naturaleza constituido por múltiples flujos e irregularidades en las corrientes capaces de generar poderosos remolinos que avanzan en un movimiento constante y veloz de creación y destrucción.

La palabra Maelstrom proviene del noruego “Moskenstraumen”; un canal oceánico en el Mar de Noruega localizado en las islas Lofoten. En Escandinava, la palabra Maelstrom procede etimológicamente del holandés arcaico “maelstroom”, que hace referencia a una “corriente acuática giratoria”. Aunque no hay traducción literal al castellano por maelstrom se entiende un poderoso o violento remolino, o en sentido figurado, un estado violento o caótico de cosas, un mare mágnum, o una vorágine.

En Julio del 2011 la artista viajó al norte de Noruega en busca tanto del Maelstrom Saltstraumen como del Moskenstraumen en las islas Lofoten, Into the Maelstrom es el resultado de esta experiencia.

NINA MÄRKL

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¿Por qué un dibujo ha de permanecer dentro de los restringidos límites de un cuaderno o la acotada y plana estructura de un marco? Si nos referimos a la obra Nina Märk, en ningún caso es necesario. La artista concede espacio a sus líneas, trazos y gestos… “Trabajo en y con los procedimientos del dibujo. De esta manera el dibujo se convierte tanto en un medio de presentación como de reflexión”. Durante su estancia en Polonia, resultado de la concesión de la European Art Scholarship of Upper Bavaria, Nina Märkl encuentra unas viejas cajas de madera abandonadas en un anónimo patio de la ciudad de Szczecin; estos objetos de depósito y olvido, sugieren a la artista la asociación entre bidimensionalidad y una visión estereoscópica… “Mi trabajo se sitúa justo en la interfaz que generan dibujo y espacio”, una observación fácilmente deducible al contemplar sus obras. Mediante diversos procedimientos Nina Märkl transforma estas cajas anteriormente desechadas, ocupa su interior con recortes de dibujos en grafito, protegiendo bajo finos cristales cada una de las historias creadas dentro de ellas. (…) “El espectador se mueve a través de las instalaciones de dibujos y objetos, los cuales se entrecruzan en un microcosmos”. Utiliza todo tipo de artificios para llevar sus líneas a los espacios que ocuparán las obras. La artista incluso interviene la arquitectura, limitando y llenando el espacio con construcciones de figuras abstractas y líneas de varillas de acero negro. Los objetos de acero no sólo trazan su propio entorno, también enmarcan los pequeños dibujos sin delimitarlos; los libera para que ocupen el espacio que les rodea, convirtiéndose en elementos de la narración dibujada. Evelyn Pschak

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Set Espai d’Art en JustMad4

La Galería Set Espai d’Art de Valencia participa en la feria JustMad 2013 con los trabajos de Sara Sanz, Javi Moreno y Rubén Tortosa.
Sara Sanz
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Javi Moreno

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Rubén Tortosa

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Galería Aural en JustMad4

La Galería Aural de Alicante presenta en JustMad 2013 los interesantes trabajos de Isaac Montoya y Juan José Martín Andrés.

Isaac Montoya. Carnivalismo es un vídeo desarrollado con las técnicas de selección de color de series anteriores como Odios Encadenados, Una marca para siempre o Cenicienta y Mr. Hyde. En estas imágenes se ocultan distintas realidades que sólo pueden ser desveladas mediante el uso de unos filtros de color. Un mundo paralelo queda suspendido en la memoria del espectador provocando nuevos discursos frente a la realidad de la imagen dominante.

Isaac Montoya

 

Juan José Martín Andrés (Soria, 1978) centra su trabajo artístico en la experimentación del dibujo, tanto en su práctica tradicional como en procesos digitales o de instalación e intervención en el espacio. Éste surge tras una selección de imágenes pre-existentes: portadas de libros, cómics, revistas, titulares de periódicos o carteles de contenido político; para descontextualizarlas posteriormente y presentar una pieza que, fiel a la original, propone una lectura que cuestiona los elementos de la construcción gráfica e ideológica de la misma.

Juan José Martín Andrés

Angel Masip. Solo project en JustMad4

Galería Paula Alonso. Madrid

Ángel Masip (Alicante, 1977) ha creado esta obra ad hoc para la Feria de JustMad, esta instalación forma parte de un proyecto más amplio titulado “La filología para más tarde”. El artista en esta intervención pone de manifiesto su preocupación por la distorsión de la percepción y el cuestionamiento de nuestros referentes proyectados en el medio.

Presentada en el stand de la Galería Paula Alonso, es uno de los trabajos más destacados en esta edición de JustMad.

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La filología para más tarde_ Ángel Masip (Solo Project)

La estructura bajo la que se edifica el entramado artístico a menudo obliga a tener un discurso bien labrado y aprendido, sin fisuras, permeable a la vez que sólido y defendible. Circunstancias que responden a las más altas exigencias del mercado en el que se asientan los circuitos artísticos.

En la vida real, en nuestra experiencia como individuos ‐indiscernible de la experiencia artística toman partido infinidad de condicionantes que derivan a esta hacia un lugar u otro, en ocasiones emplazamientos poco apropiados dada su naturaleza (experiencia virtual).

La filología para más tarde continúa con el desarrollo discursivo que hasta ahora he mantenido pero sin dar demasiada importancia a aquellos contenidos que suponen un resorte especulativo, liberando de carga existencial a la reflexión con el fin de hacerla más etérea, más ligera. Procurando dejar a un lado todo aquello que el establishment refleja como necesario y que a menudo refuerza los márgenes de la creatividad, convirtiendo la reflexión en estereotipo frágil y perecedero.

Como digo, todos esos agentes que condicionan nuestras prácticas también lo hacen en origen con nuestra percepción y el conocimiento que de la realidad tenemos. El trabajo que se presenta en la feria JustMad 2013, tan sólo es la primera fase de una investigación que plantea este cuestionamiento proyectado en el medio y en la distorsión que sufren nuestros referentes ‐en términos simbólicos‐, y que a menudo debilitan nuestro conocimiento del mundo.

En este caso, sin prescindir del maquillaje que toda puesta en escena requiere, se recurre a elementos que banalizan esos estándares y evidencian ‐a través de una estética de escaparatismo‐ la emergencia bajo la que se nutre la experiencia; todos los elementos que entran en escena cumplen las reglas que dicta el juego pero no de una forma armónica o consensuada, sino bajo la inherente estructura del propio discurso, bajo los dictados que marca el desarrollo del mismo.

Ángel Masip. Wildfire. Imagen por cortesía de la Galería Paula Alonso