Orientalismo y Europa de entreguerras en el IVAM 2020

Programación expositiva | IVAM 2020
Institut Valencià de A’rt Modern
Guillem de Castro 118, València
Diciembre de 2019

El Institut Valencià de A’rt Modern (IVAM) ha desvelado su programación para el año 2020, que principia con novedosas exposiciones que abarcan desde el imaginario orientalista del siglo XIX – con obras de Goya, Picasso, Sorolla y Benlliure–, una muestra reivindicativa sobre la contracultura valenciana o un proyecto sobre la sexualidad y la cultura visual en la Europa de entreguerras. Estas muestras conformarán una temporada transversal y abierta a los lenguajes visuales y a las más diversas disciplinas.

‘Señor Industrial. El seguro social reduce sus problemas’, de Josep Renau. Fotografía cortesía del IVAM.

Tal y como ha comunicado la institución, “las muestras individuales dedicadas a dos mujeres artistas, como son Mona Hatoum (Beirut, 1952) –ganadora del Premio Julio González 2020– y Gülsun Karamustafa (Ankara, 1946), confirman el firme compromiso del museo con la visibilización de las mujeres, al tiempo que continúa una de las líneas fundamentales de investigación del IVAM, la que se centra en el mar Mediterráneo”.

Los artistas valencianos Miquel Navarro, “con más 40 años de trayectoria creativa”, y Josep Renau, “una de las personalidades más relevantes para las vanguardias históricas y la cultura española del siglo XX”, serán protagonistas de sendas exposiciones. El ‘Gabinete Secreto’ de Miquel Navarro mostrará los dibujos del artista, oriundo de Mislata, junto con piezas de arte africano y de arte antiguo, todas con un componente erótico. La exposición sobre Josep Renau rescatará la parte más desconocida del cartelista valenciano en sus decisivas etapas en México y Berlín.

‘One birth three girls’, de Gülsun Karamustafa. Fotografía cortesía del IVAM.

‘Un nuevo Caso de Estudio’, que se exhibirá en la galería 3 del IVAM, presentará una selección de las 620 imágenes que Robert Rauschenberg utilizó en el escenario del Minneapolis Children’s Theater, donde la coreógrafa y bailarina estadounidense Trisha Brown estrenó en mayo de 1979 ‘Glacial Decoy’.

Igualmente, se subraya la colaboración con el museo MAXXI de Roma –que se formaliza con la muestra de su colección ‘Where is our place?’–, acuerdo inscrito “en el marco de la política que el IVAM ha emprendido de cooperación con importantes museos e instituciones culturales nacionales e internacionales. Dichas colaboraciones ya nos permitieron en el año 2019 exponer coproducciones tan destacadas como la muestra dedicada a Fernand Léger, junto con la Tate Liverpool; la dedicada a Jean Dubuffet, organizada con el MUCEM de Marsella; o la de Zineb Sedira, coproducida con el museo Jeu de Paume de París y la Fundación Gulbenkian de Lisboa”.

En este mismo sentido, y en línea con el convenio de colaboración firmado entre el IVAM y el Museo Reina Sofía, a finales de 2020, el IVAM Alcoi expondrá la muestra de escultura española del siglo XX con piezas de las colecciones de ambos museos.

MAKMA

Esperar al silencio para escuchar

Trencar el silenci, Edu Comelles
IVAM CADA Alcoi
Rigobert Albors 8, Alcoy
Hasta el 22 de marzo de 2019

Edu Comelles rompe con el silencio en su último trabajo que presenta en Alcoy, una instalación que necesita del silencio y que continua la línea sonora investigativa que el artista lleva desarrollando desde hace tiempo. El pasado 15 de noviembre se inauguraba la muestra ‘Trencar El Silenci’ en la tercera planta del IVAM CADA ALCOI. Para esta ocasión la obra consta de cuatro cilindros de gran formato creados en fieltro natural y suspendidos del techo del espacio expositivo. Cada cilindro esconde en su interior un sistema de altavoces que permite la escucha de una composición sonora expresamente creada para este proyecto instalativo y escultórico. 

‘Trencar El Silenci’ es una instalación sensible al ruido ambiente del espacio expositivo en el que se alberga. La obra sonora solo es audible cuando en sala reina el silencio. En tiempo real un sistema informático analiza los niveles de decibelios y en función de lo bajos que estos se presenten podremos escuchar la pieza sonora compuesta por Comelles.

Detalle de Trencar el Silenci de Edu Comelles. Imagen cortesía del artista.

La parte musical de este inusual montaje ha sido creada a partir de infinidad de registros sonoros de situaciones de silenciosas. A su vez se han grabado tocadiscos sin vinilos, cintas magnetofónicas en blanco y el zumbido de altavoces sin emitir sonido. Todo ello combinado con una serie de registros de notas en un piano de las cuales se ha utilizado la parte final de esas notas, cuando ya apenas son perceptibles al oído humano. En conjunto más de un centenar de archivos de sonido que se nos presentan en el espacio expositivo siempre y cuando reine el silencio en la sala.

La obra de Comelles se enmarca en el arte sonoro y las músicas experimentales. A actuado, en solitario o junto a colaboraciones, en festivales como Sónar, Mutek, Eufónic, Fase entre muchos otros; también ha participado en certámenes como el Mobile Week BCN, Escuchar en Buenos Aires o Radar de México DF. Su obra, en directo o en forma de instalaciones o composiciones, se ha podido disfrutar en el Reina Sofia de Madrid, LABoral de Gijón, Tabakalera (Donostia), Espai Rambleta, Bombas Gens en Valencia; Etopia (Zaragoza), CAAM (Gran Canaria) o el CCCB, Caixaforum y Arts Santa Mónica en Barcelona, su ciudad natal. 

Panorámica de Trencar el Silenci de Edu Comelles. Imagen cortesía del artista.

Este ambicioso y original proyecto ha sido posible gracias a la  Beca Llançadora 2019 impulsada por la Concejalía de Cultura del consistorio alcoiano. El paso del artista por el CADA culminará con un taller de microfonía abierto a todos los públicos que se celebrará el próximo 14 de diciembre.

El perro de las tres y cuarto, de Anja Krakowski

Presentación de El perro de las tres y cuarto de Anja Krakowski
Editado por La documental edicions.
Viernes 29 de noviembre, 19:00 horas
CCCC Centre del Carme Cultura Contemporània
C/ Museu, 2. València

La documental edicions presenta el segundo título de la Colección Sr. Velasco El perro de las tres y cuarto, de la artista visual Anja Krakowski. El acto contará con la presencia de la artista, el comisario de exposiciones y docente Juan Luis Toboso, el diseñador de la colección Antonio Ballesteros, y el editor, Álvaro de los Ángeles.

Este libro toma como punto de partida el proyecto expositivo «Right now, right here, right there, right then? El perro de las tres y cuarto», de Anja Krakowski, para convertirlo en una publicación que experimenta con la distribución de los contenidos y las características de los materiales. La muestra se presentó entre los meses de febrero y marzo de 2019 en Espai Rambleta y estuvo comisariada por Juan Luis Toboso.

El perro de las tres y cuarto es una carpeta de archivos personales e históricos, de miradas frente al espejo y ante las pantallas que muestran los sucesos políticos. El libro es, asimismo, parte del tejido con el que Anja Krakowski construye su trabajo artístico. No es una conclusión, sino una puerta más que se abre. Aquí se dan cita Borges y Orwell, Bush y Sadam, Beuys y la liebre, las máquinas de escribir cartas y las de matar civiles, el caballo de Kafka y las estatuas que representan los mitos fundacionales, que acabarán siendo destruidas. Lejos de simplificar los problemas derivados de las sociedades actuales, hace patente sus complejidades. El libro incluye textos (todos en castellano e inglés) de Anja Krakowski, la comisaria y docente Johanna Caplliure y Juan Luis Toboso.

Imágenes del interior de la publicación El perro de las tres y cuarto, de la artista visual Anja Krakowski, cortesía de La documental edicions

La documental edicions es un proyecto editorial que analiza su contexto con el ánimo de plantear cuestiones incómodas y necesarias, y que aspira a reflejar el arte y lo artístico desde lo tangencial. Sr. Velasco es el título de esta colección de ideas compartidas, que se inspira y sirve de homenaje a una persona que sabía mucho de compartir, sin perder ni un poco de su individualidad. Es una anti-colección desde el punto de vista de lo formal, pues cada título responde a unas características propias, convirtiendo la heterogeneidad de los contenidos en su razón de ser.

Anja Krakowski (Hagen, Alemania; vive y trabaja en Valencia desde 1986) es artista visual y docente interesada en los estudios culturales y postcoloniales, ámbitos de estudio que han definido su práctica artística y sus investigaciones académicas. Juan Luis Toboso (Alicante, 1980; reside en Porto) es comisario de exposiciones, docente y teórico que desarrolla su actividad entre Portugal y España. Sus proyectos profundizan en cuestiones sociales, artísticas y afectivas desde una perspectiva siempre contemporánea. Álvaro de los Ángeles (València, 1971) es editor, comisario de exposiciones y teórico del arte, imparte cursos y conferencias y ha sido subdirector de Actividades y Programas Culturales en el IVAM. Antonio Ballesteros (Madrid, 1969) es diseñador gráfico e ilustrador; desde 2012 cuenta con su estudio propio, FORMO, que está especializado en diseño editorial e identidad corporativa.

Una reflexión posindustrial en el IVAM de Alcoi

‘La Sociedad del Rendimiento’, de Manu Blázquez, Andrea Canepa, Nuria Fuster, Irene Grau, Lluc Mayol, Lorenzo Sandoval y Juan Sánchez
IVAM Centre d’Art d’Alcoi
Rigobert Albors 8, Alcoi (Alicante)
Hasta el 22 de marzo de 2020

El director del IVAM, José Miguel G. Cortés, junto con la comisaria Sandra Moros, han presentado la exposición ‘La Sociedad del Rendimiento’ en el IVAM CADA Alcoi. «Se trata de un proyecto inspirado en la sociedad industrial y posindustrial que ha marcado el carácter y la idiosincrasia de la ciudad de Alcoi. La exposición supone una clara apuesta del museo por los creadores contemporáneos y por la vinculación con el territorio”, ha explicado el director del IVAM sobre esta muestra, que gira en torno al concepto de sociedad del rendimiento que acuñó Byung-Chul Han en su libro ‘La sociedad del cansancio’.

Con este punto de partida, los artistas Manu Blázquez, Andrea Canepa, Nuria Fuster, Irene Grau, Lluc Mayol, Lorenzo Sandoval y Juan Sánchez plantean reflexiones sobre diferentes aspectos relacionados con la sociedad del rendimiento, como la organización social derivada del mundo del trabajo, la educación, los conceptos de tensión y equilibrio, ideas sobre el fracaso y el éxito, o los diferentes modos de producción.

«La exposición está planteada como un recorrido circular que fomenta la idea de movimiento continuo de la sociedad del rendimiento, al tiempo que se vincula con el río como eje vertebrador de la ciudad de Alcoi», ha comentado la comisaria sobre la muestra que estará en exhibición hasta el 22 de marzo de 2020.

‘Estrecha borrosa orilla’, de Irene Grau. Fotografía cortesía del IVAM.

El proyecto de Irene Grau (València, 1966) parte de los ríos de la propia ciudad, mientras que Nuria Fuster (Alcoi, 1978) plantea otras maneras de acercarnos a los objetos. Lorenzo Sandoval (Murcia, 1980) presenta un trabajo vinculado con la industria textil. Andrea Canepa (Lima, 1980) reflexiona sobre las relaciones entre el ocio y el trabajo y sus vinculaciones con los sistemas de producción, mientras que en las obras de Manu Blázquez (València, 1978) el cuerpo está presente, pero sin estar representado. Las consecuencias del desarrollo del capitalismo industrial podemos leerlas a partir de un tamiz humorístico en los trabajos de Juan Sánchez (Murcia, 1987). Y, por último, ‘Shadow Writing (Fábrica Colectiva)’ (2019), de Lorenzo Sandoval, es una instalación específica que surge de los procesos de colectivización de las fábricas que se llevaron a cabo en Alcoi a partir del año 1936 y hasta el fin de la Guerra Civil.

El director del IVAM, José Miguel G. Cortés, ha destacado en la presentación que “el IVAM de Alcoi ya se ha consolidado como un referente cultural en la ciudad y en toda la comarca durante este primer año de vida. La apuesta del IVAM por Alcoi es decidida. El centro tiene una programación propia y muestras específicamente pensadas para Alcoi. Inaugurar, como lo hicimos, hace un año, con una gran muestra de Eusebio Sempere de la mano del Museo Reina Sofía, fue toda una declaración de intenciones y una muestra del compromiso con esta ciudad. En 2020, esta apuesta sigue vigente y pronto presentaremos la programación del año que viene, que incluye una gran muestra de escultura española del siglo XX, nuevamente en colaboración con el Reina Sofía”.

‘Shadow Writing (Fábrica Colectiva)’, de Lorenzo Sandoval. Fotografía cortesía del IVAM.

MAKMA

Ubérrimo programa de actividad cultural en el IVAM

Actividades del IVAM
Institut Valencià d’Art Modern (IVAM)
Guillem de Castro 118, València
Temporada 2019-2020

En el marco del trigésimo aniversario del IVAM, el museo refuerza sus cronograma de actividades, implementando propuestas como talleres para escolares y para familias, un curso de introducción al arte moderno y contemporáneo, recitales de ópera, conversaciones de artistas previas a las inauguraciones, así como recorridos comentados sobre las exposiciones y visitas guiadas de los sábados y domingos.

Los ya tradicionales talleres educativos del IVAM permiten aproximarse al arte desde la infancia y garantizar, así, un aprendizaje más pleno y participativo. Durante el curso 2019-2020, el IVAM continúa contando con el apoyo económico de la Obra Social “La Caixa” y Caixa Popular en sus actividades pedagógicas.

El Museo mantiene esta nueva temporada los talleres dirigidos a estudiantes del último curso de Infantil (5 años), Primaria, Secundaria, Bachillerato y grupos con diversidad funcional.

Los sábados, el público familiar puede disfrutar del taller ‘¿Qué es un museo?’, enfocado para niños y niñas de 3 a 5 años, mientras que los domingos el taller ‘Embruta’t l’orella’ reúne a familias frente a una obra de la exposición dedicada a Jean Dubuffet, para crear sonidos improvisados con objetos cotidianos, obteniendo como resultado un disco con todas las piezas musicales, de acceso libre y gratuito, que se convertirá en la banda sonora de la exposición.

Con motivo del Día Mundial de la Infancia, que se celebra el próximo 20 de noviembre de 2019, el IVAM ha organizado el taller de creación ‘Juga el museu!’, con el juego ‘Flora habilis’, de Milimbo, con el que se pretende transformar el hall del IVAM en un jardín vivo, un invernadero de creación lúdico para niños y niñas. El juego ‘Flora habilis’, creado por el estudio Milimbo, ocupará el museo con sus construcciones volumétricas y ensamblables. Ese mismo fin de semana del 23 y 24 de noviembre, el IVAM-CADA Alcoi presenta ‘El museu en cadena’, una actividad familiar relacionada con la exposición ‘La sociedad del rendimiento’. Se trata de un juego y performance en el que los participantes reproducen la fabricación en cadena para crear fanzines.

En el marco del acuerdo de colaboración entre el IVAM y el Palau de les Arts Reina Sofía, un domingo al mes se organiza un recital de ópera en el vestíbulo del museo a cargo del alumnado del Centre de Perfeccionament Plácido Domingo.

Algunas piezas del taller ‘Flora habilis’, de Milimbo, en el marco de ‘Juga el museu!’. Fotografía cortesía del IVAM.

La oferta cultural del IVAM se completa con actividades expresamente ligadas a las exposiciones, como las conversaciones de artistas previas a las inauguraciones, las visitas guiadas de los fines de semana y los recorridos comentados por los comisarios de las muestras.

En su apuesta por seguir cumpliendo con su misión de difusión del arte moderno y contemporáneo, el IVAM vuelve a programar esta temporada una serie de conferencias de carácter divulgativo impartidas por los propios conservadores del museo y dirigidas a personas que no necesitan tener conocimientos previos de arte. El curso ‘Hablemos de arte’ consta de ocho sesiones, en las que se ponen en valor las prácticas artísticas desarrolladas por mujeres en diferentes soportes y técnicas.

MAKMA

La Nau exhibe la mirada polisémica de Cualladó

‘Gente y lugares. Gabriel Cualladó en la colección del IVAM’
Sala Acadèmia
Centre Cultural La Nau
Universitat 2, València
Hasta el 8 de diciembre de 2019

El Centre Cultural La Nau de la Universitat de València acoge la exposición ‘Gente y lugares. Gabriel Cualladó en la colección del IVAM’. A través de esta muestra, que se podrá ver en la Sala Acadèmia hasta el próximo 8 de diciembre de 2019, se conmemora el 30 aniversario de la creación del IVAM y el 20 aniversario de la restauración del edificio histórico de la Universitat y su transformación en el actual Centre Cultural La Nau.

La exposición ha sido presentada el pasado miércoles 2 de octubre en La Nau, en una rueda de prensa que ha contado con las intervenciones del vicerrector de Cultura y Deporte de la Universitat de València, Antonio Ariño; el director del IVAM, José Miguel Cortés y el comisario de la exposición, Álvaro de los Ángeles.

Tanto el vicerrector de Cultura como el director del IVAM han manifestado su satisfacción por esta gran muestra organizada conjuntamente por ambas instituciones. Además, José Miguel Cortes ha subrayado tres aspectos: “la calidad” de las obras expuestas, “la colaboración con una institución, la Universitat de València, que está desarrollando un trabajo fundamental en la cultura” y el volumen de las colecciones del IVAM, puesto que en esta exposición se muestra cerca de la mitad de las 474 que el museo conserva de Cualladó.

Detalle general de ‘Gente y lugares. Gabriel Cualladó en la colección del IVAM’. Fotografía cortesía del Centre Cultural La Nau.

La exposición, que reúne cerca de 200 instantáneas, supone una de las más amplias y completas muestras del artista valenciano. En 2019 se cumplen 30 años de la inauguración del IVAM y 30 años también desde que el IVAM organizara una gran muestra de Cualladó en sus salas.

Gabriel Cualladó (Massanassa, 1925 – Madrid, 2003) es un fotógrafo decisivo que documentó su tiempo de manera reposada y con él se entiende la revolución de España entre mediados de los años cincuenta y el final del siglo XX.

Su producción fotográfica se mueve entre los retratos de proximidad de familiares, allegados y vecinos (no hay fotografías de estudio con fondos blancos), los lugares por donde pasó su vida, y los hitos de algunos de estos espacios, como los transeúntes de París o los vendedores del rastro de Madrid, en contraste con las escenas rurales de Asturias y los habitantes de la Albufera o Massanassa.

Su importancia radica en la no urgencia de su trabajo fotográfico, aspecto que lo convierte en un fotógrafo importante y necesario. La pausa de su mirada queda reflejada en unos cientos de fotografías que evocan un tiempo perdido y una transición de la dictadura a la democracia y desde un pueblo de provincias a la capital de España, en un periodo trascendental de nuestro país.

De acuerdo con el comisario de la exposición, “la gente y los lugares aparecen como grandes temas en una muestra en la que intentamos anteponer lo temático, por eso no hemos seguido una línea cronológica. Mostramos la obra de Cualladó, el contenido poético y polisémico de sus imágenes, la estructura formal que las componen, las miradas directas de un fotógrafo que se definía a sí mismo como un aficionado”, señala.

De los Ángeles subraya que “es una exposición fotográfica” en la que se refleja los casi cincuenta años de actividad de Gabriel Cualladó, aunque la selección de fotografías también permite ver la evolución de una época y por eso se ha vinculado las imágenes con filmes, documentos y libros coetáneos. Así, hay cuatro películas que acompañan las imágenes expuestas: ‘Muerte de un ciclista’ (1955), de Juan Antonio Bardem; ‘Cléo de 5 à 7’ (1962), de Agnès Varda; ‘Amator’ (‘El aficionado’, 1979), de Krzysztof Kieślowski, y ‘Veinte años no es nada’ (2004), de Joaquim Jordà, y cada una de ellas se relaciona con fotografías. La exposición se acompaña de un cuidado catálogo que también intenta hacer una relectura de Cualladó desde el presente.

Imagen de una de las instantáneas de la serie ‘Real Sociedad Fotográfica’ (Madrid, ca. 1979-1982), de Gabriel Cualladó. Fotografía cortesía del Centre Cultural La Nau.

Gabriel Cualladó fue un fotógrafo español que formó parte del Grupo AFAL y del movimiento de renovación de la fotografía en España en la segunda mitad del siglo XX. Nació en Massanassa, en la provincia de Valencia donde estuvo viviendo durante su infancia. De adolescente iba a clases a una academia nocturna, ya que durante el día hacia las labores del campo. Esto fue solo hasta 1941 porque ese año viajó a Madrid para trabajar en el negocio de su tío Alfonso: una empresa de transportes, la cual llegó a dirigir en 1949.

Realizó sus primeras fotografías a su primer hijo junto a sus amigos con una cámara Capta. Desde allí se inició su interés por la fotografía y realizó un aprendizaje autodidacta para el que se asesoraba con revistas como Arte Fotográfico. En 1955 se compró una cámara Retina, pero pronto la cambió por una Rolleiflex. En 1956 entró en la Real Sociedad Fotográfica y un año después en el Grupo AFAL. En 1957 organiza en la sala de la librería Abril, la que puede ser la primera exposición de la renovación fotográfica, con Paco Gómez, Rafael Romero y José Aguilar. En 1958 conoce a los fotógrafos Cantero, Gómez, Vielba, Masats y Ontañón. Con ellos forma parte del grupo La Palangana y, posteriormente, de la denominada Escuela de Madrid. Un año más tarde, la revista norteamericana Popular Photography lo premia. Luego de esto expone en países como Francia e Italia.

En 1980 formó parte del grupo de fotógrafos españoles seleccionados por la revista Nueva Lente para participar en los Encuentros de Arlés. La obra que mostró fue un reportaje sobre el Rastro de Madrid.

Entre los premios que ha recibido se encuentran el Galardón Salón del Retrato de la Biblioteca Nacional de París, el Trofeo Luis Navarro de fotografía de la vanguardia, la Medalla de oro en la exposición del Museo Fodor de Ámsterdam, el Premio Europa de Fotografía, el Premio Alfons Roig de la Diputación de Valencia, el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura en 1994 y la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid en 1998.

Imagen de una de las instantáneas de la serie ‘Cervecería Alemana’ (Madrid, 1960), de Gabriel Cualladó. Fotografía cortesía del Centre Cultural La Nau.

MAKMA

La tecnología humanista de Fernand Léger

Fernand Léger y la vida moderna
Institut Valencià d’Art Modern (IVAM)
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Del 3 de mayo al 15 de septiembre de 2019

“Quiso abrazar la tecnología de forma positiva”, dijo Darren Pih, comisario de la exposición Fernand Léger y la vida moderna, que el IVAM presenta en colaboración con la Tate Liverpool. Exposición que, según José Miguel Cortés, director del instituto valenciano, marca un hito, porque no se había visto “en los últimos 20 años una exposición así y pasarán otros 20 para ver algo igual” en un museo español, para destacar a continuación los préstamos de distintos museos europeos a la hora de confeccionar la muestra. Un centenar de pinturas, dibujos, grabados, fotografías y cine de un artista que humanizó el maquinismo en su obra.

“Su experiencia en las trincheras y la crudeza de la guerra le llevó a querer humanizar lo que vio a través del arte”, explicó Pih, dejando constancia de la fe que Léger tenía en la tecnología y en el arte como transmisor de energías positivas. “Aunque veamos formas abstractas son reconocibles”, destacó el comisario, poniendo enseguida el foco en la necesidad del artista de aproximar el arte a la ciudadanía: “Quería que su arte tuviera sentido para la gente”. “Veía belleza en los objetos sencillos, hasta en un montón de platos”, añadió.

Vista de la exposición de Fernand Léger en el IVAM. Foto: MAKMA

Su fe inquebrantable en el progreso de la humanidad, reflejado en el maquinismo de principios del siglo XX, fue tal que ni siquiera los avatares de la guerra le hicieron cambiar de idea. El barro y los cuerpos mutilados, las botas de los soldados y los troncos de los árboles, como se apunta en el catálogo que acompaña a la exposición, lejos de convertirse en un amasijo de objetos sin sentido, a Léger le provocaba la necesidad de transformar lo siniestro en belleza. He ahí, el cubismo humanizado del artista que, según Pih, “anticipó el Pop Art”. 

“Es un artista fundamental para entender las vanguardias del siglo XX y lo que estamos haciendo actualmente”, afirmó Cortés, que citó al Equipo Crónica como “altamente influido por Léger”, avanzando una próxima exposición en torno a esa influencia entre quien “creó un lenguaje propio que pocos artistas han conseguido”, y el grupo artístico fundado en 1964 por Manolo Valdés, Rafael Solbes y Joan Antoni Toledo. 

El comisario Darren Pih (izda), junto a José Miguel Cortés. Imagen cortesía del IVAM.

“Quedó marcado por el cambio en el paisaje urbano de la época y quiso reflejar la rapidez de la vida moderna, con la maquinaria, la rotación, el movimiento, los colores de la publicidad”, señaló Pih, quien se atrevió a destacar el fotomural de la Exposición Internacional de 1937 como su preferido de la exposición. Léon Blum, del Frente Popular francés, fue quien le llamó para que lo hiciera, centrándose Léger en recoger lo que él entendía como la fuerza motora de la humanidad, que Pih resumió en la famosa frase de la unión hace la fuerza: “A partir de lo colectivo y lo humano entendía que hay esperanza”, resaltó el comisario.

Los trabajadores juntos que aparecen en algunas de sus obras son el símbolo de esa fuerza, proyectando “un mensaje positivo a pesar de la contienda bélica”. Ese humanismo, actualmente superado en lo que se ha dado en llamar pos humanismo protagonizado por los robots, y la creencia en las virtudes del arte, ahora que muchos lo dan por muerto, convierten a Léger en un artista a contracorriente del propio cubismo y del pensamiento líquido de la posmodernidad. “Espero que no fuera demasiado optimista, porque de hecho los museos existen demostrando que necesitamos el arte. Idealista tal vez sí fuera”, apuntó Pih.

Una joven observa dos obras de Fernand Léger. Imagen cortesía del IVAM.

El IVAM celebra sus 30 años vanagloriándose con esta exposición dedicada a Fernand Léger (1881-1995), cuyo cubismo humanizado muestra esa paradoja de la industrialización, que parece reducir al sujeto a mero engranaje de una portentosa maquinaria, al tiempo que le ofrece un poder inusitado. Léger se hizo cargo de ambas cosas, anticipando incluso lo que ya se veía venir con la tecnología: “Un hombre moderno registra 100 veces más impresiones sensoriales que un artista del siglo XVIII”. Ahora se quedaría corto.

“Entendió que había que cambiar el discurso de la pintura para reflejar el dinamismo que observaba en París”, explicó Pih, mientras iba destacando diferentes aspectos de algunas de las obras de la exposición que el IVAM acoge hasta el 15 de septiembre. El cine, por el que sintió una admiración que le llevó a experimentar con él en Ballet Mécanique, y la publicidad callejera, que influyó en sus composiciones murales, son muestras de su inquietud por incorporar a su obra distintos lenguajes.

“La pintura de caballete es estrictamente individual, mientras que la pintura mural es de un orden intrínsecamente colectivo”, afirmaba Léger, artista de profundas convicciones socialistas. “Apeló a atraer a la gente corriente al arte y a fomentar la colaboración entre los sujetos”, señaló el comisario, que en todo momento se refirió a la simbiosis que el artista hacía entre las máquinas y su humanidad: “Incluso cuando representa a soldados como robots sigue mostrando humanidad”, remarcó Pih del artista cubista que, por todo lo apuntado, huyó del frío que destilaban en otros campos artísticos y sociales las máquinas. 

Vista de la exposición de Fernand Léger con el mural ‘Joies essentielles’ al fondo. Imagen cortesía del IVAM.

Salva Torres

Las entretelas del IVAM en un cómic de Paco Roca

Diario del dibujante de El Dibuixat, de Paco Roca
IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Viernes 12 de julio de 2019

El dibujante Paco Roca, Premio Nacional de Cómic, ha presentado en el IVAM ‘Diario del dibujante de El Dibuixat’, un cómic editado por el museo valenciano con motivo de su 30 aniversario. «Estoy muy agradecido al IVAM por la oportunidad de idear la exposición, así como de crear esta publicación. Se trata de un diario en el que se relata la vida del IVAM, cuenta la historia de cómo lo vi nacer hace 30 años cuando estudiaba en la Escuela de Artes y Oficios y cómo veníamos aquí admirados por el edificio y las exposiciones y cómo a través del trabajo en el museo se ha ideado una exposición mía para celebrar el aniversario», señaló el autor valenciano sobre el tebeo que narra en viñetas el proceso creativo de la exposición ‘El Dibuixat’ que ocupó la galería 6 del IVAM hasta el pasado 30 de junio.

Paco Roca añadió que la publicación «consiste en la visión del autor frente a un encargo, cómo se construye, mostrar que detrás del trabajo hay mucha gente y este diario habla de esa gente que hay detrás. A su vez, funciona como un catálogo, sin ser un catálogo, ya que tiene un epílogo al final en el que se incluyen fotografías».

La historieta narra cómo surgió el proyecto de la exposición ‘El Dibuixat’, las reuniones con el comisario Álvaro Pons y la coordinadora de la muestra, cómo trabajan los distintos departamentos del museo, anécdotas de los visitantes, al tiempo que se recrean espacios del IVAM como las cámaras que custodian las obras de arte, las galerías o los almacenes de tránsito de las piezas.

A través del cómic, Paco Roca va desgranando de forma didáctica las historias cotidianas de una institución como el IVAM con dosis de humor y ternura, como cuando ilustra el «sudor frío» que surge ante el reto de diseñar una exposición.

Paco Roca, sentado, junto a José Miguel Cortés (de pie a la izda) y Álvaro Pons. Imagen cortesía del IVAM.

Junto con las viñetas creadas por Paco Roca, ‘Diario del dibujante de El Dibuixat’ cuenta con fotografías exclusivas de Juan García Rosell, fotógrafo del IVAM, en una cuidada edición a color de 24 páginas limitada a 1.500 ejemplares. El cómic se complementa con un apartado que sirve de catálogo con fotografías de la exposición. La publicación se podrá adquirir en las taquillas del museo y a través de su tienda online tienda.ivam.es a un precio de 3€.

El objetivo de la publicación es aproximar a los lectores el trabajo que se hace desde el IVAM y que sientan como suya una institución valenciana con 30 años de historia. Justo con este cómic, Paco Roca también ha diseñado una camiseta con un dibujo exclusivo con motivo del 30 aniversario del museo. El dibujante de cómics tan aplaudidos como ‘Arrugas’ o ‘Los surcos del azar’ cambia de registro para utilizar el tejido de una camiseta como soporte de una viñeta en la que el personaje ‘dibuja’ el logotipo del IVAM.

El director del IVAM, Jose Miguel G. Cortés, indicó que el trabajo de Paco Roca en el IVAM a través de la exposición que hizo en y para el museo, tenía un carácter muy efímero, ya que era un proyecto específico para la sala, motivo por el que queríamos algo que pudiera quedar, de ahí surgió el proyecto de desarrollar una publicación, que es este cómic”.

Por su parte, Álvaro Pons matizó que el cómic es el epílogo perfecto de la exposición, subrayando que jamás había tenido una experiencia como la de trabajar con Paco, ya que «tú le das una idea y él te la devuelve multiplicada, como ha sido en el caso de esta publicación, que es una reflexión del paso del tiempo y la creación».

Diario del dibujante de El Dibuixat, de Paco Roca. Imagen cortesía del IVAM.

Música electrónica bajo la ‘nube’ del IVAM

Los Escalones del IVAM
El IVAM y The Basement
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Viernes 12 de julio de 2019, de 20.30 a 00h

El IVAM y The Basement continúan con el ciclo de música electrónica ‘Los Escalones del IVAM’ animando la noche del viernes 12 de julio bajo la instalación del grupo Aranea. Se trata de un anillo suspendido de 13×8 metros que emite agua pulverizada, de ahí que la intervención haya sido apodada como la ‘nube’ del IVAM.

Instalación del grupo Aranea. Imagen cortesía del IVAM.

Por segundo año consecutivo ‘Los Escalones del IVAM’, en colaboración con el grupo de música electrónica The Basement, reúne la mejor música house, funk y disco a cargo de los pesos pesados de la escena loca durante la noche de los viernes de julio. Este viernes, de 20.30 a 00h la velada temática girará en torno a los ritmos más setenteros y ochenteros del disco y el funky. El trío de residentes del colectivo formado por Toni Copas, Whatever y Boranimals, encenderán la mecha del baile para ver caer la noche con los grooves del house más selecto.

‘Los Escalones del IVAM’ se convierten así en el punto de encuentro gratuito durante los viernes de julio donde bailar, tomar unas copas a ritmo de house y refrescarse bajo la instalación artística del grupo Aranea que tiene programadas lluvias cada media hora .

El objetivo es crear lo que el grupo Aranea denomina «un abrazo atmosférico que incite al encuentro”, un microclima en el entorno del IVAM y una especie de oasis en la ciudad. 

Instalación del grupo Aranea. Imagen cortesía del IVAM.

Muere Joan Cardells, el artista «febril”

Joan Cardells, fundador junto a Jorge Ballester de Equipo Realidad, falleció el pasado sábado 6 de julio (2019) de forma «inesperada», según informaron fuentes cercanas a la familia. Con él se va un artista que, como recordó en la entrevista realizada con motivo de su exposición ‘Grafitos’, en la Galería Punto hace cinco años, trabajaba con enorme pasión. No sabía de las medias tintas, sino de volcarse por completo en una obra que ahora deja por razones ajenas a su voluntad. Una voluntad de hierro que su muerte funde, dejando un gran vacío en el mundo del arte. A continuación reproducimos tal cual, el artículo publicado en Makma con motivo de aquella muestra.

Joan Cardells. Imagen cortesía de la Galería Punto.

Joan Cardells. Imagen cortesía de la Galería Punto.

A Joan Cardells le obsesiona el dibujo. Y se nota. La serie de grafitos que expone en la galería Punto de Valencia refleja esa elocuencia de lo que inspira pasión. Tanta, que desborda su obra, lo cual se hace patente cuando el propio artista se arroja a la tentativa de explicar su trabajo. Entonces, al igual que le sucede con sus dibujos, Cardells va tirando del hilo de la memoria para tejer un discurso que no tiene desperdicio. “No se puede trabajar con 36,5, sino en estado febril”. Ese “relámpago en la frente” que le hace seguir el rastro de su obsesión, ese “estado furioso” que reclama como necesario para la creatividad, “aunque no se refleje luego en la obra”, es el que hace de Joan Cardells un artista en estado puro.

Obra de Joan Cardells. Imagen cortesía de Galería Punto

Obra de Joan Cardells. Imagen cortesía de Galería Punto

Todo aquello que venga a distraer el objeto de su pasión, queda en un segundo plano. No es que la bajada del IVA no le importe: “Me parece secundario, frente a lo principal que es la emoción, que algo por encima de todo te motive”. O que el IVAM le resbale: “La diferencia entre el IVAM actual y el anterior no la he estudiado, pero en todo caso es importante que el IVAM siga existiendo”. O que las promesas políticas le traigan sin cuidado: “Hubo mucho progre deseoso de atender a la cultura, que luego ha demostrado ser fingimiento”. Pero todo eso resulta secundario, cuando aparece la fiebre motivada por el dibujo. “Lo que va a pasar 10 centímetros después del lápiz, es lo que estimula”.

Obra de Joan Cardells. Imagen cortesía de Galería Punto.

Obra de Joan Cardells. Imagen cortesía de Galería Punto.

Si hay algo que a Joan Cardells le enerva sobremanera es, precisamente, la incapacidad para salir de los compartimentos estancos a los que nos conduce la ideología. “Yo lo que pido es que se sea menos gregario”. Y apela a la soberanía, pero una soberanía “individual, que es la más costosa”. Soberanía que, en su caso, ha ido alcanzando por la vía del lento aprendizaje. Ninguna prisa de por medio. ¿Para qué correr cuando el lápiz te abre a cada paso las sendas del estímulo por las que Cardells transita? “Uno siempre busca el placer de pintar”. Eso y la revancha de la que habla, refiriéndose a los 14 grafitos y tres esculturas expuestos en la galería Punto, a modo de ajuste de cuentas con esa primera etapa de aprendizaje cuya impresión es de fracaso.

Obra de Joan Cardells. Imagen cortesía de Galería Punto.

Obra de Joan Cardells. Imagen cortesía de Galería Punto.

“Me gusta fabricar imágenes con el menor instrumental posible”. Y, a la manera zen, Joan Cardells va construyendo una obra minimalista que se eleva y eleva de forma tan imperceptible como prodigiosa. “Con lápiz y papel puedes hacer todas las cosas del mundo”. Y en su mundo hay “querencia por el bodegón” y por la “evocación de los olores de los mercados, de las tiendas”. En el fondo, Cardells recuerda que la materia prima con la que trabaja es “la memoria”. Y su memoria le lleva a todos esos lugares que, como una simple ferretería, encandilaba sus jóvenes sentidos al contemplar ollas, pucheros y los más variados recipientes, que luego han ido formando parte indisoluble de su trabajo.

“Combino lo orgánico con lo industrial”. Olivas, odres, gallos, patos, es decir, “el clásico bodegón español”, que le ha servido como “reto de aprendizaje”. También hay algo en sus grafitos de “coreográfico”, por aquella “tendencia a bailar” que Cardells observa en los objetos de su pintura. “Y el gusto por el gris”, subraya. Esa “reducción al blanco y negro” tiene mucho que ver de nuevo con esa “vuelta al mundo del aprendizaje”. No es que haya renunciado al color, pero aquel color del Equipo Realidad, que formó con el recientemente fallecido Jorge Ballester, pertenece a una “época interesante”, que Cardells recuerda sin nostalgia, porque “la de ahora es apasionante”. Una pasión que guía su obra y las palabras que, a modo de revancha, dan cuenta de su largo y fructífero aprendizaje. La fiebre de venganza está, en el caso de Joan Cardells, plenamente justificada.

Joan Cardells. Imagen cortesía de Galería Punto.

Joan Cardells. Imagen cortesía de Galería Punto.

Salva Torres