La vanguardia social de Léger en el IVAM

‘Fernand Léger y la vida moderna’
Institut Valencià d’Art Modern (IVAM)
Guillem de Castro 118, Valéncia
Del 3 de mayo al 15 de septiembre de 2019

«Fernand Léger fue un artista de su época y de su tiempo, imbuido de ese mundo fragmentado, moderno e industrializado de los años 30 que le tocó vivir». El director del IVAM, José Miguel G. Cortés, y el comisario Darren Phi, han presentado la exposición ‘Fernand Léger y la vida moderna’, organizada por el museo en colaboración con la Tate Liverpool, que presenta a Léger como un artista comprometido socialmente que creó su propio lenguaje innovador lidiando con el mundo que lo rodeaba.

La muestra, en la que colabora la Fundación Banco Sabadell y que se exhibe del 3 de mayo al 15 de septiembre de 2019, reúne un centenar de obras, entre pinturas, dibujos, textiles, cine y fotografía, realizados por Fernand Léger desde 1918 hasta 1955, que presentan a «un artista multidisciplinar», como ha destacado Cortés, «que creó un estilo propio, algo que pocos artistas han logrado». Las obras proceden de museos como Tate Liverpool, Moderna Museet, Victoria & Albert, Centre Pompidou, Musée des Beaux Arts de Lyon o el Reina Sofía.

El comisario Darren Phi ha explicado que «Fernand Léger entendió que debía cambiar el lenguaje de la pintura. Aunque en sus obras veamos formas abstractas, resultan reconocibles, lo que enlaza con las obras de cubistas como Picasso o Braque». A partir de encontrar su propio estilo, su historia se ensancha, se abre y se ramifica, dejando como legado una obra exquisita y enorme. No obstante, Léger no se mueve solo en un plano estético. Estaba convencido de que el arte debía estar ligado a la realidad social de su tiempo. Y en su caso se trata de una sociedad industrial y urbana.

El comisario Darren Phi y el director del IVAM José Miguel G. Cortés junto a la obra ‘»Les Constructeurs»: l’équipe au repos’. Fotografía cortesía del museo.

«Léger creía que en todos los objetos cotidianos podemos encontrar la belleza», ha explicado el comisario sobre la obra ‘Nature morte à la chope de bière’ (1921 ), en la que se reconoce una jarra de cerveza en primer plano. Su obra «quiere conectar con la clase obrera, quiere crear un arte para toda la sociedad»

Junto a las obras que expresan la vivacidad de la era moderna, la exposición también incluye la película experimental ‘Ballet mécanique’ (1924), que el artista realizó en colaboración con Dudley Murphy y Man Ray, donde muestra su interés y admiración por el celuloide. «Entendió que el cine era un nuevo medio de expresión válido para llegar a las masas», en palabras del comisario. La tercera sala muestra el fotomural que el pintor francés realizó con la arquitecta Charlotte Perriand para el Pabellón de Agricultura de la Exposición Internacional de París en 1937, y que ocupa toda la pared. Léger también se comprometió con los acontecimientos políticos de su tiempo (a su regreso de EE.UU., tras la Segunda Guerra Mundial, se afilió al Partido Comunista). Concibió el arte moderno como vehículo de la educación, así como un medio para elevar la calidad de vida colectiva. Entre las últimas obras de la exposición se encuentra ‘Los Constructores’ (1950), en la que vemos a unos obreros construyendo los engranajes de una arquitectura metálica con un cielo azul intenso de fondo. «Esta obra encierra un mensaje personal de Léger: la unión hace la fuerza», ha comentado Darren Phi.

La exposición que le dedica el IVAM a Léger confirma que su defensa de un arte accesible para todos y su renovación del lenguaje artístico sigue siendo relevante hoy. Una influencia que fue muy importante para los artistas del pop art, como ha destacado el director del IVAM, quien ha anunciado la presentación de la exposición Equipo Crónica y las vanguardias que ahondará en los vínculos de artistas como Fernand Léger con el Equipo Crónica.

Imagen del fotomural realizado por Léger para el Pabellón de Agricultura de la Exposición Internacional de París en 1937. Fotografía cortesía del IVAM.

MAKMA

El IVAM presenta su tienda online con 400 volúmenes

Botiga IVAM
Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM)
Guillem de Castro 118, Valéncia

Desde el 19 de abril de 2019 todas las publicaciones del IVAM están al alcance de un clic en la web de la institución (botiga.ivam.es), una iniciativa que el Instituto Valenciano de Arte Moderno ha querido hacer coincidir con las celebraciones en torno al Día Internacional del Libro.

Se trata de una web de visita obligada para los amantes de las publicaciones de arte, donde se han puesto a la venta más de 400 volúmenes editados a lo largo de los 30 años de vida del IVAM y en ella se pueden encontrar obras descatalogadas y auténticas joyas bibliográficas difíciles de reeditar. Entre las obras expuestas se halla el catálogo de Alfaro publicado en 1991 o la última publicación del IVAM, el catálogo de la exposición ‘Tiempos Convulsos’, que se puede visitar hasta abril de 2020.

Hay publicaciones para todos los bolsillos: desde ofertas por menos de 3 euros, como ‘Ramon Dachs. Escritura geométrica, escritura fractal’ o ‘José Mª Báez’, hasta la obra de Julio González recogida en el catálogo razonado que asciende a 260 euros.

Portada de la web Botiga IVAM.

En la web se puede efectuar la compra, como es habitual, con tarjeta bancaria y se envía a cualquier lugar del mundo con el objeto de que estas ediciones estén al alcance de cualquier particular o institución, independientemente de su localización.

Desde su creación en 1989, el IVAM cuenta con un servicio de publicaciones que, cosa muy poco habitual en los museos, se encarga de todo el proceso de producción de los materiales que generan las exposiciones y las actividades de la institución: desde la creación, el diseño y la producción hasta su comercialización, control de distribución y almacenaje.
Coincidiendo con el lanzamiento de la web de la tienda online, accesible en valenciano, castellano e inglés, el IVAM estará presente en la Fira del Llibre de Valéncia, donde expondrá sus fondos.

En la feria se podrán adquirir también obras muy demandas, tales como ‘A Contratiempo, medio siglo de artistas valencianas 1929-1980’, publicación que recoge textos de José Miguel G. Cortés, Isabel Tejeda y María Jesús Folch, entre otros, editado el año pasado y que reúne obras de artistas como Amparo Segarra, Jacinta Gil, Juana Francés, Ana Peters, Monika Buch, Isabel Oliver, Ángela García Codoñer, Cristina Grau, Victoria Civera, Soledad Sevilla o Cecilia Bartolomé. Otro ejemplo sería el catálogo de Joan Miró, ‘Orden y desorden’, uno de los referentes de las primeras vanguardias del siglo XX.

Catálogos del IVAM. Imagen cortesía del museo.

Nuevas vías de aproximación a Julio González

Materia, espacio y tiempo. Julio González y las vanguardias
IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Hasta el 17 de enero de 2021

“No acabamos de entender su importancia”, se apresuró a decir José Miguel Cortés, director del IVAM, con respecto a la obra de Julio González. Y añadió después: “No valoramos lo que tenemos en casa; la importancia de su escultura”. Para poner en valor su obra, el museo presenta la exposición Materia, espacio y tiempo. Julio González y las vanguardias, en lo que supone “una vuelta de tuerca más” (Cortés) al trabajo de un creador sobre el que pivota buena parte de la colección del instituto valenciano.

“Julio González vivió y murió prácticamente en la miseria, retrasándose de manera especial en su caso el análisis de su aportación trascendental a la escultura artística de vanguardia”, dijo hace 35 años el crítico de arte Francisco Calvo Serraller. El IVAM, que celebra su 30 aniversario, se hace cargo de ese análisis con el fin de ir restañando una herida que, en el caso del escultor, permanece todavía abierta, al igual que una producción que sigue por descubrir. “Nos sigue sorprendiendo la capacidad de misterio de su obra”, destacó Josep Salvador, comisario de la muestra junto a Irene Bonilla y Sergio Rubira.

Obras de Julio González en el IVAM.

Obras de Julio González en el IVAM.

Como avanzó el propio Calvo Serraller, “la huella fecunda de Julio González ha sido efectivamente decisiva en las últimas décadas y todo parece indicar que seguirá aún operativa por mucho tiempo”. De ese hilo tiran los comisarios a la hora de reunir más de 200 piezas de la colección del IVAM, que sitúa la obra del escultor “en la encrucijada de una época de cambios y tensiones que tuvieron en el arte un espacio para la investigación y la reflexión”. En esa primera mitad del convulso siglo XX, González fue realizando su dilatada producción, que el museo pone en diálogo junto a la de artistas coetáneos como Picasso, Gargallo, Miró, Torres-García, Brancusi, David Smith, Kurt Switters, Jean Arp, Alexander Calder o Jean Hélion.

La exposición, que Cortés calificó de “magnífica” y de “muy bonita, porque amplía los sentidos”, ocupa cinco salas, mostrando algunas piezas inéditas, como Los vencedores de Brihuega de Arturo Ballester, y material documental cuya mayoría tampoco se había expuesto nunca. Maestro del hierro forjado y de la sutileza a la hora de mostrarlo, hasta el punto de ser calificado su estilo con la idea de “dibujar en el espacio”, según explican los comisarios, Julio González fue pasando de la figuración a la abstracción, tal y como se recoge en la muestra de forma “más o menos cronológica”, señaló Bonilla.

Vista de la exposición de Julio González en el IVAM.

Vista de la exposición de Julio González en el IVAM.

Rubira puso el acento precisamente en la “tensión entre abstracción y figuración” que atraviesa su trabajo, resaltando el carácter figurativo: “Nunca quiso abandonar la representación”. La contraposición entre la Montserrat que presentó en el pabellón republicano de la Exposición Universal de París de 1937, “aterrorizada” y “encarnación del sufrimiento por los totalitarismos”, y la más abstracta Mujer ante el espejo, condensa la tensión aludida por Rubira, para quien Julio González “incorpora diferentes lenguajes para crear el suyo propio”.

Es precisamente este carácter híbrido y ajeno a la rigurosa etiqueta, el que quizás haya dificultado la valoración y difusión de su trabajo. “Recorre todas las vanguardias de un modo muy personal”, apuntó Rubira. “Queríamos evidenciar la imposibilidad de clasificar la obra de González, porque no es surrealista pero se habló de un trabajo surrealizante, no es cubista pero tiene trabajos cubistas y no es novecentistapero hay obra de novecentismo”, agregó el comisario. En este mismo sentido se expresó Cortés: “Su riqueza consiste en que es un artista que plantea lenguajes distintos. Representa esa personalidad fuerte que sobrepasa las etiquetas”.

Vista de la exposición de Julio González en el IVAM.

Vista de la exposición de Julio González en el IVAM.

“En sus textos habla del concepto de unir materia y espacio, como el cuerpo y el alma. Siempre en esa dualidad se mueve un poco la obra de González, entre la luz y la sombra”, explicó Salvador, para quien el espacio juega un papel activo, al tiempo que la ausencia de materia genera “una capacidad de empatía”. Inclasificable e inabarcable, el IVAM sigue profundizando en el trabajo del escultor, para dar fe de lo que todavía queda por descubrir en su obra.

Ampliación de su trabajo que aparece ligada a esa otra ampliación del propio museo, a la que se refirió Cortés, requerido por las declaraciones del presidente de la Generalitat, Ximo Puig, a Valencia Plaza, donde afirmó que se trataba de algo “irrenunciable”. “Si dice que la ampliación es irrenunciable me alegro sobremanera, porque para este director lo es”. Y con respecto a la posibilidad de crear otra subsede en Castellón, siguiendo el ejemplo de la de Alcoi, también le pareció una excelente noticia. “Ojalá no sea un proyecto solo del presidente, sino que sea de toda la sociedad valenciana, porque es algo muy positivo para la Comunitat que las instituciones culturales se amplíen y tengan mayores recursos”.

Vista de la exposición de Julio González en el IVAM.

Vista de la exposición de Julio González en el IVAM.

Salva Torres

Mona Hatoum, Premio Julio González 2020 del IVAM

Mona Hatoum (Beirut, 1952)
Premio Julio González 2020
Institut Valencià d’Art Modern (IVAM)
Miércoles 27 de marzo de 2019

La artista de origen palestino Mona Hatoum (Beirut, 1952) recibirá el Premio Julio González 2020 que concede el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM). Esta creadora multidisciplinar es la segunda mujer que recibe este galardón que, en sus 20 años de historia, ha premiado el trabajo de artistas como Andreu Alfaro, Annette Messager o Christian Boltanski.

Mona Hatoum es una “creadora sutil y enigmática que nos enfrenta a las más profundas emociones y sentimientos” en palabras del director del IVAM, José Miguel G. Cortés, quien además ha mencionado la gran potencia ideológica y solidez poética de la obra de la artista.

Obra de Mona Hatoum

Obra de Mona Hatoum.

La artista Mona Hatoum se ha mostrado muy satisfecha por un galardón que reconoce su contribución a la escultura contemporánea. “Es un placer verme asociada al trabajo de Julio González y al nombre de otros grandes artistas que han recibido el premio anteriormente”, destacó. La artista añadió que “es una oportunidad para mostrar más extensamente mi trabajo y para ofrecer al público local una experiencia más profunda de mi obra”.

La galardonada ha creado un amplio conjunto de obras que recuerdan o se asocian con diferentes tipos de mapas de la cultura mediterránea, que no sólo hablan de los aspectos geográficos, sino también de las situaciones personales, sociales y políticas de los individuos que habitan en ellos. Su trabajo ha sido expuesto en grandes ferias y certámenes internacionales como la Document de Kassel, la Bienal de Venecia y otros eventos centrales de la escena artística contemporánea.

Hasta abril de 2020, Hatoum exhibe su obra ‘3-D Cities’ (2008-2010) en la exposición del IVAM ‘Tiempos Convulsos. Historias y microhistorias en la colección del IVAM’. Su instalación habla de la realidad urbana de tres ciudades fundamentales del mundo árabe (Beirut, Bagdad y Kabul). Las geografías cambiantes, la guerra, la violencia o la experiencia del tránsito son algunas de las fuentes fundamentales de su trabajo creativo.

El premio, concedido por la Generalitat Valenciana a propuesta del presidente del Consejo Rector del Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), se instauró en el año 2000 con el fin de distinguir y reconocer a aquellas personas por su trabajo, méritos y actividad a lo largo del tiempo. Está dotado con 20.000 euros y los artistas premiados son objeto de una exposición en el IVAM que usualmente va acompañada de un acto de homenaje.

Mona Hatoum, en su estudio de Londres en 2018. Fotografía de Gabby Laurent por cortesía del IVAM.

Mona Hatoum, en su estudio de Londres en 2018. Fotografía de Gabby Laurent por cortesía del IVAM.

Soledad Sevilla evoca los azulejos de su infancia

El Patriarca, de Soledad Sevilla
IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Hasta septiembre de 2019

“Pertenezco a esa especie de hombres que están siempre al margen de aquello a lo que pertenecen, no ven sólo la multitud de la que son, sino también los grandes espacios que hay al lado”. La frase está extraída de Libro del desasosiego, de Fernando Pessoa, que Soledad Sevilla (Valencia, 1944) citó como “muy importante” para ella. “Me gusta esa filosofía poética que vierte Pessoa en el libro”, subrayó la artista. Como el escritor portugués, también Soledad Sevilla parece formar parte de esos márgenes de la cultura ajenos a la multitud y al ruido mediático, para orientar su mirada hacia lo más íntimo y minúsculo que agranda con su visión plástica.

La pancarta con la que ocupa parte de la fachada del IVAM es un ejemplo de esa mirada extraviada y poética, que logra concitar en 90 m2 un “elemento indentitario de Valencia”, por utilizar las palabras de José Miguel Cortés, director del instituto valenciano. Elemento que proviene de los recuerdos de infancia de la propia artista: “He recorrido los lugares de infancia que solía recorrer con mis padres”. Entre ellos, la iglesia del Patriarca que hay en la calle La Nau y de la que ha rememorado el zócalo de azulejos geométricos que cubre la parte baja del claustro eclesial.

El Patriarca, de Soledad Sevilla, en la fachada del IVAM.

El Patriarca, de Soledad Sevilla, en la fachada del IVAM.

“Hice fotos de otros muchos lugares, pero al final elegimos esta imagen de común acuerdo”, explicó Sevilla, con pena por no haber podido expandir su idea más allá de los 90 metros cuadrados reservados para tal fin. “Propuse toda la fachada, porque me gusta apoderarme del espacio”, ironizó, sabedora de las limitaciones contempladas en el proyecto y que ha titulado El Patriarca. “Me pareció importante buscar una imagen que tuviera que ver con la ciudad”. Y ese azulejo que ha realizado a gran escala, tras pintarlo en papel transparente y a mano alzada, remite a esa iglesia de su infancia que ahora pone a disposición de toda la ciudadanía.

“Es la primera obra que hago inspirada en Valencia”, dijo quien se fue joven de su ciudad natal y ahora se siente por fin “artista de Valencia”, tras el reconocimiento que le ofrece el IVAM con esa grandiosa pancarta. “Es muy emocionante”, apostilló la artista en una mañana fría que amortiguaba la calidez sentida. “La conciencia de la inconsciencia de la vida es el más antiguo impuesto a la inteligencia”, afirma Pessoa en su Libro del desasosiego, como pretendiendo explicar la forma en que Soledad Sevilla recordaba su infancia plasmada en ese zócalo de azulejos geométricos.

El Patriarca ha sido configurado mediante la superposición de dos imágenes: la fotografía que sirve de referente y el dibujo creado a mano alzada. “La suma de ambas crea una vibración nueva”. La vibración de un pasado que sorprende al actualizarse. De nuevo, Pessoa: “Vivir es ser otro. Ni sentir es posible si hoy se siente como ayer se sintió: sentir hoy lo mismo que ayer no es sentir, es recordar hoy lo que se sintió ayer, ser hoy el cadáver vivo de lo que ayer fue la vida perdida”.

Es en este sentido, profundamente poético, que Soledad Sevilla huye del compromiso del artista hoy tan promocionado: “Nunca he tenido una actitud reivindicativa en mi trabajo, que va por otro lado”. Sólo recuerda como tal, y de forma sutil, la instalación Temporada de lágrimas, que la artista creó a partir de la imagen de una mujeres llorando por la guerra. “Mi obra circula por otros derroteros. Es más inmaterial”.

El mural creado para la fachada del IVAM, y que permanecerá hasta septiembre, es del gusto de la artista, que reconoce sentirse cómoda con esos grandes formatos: “Si no hago más es porque no tengo propuestas”, aclaró, para señalar a continuación que su modo de atacar ese tipo de formatos es trabajándolos por escalas. La imagen de El Patriarca prevaleció sobre el resto de las barajadas por esa elección consensuada. “Tomar una decisión siempre es difícil. Los artistas tenemos una visión sobre nuestras obras que están condicionadas, por eso prefería que fueran otros quienes en este caso la eligieran”.

El libro de Fernando Pessoa le atrajo también por su escritura repleta de aforismos, “que te permite dejarlos y no pasa nada”. Los recorridos de Bernardo Soares por la baja Lisboa, trasunto del escrito, sintió Soledad Sevilla que tenía que vivirlos, de ahí los “muchos paseos que hice por allí”. Algo parecido a lo hecho en Valencia para crear su mural, aunque aquí fue “más fácil porque son los recorridos de mi infancia y había una urgencia que en Lisboa no tenía”, concluyó quien se congratuló de lo “muchísimo” que había mejorado la presencia de la mujer en el arte.

Soledad Sevilla, junto a su obra 'El Patriarca', en la fachada del IVAM.

Salva Torres

El año convulso en que nació el IVAM

1989. El fin del siglo XX
IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Hasta el 15 de junio de 2019

“Buscamos en portadas de periódicos lo que sucedió ese año”. Así fue como Sandra Moros y Sergio Rubira empezaron a trabajar en la exposición 1989. El fin del siglo XX, que pretende contextualizar el nacimiento del IVAM en su 30 aniversario. A partir de acontecimientos tan relevantes como la caída del muro del Berlín, la Revolución de Terciopelo acaecida en la antigua Checoslovaquia, el final del régimen del apartheid en Sudáfrica, la fetua del ayatolá Jomeini contra el escritor Salman Rushdie, la matanza de Tiananmén, la apertura del bloque soviético o la crisis del sida, se muestran cerca de 200 obras de 80 artistas realizadas en 1989 a modo de evocación artística de cuanto sucedía en aquel convulso año.

“Hay artistas como Sophie Calle o Juan Muñoz que pensamos que tenían que estar, y otros que no han podido venir porque sus obras estaban comprometidas o eran muy frágiles para traerlas”. Y Rubira cita los casos de Rober Gober (Tate Modern) y Rachel Whiteread (Museo Gulbenkian), el primero porque la pieza de cera que pretendían era “demasiado frágil” y la segunda, “porque la obra pesaba mucho y no se podía trasladar”. Son excepciones que apenas alteran el brillante recorrido expositivo que viene a dar fe del nacimiento igualmente glorioso del IVAM, el museo valenciano que abrió el melón de la posterior cascada museística.

Obra de Tracey Moffat. Imagen cortesía del IVAM.

Obra de Tracey Moffat. Imagen cortesía del IVAM.

Las obras mostradas reflejan el carácter convulso de un año marcado sobre todo por la caída del muro de Berlín. Tres décadas después, otros muros vuelven a levantarse. “Sí, parece que hay un carácter cíclico de la sociedad”, apunta Sandra Moros, mientras atiende asuntos relacionados con el montaje de la exposición que hoy se inaugura. “Se habló del fracaso de las revoluciones, al tiempo que el capitalismo feroz se declaraba triunfante. Eso es algo que estamos viendo ahora. Aparecen nuevas formas de disenso”, subraya Sergio Rubira, para apostillar: “Parece que no hemos aprendido”. “Siempre existe la necesidad de renovación o de poner en cuestión ciertos valores”, añade Moros.

Las portadas de los periódicos de las que se han nutrido los comisarios de 1989. El fin del siglo XX, para contextualizar los 30 años del IVAM, se traducen finalmente en la selección de un conjunto de obras “todas ellas fechadas en el 89” y que han sido dispuestas por “diversos motivos que permiten establecer conexiones”. “No está estructura por temas”, remarca Moros, quien destaca la presencia de la muerte como una de las constantes de la exposición. La crisis del sida, enfermedad que por entonces causaba estragos, contribuye a ello. El fotógrafo Robert Mapplethorpe, presente en la muestra, fue uno de los artistas precisamente fallecidos ese año a causa del sida.

Libido Uprising, de Joe Spence. Imagen cortesía del IVAM.

Libido Uprising, de Joe Spence. Imagen cortesía del IVAM.

“Al cronificarse la enfermedad se ha olvidado. Los jóvenes no entienden qué es, porque ahora ya no es igual a muerte”, argumenta Rubira, a modo de explicación de esa cierta vuelta a lo mismo. “La idea de vanitas está muy presente, con ese tiempo detenido. También la idea del doble”, refiriéndose en este caso a la obra de Perejaume. Igualmente aparece la réplica, pero con matices, por “aquello que cambia en tanto no puede ser exacto”, con Pep Agut como ejemplo. Ese carácter de réplica obliga, pese a las similitudes, a establecer ciertas diferencias entre aquel año crispado y el no menos agitado presente.

“Somos más conscientes de lo que está pasando. Entonces, todo sucedió muy rápido y éramos incapaces de asumir lo que pasaba. Ahora nos hemos acostumbrado a esa aceleración y tomamos cierta distancia crítica”, explica Rubira. Sale el caso de las Guerrilla Girls, grupo de artistas feministas nacido en Nueva York en 1985 e igualmente presente en la exposición. Suya es la famosa interrogación: ¿Tienen que estar desnudas las mujeres para entrar en los museos? O su igualmente incendiaria declaración sobre la industria del arte, rechazando su trozo de pastel de una industria que pretenden dinamitar.

Obra de Vittorio Scarpati. Andy Keate por cortesía de Bill Stelling cedida por el IVAM.

Obra de Vittorio Scarpati. Andy Keate por cortesía de Bill Stelling cedida por el IVAM.

Sobre esa velocidad de los acontecimientos pasados, ahora ralentizados mediante la exposición que los evoca para situar el punto de partida del IVAM, habla Walter Benjamin en una cita recogida en el catálogo de la muestra: “La verdadera imagen del pasado se desliza veloz. Pues cualquier imagen del pasado que el presente no identifique entre sus preocupaciones se arriesga a desaparecer sin remedio”. El final del siglo XX, que Sandra Moros y Sergio Rubiela rememoran, carece de esa velocidad y fugacidad, puesto que han quedado firmemente arraigadas en el imaginario social.

Quizás menos sólidas en la memoria, pero igualmente importante para los comisarios, es recordar las exposiciones que por aquel entonces sobresalieron: Magiciens de la Terre, en París, The Other Story, en Londres, o la tercera bienal de La Habana, todas ellas abriendo el paso a nuevos artistas y “donde se rompe con la idea del arte según occidente”, precisa Rubira. Entre las cerca de 200 obras exhibidas, pertenecientes a colecciones privadas, fondos de galerías y algunas de la propia colección del IVAM (Pepe Espaliú y Javier Baldeón), figuran artistas como Antoni Abad, Félix González-Torres, Jeff Koons, Jo Spence, Keith Haring, Marlene Dumas, Nan Goldin, Zoe Leonard, Tracey Moffat, David Wojnarowicz, Harun Farocki o Mona Hatoum.

Something More, de Tracey Moffatt. Imagen cortesía del IVAM.

Something More, de Tracey Moffatt. Imagen cortesía del IVAM.

En paralelo a la exposición que contextualiza el nacimiento del museo, se inaugura El Caso de Estudio dedicado al propio IVAM, con piezas adquiridas al comienzo de su andadura. Ahí están los Julio González, Saura, Tàpies, Miralles, Sempere, Equipo Crónica, Carmen Calvo o Roberta González. “El mismo año de apertura ya se abre el IVAM a la contemporaneidad”, resalta Rubira. Un panel con casi 300 fotografías, de las 1900 reveladas, viene a recordar algunas de las inauguraciones de las 650 exposiciones contabilizadas hasta la fecha, y escenas de sucesivos montajes, a las que se suman, en otro apartado, carteles de la época.

Como señalan los comisarios de 1989. El final del siglo XX, esa percepción del tiempo que transcurría veloz favoreció en el arte la aparición de ciertas estrategias: “Tácticas barrocas que actualizaban la figura retórica de la alegoría”, poniendo “al día las naturalezas muertas y las vanidades, otros bodegones difíciles a veces de reconocer como tales”. Y en medio de todos ellos, el IVAM, contenedor de una exposición que viene a ilustrar su alumbramiento hace 30 años.

Obra de Tseng Kwong Chi. Imagen cortesía del IVAM.

Obra de Tseng Kwong Chi. Imagen cortesía del IVAM.

Salva Torres

‘La ciudad imaginada’ más allá del IVAM

La ciudad imaginada
IVAM
Paradas de autobuses y mupis de València y Alcoi

El IVAM presenta el proyecto ‘La ciudad imaginada’ que propone a 10 artistas reflejar su ciudad imaginada en grandes carteles en las paradas de autobuses y mupis de València y Alcoi. Se trata de una propuesta pensada desde la fabulación crítica para inventar nuevos imaginarios sobre nosotros mismos, para “hacer nuevos mundos”. El objetivo del proyecto es reflexionar sobre el concepto de ciudad fuera de los muros del museo, llevando la creacion artística a los espacios públicos.

Los artistas que participan en el proyecto, pertenecientes a una misma generación y procedentes de diferentes partes del mundo, son Basma Alsharif, Ben Russell, Ad Minoliti, Iván Argote, Cristina de Middel, Nuria Fuster, David Ferrando Giraut, Daniel Steegmann Mangrané, Rosell Meseguer y Regina de Miguel.

Abstracción geométrico-galáctica, de Ad Minoliti. Imagen cortesía del IVAM.

Abstracción geométrico-galáctica, de Ad Minoliti. Imagen cortesía del IVAM.

El proyecto, comisariado por Johanna Caplliure, toma como inspiración la expresión “hacer mundo”. Una noción que desarrolló el pensador alemán Martin Heidegger en su proyecto filosófico a mediados del siglo xx. En él viene a decir que el mundo es lo que ocurre. Esta noción da cuenta de la existencia del ser humano en un mundo en plena acción y constante transformación.

Al igual que la pensadora feminista Donna Haraway, nos apropiamos de un concepto evocador como es worlding: “Hacer mundo”. Es decir, hacer un mundo donde se ven mezclados “lo factual, lo ficcional y lo fabulado”, según la estadounidense, en una narración fabulada sobre lo que somos y podríamos ser. Y que además construye una mirada especialmente crítica. De esta manera, imaginamos mundos, pensamos en nuestro mundo y hacemos nuestras ciudades.

Imagen cortesía del IVAM.

Giza, de Basma Alsharif. Imagen cortesía del IVAM.

De este modo lo han llevado a cabo los artistas que fueron invitados a participar. Así, comenzaríamos un recorrido entre la ciudad de Alcoi y Valencia que tendría su origen en la fundación de una ciudad (Fundación), los aspectos integrantes y constitutivos de esta a través de sus reliquias (Giza) y sus fantasías compuestas por visiones íntimas (Luces gnósticas); la efervescencia de nuevas formas de comunidad (NISTEN) o su vida natural subterránea como línea genealógica (Notes from Underground); el palpitante mundo vegetal, así como la fauna en permanente disputa frente al aberrante aniquilamiento en época del Antropoceno (Nuevos Estudios).

Pero, también, las nuevas construcciones en colmena (Liking to live in America), el alzamiento de estructuras que unifiquen a los individuos (Puente), o aquellas que diseñan un mundo extrañamente real (OVNI PBK9). Sin perder de vista la manera en la que podría constituirse un nuevo individuo multiespecie (Abstracción geométrico-galáctica).

Luces gnósticas, de David Ferrando Giraut. Imagen cortesía del IVAM.

Luces gnósticas, de David Ferrando Giraut. Imagen cortesía del IVAM.

«Todos los artistas hacemos autorretrato»

‘Embody’, entrevista a Elvira Carrasco
Galería Mark Hachem
28 Place des Vosges, París
Del 18 al 28 de diciembre de 2018

La artista Elvira Carrasco, nacida en Cuenca pero afincada en Valencia, proviene de una familia donde la influencia cultural fue una constante desde que era pequeña. Decidió estudiar Historia del Arte pero en los últimos años su faceta artística ha resurgido y, a partir de su formación fotográfica en Londres, entró en la escena artística con su característico ‘Faces project’. Este proyecto llama la atención por lo versátil y colorido, así como por la aplicación del “conócete a ti mismo”. Su obra puede encontrarse en distintas galerías repartidas por la geografía española e internacional. En Valencia, sus obras puedes encontrarse en la Galería Maika de Valencia. Si bien Elvira produce su su obra principalmente en Valencia, tiene una gran repercusión en el extranjero, contando con el apoyo de galerías extranjeras como Mark Hachem, donde se expondrá su obra con motivo de la exposición ‘Embody’. Makma contacta con ella para acercarse un poco más a su producción.

Sé que probablemente es una pregunta que te hacen mucho pero ya que me gustaría empezar por tus estudios, ¿cómo influye a la hora de tomar referentes en tu producción el hecho de ser Historiadora del Arte?

Influye de manera muy contundente. Por supuesto, un rico y amplio conocimiento de la Historia del Arte, te ayuda a poder crear algo nuevo partiendo de tus predecesores e incluso contemporáneos. Me he dedicado durante, los años previos a “Faces Project”, a estudiar a fotógrafos creativos que me dieron una visión totalmente diferente de lo que para mí, hasta entonces, había sido la fotografía. Descubrí un mundo nuevo, lleno de posibilidades y quise, por supuesto, añadir mi granito de arena al mundo del arte con un proyecto innovador, que aportase algo distinto a lo ya conocido y realizado. Trabajé con varios proyectos hasta decantarme definitivamente por el actual y darle mayor protagonismo en mi carrera. Sin embargo, a pesar de estar más focalizada en fotógrafos en estos últimos años, cierto es que durante la carrera aprendí muchísimo sobre artistas, sus épocas, vivencias y producción; llamándome la atención numerosos de ellos, aunque no fue hasta que terminé mis estudios cuando me di cuenta de que yo quería formar parte de esta apasionante historia.

'Panacea'. Imagen cortesía de la artista.

‘Panacea’. Imagen cortesía de la artista.

En tu obra podemos ver como unes diversas técnicas (body painting, fotografía, dibujo…) para lograr un resultado final que, en realidad, aparenta ser muy improvisado…

En cada autorretrato doy una parte de mí. Ciertamente parece improvisado y, hay que darle rienda suelta a la improvisación, al nervio que te corre por el cuerpo a la hora de enfrentarte al “lienzo en blanco”, en este caso, mi rostro. Antes de comenzar cada obra, analizo y pienso qué colores quiero emplear, qué quiero transmitir a través de ellos y, no nos olvidemos, del papel tan importante que tiene la mirada en mis fotografías, te lleva a sentimientos y sensaciones placenteras o inquietantes. Juego con bocetos, anotaciones, composiciones de color. Pienso qué quiero conseguir y a dónde quiero llegar y después, el “nervio” o comúnmente llamado “genio creativo” hace su trabajo. No sé cómo explicar lo que se siente cuando vas a pintar o a crear algo, incluso a recitar un poema que sientes que te atraviesa el pecho… Es energía, vibración, miedo, angustia, frenesí y, el conjunto de todas esas emociones y sentimientos, ayudan a la ejecución de la obra.

Recientemente has empezado a trabajar la escultura en ‘Faces Project’, ¿cómo te estás enfrentando a este nuevo reto?

Pues con muchísima ilusión. Era algo que llevaba bastante tiempo pensando, dándole vueltas en mi cabeza para encontrar el mejor modo de conseguir esculturas para poder pintarlas como hago actualmente. Como suelo decir, son mis pequeñas joyas que produzco como complemento para seguir investigando “Faces Project” y materializar algo que, en mi rostro, acaba siendo fugaz. Además, esta técnica me permite también añadir complementos (ramas, huesos, collage…) a las figuras, lo cual me resulta extremadamente creativo y revitalizante.

Aunque la técnica cambie, el soporte siempre es el mismo: tu rostro. El uso del cuerpo y su experimentación en el arte está ligado muchas veces al concepto de identidad, ¿es este tu caso?

Considero que cuando un artista trabaja, ya sea consigo mismo o sobre un lienzo, está dándole al espectador (y por qué no, a sí mismo) un hilo del que tirar en cuanto a su personalidad se refiere. Todos los artistas hacemos autorretrato. Nuestras obras son parte de nosotros mismos, de nuestro interior y de nuestro propio mundo. Por supuesto que creo fielmente que los artistas nos cuestionamos cosas que para el resto del mundo seguramente pasen desapercibidas, tenemos dudas existenciales, cuestiones acerca de quiénes somos y por qué hacemos lo que hacemos para seguir vivos. El arte es un veneno que te ayuda a seguir hacia delante, es la mecha que enciende cada uno de nuestros días.

El autorretrato contemporáneo tiene muchas versiones. Por ejemplo, Cindy Sherman lo utilizó en su momento desde una perspectiva feminista, o Gillian Wearing con sus máscaras para mostrar la sociedad actual oculta; ¿te interesa explotar el autorretrato desde varias perspectivas?

Me interesa el autorretrato en todas sus versiones. Recuerdo que fui al IVAM de Valencia a ver la exposición que se hizo de Gillian Wearing y quedé realmente fascinada. Es una gran artista, me transportó a otro mundo, algo que grabo con gran ilusión dentro de mí. Incluso recuerdo la escultura de una de sus manos, también recuerdo los vídeos en los que la gente hablaba de sus miedos, inseguridades y preocupaciones, siempre dentro de una máscara que tapase su identidad. Creo que tanto Wearing como Sherman han abierto un gran debate en cuanto al autorretrato se refiere. Yo, sin embargo, podría hablar del autorretrato como soporte, como lienzo, dándole también valor a la obra de Yves Klein cuando utilizaba a esas mujeres llenas de pintura para sus creaciones. Lo tomo como el lienzo sobre el que expresaré con abstracción, forma y color, un mundo de posibilidades. Sin embargo, hay algo en lo que sí quiero hacer énfasis y es el uso de la mirada como referente, punto de encuentro entre el espectador y yo, de conexión mutua, como podría verse en los ojos de cualquier personaje de un museo, atravesando el lienzo.

'The Garden'. Imagen cortesía de la artista.

‘The Garden’. Imagen cortesía de la artista.

Hay algo de performático que, unido al concepto de lo efímero, hace que ‘Faces project’ pueda interpretarse desde lo multidisciplinar…

El proyecto abarca diferentes disciplinas artísticas. Se trata de una performance oculta al público, desde la soledad e intimidad de mi estudio, que se materializa en forma de fotografía. La pintura del rostro acaba formando parte del olvido, muy a mi pesar, y cambia de estado del propio cuerpo al soporte fotográfico. Sin embargo, todo este proceso, para mí, es un ritual, un momento en el que me encuentro sola conmigo misma, delante de diferentes pinturas, pigmentos y colores con los que realizaré un baile para conseguir mi objetivo final, el momento en el cual decido que la obra está preparada para ser fotografiada. A pesar de dicha soledad, sí que me planteo hacer performance delante de un público, algo que espero no tarde mucho en producirse.

¿Puedes adelantarnos algo de tus próximos proyectos?

Ahora mismo estoy ultimando detalles antes de empezar el nuevo año. 2019 viene cargado de viajes y nuevas exposiciones importantes para mi carrera, además de ferias de arte. Milán, Taiwán, Barcelona o Nueva York son algunas de las ciudades que puedo adelantar. En cuanto a ‘Faces Project’, sigo investigando cada día una nota nueva, sé que en mi cabeza todavía quedan miles de melodías por tocar y es eso lo que al final continúa moviendo mi motor.

¿Qué opinas sobre el panorama actual artístico?

El arte actual está colmado de sabiduría y experiencias. Los artistas más jóvenes nos movemos en los mundos de la tecnología y las redes sociales, lo cual nos permite exponer nuestro trabajo de forma eficiente. Miles y millones de personas estamos conectadas a través de aplicaciones en las que subimos nuestras creaciones para que un porcentaje elevado de gente pueda saber qué hacemos, cómo y por qué. El mundo está cada vez más globalizado, tendemos a unirnos cada vez más. Considero que, el estudio incansable de la Historia del Arte (desde sus inicios hasta hoy) llena de posibilidades una esfera que necesita artistas nuevos, apasionados y hábiles para llegar a las grandes galerías del mundo. Me considero afortunada por estar entrando en este bucle, tan importante a la vez que sufrido, en el que todo se convierte en una lucha constante del propio ser humano.

El giro constante del planeta nos lleva a los artistas a producir, pensar, viajar, distribuir y, poco a poco, crear una atmósfera reconocible y seria que pueda ser entendida por el público en general.

'Rock Gold'. Imagen cortesía de la artista.

‘Rock Gold’. Imagen cortesía de la artista.

Con esta reflexión sobre la hiperconexión actual y su ya inevitable incursión en gran cantidad de producciones artísticas, Elvira Carrasco presenta su personal proyecto ‘Faces project’ haciendo hincapié no solo en la parte técnica, sino en aquella que explora sus inquietudes, profundizando en la historia de la retratística y siempre con nuevos proyectos en mente. Para más información, se puede consultar su web www.elviracarrasco.com

María Ramis.

AVVAC reclama al IVAM el libre acceso de artistas

II Jornadas sobre profesionalización en las artes visuales
Centre del Carme de Cultura Contemporània (CCCC)
23 y 24 de noviembre de 2018

Durante las II Jornadas sobre profesionalización en las artes visuales, que han tenido lugar el pasado viernes 23 y sábado 24 de noviembre de 2018 en el Centre del Carme de Cultura Contemporània, numerosos participantes –artistas, gestores, críticos y ponentes– marcharon desde este centro hasta el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM), para hacer entrega de una carta de petición en este sentido.

La misiva iba firmada por la actual presidenta de la Unión de Artistas Contemporáneos de España (UNIÓN_AC), Consuelo Vallina, integrante a su vez de la International Association of Art (IAA), organización que agrupa a las asociaciones de artistas de la Unión Europea y de la que forma parte AVVAC.

Esta acción, consistente en la entrega de una veintena de ejemplares de la mencionada carta, dirigida al director del IVAM, José Miguel G. Cortés, tiene la intención de que se desbloquee el acuerdo por el que las/los artistas de AVVAC y del resto de asociaciones federadas a la UNIÓN_AC vuelvan a tener libre acceso al museo, tal y como ocurría en el pasado. Según la direc- ción del IVAM, este incomprensible retraso se produce debido a cuestiones burocráticas, mientras que desde AVVAC se empieza a perder la paciencia, en tanto que dicho trámite empieza a contarse por años.

Un instante de la concentración de miembros de AVVAC a las puertas del IVAM. Fotografía cortesía de la asociación.

Un instante de la concentración de miembros de AVVAC a las puertas del IVAM. Fotografía cortesía de la asociación.

Máxime cuando, además, y contraviniendo la filosofía de transparencia que parecen imponer los tiempos, recientemente, con la aprobación de la nueva Ley del IVAM se han marginado de su consejo asesor a las asociaciones profesionales del sector, entre ellas AVVAC, cuestión sobre la que se mantiene una negociación destinada a encontrar una solución adecuada, siendo uno de los temas tratados en la última reunión que mantuvo AVVAC con la Consejería de Cultura, el pasado 19 de septiembre (https://www.makma.net/compromiso-de-albert-girona-con-avvac/).

Con gran éxito en la convocatoria y en la calidad de las ponencias, las jornadas celebradas en el Centre del Carme Cultura Contemporània de València, se ha conmemorado el décimo aniversario de la creación de la asociación Artistas Visuals de València, Alacant i Castelló (AVVAC), colectivo   que se ha destacado en el esfuerzo por la defensa de los intereses profesionales de las/los artistas y en el impulso al conocimiento y la promoción del arte contemporáneo.

Dos jornadas donde han tenido lugar diversas mesas y talleres, contando con la participación de profesionales, colectivos y asociaciones de distintos ámbitos del arte, cultura y educación de distintos puntos de la Comunidad Valenciana, sobre temas como la aplicación de las Buenas Prácticas en el sector, la enseñanza de las artes, la gestión cultural, talleres prácticos, fiscalidad, Estatuto del Artista y otros, que han servido para cohesiones y aglutinar a las/los artistas e interesados en el mundo del arte y la cultura, en defensa de los intereses comunes del sector.

Con la sala llena, desafiando al clima y como colofón de las jornadas, se celebró una performance donde, en tono festivo y reivindicativo, se concedieron los primeros premios AVVAC, a través de una acción a cargo del artista Graham Bell.

Diversos miembros de AVVAC muestran la misiva firmada por la presidenta de la Unión de Artistas Contemporáneos de España (UNIÓN_AC) a las puertas del IVAM. Fotografía cortesía de la asociación.

Diversos miembros de AVVAC muestran la misiva firmada por la presidenta de la Unión de Artistas Contemporáneos de España (UNIÓN_AC) a las puertas del IVAM. Fotografía cortesía de la asociación.

AVVAC

 

Sempere inaugura el IVAM de Alcoy

Retrospectiva de Eusebio Sempere
IVAM
Centre d’Art d’Alcoi (CADA)
C / Rigobert Albors, 8. Alcoi (Alicante)
Inauguración: Viernes 16 de noviembre de 2018

El Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) ha inaugurado su nueva sede en Alcoy con la retrospectiva dedicada a la figura de Eusebio Sempere (Onil, Alicante, 1923-1985), organizada junto con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, donde se ha exhibido entre abril y septiembre de 2018.

Vista de la retrospectiva de Eusebio Sempere en el CADA de Alcoy. Imagen cortesía del IVAM.

Vista de la retrospectiva de Eusebio Sempere en el CADA de Alcoy. Imagen cortesía del IVAM.

La exposición revisa las aportaciones estéticas más personales de este artista al arte español e internacional del siglo XX. En ella se destaca su papel fundamental en el desarrollo y evolución de la abstracción geométrica y las tendencias ópticas y cinéticas.

Se trata de un recorrido por tres décadas de trabajo de Sempere, desde 1949 hasta 1981, con una selección de 145 obras, que incluye acuarelas, gouaches, relieves luminosos, collages, pinturas, móviles, esculturas y proyectos interdisciplinares, y se completa con un apartado documental formado por fotografías, libretas y cuadernos, recortes de prensa, catálogos, almanaques y diversas publicaciones, que ayuda a comprender y contextualizar su trayectoria artística.

Fachada del CADA de Alcoy. Imagen cortesía del IVAM.

Fachada del CADA de Alcoy. Imagen cortesía del IVAM.

Las piezas proceden de numerosas colecciones particulares, de fondos públicos y centros de arte que conservan conjuntos muy significativos de obras de Sempere, como el Museo Reina Sofía de Madrid, la Fundación Juan March, el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante, la Fundación Caja Mediterráneo y el propio IVAM.

Vista de la retrospectiva de Eusebio Sempere en el CADA de Alcoy. Imagen cortesía del IVAM.

Vista de la retrospectiva de Eusebio Sempere en el CADA de Alcoy. Imagen cortesía del IVAM.