“No me parece peyorativo ser un artista formalista”

No solo mires. Escucha. Pepe Gimeno Proyectos 2002-2017
E CA (Espai d’Art Contemporani ‘El Castell’)
Plaza Roja. Riba-roja (Valencia)
Hasta el 1 de octubre de 2017

Con motivo de la exposición retrospectiva de Pepe Gimeno en el E CA (Espai d’Art Contemporani ‘El Castell’) de Riba-roja, conversamos con el autor sobre su proceso creativo y sus motivaciones estéticas.

En tu faceta como diseñador estás obligado a ordenar los elementos para transmitir una información muy concreta. En tu vertiente de artista plástico, ¿cómo te planteas la composición de tus obras?

Tanto en mi trabajo plástico como en el artístico, la estructura nunca es aleatoria, siempre es intencionada y está elegida para que potencie la expresión del concepto que quiero transmitir. Me gusta trabajar con estructuras muy sencillas, lo que me lleva a trabajarlas mucho. Tanto es así que, en muchos casos, el interés de la obra recae en su totalidad en la composición. Eso me ocurre sobre todo cuando trabajo con materiales de desecho en los que no intervengo para nada en su forma y en su color, los utilizo tal cual los encuentro, por eso mi trabajo se concentra en ordenarlos y distribuirlos en el espacio.

Pepe Gimeno, en el centro de blanco, en la inauguración de su muestra retrospectiva en el E CA de Riga-roja.

Pepe Gimeno, en el centro de blanco, en la inauguración de su muestra retrospectiva en el E CA de Riga-roja. Imagen cortesía del Espai d’Art Contemporani El Castell.

¿Temes ser tildado de artista formalista?

No me parece nada peyorativo ser un artista formalista. Pienso que el arte cuya importancia radica única y exclusivamente en el concepto, tan de moda en los últimos años, está sobrevalorado y además no me interesa demasiado. Al arte llegamos a través de la vista y la razón por lo que la obra debe estar creada con la finalidad de satisfacer y estimular ambas acciones, la de ver y la de razonar. En el ámbito literario, escribir una novela exige al escritor no solo narrar una historia interesante sino que además debe estar bien escrita para que nos plazca leerla. El dominio de los elementos visuales que componen la obra, que en este momento están tan infravalorados, es tan complejo que su estudio justifica en ocasiones un trabajo “formalista”, como dices. Quizás el equívoco está en que se asocie el formalismo con el trabajo de los que no tienen nada que decir.

¿Cómo se hace para escuchar con la mirada?

La música y la pintura comparten una serie de elementos que las convierten en disciplinas muy próximas. No es extraño que oigamos hablar tanto en música como en pintura de color, de ritmo, de espacios, de cadencias, de silencios o de espacios en blanco, etc… Es decir, ambas disciplinas utilizan conceptos muy similares pero cada una los resuelve con recursos diferentes para que puedan ser percibidos a través de distintos sentidos, la vista y el oído.

Cuando presenté en el IVAM mi proyecto Grafía callada, el músico Joan Cerveró, que participó en el catálogo, me indicó que muchas de las obras que componían la exposición se podían leer musicalmente. Al principio me sorprendí. Yo no había caído en la cuenta y no era consciente de esa lectura de la obra. Pero poco a poco me fui dando cuenta de que tenía mucha razón.

Mucho tiempo después conocí a la compositora Sonia Megías y me propuso que preparáramos una video partitura a partir de una de la piezas de Grafía callada. De ahí nació Grafía cantada, una obra en la que el CoroDelantal codifica los elementos visuales de la pieza y los traduce a sonidos. Un proyecto muy interesante con una clara intención de hacer oír lo que se ve.

Vista de la exposición de Pepe Gimeno. Imagen cortesía del E CA de Riba-roja.

Vista de la exposición de Pepe Gimeno. Imagen cortesía del E CA de Riba-roja.

Alambres, trozos de madera, objetos cotidianos rotos. Todos estos elementos que recoges en la playa acaban formando parte de tus trabajos plásticos. ¿Qué te lleva a recuperar y reciclar la memoria de esos desechos?

Para mí el material de desecho es muy inspirador. Al margen de las intenciones éticas y de denuncia ambiental que mueven claramente el proyecto, existen otras razones que me motivan a volver a trabajar una y otra vez con este tipo de materiales.
En primer lugar la poética y lo sugerente que me resulta trazar un recorrido imaginario de la historia de cada una de las piezas. En segundo lugar, las texturas, formas y colores que contienen. Siempre intento aplicarlas intactas a las obras, exactamente tal como las encontré. Nunca las deformo, ni las pinto, ni las modifico. Solo las uno, las ordeno y las compongo en el espacio. Por último, me resulta un continuo reto ayudar a este material a dar el paso en esa transfiguración que supone pasar de formar parte de la basura a convertirse en una pieza con interés visual.

¿Cómo te sientes al escapar de los medios tecnológicos e informáticos que imperan actualmente en el diseño?

Por mi trayectoria y mi edad siempre me he sentido cómodo trabajando en el mundo analógico. Ese ha sido el entorno en el que me he formado. El mundo digital me cayó encima con una cierta madurez y he intentado aprovechar las ventajas que ofrece, que son muchas, pero mi relación directa con los materiales, su escala, su tacto y su manipulación es muy importante para mí. El mundo analógico y digital son absolutamente complementarios y enriquecen y facilitan mucho el trabajo creativo. No me parece mejor uno que otro, simplemente son distintos y complementarios. Lo importante es saber elegir en el momento cual de los dos resulta el adecuado.

Vista de la exposición de Pepe Gimeno. Imagen cortesía del E CA de Riba-roja.

Vista de la exposición de Pepe Gimeno. Imagen cortesía del E CA de Riba-roja.

Siempre has destacado la importancia de la tipografía en el apartado gráfico. Una de las vertientes del proyecto Grafía callada es un libro de caracteres ilegibles que se publicó en 2004. ¿Qué buscabas usando esa tipografía tan particular?

El diseño gráfico es una profesión que se encuentra situada entre las disciplinas relacionadas con la comunicación, como el marketing y la publicidad y las disciplinas artísticas, con las que comparte el lenguaje plástico, como la fotografía, la ilustración, la pintura… Ninguna de estas disciplinas contempla el uso de la tipografía como eje central de su razón de ser. Solo al diseño gráfico le resulta imprescindible su manejo dentro de su actividad. Claramente la tipografía es el elemento que por excelencia distingue al diseño gráfico del resto de disciplinas artísticas. De ahí mi lógico interés por ella.

Grafía callada es un proyecto de gráfica experimental. Nace con el propósito de ser un libro con todas las partes clásicas que lo componen, portada, guardas, portadilla, índice… pero un libro realizado únicamente con materiales encontrados en la playa y en el que no se puede leer una sola palabra.

Un libro que habla sobre la escritura y el signo y que no se puede leer gramaticalmente, solo visualmente. Las escrituras que allí aparecen son inventadas, no corresponden a ningún alfabeto preexistente. No están hechas con la intención de ser leídas. Es un ejercicio de análisis de las formas en el que me interesaba por las distintas estructuras que componen los caracteres de ciertos alfabetos, cúales pueden ser los códigos para crear uno nuevo y las características que reúnen la mayoría de los alfabetos que conocemos.

Vista de la exposición de Pepe Gimeno. Imagen cortesía del E CA de Riba-roja.

Vista de la exposición de Pepe Gimeno. Imagen cortesía del E CA de Riba-roja.

En 2010 realizaste los Dibujos automáticos con los trazos y manchas que surgían de tu cabeza. ¿Qué imagen de tu inconsciente sacaste con ese proyecto?

Lo de los Dibujos automáticos es una actividad que llevo realizando desde hace más de cuarenta años. Es el tipo de obra que llevo más tiempo realizando. El situarme delante de un espacio en blanco con un pincel y pintura negra a mano es una actividad que me encanta. Actúo de forma automática e inmediata. Son dibujos realizados muy rápido y sus formas son totalmente inconscientes y aleatorias.

Este ejercicio, que se completa con un análisis posterior de los resultados y en el que acabo dotando a cada dibujo de un formato y composición determinada, me ha sido de gran ayuda para trabajar con el material de desecho. En esta segunda parte de racionalización de los Dibujos automáticos actúo de forma similar a cómo lo hago para ordenar y dar sentido al material  de desecho.

Un libro, esculturas, pinturas e, incluso, la vídeo-partitura de Grafía cantada. ¿Qué te impulsa a usar cada  una de estas técnicas?

Mis proyectos y mis retos personales siempre esconden el deseo de dar respuesta a una o varias preguntas. Cuando empecé con el material de desecho me preguntaba que haría yo si me encontrara perdido en medio de la nada, sin ningún recurso ni tecnología y con la necesidad que tengo de expresarme.

Cuando empecé con Grafía callada me preguntaba se era posible realizar un libro sin una sola palabra que se pudiera leer. Empecé a trabajar esculturas por preguntarme si era capaz de convertir en esculturas todos los alambres que contenía una bolsa verde que me habían regalado. La pintura, con el reto de trasladar y potenciar la expresión de algunas esculturas a las dos dimensiones. Y así siempre, cada proyecto surge como respuesta a alguna pregunta.

Pepe Gimeno en una imagen del interior del catálogo editado de su exposición. Imagen cortesía del E CA de Riba-roja.

Pepe Gimeno en una imagen del interior del catálogo editado de su exposición. Imagen cortesía del E CA de Riba-roja.

Por último, ¿Qué referencias artísticas han influido en tu trabajo? ¿Qué otras disciplinas y autores te sirven de inspiración?

Toda mi vida he sido un amante del arte. He visto y observado obras de toda época, tendencia y condición. Toda en su conjunto creo que tiene su parte de influencia en mi trayectoria. Pero creo que debo mucho a las últimas vanguardias del siglo pasado. Ha sido una época muy interesante del arte, con muchas propuestas y muchísimo contenido para desgranar.

Me interesa y me inspira todo lo que tenga que ver con el ingenio humano. Desde como está solucionado el plegado de un packaging a como está solucionada una caricatura con tres rasgos. Hay mucho donde aprender y admirar en cosas muy sencillas. Solo es necesario tener los ojos abiertos y mirar preguntando.

Irene Gómez

«Me atraen ciertos modos de experimentar el entorno»

Vigilias, de Toni Cucala
Espai d’Art Contemporani ‘El Castell’ (E CA)
C / Cisterna, 28. Riba-roja del Túria (València)
Hasta el 25 de junio de 2017

Al hilo de la exposición ‘Vigilias’ de Toni Cucala con la que se ha inaugurado en Riba-roja el nuevo centro de arte E CA (Espai d’Art Contemporani ‘El Castell’), hablamos con el autor de sus motivaciones artísticas y del carácter contemplativo de sus obras, unas piezas que surgen a partir de la relación de su cuerpo con el entorno para despertar niveles de consciencia y de conexión con lo transcendente. En la serenidad silenciosa de las salas del E CA, las obras de Cucala invitan al espectador a detener la mirada, a explorar las diferentes capas de realidad y a descubrir el verdadero sentido de nuestra relación con el mundo.

¿Cómo surge el proyecto Vigilias?

En realidad se trata de una interpretación bastante libre por mi parte del concepto de “vigilia” que desarrolla María Zambrano en sus escritos. Mi visión de las vigilias está relacionada con cierto modo de experimentar algunas realidades, acontecimientos que de pronto se muestran y que sólo puedes ver si estás atento, despierto. Se genera un extraño espacio en ese mundo de soledades que de pronto cobra vida y despierta en mí la necesidad de aprehenderlo, de estar en ese lugar y reproducirlo con mis manos, con mi tiempo y mi cuerpo. Engendrarlo de nuevo. A mí me resultan vitales, en el sentido de que generan lugares de vida.

Obra de Toni Cucala en la exposición 'Vigilias'. Imagen cortesía del E CA de Riba-roja.

Obra de Toni Cucala en la exposición ‘Vigilias’. Imagen cortesía del E CA de Riba-roja.

¿Se pueden definir como momentos de revelación mística? ¿Son tus obras vehículos de conexión con lo transcendente?

Me gusta intuir ese territorio latente desde donde se pueden generar piezas limpias. Quizá lo transcendente estriba en hacer surgir, en desvelar en los objetos un acontecimiento que hasta hace poco solo me pertenecía a mí.

En tu obra, el cuerpo juega un importante papel. ¿Puedes explicarnos tu proceso de trabajo?

Me resultan atractivos ciertos modos de experimentar el entorno. Sentir cómo a partir de las facultades y los límites de mi cuerpo me conecto con otras realidades que se revelan ante mí. Por ejemplo, pasear entre pinos y comprobar los cambios que se operan en el paisaje a medida que avanzo. Cómo a cada paso que doy se genera un paisaje distinto. Se trata de algo que viene de muy lejos y que autores como Maderuelo han tratado en sus ensayos, situando su génesis en la fascinación de los poetas de la China medieval por la belleza del paisaje o en la subida al Monte Ventoso de Petrarca.

Algunas piezas también han surgido a partir del espacio que puedo abarcar con los brazos extendidos. Para conocer los límites de ese espacio, su tamaño y forma, realicé una acción trazando en una pared las líneas de ese límite con unos carbones en las manos. El dibujo resultante presentaba la forma de una mandorla, lo que fue un descubrimiento precioso en sentido estricto: las mandorlas que rodean a las divinidades en los pórticos de las catedrales, las representaciones de la Virgen… esa zona donde se encuentra el límite entre lo sagrado y lo humano. En mi caso, el dibujo trazado en la pared revelaba un lugar de cobijo que me alberga y me protege. Intuyo que el nimbo dibujado puede ser también mi limbo de vida. En definitiva la almendra con su cáscara es una metáfora de esta sensación. No sé, es como si todo cuadrara perfectamente, pero solo en el ámbito de la poesía.

Obra de Toni Cucala en la exposición 'Vigilias'. Imagen cortesía del E CA de Riba-roja.

Obra de Toni Cucala en la exposición ‘Vigilias’. Imagen cortesía del E CA de Riba-roja.

Una visión muy mística y espiritual…

Sí, pero también es una visión muy física y matérica. Por ejemplo, en una de las piezas identifico la sangre que corre por mi brazo, que es de color esmeralda, con el horizonte del mar. En otro caso, experimento la cantidad de agua de mar que cabe en la palma de mi mano, que se queda allí sin desbordarse…  Se trata de un hecho físico y visual que atrapa poderosamente mi atención y, sin saber muy bien por qué, me lleva a proyectarme a otros lugares. En realidad todo convive en mi cabeza de forma simultánea. Es como una amalgama de pensamientos y sensaciones que resultan complejas de explicar en palabras.

La formalización de esos momentos de vigilia son finalmente obras y objetos de formatos muy diversos. 

Las formas que surgen están vinculadas a cada situación en concreto, a momentos muy diferentes. Quizás esto explica la diferencia formal entre las piezas; la representación del cruce entre los límites de dos olas requiere que se acometa de forma distinta a la reproducción de una corona de espuma. En este último caso, he contemplado un proceso de síntesis que aglutina todas las posibilidades de coronas, concentradas en una única forma, una especie de icono y de concepto. De este modo tiendo a apartarme de la representación y el objeto adquiere protagonismo. Además se acerca más a la idea que quiero transmitir, despojándola de su carácter eventual o contingente.

Vigilias, de Toni Cucala. Imagen cortesía del E CA de Riba-roja.

Vigilias, de Toni Cucala. Imagen cortesía del E CA de Riba-roja.

Tu obra pictórica ha evolucionado mucho en cuanto a técnicas y formatos…

El formato en el que se ha desarrollado la pintura ha cambiado mucho respecto a las técnicas tradicionales. En mi caso ha surgido de una forma muy natural, aunque siempre desde los valores pictóricos. En 2013 ya presenté en la sala de exposiciones del Ayuntamiento de Valencia unos dibujos de papel teñido de rojo recortados con la forma que adoptaban muchas de las manchas que constituían los cuadros. Como si despegaras la veladura de la tela y la dejaras exenta en la pared. Esto me llevó a trabajar con otros materiales que permitieran presentar formas exentas y transparentes. Trabajé con metacrilatos, resinas epoxi, etc. Debido a estas necesidades procesuales, mi taller ha visto desfilar moldes, silicona, aluminios, contrachapados, madera de ayous y ya últimamente alabastro, escayola y caucho. Pero el modo de acometer las piezas siempre es muy pictórica. Yo pienso las formas recortadas como soportes que luego pinto. De hecho, la ficha técnica de algunas de ellas continua siendo óleo sobre tabla. En cuanto a la resina epoxi, es una evolución de las veladuras tradicionales, que se realizan también con resina dammar.

¿Cuáles son tus referencias artísticas?

En las obras que se muestran se puede reconocer mi interés por los trabajos de Jean Arp, Kenneth Noland o Ellsworth Kelly. También recuerdo que me quedé atrapado con las piezas de Artschwager cuando vi su trabajo en la exposición que hizo en el Retiro en 1989. Por otro lado, me resultan muy evocadoras las obras de Spalletti y la manera en que consigue generar espacios de contemplación con formas tan sencillas y colores tan contenidos. También hay otros artistas como Gary Hume, Richard Deacon, Alison Wilding o Martin Puryear cuyas propuestas me parecen muy interesantes.

Toni Cucala junto a una de las obras de su exposición en el E CA de Riba-roja. Fotografía: MAO

Toni Cucala junto a una de las obras de su exposición en el E CA de Riba-roja. Fotografía: MAO

Irene Gómez

El arte contemporáneo conquista Riba-roja

Espai d’Art Contemporani El Castell
C / Cisterna, 28. Riba-roja del Túria (València)
Mayo de 2017

Se trata sin duda de una gran noticia para el mundo del arte y la cultura que una población como Riba-roja de Túria, con algo más de 20.000 habitantes, apueste por el arte contemporáneo como dinamizador y motor de crecimiento social. Además, que la decisión haya sido tomada de forma unánime por el pleno del Ayuntamiento de esta población a partir de la propuesta presentada por un partido que se encuentra en la oposición (C’s), tiene todavía más mérito, especialmente cuando vemos que en ayuntamientos como el de Valencia, el área de Cultura anda dividida en demasiados frentes y sin líneas de avance definidas.

Vista del nuevo Espai d'Art Contemporani El Castell. Imagen cortesía de E CA.

Vista del nuevo Espai d’Art Contemporani El Castell. Imagen cortesía de E CA.

En Riba-roja, el E CA, Espai d’Art Contemporani ‘El Castell’ ha empezado a andar, abriendo sus puertas hace unas semanas con el objetivo de descentralizar la actividad artística (excesivamente focalizada en las grandes capitales) y convertirse a medio plazo en lugar de referencia donde poder descubrir propuestas artísticas interesantes y de calidad. Tan sólo han necesitado ocho meses para ponerlo en marcha.

En palabras del principal impulsor del proyecto, Paco Caparrós (concejal de Ciudadanos y también artista fotógrafo), “el E CA quiere ser una ventana abierta a propuestas artísticas y culturales contemporáneas de vanguardia, donde mostrar lo más fresco del trabajo de creadores que desarrollan proyectos serios y coherentes”.

Responsables y miembros del consejo rector del Espai d'Art Contemporani El Castell. Imagen cortesía de E CA.

Responsables y miembros del consejo rector del Espai d’Art Contemporani El Castell. Imagen cortesía de E CA.

Se están sentando las bases para que sea un centro de largo recorrido y no sucumba a las veleidades políticas o a los proyectos unipersonales: se ha nombrado un comité asesor para encaminar las líneas de programación, un colectivo que está formado por acreditados expertos en arte, entre los que figuran José Luis Cueto (vicerrector de Cultura de la UPV), Roman de la Calle (Catedrático de Estética), Rafael Alcón (presidente de la Fundación Bancaja), el artista José Sanleón, el coleccionista Carlos P. de Miguel, o el ex director de la galería Edgar Neville de Alfafar, Enric Gómez.

También se está conformando un equipo que impulse las actividades del centro (programación, didáctica y difusión), que desarrolle su implantación en la comarca y que atraiga público al lugar. No está nada mal para empezar, aunque cabe decir que se echa en falta a mujeres en la composición del comité, así como gente más joven que generacionalmente esté más cerca de la creación actual (a excepción de uno, todos han rebasado los 60 años). Pero el proyecto tan sólo acaba de empezar y habrá que esperar un poco para ver cómo evoluciona.

Vista de la exposición 'Vigilias' de Toni Cucala. Imagen cortesía de E CA.

Vista de la exposición ‘Vigilias’ de Toni Cucala. Imagen cortesía de E CA.

Exposición inaugural

El artista valenciano y profesor de la UPV Toni Cucala ha sido el encargado de inaugurar el nuevo E CA con una exposición que aborda el carácter simbólico de las formas así como la relación del cuerpo humano con el entorno. La muestra, que permanecerá hasta el 25 de junio, lleva por título ‘Vigilias’, en alusión al concepto de vigilia que María Zambrano desarrolló en sus escritos y que Cucala interpreta libremente para crear unas obras que desvelan estados alterados de consciencia y momentos de conexión con lo transcendente.

Toni Cucala no es un artista que se prodigue mucho en los circuitos artísticos, y cada vez que acomete un proyecto creativo lo hace asumiendo el riesgo de no repetir fórmulas, y planteando obras específicas que transitan entre disciplinas (pintura, escultura, vídeo, dibujo…), aunque todas ellas presentan un mismo denominador común: el de la sustancia pictórica.

E CA de Riba-roja.

Vista del nuevo Espai d’Art Contempoani El Castell de Riba-roja. Imagen cortesía de E CA.

Irene Gómez