La Galería Estampa inaugura la Biblioteca Americana

La Biblioteca Americana
Galeria Estampa
C/Justiniano, 6. Madrid.
Del 12 de Julio hasta el 20 de Julio de 2018.

El Jueves 12 de Julio a las 8 de la tarde tendrá lugar la inauguración de la exposición ´La Biblioteca Americana´ en la Galería Estampa, Madrid. La exposición está compuesta por una serie de poemarios escritos por autores de iberoamérica. La exposición se mantendrá en la galería hasta el 20 de Julio.

‘La Biblioteca Americana’ es una colección literaria donde se unen íntimamente la poesía y la ilustración. Junto a los distintos autores iberoamericanos se les han unido ilustradores españoles que han dado forma y color a sus versos marcando el objetivo de unir la poesía americana con la ilustración española.

Detalle de la exposición 'La Biblioteca Americana'. Imagen cortesía de la Galería Estampa.

Detalle de la exposición ‘La Biblioteca Americana’. Imagen cortesía de la Galería Estampa.

La poesía es un arte que posee gran expresión, el sentido que ella guarda puede reinterpretarse en otras artes, tomando distintas formas que nos hagan sentir, ese es uno de los objetivos que quiere mostrar la exposición. Cada ilustrador ha sido elegido de forma deliberada para entender la obra de cada poeta adaptándose a los versos para crear así una obra final perfecta. La muestra de ello es el largo proceso que ha llevado este proyecto desde que lo iniciaran en 2009.

Los poemarios están compuestos por un total de 9 ilustraciones acompañadas por poemas enteros o por los versos de la obra que pasan por todas las ilustraciones, aspecto que le da una estética muy agradable a la vista y que e da uniformidad a la colección. Cada obra tiene como portada la bandera de su país. Como colofón en cada libro se encuentra una obra original.

Detalle de la exposición 'La Biblioteca Americana'. Cortesía de la Galería Estampa.

Detalle de la exposición ‘La Biblioteca Americana’. Imagen cortesía de la Galería Estampa.

Dentro de la exposición encontramos a un representante de cada país de iberoamérica junto a un ilustrador español, a continuación encontrarán la lista de obras:

– ‘Celebraciones’ (Bolivia) Eduardo Mitre y Luis Mayo

– ‘Baladas de la memoria’ (Chile) Pedro Lastra y Fernando Álamo

– ‘Gatos’ (Colombia) Darío Jaramillo y Ramiro F. Saus

– ‘Ballenas’ (México) Vicente Quirarte y González de la Calle

– ‘Nueve sonetos’ (Brasil) Ledo Ivo y Luis Feito

– ‘Los sueños de mi padre’ (Cuba) Orlando González y Elena Blasco

– ‘Emergencia’ (Argentina) Mariano Peyrou y Carlos Forns

– ‘La plegaria infinita’ (El Salvador) Jorge Galán y Sara Huete

– ‘El rostro que no se ve’ (Venezuela) Rafael Cadenas y Eduardo Arroyo

– ‘Area de comienzo’ (Uruguay) Ida Vitale y Jaime Aledo

– ‘Botella al ma’r (Puerto Rico) José Luis Vega y Óscar Lagunas

– ‘Sueños de floripondio’ (Guatemala) Humberto Ak’abal y Fernando X. González

– ‘Brevario’ (Honduras) León Leiva y Luis Canelo

– ‘Una flor amarilla’ (Perú) Micaela Chirif y Karina Beltrán

– ‘La Marilyn Monroe de Santo Domingo’ (República Dominicana) Frank Báez y Nono
Bandera

– ‘Ariadna’ (Paraguay) Jacobo Rauskin y Nuria Rodriguez

– ‘Jacarandas’ (Ecuador) Iván Carvajal y Alejandra Freymann
Aún faltan por publicar las obras de Nicaragua, Costa Rica y Panamá.

Imagen de la portada del texto. Cortesía de la Galería Estampa.

Imagen de la portada del texto. Cortesía de la Galería Estampa.

José Antonio López

Amarillo Negro

AmarilloNegro, de Laureano Núñez
Hygiene Centro de Operaciones Artísticas
C/ Pintor Domingo, 18 bajo. Velluters, Valencia
Hasta el 5 de mayo de 2018

En el momento en que pusimos un pie en la exposición comprobamos lo esclarecedor que resulta el titulo de ésta con las obras que se encontraban colgadas. Y es que todas ellas estaban compuestas por amarillo y por negro, ya fuera de manera conjunta o aislada. En este segundo caso monocromático se adoptan algunos métodos de creación distintos. Debemos destacar también que se alterna el tipo de soporte, algunas veces se usa el lienzo, otras la tabla. Pero es que aparte, las obras tienen una amplia gama de texturas realizadas ya sea con telas o con la propia pintura.

Obras de Laureano Núñez. Fotografía de Asun Bonilla y cortesía de la galería Hygiene Centro de Operaciones Artísticas.

Obra de Laureano Núñez. Fotografía de Asun Bonilla por cortesía de la galería Hygiene Centro de Operaciones Artísticas.

Llegados a este punto nos hicimos varias preguntas. La primera y posiblemente la que más fuerza tomó en nuestras mentes fue por qué solo amarillo y negro como pigmentos. En un inicio pensamos que posiblemente debido a que, para el autor, estos colores tienen cierto simbolismo. Llegamos a pensar antes de llegar a la inauguración que tal vez el autor jugaría con la composición y los colores, en un estado puro, de una manera similar a la que haría Mondrian, donde la estética radicaba en la armonía compositiva y la pureza cromática.

La verdad es que esto no ocurrió. Sí que que hay composición, pero no es como lo hace Mondrian. Pocas veces es perfecta la delimitación entre los colores, si con perfecta nos referimos a una línea completamente recta que delimite a ambos, más bien, en la mayoría de los casos, se trata de un cambio transitorio. Los colores tampoco se encuentran en su forma más pura, sino que más bien se encuentran en una especie de “cromatismo contaminado”. Con esto nos referimos a que ni el negro ni el amarillo se encuentran aislados totalmente. Los amarillos se encuentran ennegrecidos, como cubiertos por hollín. Por el contrario, en algunas obras se puede ver como la parte negra se encuentra por encima del amarillo, lo contamina, puesto que ésta deja ver lo que hay debajo. Además, formalmente se contrapone la densidad líquida del negro con la levedad vaporosa del amarillo.

Obras de Laureano Núñez. Fotografía de Asun Bonilla y cortesía de la galería Hygiene Centro de Operaciones Artísticas.

Obra de Laureano Núñez. Fotografía de Asun Bonilla por cortesía de la galería Hygiene Centro de Operaciones Artísticas.

Estos juegos de tonalidades dan a entender que lo que se está mostrando es una especie de lucha cromática en la que los pigmentos tienen una especie de relación de simbiosis, pero, a su vez, de rechazo. Es como el Yin y el Yang. Uno no puede existir sin el otro. Se necesitan y rehúyen al mismo tiempo. Se trata de un diálogo  entre luz y oscuridad. Del silencio del corruptor, el negro, a la agonía de aquel que ha perdido su luminosidad y júbilo, el amarillo.

Obras de Laureano Núñez. Fotografía de Asun Bonilla y cortesía de la galería Hygiene Centro de Operaciones Artísticas.

Obra de Laureano Núñez. Fotografía de Asun Bonilla por cortesía de la galería Hygiene Centro de Operaciones Artísticas.

Cuando ya pudimos hablar con Laureano Núñez le hicimos la pregunta que tanta respuesta necesitaba para nosotros, ¿por qué amarillo y negro? Él nos respondió que no tenía un por qué en sí. Siempre había trabajado con el negro, pero añade algunos colores para acompañarlo. Normalmente, estos colores son cálidos y el rojo sería un ejemplo de ellos. De hecho, en la galería había otras obras de ese tipo, pero que no se expusieron porque no se adecuaban a la exposición en sí.

Obras de Laureano Núñez. Fotografía de Asun Bonilla y cortesía de la galería Hygiene Centro de Operaciones Artísticas.

Obras de Laureano Núñez. Fotografía de Asun Bonilla por cortesía de la galería Hygiene Centro de Operaciones Artísticas.

También quisimos saber cómo realizaba lo que antes llamamos “cromatismo contaminado”, a lo que nos dijo que ambos colores comienzan siendo trabajados en su forma más pura y a raíz de ese punto, se modifican. De hecho, muchas de las obras comienzan siendo totalmente amarillas, lo que demuestra que, efectivamente, el negro es quien se abalanza sobre el amarillo. No son colores independientes.

En cuanto a las texturas, sobre todo fue importante el hecho de que incorporase telas como la tarlatana. Esta tela, como nos dijo, es muy buena para trabajar, puesto que no caerá ni estropeará el cuadro, como ha pasado algunas veces con otras obras del siglo XX.

Obras de Laureano Núñez. Fotografía de Asun Bonilla y cortesía de la galería Hygiene Centro de Operaciones Artísticas.

Obras de Laureano Núñez. Fotografía de Asun Bonilla por cortesía de la galería Hygiene Centro de Operaciones Artísticas.

En cuanto a qué es lo que lo que observamos, Laureano nos habló de que se trata de un paisaje. Un paisaje que dependiendo de la persona será de un tipo u otro debido a la gran capacidad evocadora que presenta la obra. Él trabaja mucho con la línea del horizonte, algo que se puede ver en muchas de las obras expuestas. Este recurso formal tan sencillo – una línea horizontal en medio del cuadro – da lugar a que pueda aparecer en nuestra cabeza la imagen de una playa, por ejemplo. Y es que este tipo de ideas probablemente se encuentren dentro de nosotros porque tenemos tradición estética. Ésta nos permite percibir, a veces de manera inconsciente, cierto tipo de imágenes y las ideas que revelan a través de pequeños detalles, como en este caso, la línea del horizonte. Este concepto de memoria visual en que las imágenes trascienden incluso entre civilizaciones fue una de las grandes propuestas de Aby Warburg, y es una idea que bien podemos incluir en estas obras debido a su alto potencial sugerente .

Así pues, la exposición de las obras estuvo muy cuidada y la obra de Laureano es sin duda para nosotros algo muy original y digno de observar con detenimiento para realizar un diálogo interior con ella, puesto que, como ya sabemos, en cuanto a este tipo de arte no figurativo, toda opinión y consideración acerca de una obra puede ser aceptada por la persona que la observa.

Obras de Laureano Núñez. Fotografía de Asun Bonilla y cortesía de la galería Hygiene Centro de Operaciones Artísticas.

Obras de Laureano Núñez. Fotografía de Asun Bonilla por cortesía de la galería Hygiene Centro de Operaciones Artísticas.

Cazadores. David de las Heras.

Cazadores. David de las Heras
Pepita Lumier
C/ Segorbe,7. Valencia
Hasta 20 de mayo de 2018

El nuevo trabajo de David de las Heras irrumpe en la Galería Pepita Lumier usando sus paredes como escenario para contar una nueva historia. Un mensaje violento y radical que golpea las consciencias de todo aquel que decide adentrarse en el mitológico mundo que De las Heras propone con sus óleos. Tan jugoso se presenta este proyecto, que a través de la propia galería Pepita Lumier, fue presentado a la Draw Room 2018, obteniendo una crítica que muchos artistas desearían.

En palabras de su autor, » ‘Cazadores’ es una propuesta que indaga en las relaciones de poder, en cómo el ser humano se oculta tras una belleza impostada en busca de un trofeo, vacío, a causa del conflicto. Apolo el gran cazador, representa esa deidad, el poder ficticio, la necesidad del hombre de imponerse sobre todo, y a toda costa, con la violencia como herramienta para tal propósito. En contrapunto, Dafne, presa de esa violencia, y representante de lo terrenal, se convierte en el deseo de los egoístas. En la propuesta las piezas se comunican entre esos dos mundos, entre «disparos», en ocasiones la belleza se construye como un artificio barroco, y que oculta la agresión, la violación de los instintos; pero en otras la belleza existe simplemente en la consecuencia del acto de crear.»

El resultado de este trabajo creativo, radica en una selección de óleos, pulidos y minuciosos debido a la gran calidad pictórica del artista y a su cuidada formación. La elección de la gama cromática, da pie a la creación de un ambiente enrarecido que invita a repetir como un mantra las palabras que dan la bienvenida a la exposición, y a retrotraerse al mito de Apolo y Dafne.

Imagen: Cortesía de Pepita Lumier. Cazadores IV

Imagen: Cortesía de Pepita Lumier. Cazadores IV

Los personajes que acompañan en todo momento al espectador, hacen acto de presencia en la gran mayoría de las obras, utilizando un pesudónimo. Dafne se imagina entre las hojas y flores, en los elementos terrenales, rescatando esa violencia que menciona su autor. En contra posición, Apolo actúa como ente casi imperceptible, oculto pero delimitado y presente como el propio poder.

Esta capacidad analítica y transmisora que emanan las pinturas, forman parte indestructiblemente de la experiencia que posee el artista en el campo expositivo. Ya que sus trabajos han formado parte de proyectos tanto a nivel nacional (Barcelona, San Sebastian, Bilbao, Vitoria y La Casa Encendida de Madrid) como internacional ( Alemania y Portugal), lo cual aporta un bagaje indiscutible.

En el proyecto ‘Cazadores’ David de las Heras, pone en alza su destreza pictórica, sin embargo, no desprecia ningún procedimiento expresivo, por lo que adquirió una especialización en el campo de la ilustración haciéndole valedor de diferentes reconocimientos como Premio al Mejor Álbum Ilustrado en los Premios CCEI 2107 por “El Secreto de Enola” y el Premio Junceda a la Mejor Portada del 2014 por “Kaliman en Jerico”. También destaca internacionalmente, por haber realizado la portada de “Instrumental”, autobiografía del pianista James Rodhes; entre numerosas ilustraciones de libros. Además, realizó portadas para revistas como Volata y carteles para proyectos cinematográficos como, es el caso del film “Mala Sangre” del director Leos Carax (Avalon), para el Festival de Cine “La Guarimba” (Italia) sin olvidar el cartel destinado al “BBK Live 2014” (Bilbao).

Imagen: Cortesía de Pepita Lumier. Detalle de la exposción de David de las Heras

Imagen: Cortesía de Pepita Lumier. Detalle de la exposción de David de las Heras

A pesar del ámbito de la pintura y la ilustración, actualmente trabaja desde Madrid para prensa, en el diario El Español y la revista francesa L’Obs para la que ha realizado retratos como el de Mario Vargas Llosa, Footwear News de New York, un retrato del empresario Bob Campbell; o el actor Idris Elba.

Pero los méritos no se demuestran con palabras, si no con hechos, y la obra de David de las Heras, cumple las expectativas. Cuenta con un genio artístico que aúna mente y obra y como reza Miguel Ángel Buonarroti »Si dipinge col cervello e non le mani »(se crea con el cerebro y no con la mano).

Victoria Herrera

Centro Botín: Arte con vistas a la bahía

Centro Botín de Santander
C / Muelle de Albareda, s/n.
Jardines de Pereda (Santander)
Inauguración: viernes 23 de junio de 2017

El Centro Botín fue inaugurado el viernes 23 de junio bajo una enorme expectación, en una ciudad en la que se notaba un ambiente festivo y que quiso engalanarse para el gran evento. La obra del arquitecto Rianzo Piano abrió sus puertas con el objetivo de convertirse en un referente cultural.

El edificio, no exento de polémica, atrajo a un gran número de personas, entre los que no faltaron personalidades del mundo del arte y la política y, por supuesto, de los Reyes de España que, ya en el interior, descubrieron una placa simbólica para dar por inaugurado el centro.

Vista exterior del Centro Botín la tarde de su inauguración. Foto: Néstor Navarro.

Vista exterior del Centro Botín la tarde de su inauguración. Foto: Néstor Navarro.

El edificio está dividido en dos volúmenes conectados por pasarelas. La parte oeste se dedicará al arte, mientras que la este acogerá actividades culturales y formativas.

Desde su apertura, el visitante podrá disfrutar de tres importantes exposiciones: la obra de Carsten Höller, que recorre la última década de producción del artista belga, la ligereza y atrevimiento de los dibujos de Goya, y el arte en el cambio de siglo. Las obras se mantendrán hasta el 10 y 24 de septiembre, y 1 de enero, respectivamente. Desde este momento, es cuando el arte y la cultura tienen que dejar la semilla en el público y esperar que germine.

Tras el acto inaugural, fueron varias las actividades que duraron hasta bien entrada la noche, culminando con un espectáculo de luz y sonido en el recién estrenado edificio.

Vista del Centro Botín.

Vista exterior del Centro Botín la tarde de su inauguración. Foto: Néstor Navarro. 

Néstor Navarro

Metrópoli, un instante solidificado

‘Con-vivencias urbanas’, de José Juan Gimeno
Galería Alba Cabrera
C / Felix Pizcueta, 20. Valencia
Inauguración 26 de enero de 2017 a las 20h

En un mundo tan convulso como apasionante, la coexistencia pacífica y armoniosa en las ciudades nos remite a los espacios de con-vivencia que propone José Juan Gimeno (Valencia, 1961) en esta exposición. La singularidad marca el límite entre lo público y lo privado; desdibuja la realidad de lo cotidiano en un envite anónimo que se resigna a interpretar aquellas curiosidades que esconde ante los ojos fascinados del espectador. Esto no es una ciudad, es la ciudad por donde el artista deambula observando cuando la ciudad enmudece y el ocaso asoma, y aguarda hasta que todo y el todo silencian su actividad para dejar la vida solidificada y captar ese instante. Gimeno, apuesta por una soñada quietud donde la linealidad del trazo ordenado del lienzo o soporte se yuxtapone y este ejercicio requiere que el artista agudice sus sentidos “en una búsqueda donde la poética de lo privado y el lugar de paso marca una sinfonía pictórica”, en sus palabras.

Lo primero que observamos es la intencionada ausencia humana, una acción inactiva que cubre de misterio su aguda mirada de la metrópoli. José Juan Gimeno intercala y superpone iconografías donde modula, por ejemplo, dos estaciones que indican la salida y la llegada con dos puntos geográficos distantes en más de 300 kilómetros de distancia. A nuestra imaginación se le otorga el encargo de realizar el recorrido que une a dos ciudades o a dos barrios, en segundos, facilitando en una misma instantánea esta quimera fantástica. Esta particular visión de congregar en una misma obra dos ubicaciones, como se señala, y proponer líneas como ‘excusas visuales’ es una realidad capaz de establecer vínculos cercanos al imaginario cubista.

Se nos descubren escenografías en un paseo que se detiene donde los espacios recobran el anonimato que el antropólogo francés Marc Augé (1935) denominó como “no-lugar”: esos lugares donde la transitoriedad carece de importancia para ser verdaderos “lugares”. José Juan Gimeno convierte lo urbano en un tema recurrente y coincide con Augé en fijar su foco en la configuración de los espacios, esos espacios donde se han definido sin duda por el transitar inexistente de individuos en el momento captado en una iconografía muy característica en su obra.

Una de las piezas de José Juan Gimeno. Imagen cortesía Alba Cabrebra.

Una de las piezas de José Juan Gimeno. Imagen cortesía Alba Cabrebra.

¿Cuál es el sentido de la persistencia de las ventanas que aparecen diseminadas a lo largo de estas pinturas? las ventanas son el elemento que Gimeno utiliza como verdadero ‘paréntesis’, moratorias de las conjeturadas cotidianas y, al mismo tiempo, una extensión de su vida interior recluida a un segundo plano y exponiendo la fachada como plano principal. El literato griego Constantino Kavafis (1863-1933), afirmaba: “Sin darme cuenta me encerraron fuera del mundo”, y es en su mundo donde José Juan nos muestra un mismo patrón que se repite en casi toda la obra de esta exposición: parte de una imagen de un lugar público (tienda, museo, aeropuerto, estación de trenes… ), y la fusiona con un edificio o vivienda particular pero con una forma de acción inactiva. En el cuadro en el que no aparece el espacio público, esa imagen está próxima a una estación o lugar de tránsito que busca sin duda esas Con-vivencias urbanas. La ventana es un motivo visual, es un instante, una escena o un momento significativo donde el tiempo es el comensal del espacio de arte.

Asoma una manifiesta coincidencia que recuerda a la codificada modernidad líquida que el sociólogo, filósofo y ensayista polaco de origen judío, Zygmunt Bauman (1925- 2017), acuñó en la década de los 90. La “modernidad líquida” describe un mundo contemporáneo en un flujo donde los individuos subsisten sin raíces y son despojados de cualquier signo de referencia imaginable e incluso son obviados hasta ser invisibles e inexistentes, como en el caso de las Con-Vivencias Urbanas que dan título a esta muestra. Tanto en las obras de Bauman como en la  obras de José Juan Gimeno, se explora la fragilidad de la conexión humana en su tiempo, sin importar a qué siglo referencia cada uno, poniendo de manifiesto la inseguridad que crea un mundo en constante cambio. La vida dentro del proceso por el cual el individuo pasa a integrarse en el engranaje de una sociedad cada vez más global /local/ glocal, turba la identidad fija y la hace maleable, indivisible este proceso que arrastra la vida. Se torna voluble inquietando hasta tal punto al artista que se cuestiona el desintegramiento de las sociedades colectivas.

En este espacio es donde la con-vivencia de cada día asoma por la ventana en una cambiante fisonomía que adecua a los tiempos y a los habitantes. En una quietud vertiginosa ubica una identidad escurridiza en donde esconde y replica su individual dependencia del otro, y es ahí donde se encuentra la esperanza de crear condiciones de crecimiento sostenible, aumentar la conciencia colectiva positiva por el bien individual a partir del común, en unos versos donde pinceles, materiales y pigmentos trazan y dibujan pura poesía. La técnica que utiliza el artista es acrílico sobre tabla y serigrafía sobre metacrilato, esto le permite crear estratos que integran la entidad del conjunto y fingen el nivel social. El pintor considerado italiano, aunque nacido en Grecia, Giorgio de Chirico (1888-1978), representa obras dentro de la propia obra, característica propia del surrealismo, y aquí podemos establecer un vinculo cercano a José Juan Gimeno, ya que ambos invitan al espectador a participar dando un sentido final de lo representado en cada obra.

Imagino al artista preocupado por la propuesta de una nueva ciudad, la Smart City – ciudad inteligente-  como resultado de la necesidad cada vez más imperiosa de orientar nuestra vida hacia la sostenibilidad. Tal vez esta nueva metrópoli necesite más que nunca humanizarse y convivir con sus ciudadanos digitales, una ciberciudadanía donde la comprensión de asuntos humanos, culturales y sociales relacionados con el uso de las tecnologías conquiste a los pinceles de Gimeno.

Chele Esteve Sendra

Vicente Talens desaparece…

Desaparición, Vicente Talens
Galería Mr.Pink
C / Guillem de Castro, 110. Valencia
Inauguración: viernes 17 de junio, a las 20.00h
Sólo hasta el domingo 19 de junio de 2016

¿Cuáles son los márgenes reales entre que una cosa exista y que desaparezca? ¿Y entre lo que ha sido y lo que ya no es? ¿Pueden tocarse, palparse, sentirse, fotografiarse, incluso difuminarse? ¿Pueden estos mismos márgenes desaparecer?

Vicente Talens, como un ilusionista fenomenólogo contemporáneo nos lleva al terreno de lo borrado. Lo eliminado, lo extinguido. Un camino oculto, una puerta cerrada, algo que ya no será. Entrelazando ficción y realidad, pone en cuestión los límites de la realidad más literal.

Talens, artista multidisciplinar conocido por su particular iconografía y su amplio imaginario pictórico que desarrolla en medios gráficos y escultóricos, nos propone esta vez un proceso de ultradepuración, un planteamiento conceptual eminentemente reflexivo donde los márgenes quedan difusos y donde cualquier pregunta en torno a la huella, al vacío, a la desaparición, al rastro, al cuestionamiento de los límites, puede ser planteada. Nada y todo es lo que parece.

Vicente Talens nos lleva a cuestionarnos nuevos márgenes entre concepto, obra, proceso artístico y el lugar mismo que la figura del espacio, en este caso la galería, representa en estos procesos.

Desaparecer a través de lo matérico. Una desmaterialización a través del uso de la propia materia. Borrar el rastro a través de lo construido, eliminar la huella. Hacer desaparecer como si lo borrado nunca hubiera existido. Esconder, ocultar, fugarse, extinguirse, borrarse, hacerse ausencia, desaparecer. Pero esto no es más que el preámbulo de algo más grande.

Esta vez Mr. Pink será sujeto activo de la pieza, una intervención en la que los márgenes de la ficción y la realidad quedarán descubiertos una vez concluya la intervención. plantilla-talens

Jingle, homenaje a los fotoperiodistas

Jingle, de Marta Aledo
Festival Internacional de Cine de Valencia Cinema Jove
Cortometraje inaugural
Viernes 19 de junio, Sala Berlanga y Teatro Principal
Del 19 al 26 de junio de 2015

Dice que lo de José Couso le removió por dentro. “Le tuve en mente todo el rato”. De manera que Marta Aledo, actriz en Águila Roja o Vis a Vis, se lanzó a dirigir un cortometraje que sirviera de homenaje a todos esos fotoperiodistas que arriesgan sus vidas en conflictos bélicos a miles de kilómetros de sus confortables casas. El resultado es Jingle, proyectado junto al largometraje Radiator en la gala inaugural de Cinema Jove en el Teatro Principal.

Marta Aledo, directora de Jingle, durante la presentación de su corto. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Marta Aledo, directora de Jingle, durante la presentación de su corto. Imagen cortesía de Cinema Jove.

Antonio Galeano y Paco Manzanedo dan vida, en algún caso hasta la muerte, a dos de los fotoperiodistas aludidos. El corto arranca con ambos recluidos en un sótano, a la espera de que alguien los rescate mientras uno de ellos se encuentra gravemente herido. En semejante trance de angustia, recurren como válvula de escape a recordar esos jingles o canciones musicales que evocan ciertos productos de la publicidad. A eso y a la memoria de sus respectivas novias, cuando en una libertad lejana las recuerdan en todo su esplendor imaginario.

“Ante el estupor de las noticias que fui recopilando en torno al elevado número de fotoperiodistas secuestrados, decidí contar esta historia de amor, de despedida y de amistad”, explicó Aledo, “espantada y enfadada” por cuanto fue descubriendo. Lo de José Couso, el reportero gráfico que murió en la guerra de Irak en 2003 a causa de proyectiles estadounidenses que impactaron contra el hotel Palestine donde se encontraba, le llegó al alma. “No pensé en hacer el cortometraje por compromiso; me salió muy a pesar mío”. Arrastrada por la información que iba recopilando, Marta Aledo fue dando forma a su primer trabajo tras la cámara. “No soy periodista, pero les admiro mucho”, sentenció.

Fotograma de Jingle, de Marta Aledo, en Cinema Jove.

Fotograma de Jingle, de Marta Aledo, en Cinema Jove.

Manzanedo fue rotundo: “Sí es un homenaje a los periodistas”. Galeano reconoció que él sería incapaz de hacer el trabajo de esos fotoperiodistas, por eso agradecía “que haya gente que ponga su vida en peligro por informar de lo que acontece en esos lugares”. Admirados por esa labor que tantas vidas cuesta, ambos dijeron limitarse a representar el drama lo mejor posible. Un drama que en Jingle se reviste del tono seductor de la publicidad como refugio imaginario. “Juegan a los jingles, pero finalmente llega la realidad”, señaló Manzanedo.

El cortometraje, que ganó el Premio Proyecto Corto de Canal + y Pecera Estudio, ha contado con subvenciones del Ministerio de Cultura y la Comunidad de Madrid, presentándose ahora en Cinema Jove. Marta Aledo, tras su primera experiencia cinematográfica, ya piensa en compaginar su carrera de actriz con la de directora. “Sí, tengo necesidad de dirigir, además de actuar”. Jingle es el primer peldaño de esa larga escalera que acaba de empezar a subir. Un riesgo sin duda menor al que narra en su premiada ópera prima.

Fotograma de Jingle, de Marta Aledo, en Cinema Jove.

Fotograma de Jingle, de Marta Aledo, en Cinema Jove.

Salva Torres

Madrid se rinde a los Mind Maps

Mind Maps
Galería Paula Alonso
Lope de Vega, 29. Madrid
Hasta el 21 de mayo de 2015

Situada en la galería Paula Alonso y perteneciente al Festival “A 3 Bandas” se encuentra la exposición Mind Maps, con los trabajos de seis artistas de nacionalidades diferentes como son Jeremy Deller de Londres, Raimond Chaves de Bogotá, Gilda Mantilla de Los Ángeles, Gonzalo Elvira de la Patagonia, Patricia Esquivas de Caracas, Clara Montoya de Madrid, y Mark Lombardi de Nueva York, con Montse Badía al cargo del comisariado.

La peculiaridad de esta exposición reside en la técnica utilizada, el mind map, que hace referencia a aquellos mapas mentales que se realizan para la orientación de la información que se nos brinda.

Exposición Mind Map

Mind Maps. Cortesía Galería Paula Alonso.

Es común encontrar en el centro de este mapa el término de mayor importancia y a su alrededor se encuentran dispuestos los términos a los que se vinculan, que tanto pueden ser palabras, como imágenes. Este es un sistema utilizado por muchos artistas para estructurar sus obras, por ejemplo, pero que ahora ocupa un lugar primordial como obra de arte como el mismo Jeremy Deller dice “Dibujé este diagrama sobre las conexiones sociales, políticas y musicales entre la música house y las brass bands- que muestra un proceso de pensamiento en acción”, lo que no era más que un esquema se convierte en arte.

Pero estos mapas informativos pueden contener características diferentes según en manos de quien se encuentren. Cada artista utiliza este modo de crear arte de modo diferente, y con soportes diferentes, como pude observarse con la obra «Folkloew IV» de Patricia Esquivas, con un soporte característico como es el videoarte. También pueden encontrarse diferentes temáticas como son la sociedad de la época o la música, sin dejar de lado el carácter esquemático de la exposición.

Patricia Esquivas. Folklore IV. Mind Maps. Cortesía Galería Paula Alonso.

Patricia Esquivas. Folklore IV. Mind Maps. Cortesía Galería Paula Alonso.

Pincha aquí para ver el catálogo.

 

ARCO y zombies

ARCO Madrid 2015
Del 25 de febrero al 1 de marzo de 2015

Hay quien cree que no ha pasado nada y por eso actúa como si nada hubiera pasado. Visitar ARCO hoy es una experiencia muy parecida a la que podía tenerse cuando se visitaba ARCO hace pongamos 25 años. Demasiado parecida. Es cierto que en su andadura la Feria ha pasado por momentos variopintos en cuanto a su oferta se refiere, pero en cualquier caso, y salvo alguna rara excepción, siempre ha predominado el aspecto comercial, que es por otra parte el que confiere sentido al evento.

Vista general de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid. Cortesía de ARCO 2015.

Vista general de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid. Cortesía de ARCO 2015.

Así pues, el ARCO de este año podría ser calificado de sobrio; sí, sobrio; hay quien diría elegante pero yo no llegaría a tanto. Y por sobrio entiendo una disposición de stands muy ordenada y racionalista y una selección de galerías cuya oferta podría calificarse de clásica; entendiendo por clásica esa producción que fundamentalmente se encuentra destinada a cubrir paredes y algún que otro hall exquisito.

Pero, ¿qué tiene que ver todo esto con la realidad? Y es aquí donde no queda otro remedio que ponerse antipático.

ARCO siempre es el producto de su director y de su equipo. Y cada edición es el resultado de una decisión. Yo lo he visitado y conocido el mismo día de la inauguración, que como es sabido sólo se encuentra abierto a profesionales. Precisamente es en este punto donde se encuentra la clave de la tesis que quiero plantear, en eso que pueda colegirse del concepto «profesionales».

Para empezar yo diría que hay un sector muy amplio y con muchos intereses dentro del mundo del comercio del arte que sigue creyendo que el arte es lo mismo de hace 30 años. O dicho de otra manera, que sigue sin percatarse de los radicales cambios que se han producido en la sociedad civilizada desde que apareció la primera verdadera promoción de nativos digitales; que además coincide en fecha con la determinante caída de Lehman Brothers.

Imagen de ambiente de la feria de Madrid. Cortesía de ARCO 2015.

Imagen de ambiente de la feria de Madrid. Cortesía de ARCO 2015.

Para que la feria obtenga un aspecto u otro, lo primero que hace cualquier comité es determinar la interpretación que del concepto Arte hace dicho comité (de hecho las variables que durante su existencia nos ha proporcionado la Feria de Arte se han debido a la diferente forma de interpretar ese concepto; y para eso está el director y el comité de selección, siempre tan controvertido). Pero para que la feria obtenga su sentido la organización debe asumir, en primera instancia, que lo expuesto debe ser vendible. Y entender el arte como un producto elitista (en sus diversos grados, pero elitista), o sea, debe seguir creyendo en el carácter sagrado del producto expuesto que resulta desproporcionadamente caro en comparación a otros productos cuya función se encuentra más clarificada.

Y es aquí donde ARCO me parece una feria absolutamente desfasada. Pero no desfasada por su contenido sino desfasada por su propia existencia en la medida en que nada tiene ya que ver lo allí expuesto y ofrecido con lo que vive toda esa avalancha de nativos digitales que desde 2007 se nos ha venido encima.

Y es que ese carácter lineal que nos inculcó un entendimiento hegeliano de la Historia hacia el despliegue del Espíritu Absoluto ha tocado a su fin. Y muerto el perro se acabó la rabia. Sin Historia no hay posibilidad de Arte. Y por eso la inauguración de ARCO parecía un congreso de gerontología. ARCO ha decidido (o por mera supervivencia, o por puro convencimiento, lo cual sería mucho peor) que el público al que se dirige no puede ser otro que aquel al que su edad no le permite cambiar de hábitos. Es decir, la organización de ARCO ha decidido dirigirse a los que no les queda otro remedio en la vida que creer que no han hecho el primo durante toda su vida. Comprando a precios muy altos lo que muy poca gente estaría dispuesta a comprarle a ellos a precios muy bajos.

Ésta y no otra ha sido la elección de los organizadores: la de atraer a gente que está más cerca de la muerte que de su nacimiento. Así, una feria que exhibe un producto obsoleto (aunque más o menos interesante o decorativo) para gente que está medio muerta.

O por decirlo de otra manera: ARCO se dirige a quien no sólo tiene una casa… sino varias. Sin embargo los jóvenes de hoy ni la tienen ni la quieren, y en sus prioridades no se encuentra la de hipotecar su vida por una casa, sobre todo cuando no saben dónde les va a tocar vivir ni por cuánto tiempo. Su casa es inestable, por lo que sus paredes sólo pueden ser virtuales.

Obra de Edgar Jimenez. Doble Cero Cero. Cortesía de ARCO 2015.

Obra de Edgar Jimenez. Doble Cero Cero. Cortesía de ARCO 2015.

Alberto Adsuara

Un workshop que reinventa el hecho escénico

WORKSHOP: OBRA COMPLETA / FUERA DE ACTO
A cargo de Javier Núñez Gasco y André E. Teodósio
Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC)
Del 26 al 30 de enero de 2015

La representación teatral descansa sobre un acuerdo tácito entre público y actores que gestiona la ilusión del hecho escénico y consiste en aceptar que lo que ocurre en el escenario es una forma de verdad consentida durante el tiempo de la representación.

En lo cotidiano la realidad también se construye mediante pactos y representación de roles. Mediante convenios no escritos nos relacionamos con los otros y establecemos acuerdos temporales para la construcción de realidades. De este modo participamos de la creación de un espacio público basado en la representación.

PROPUESTA

El director y dramaturgo lisboeta André E. Teodosio y el artista plástico Javier Núñez Gasco proponen el Workshop: Obra completa/Fuera de acto una ruptura de acuerdos y la creación de nuevos pactos. Con este objetivo y con el firme deseo de que las obras cambien y actúen como catalizadores dependiendo del contenido con que se llenen, se plantea un laboratorio-de-construcción en el que cada participante pueda aportar ideas e interpretaciones, un taller teórico práctico organizado por el EACC y dirigido a personas con interés especial en las artes plásticas y escénicas.

Se tratará de releer los roles que funcionan dentro de las artes escénicas en relación con el display expositivo, los modos de reconocimiento del objeto, su posibilidad de producir acción y la carga performativa generada por el observador. En definitiva, se trabajará sobre la posibilidad de inversión de sentido en el objeto artístico, la capacidad de dotarlo de intención y actuación, y cómo ello afecta a la mirada condicionada del espectador.

El taller se celebrará en el mismo espacio expositivo que albergará la muestra posterior Fuera de acto, comisariada por José Luis Pérez Pont, y se invitará a los participantes a colaborar en la construcción de lo que pretende ser una exposición diferente. Las aportaciones inmediatas generadas durante el diálogo entre los participantes, el artista plástico y el experto en dramaturgia servirán para configurar las acciones que se realizarán en la inauguración de la exposición.

Javier Núñez Gasco. Prótesis para una bailarina. Cortesía del artista.

Javier Núñez Gasco. Prótesis para una bailarina. Cortesía del artista.

DATOS PRÁCTICOS
PARTICIPANTES: máximo 20 personas
FECHA: del 26 al 30 de enero de 2015
PLAZO DE INSCRIPCIÓN: Hasta el 20 de enero, a través del correo electrónico
actividades@eacc.es

HORARIO:
Lunes y jueves de 16 a 20.00 h
Martes y miércoles de 12 a 20.00 h
Viernes de 18 a 22.00 h
LUGAR: Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC)
PRECIO: 5 €
FORMA DE PAGO: En la recepción del EACC.