Inmaculada Martínez: playa, luz y… sombras

Operación Ocio, de Inmaculada Martínez Martí
Galería Rosalía Sender
Carrer del Mar, 19. Valencia
Hasta el 13 de diciembre, 2014

A primera vista, la obra de Inmaculada Martínez resulta amable. Su serie de escenas playeras, donde se respira cierta paz y tranquilidad, con colores suaves y suave cadencia expresiva, provoca un tranquilo reconocimiento. El espectador, delante de esas representaciones veraniegas, parece a resguardo de la duda, arropado por esa naturaleza apacible de los días en calma. Diríase que la artista de Mislata, en medio de las prisas que nos acucian, hubiera decidido transformar el bullicio en sencillez.

Obra de Inmaculada Martínez en la exposición 'Operación ocio' de la galería Rosalía Sender.

Obra de Inmaculada Martínez en la exposición ‘Operación ocio’ de la galería Rosalía Sender.

Su ‘Operación ocio’, tal es el título de su exposición en la Galería Rosalía Sender, consiste en apoderarse de la realidad con naturalidad, sin grandes aspavientos, mostrando la quietud que reina afuera, a partir de un estado similar proveniente de dentro. Frente al discurrir turbulento de la vida agitada por lo que algunos filósofos llaman “síndrome de ocupación desmedida”, Inmaculada Martínez opone una mirada relajada, ociosa, toda ella volcada en la contemplación de una naturaleza sosegada.

La propia artista señala, al referirse a su exposición, que con esa veintena de obras lo que intenta es “contagiar de optimismo al espectador, que llegue por su sencillez, naturalidad”. Y añade: “Que no nos deje impasibles pero desde un lado optimista, sin necesidad de emplear recursos de fácil impacto”. Nada que ver con su anterior muestra ‘Estado de inconsciencia’, donde “hacía una profunda reflexión sobre la vida y la muerte y el proceso de duelo”.

Obra de Inmaculada Martínez en la exposición 'Operación ocio' de la galería Rosalía Sender.

Obra de Inmaculada Martínez en la exposición ‘Operación ocio’ de la galería Rosalía Sender.

‘Operación ocio’ apunta en esa otra dirección más optimista, pero a veces da la impresión que cierto estado de ánimo anterior se cuela en su más reciente obra. Por ejemplo, en las dos piezas tituladas ‘Pregón’. En ellas, se aleja del motivo playero para mostrar pequeños grupos de personas ocupando un espacio interior despojado de elementos; espacios sobrios que parecen evocar cierto silencio y recogimiento.

Obra de Inmaculada Martínez en la exposición 'Operación ocio' de la galería Rosalía Sender.

Obra de Inmaculada Martínez en la exposición ‘Operación ocio’ de la galería Rosalía Sender.

En algunas otras obras, aunque el sosiego de la playa en calma transmita esa respiración ajena a las prisas, el ambiente creado no deja de producir sensaciones contradictorias. De nuevo, las personas que habitan ese paisaje amable y colorista parecen guardar un secreto que las empalidece. Como si tanto placer reflejara en su piel sombría la señal de un próximo desencuentro. Como si la playa, al igual que contara Manuel Vicent en relación al mar Mediterráneo, de tan aparentemente quieta ocultara bajo la luz transparente del cielo y de las aguas un peligro inadvertido.

La mezcla de rostros claros y rostros borrosos, de cuerpos tamizados por un sol que bruñe la piel al tiempo que la difumina, convierte la ‘Operación ocio’ de Inmaculada Martínez en algo más que un amable día de playa. Bajo esa aparente calma exterior, late la inquietud de un placer amodorrado.

Obra de Inmaculada Martinez en la exposición 'Operación ocio' de la galería Rosalía Sender.

Obra de Inmaculada Martinez en la exposición ‘Operación ocio’ de la galería Rosalía Sender.

Salva Torres

Ver visiones: los políticos

Ver visiones. Reinterpretando el presente
Centro del Carmen
C/ Museo, 2. Valencia
Comisariado por Álvaro de los Ángeles y José Luis Pérez Pont
Hasta el 13 de julio de 2014

Lucebert (Galería Rosalía Sender) / Ángel Masip (Parking Gallery)
CIS: Los/as políticos/as en general, los partidos, la política.

Lucebert. S/T, 1991. Acrílico sobre cartón. 50 x 65 cm. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Lucebert. S/T, 1991. Acrílico sobre cartón. 50 x 65 cm. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Que el arte sea capaz de mantener una mirada renovada sobre la realidad, sin duda expresa una aspiración antidogmática. Caracterizarla no es convenir en una perspectiva de mera diferenciación formal, ni plantearse un contenido conceptual en mensajes críticos cuyo significado encaje en deter­minaciones públicas, sino más bien percibir que la terminología empleada constituye la concreción de un saber insuficiente para fijar aquella renovación. Así, advertido el lector, y, por extensión, haciendo precavido al espectador, cabría tan solo señalar ya no una aspiración, sino una necesidad: el hecho creativo de la desobediencia.

Para el recto obrar, el saber era requisito fundamental en la creencia de Sócrates. La efectividad en la tarea dependía de un quehacer amparado por el saber, que originando el preguntar socrático, ponía en tela de juicio la asunción indigesta de “verdades”. En este sentido, el trágala de lo exterior-real nunca alimentaría la poética de los artistas, pues la creatividad incorpora algo similar a un saber subversivo, y todos somos conscientes que la renovación únicamente lo es del statu quo, lo es de lo político encorsetado, no en lo correcto, sino en un pensamiento oligárquico, depredador de la res pu­blica, y, a la larga, estructurante de un ser humano dócil, de mentalidad dúctil, maleable. Frente a esta situación, no cabe el artista apacible a las cuestiones de la polis, o amansado por aquello que la regula conforme a un programa de existencias sumisas. Sería como incubar un cómplice descrédito.

Ángel Masip. Main Landscape, 2010. Serigrafía sobre lona de PVC, estructura de madera, tubos fluorescentes y cable eléctrico. 266 X 500 X 60 cm. c/u. Imagen cortesía del artista y Parking Gallery.

Ángel Masip. Main Landscape, 2010. Serigrafía sobre lona de PVC, estructura de madera, tubos fluorescentes y cable eléctrico. 266 X 500 X 60 cm. c/u. Imagen cortesía del artista y Parking Gallery.

En el caso de las obras de Lucebert (Ámsterdam, 1924-Alkmaar, 1994) y A. Masip (Alacant, 1977), quizá la fragmentación de tiempos cronológicos e imágenes de nuestra incierta postmodernidad, pue­da facilitarnos algunos nexos teóricos y simbólicos hacia los cuales, desde sus pinturas o instalaciones, nuestra percepción se ve concernida hacia, cuanto menos, una resistencia de múltiples perfiles que, a pesar de facetarse en dos siglos distintos, conjuga ser tan rebelde como resistente, pues ambos artis­tas experimentan en su trabajo el tener frente a sí el proceloso control del Poder, es decir, son testi­gos de aquello que ha desbancado a la política como espacio de diálogo y honesta negociación con la ciudadanía. Este hiato, una falla profunda que actualmente se nos pone de manifiesto, por proximidad administrativa, en el insondable desprestigio institucional del Estado español, y por sentir identita­rio, en nuestro maltrecho País Valencià, no deja de ser cíclico y universal si hiciéramos un poco de historiografía. Aunque ahora, aquí y ante el abismo, crece una acuciante comprensión intelectual del artista respecto de su compromiso social no especialmente ligado a funcionalidades expresas. Diga­mos que es más esclarecedor en la metáfora, que da más luz.

Lucebert. S/T, 1976. Gouache, tinta y lápiz sobre papel. 65 x 50 cm. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Lucebert. S/T, 1976. Gouache, tinta y lápiz sobre papel. 65 x 50 cm. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Así, al holandés del grupo CoBrA le arrastra en el gesto una radical protesta contra la injusticia a la cual no se subyuga, sobrepasándola, salvajemente, a partir de lo originario de la expresión ma­terializada, por ejemplo, en un tirano deformado por el trazo. La subjetividad responde con ello al poder político. Son las emociones, aquellas que revolucionan el cuadro, dado que pintor y poeta, a pesar de sus diferencias metodológicas, están marcados por igual frente al abuso de la política. De ahí que el grafismo sea el de un demente o un niño que garabatea. Un todo de materializacio­nes plásticas de lo indefenso por valioso, sin corromper, sin destruir, vital, verdadero, en perenne pulsión de una existencia creadora que apelaría a lo fantástico, improvisando la plasmación de los miedos, obsesiones y pasiones de un hombre que grita a su vez por saberse sartriano, o amigo del Saura bestial, o invitado de Brecth.

Lucebert. S/T, 1978. Ceras y tinta sobre papel. 50 x 65 cm. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Lucebert. S/T, 1978. Ceras y tinta sobre papel. 50 x 65 cm. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Es crucial, por tanto, que la poética de Lucebert defienda el derecho que le asiste a éste, como crea­dor, a vivir en conflicto con la política decadente. ¿Cómo sino escapar a la violenta represión policial de los obreros en el Ámsterdam de 1930? ¿Qué hacer para despreciar íntimamente la condena a tra­bajos forzados impuesta por el ocupante nazi? ¿De qué modo expresar la protesta contra las medidas del gobierno holandés en contra de la Independencia de Indonesia? Ciertamente sus composiciones poseen la consistencia atávica de lo primitivo, pues en su historia de juventud acontece el desastre institucionalizado. La desobediencia de la pintura lo es a la ley que los gestores políticos imponen por encima de la voluntad democrática de la ciudadanía. Y volviendo al filósofo ateniense, las consecuen­cias que lo anterior comporta nos retornaría a uno de los interrogantes del Critón, puesto que en ese diálogo, Sócrates se plantea: ¿cómo puede sobrevivir un Estado y no caer cuando los juicios decreta­dos carecen de toda fuerza y son invalidados y quebrantados por individuos particulares? El artista, que para nosotros puede convertirse en ese individuo tan solo con un gouache, es capaz de profanar la demagogia con un pincel. En el libro V de la Política, Aristóteles escribe que “antiguamente, cuando se convertía la misma persona en demagogo y estratega, orientaba el camino hacia la tiranía “. Luce­bert advierte con su obra de este peligro y, al tiempo que desintegra la figura, permite que el especta­dor arraigue en la prevención de sí mismo.

Lucebert. S/T, 1988. Gouache sobre papel. 50 x 70 cm. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Lucebert. S/T, 1988. Gouache sobre papel. 50 x 70 cm. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Las cautelas anteriores, interpretadas bajo los focos del torcido y violento siglo XX, se explican y justifican aún más en el presente si pensamos en la engañosa ilusión de una política moral. Aranguren habla de esto en la lectura de Humanismo y terror, cuando llama la atención, a propósito del origen violento del Poder sobre el que reflexiona Merleau-Ponty, que para el filósofo francés todos los regí­menes establecidos han “olvidado” una violencia primaria porque ya no existe un reconocimiento de ésta como tal, simplemente se ha institucionalizado y autojustificado por la Ley aunque no se reco­nozca en aras de una inmaculada pureza. Y, a través de esta pureza, se dice proseguir con la falsa tarea del buen gobierno como proyecto de dominación. La distorsión es entonces instrumento planteado para la disolución de la crítica sitiando lenguajes, envolviendo discursos y asediando alternativas hasta extender la doctrina sin especulación, tratando de asentar una generalizada apatía indolente, un pai­saje tibio e indiferente a una percepción profunda.

Lucebert. S/T, 1988. Gouache sobre papel. 42 x 59,5 cm. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Lucebert. S/T, 1988. Gouache sobre papel. 42 x 59,5 cm. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Aquella panorámica, que hacemos confluir con un ambiental naturalismo amanerado, suplanta la reflexión de fuste por un candoroso y pueril mundo feliz, ahora adobado, con toques de espectacula­ridad, más allá de Huxley. Consciente de esta actitud postiza, Ángel Masip ni condena ni desautoriza. Su obra recalca una distancia, está en otro lugar, sanciona otro paisaje aún estando dentro de él. Los territorios naturalistas que se configuran en su pieza se han conducido a través de un aprendizaje y cuestionamiento del género pictórico en propia carne. Experimentándolo al óleo o conceptualizando sus sentidos y resortes hermenéuticos mediante diversas estrategias y materiales que operan en la estructura tridimensional, la travesía del artista ha sido una tenaz investigación sobre las predetermi­naciones ideológicas prendidas al paisaje, más que sobre la verificación de significados concretos. Ma­sip no debate sobre la especificidad, sino que convive con la convención escenográfica, únicamente, con la intención de emitir dudas alrededor de algo considerado solvente en la percepción. No oculta sus alternativas a nivel formal, no lo hizo en su “Meteorismo” y tampoco en “Filología para más tarde”, pero la búsqueda de una alternativa auténtica ha dejado paso a mostrar el insoportable sucedáneo azul, el fingimiento de un paisaje encubierto sin disimulo: la doblez, ya, sin farsa.

Ángel Masip / Lucebert en "Ver visiones. Reinterpretando el presente".

Ángel Masip / Lucebert en “Ver visiones. Reinterpretando el presente”.

El animal político de Aristóteles en realidad se automanifiesta en el paisaje de la ciudad y en la obser­vación del cambio. Masip también observa esa transformación cultural de la sociedad, sujeta visual­mente a algunas rémoras, pero tal vez, y sin querer salvar al mundo cambiante, alerta de la completa no-entidad diseñada por el establishment. El movimiento del artista es, pues, de autoafirmación, con algunas indicaciones entre bastidores, que proyecta indefectiblemente un encontrarse examinante frente al “paisaje”. Un paisaje sin horizonte, que es donde las sombras del Poder se liberan de respon­sabilidad social y creatividad.

Ricard Silvestre

Pincha aquí y lee el texto curatorial de Álvaro de los Ángeles y José Luis Pérez Pont.
+ Info de Ver visiones.

Doro Balaguer en Rosalía Sender

Doro Balaguer
Galería Rosalía Sender
C / Mar, 19. Valencia
Inauguración: jueves 8 de mayo
Hasta el 14 de junio

Doro Balaguer nace en Valencia en 1941 y empieza a pintar a finales de los 40, alejándose del figurativismo de la mano de su gran amigo Salvador Victoria. Se vinculó posteriormente al grupo Parpalló, introductor del informalismo y de cuanto se hacía fuera de España en el terreno artístico. Con Salvador Victoria marchó a París poco después de finalizar Bellas Artes, donde fue abandonando sus inicios figurativos y adentrándose en la abstracción.

Obra de Doro Balaguer. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Obra de Doro Balaguer. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Apartado pronto de la carrera artística por razones familiares, sociales y también políticas (perteneció al Partido Comunista en Valencia), ha retomado, después de su jubilación, la costumbre de pintar, realizando una pintura libre y fresca muy fiel a sus planteamientos iniciales.

Obra de Doro Balaguer. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Obra de Doro Balaguer. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Esta muestra se compone de 18 obras en la que, seguramente, es la primera exposición comercial de su vida. La Fundación Chirivella Soriano acogió hace tres años la que sería su primera muestra individual, tras exponer en múltiples colectivas. Su segunda juventud artística promete.

Detalle de una de las obras de Doro Balaguer. Imagen cortesía de galería Rosalía Sender.

Detalle de una de las obras de Doro Balaguer. Imagen cortesía de galería Rosalía Sender.

El papel, auténtico protagonista

El arte del papel, exposición colectiva
Galería Rosalía Sender
C / Mar, 17. Valencia
Hasta el 14 de diciembre

El muestrario es imponente: Alfaro, Toledo, Molina Ciges, Vento, Maestre Yago, Pagola, Monjalés, Castellano. Y así hasta un total de 19 artistas cuya obra en solitario ya ha sido objeto de singulares exposiciones en la galería Rosalía Sender que ahora, a rebufo de la crisis, los reúne a todos en una brillante colectiva. Rosa Torres, Balanzà, Manchas, Brecht, Granell, Salvador Victoria, Lucebert. Artistas de renombre para una exposición en torno al papel, protagonista material de una muestra cuya selección aviva la mirada del espectador por la indudable calidad de los representados. Richard White, Inmaculada Martínez, Juan Vida, Pérez Bermúdez: 19 artistas hermanados alrededor de El arte del papel, que hasta el 14 de diciembre permanecerá en Rosalía Sender.

Obra de José Vento en 'El arte del papel'. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Obra de José Vento en ‘El arte del papel’. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Con las navidades a la vuelta de la esquina, llevarse uno de esos papeles se antoja ocasión inmejorable de elevar el tono del consumo. Los hay de todos los estilos, desde la figuración más o menos velada, más o menos explícita e incluso grotesca, hasta la abstracción. Y los hay realizados con técnica mixta, a lápiz, a base de tinta china, acuarela, grafito o acrílico sobre cartulina, cartón y, principalmente, sobre el papel que da título a tamaña reunión de talentos.

Obra de Inmaculada Martínez en 'El arte del papel'. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Obra de Inmaculada Martínez en ‘El arte del papel’. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

“Ante todo sinceridad”, decía Andreu Alfaro refiriéndose a su obra. En Rosalía Sender, esa honestidad queda reflejada en el jazz de minimalistas trazos. Y sinceridad que se observa en el conjunto, ya sea el bodegón de Molina Ciges o la “pintura de playas y bañistas” de Inmaculada Martínez, en esta ocasión concentrada en un par de sencillas figuras. Javier Pagola, para quien lo atractivo del abstracto residía en la liberación del cuadro de contenido y de sentido, muestra esa liberación en un par de obras, siendo así el único de los artistas expuestos que cuenta con dos trabajos.

Brecht, que ya expuso en la galería sus “dibujos alarmantes”, insiste en esa exclamativa atracción por la vida excesiva. Excesos que pueden verse en otras de las obras exhibidas, ya sea por la cadencia del color que explotan Rosa Torres, Bermúdez o Molina Ciges, o el riguroso trabajo formal de Castellano, Vento o Monjalés. La inquietante figuración corre a cargo de Richard White, Balanzà o Toledo, mientras el collage de Maestre Yago nos descoloca frente al rostro de Hopper. Como lo hace Juan Vida en su brumosa Notre Dame.

Obra de Maestre Yago en 'El arte del papel'. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Obra de Maestre Yago en ‘El arte del papel’. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

La variedad continúa en el taller de Manchas, o en ese soldado que Eugenio Granell muestra como si fuera una reliquia universal de la frustración ante un mundo tenebroso que parece confluir en “La casa está oscura” de Brecht. Y así, entre oscuridad y luminosidad, siguiendo el movimiento pendular de la crisis, que sin duda arroja sombras producidas por tanta demolición, al tiempo que abre agujeros por donde se filtra cierta luz, avanza la exposición El arte del papel. Una muestra colectiva en tiempos de ajuste económico que, sin embargo, permite al espectador deleitarse con una brillante selección de artistas y trabajos. Una veintena de obras en papel que Rosalía Sender muestra como antídoto visual a la penosa crisis.

Broken sibling, de Richard White en 'El arte del papel'. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Broken sibling, de Richard White en ‘El arte del papel’. Imagen cortesía de Galería Rosalía Sender.

Salva Torres

La noche de las galerias de arte valencianas

LA NIT DE L’ART
17 de mayo de 2013
Valencia

Las 19 galerías pertenecientes a La VAC (Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de la Comunidad Valenciana), organizan la segunda edición de LA NIT DE L’ART que se celebrará en esta ocasión el viernes 17 de mayo con motivo del Día Internacional de los Museos.
Su intención es crear un circuito de galerías, aunando esfuerzos, para dar a conocer, de una forma más distendida, las distintas propuestas culturales que se generan en estos espacios. Para ello, de forma excepcional, las galerías permanecerán abiertas hasta la medianoche, extendiendo el horario habitual, para así facilitar el recorrido por todas las galerías.
Entre las actividades programadas hay una amplia oferta que combina la cultura y el ocio en un ambiente festivo. Exposiciones de artistas nacionales e internacionales, inauguraciones, conciertos, premieres de videos y degustación de vinos y tapas, todo ello con una intención clara de generar un acercamiento del público en general a las galerías de arte contemporáneo.
Las galerías valencianas se encuentran repartidas en tres barrios importantes de la ciudad: Ciutat Bella, L´Eixample y Ruzafa. Las galerías de Alicante y Castellón participarán en el evento con una exposición conjunta de sus artistas en la Sala del Tossal.

Nit de l'art 2013

PROGRAMA:

GALERIA DEL TOSSAL
del 17 al 23 de mayo
Exposición: “NIT DE LES GALERIES AL TOSSAL”
Isabel Bilbao: Josep Ginestar
Cànem: Geles Mit
Collblanc: Toño Camuñas

Luis Gordillo. Imagen cortesía galería Aural

Luis Gordillo. Imagen cortesía galería Aural

ALBA CABRERA C/ Félix Pizcueta 20
Exposición: “De puño y letra” de Laura Iniesta
degustación de vinos de la bodega: LA VIÑA-ANECOOP. de FoGaleríant de la Figuera.

BENLLIURE C/ Ciril Amorós 47
Exposición: Eduardo Chillida, Obra Gráfica.

DEL PALAU C/ del Palau 10
Exposición: “Imaginadas” Matilde Alonso

KESSLER BATTAGLIA Passatge de Giner 2
Exposición: “Perder el tiempo”
de Sara Galàn y Edu Comelles
Degusta-acción Caterings Olga Padilla

Imagen cortesía galería Kessler-Battaglia

Imagen cortesía galería Kessler-Battaglia

KIR ROYAL C/ Reina Na Germana 24
Exposición: Scrapbook – Jovenes Artistas Italianos
Colaboración Con Zelle Arte Contemporanea Palermo. Vino de honor

LUIS ADELANTADO C/ Bonaire 6
Exposición: “The future through the past”
Morten Slettemeas Jon Rafman
Premiere de 3 nuevos vídeos de Jon Rafman.
(Futurist Metropolis, Op Art Shopping Mall y Yiffy Cathedral)
Vino de honor

Morten Slettemeas. Imagen cortesía galería Luis Adelantado

Morten Slettemeas. Imagen cortesía galería Luis Adelantado

PAZYCOMEDIAS Pl/ Col·legi del Patriarca 5
Exposición: Ana Esteve Llorens
Vino de honor

Ana Esteve Llorens. Casi infinito, 2013. Imagen cortesía galería Paz y Comedias

Ana Esteve Llorens. Casi infinito, 2013. Imagen cortesía galería Paz y Comedias

PUNTO Avd/ Baró de Càrcer 37
Exposición: Ouka Leele
Concierto de EGM presentando su último disco “Principio Activo” Ricardo Esteve (guitarra), Ribert Molina (bajo) y David Gadea (percusión)
Cortos de Ouka Leele durante la exposición
Vino de honor

ROSALÍA SENDER C/ de la Mar 19
Exposición: Guinovart
Vino de honor

ROSA SANTOS C/ de la Bosseria 21
Exposición: “Opus 2012” Juanli Carrión
Vino de honor

Juanli Carrión. Imagen cortesía galería Rosa Santos

Juanli Carrión. Imagen cortesía galería Rosa Santos

SET ESPAI D´ART Pl/ Miracle del Mocaoret 4
20:00 – 23:00h Firma de catálogos por el artista
20:00 – 24:00h Audiovisual “Pièce de résistance/
The landscape in his mind” de Ibán Ramón
Vino de honor

Iban Ramón. Imagen cortesia Set Espai d'Art

Iban Ramón. Imagen cortesia Set Espai d’Art

ESPAI TACTEL C/ Dénia 25
Exposición: “Nobody said it was easy”
Antonio Fernández Alvira
Vino de honor

TRENTATRÉS C/ Sueca 33
Exposición: Diego Sáinz
Vino de honor

Guinovart: azules y ocres, deseo y muerte

Josep Guinovart
Galería Rosalía Sender
C/ Mar, 19. Valencia
Hasta el 31 de mayo

El pintor, dibujante y grabador Josep Guinovart (Barcelona, 1927-2007) siempre entendió el arte como una búsqueda de lo inalcanzable. Búsqueda que amplió a su vez como condición de vida. Que tal búsqueda tuviera como objetivo lo inalcanzable no tenía nada de descorazonador, porque, a juicio del que fuera Premio Nacional de las Artes Plásticas en 1983, ese anhelo se alimenta del deseo que sirve de motor a la existencia. De hecho, uno se muere, incluso en vida, cuando ese deseo se torna resignada espera de la muerte. Y Guinovart se murió porque así de pertinaz es el trágico destino, no porque él abandonara su deseo de creación hasta que le sobrevino el infarto que se lo llevó hace ya seis años.

Guinovart llenó su deseo existencial de azules y ocres, tan pronto señalando el cielo y la mar, como apuntando directamente a la tierra que le vio nacer y con 80 años a sus espaldas morir. Ese combate entre lo luminoso y lo sombrío, entre la vida y la muerte, se puede contemplar en la galería Rosalía Sender hasta finales de mayo. Combate dispuesto mediante 23 obras, en una exposición con algunos de los últimos originales que pintó y una serie de grabados “luminosos” que vienen a dar cuenta de esa búsqueda de lo inalcanzable.

Porque Guinovart, siguiendo el rastro de Aquiles tras la tortuga, persiguió el azul con idéntico anhelo creativo. Se esforzó por alcanzar mediante la abstracción de signos y colores, aquello que en la materia se le resistía. De manera que mientras la lógica le decía que su empeño era imposible, como imposible era alcanzar esa tortuga que se iba ramificando en sucesivas tortugas infinitesimales, su deseo le impulsaba a seguir corriendo tras esos azules y ocres que tanto tenían que ver con su experiencia más íntima.

Josep Guinovart. Imagen cortesía de Rosalía Sender

Josep Guinovart. Imagen cortesía de Rosalía Sender

Ninguna lógica presidía su intensa carrera artística. Porque su obra, primero más realista, luego más pop, y finalmente de una poética abstracción, se movía en otra dirección: aquella que fue dejando atrás el significado para adentrarse en el sentido de lo intensamente, valga la redundancia, sentido. Y lo que sintió Guinovart a lo largo de esa carrera de medio siglo como figura incuestionable de la vanguardia artística española, es un deseo profundo por vivir al margen de tendencias y estilos, para explorar las profundidades de esa materia con la que impregnó su obra.

La galería Rosalía Sender expone algunas de sus últimas piezas, entre las que figuran sus relieves con carcasas de guitarra o gruesas “lágrimas”, junto a grabados “iluminados” por collages y ventanas retocadas. Un conjunto expositivo que merece la pena contemplar, porque en él se hallan algunos de los secretos que el corazón de Guinovart fue almacenando a lo largo de su apasionada existencia. En tiempos de zozobra económica, seguirle el rastro al deseo del artista catalán es como abrir una senda de esperanza de vida allí donde el azul y el ocre combaten cuerpo a cuerpo. Por mucho que su corazón dejara de latir en diciembre de 2007, su obra sigue muy, pero que muy, viva.

Salva Torres