La intimidad de Vera y Victoria

Vera y Victoria, fotolibro de Mar Sáez
Presentación en La Central del Museo Reina Sofía (Madrid)
Jueves 27 de octubre de 2016, a las 19.15h
Exposición en la Galería Kursala (Cádiz)
Hasta el 12 de diciembre de 2016
Próxima presentaciones: París Photo (11 de noviembre), Galerie Clémentine de la Fernonnière de París (12), Murcia (24) y en otras ciudades españolas

«El día que Vera besó por primera vez a Victoria le confesó que era transexual. Fue en un parque. No cambió nada. Durante los cuatro años que pasaron juntas se amaron como nunca antes amaron a nadie. En esa etapa de sus vidas Vera y Victoria dejaron de ser dos personas para convertirse en una. Juntas construyeron un hogar común colmado de sueños y proyectos de futuro. Siempre ajenas a los prejuicios de otras personas se entregaron a su amor».

El libro ‘Vera y Victoria’ es un diario visual comprendido entre 2012 y 2016 en el que Mar Sáez retrata el universo íntimo de Vera y Victoria. Un universo en el que surgen renovados matices de la riqueza de una relación como la suya. Ni mejor, ni peor que las demás.

Vera y Victoria son dos jóvenes que se conocieron hace más de dos años y se enamoraron. Comparten un proyecto de vida común e ignoran los prejuicios de otras personas. Sencillamente son dos mujeres que se aman. Se complementan, se atraen y se comprenden. Caminan juntas en la misma dirección y, paralelamente, conservan su propio espacio.

Secuencia fotográfica de 'Vera y Victoria', de Mar Sáez. Imagen cortesía de la autora.

Secuencia fotográfica de ‘Vera y Victoria’, de Mar Sáez. Imagen cortesía de la autora.

Vera es vegetariana, está terminando Filología Clásica y le fascinan los animales. Se siente mujer desde la infancia, pero hasta los 18 años no se lo confesó a su familia. Desde entonces, dejó de llamarse Bernardo y ese niño desapareció de su vida. Es activista y se siente orgullosa de su cuerpo. No tiene intención de someterse a ninguna cirugía. Defiende que la identidad sexual está en la cabeza de cada persona y que la reasignación genital es una decisión personal e individual.

Victoria alterna trabajos temporales como camarera. Es un torrente de vitalidad y adora que su pareja le sorprenda y le robe besos cuando menos lo espera.

Vera y Victoria son dos jóvenes de 26 y 22 años que tienen sueños, anhelos, miedos e ilusiones. El proyecto comenzó en 2012 como un diario visual y, tras cada encuentro con ellas, una nueva página se escribe. Se trata de un retrato íntimo de esta joven pareja y de la riqueza de su relación.

El fotolibro ha sido editado por André Frère Éditions y en él han colaborado la Universidad de Cádiz, el Instituto de Industrias Culturales de la Región de Murcia y los ayuntamientos de Murcia, San Pedro del Pinatar y Pilar de la Horadada. El texto de la publicación corre a cargo de Lara Moreno y cuenta con dos ediciones en español-inglés y francés-inglés.

'Vera y Victoria', de Mar Sáez. Imagen cortesía de la autora.

‘Vera y Victoria’, de Mar Sáez. Imagen cortesía de la autora.

Mar Sáez (Murcia, 1983) es licenciada en Psicología y Comunicación Audiovisual, y como fotógrafa profesional lleva a cabo proyectos personales con los que intenta explorar la complejidad de la identidad y la biopolítica intentando hacer un retrato, desde dentro, de las realidades que le preocupan.

Su trabajo ha sido reconocido dos veces con el Premio LUX de Fotografía Profesional (2014 y 2015), en la categoría de Documental, con proyectos sobre transexualidad y en 2015 obtuvo el Premio Dúo Fotógrafo Emergente, la Beca del XV Seminario de Fotografía y Periodismo de Albarracín, fue finalista en el Photon Festival y seleccionada en el V Encontro de Artistas Novos. A su vez ha colaborado con la revista Ojo de Pez y con distintos medios nacionales.

Documentos íntimos en Cámara oscura

Documentos íntimos, de Ione Lameiro, Francisco Llop y Ester Pegueroles
En colaboración con el Master en Fotografía de la Universidad Politécnica de Valencia
Comisario: Pep Benlloch
Cámara oscura galería de arte
C / Alameda, 16. Madrid
Inauguración: viernes 13 de noviembre, a las 20.00h
Hasta el 26 de diciembre de 2015

El próximo viernes 13 de noviembre se inaugura la exposición colectiva Documentos íntimos con los fotógrafos Ione Lameiro (Iruña, 1985), Francisco Llop (Paterna, 1967) y Ester Pegueroles (Castellón, 1970). Se trata de la segunda colaboración con el prestigioso Master en Fotografía de la Universidad Politécnica de Valencia (UPV) en el cual han cursado estudios.

Fotografía de Francisco Llop.

Fotografía de Francisco Llop. Cortesía de la UPV.

Desde mitad de los años noventa la fotografía ha alcanzado un status, como soporte de creación, comparable al de los otros medios canónicos y, como consecuencia, los estudiantes de la UPV disfrutan también en la actualidad de unas condiciones para la difusión de sus trabajos mucho más  ventajosas que las que existían en épocas pasadas.

Analizada la situación actual y las experiencias llevadas a cabo en tiempos anteriores la dirección del máster  ha asumido la tarea de desarrollar un proyecto serio y consistente con el fin de generar plataformas para la proyección de los trabajos de los estudiantes con proyectos interesantes y rigurosos y hacer efectivo uno de los compromisos que como institución se ha adquirido con ellos: intentar  que sus proyectos adquieran la visibilidad que requieren y servir de lanzadera para su inclusión en el difícil y complejo mundo del arte.

Fotografía de Ester Pegueroles. Cortesía de la UPV.

Fotografía de Ester Pegueroles. Cortesía de la UPV.

Por ello, se le exige unos planteamientos de alta calidad en lo referente a la conceptualización de su propuesta así como a la calidad de su obra material, en lo que se refiere al acabado de sus fotografías y la profesionalidad de sus montajes.

Se pretende que mediante estas exposiciones los estudiantes, al poder observar sus trabajos en un espacio expositivo, puedan reflexionar sobre el contenido y la articulación de su discurso y sirvan también como estímulo para aquellos otros que, por diversas circunstancias, no terminaron o  no pudieron desarrollar sus trabajos.

En esta nueva ocasión, para mostrar proyectos finalizados se regresa a la galería Cámara Oscura, con la presentación de dos proyectos expositivos y un fotolibro. Se trata de trabajos que podríamos incluir en el ámbito de la nueva fotografía documental que aspiran a tener un largo recorrido.

Obra de Ilone. Cortesía de la UPV.

Obra de Ione Lameiro. Cortesía de la UPV.

Fuster: El desnudo como paisaje onírico

Poemas para leer sin respirar, de Jaume Fuster
Railowsky
C / Grabador Esteve, 34. Valencia
Hasta el 5 de mayo

En cada uno de los 300 ejemplares que acompañan la exposición, Jaume Fuster destaca: “Todas las fotografías están tomadas a pulmón libre con una cámara submarina Nikonos V”. Y en el fotolibro realizado artesanalmente, apenas tres ejemplares de 2.000€, también se destaca la utilización de “originales fotográficos, revelados según el procesado fotoquímico tradicional y una imprenta con tipos de plomo de 1845 para los textos del mismo”. Hasta aquí la técnica. A partir de ahí, 32 imágenes expuestas en Railowsky a modo de destilado onírico de ese manejo instrumental.

Fotografía de Jaume Fuster en la exposición 'Poemas para leer sin respirar'. Cortesía del autor.

Fotografía de Jaume Fuster en la exposición ‘Poemas para leer sin respirar’, en Railowsky. Imagen cortesía del autor.

El conjunto expositivo lo ha titulado Fuster ‘Poemas para leer sin respirar’. Poemas protagonizados por una mujer (“mi sirena”) cuyo cuerpo desnudo se sumerge en diferentes aguas marinas, para diluirse en ellas hasta conformar cierto paisaje onírico. “Cada imagen es un poema visual”, subraya el autor. Y agrega: “Es más paisaje que desnudo”.

Durante ochos años y 70 carretes, Fuster se sumergió con su modelo en aguas de las playas de Benidorm, Los Muertos y el Cabo de Gata en Almería, e incluso en una piscina forrada con un gran plástico de invernadero, para escribir esos poemas con la tinta analógica de su cámara Nikonos. Poemas que funden el cuerpo desnudo y el líquido elemento creando una realidad paralela que Fuster entiende así: “Cómo el cuerpo de una sirena se descompone en sus átomos, cómo los reflejos se llenan de fantasmas, o cómo el agua se convierte en plata, plomo o mercurio”.

La técnica y los fantasmas en curiosa procesión. Diríase, al igual que sucede viendo una ecografía, que la técnica, su carácter objetivo, produce inquietantes imágenes, de carácter subjetivo, que escapan a su instrumentalización. Fuster apela a ello cuando dice: “Las imágenes trascienden a su referente, se llenan de connotaciones y disparan la imaginación mostrando lo invisible”. Y lo invisible de esos ‘Poemas para leer sin respirar’ se halla en consonancia con ese cuerpo desnudo de mujer sumergido en las profundas aguas del inconsciente.

Fotografía de Jaume Fuster en la exposición 'Poemas para leer sin respirar', en Railowsky. Imagen cortesía del autor.

Fotografía de Jaume Fuster en la exposición ‘Poemas para leer sin respirar’, en Railowsky. Imagen cortesía del autor.

Fuster habla de “espejo líquido”. Un espejo repleto de luces, burbujas y reflejos fantasmales, con la desnudez como epicentro de ese espejismo. Una desnudez que se funde y confunde con el paisaje, porque en el interior de esas profundas aguas el cuerpo siempre remite a orígenes ignotos. De ahí los paralelismos que irradian esas imágenes entre los senos, el pubis y la curvatura de tan evanescente figura con algas, depósitos de arena y el agua que lo licúa todo.

Como apunta Fuster, él se limitó a sumergirse en esas aguas, “encuadrar y disparar”, descubriendo después las formas creadas a partir de la simbiosis del cuerpo con el agua: “Pura abstracción y evocación de un mundo mágico”. Dependiendo del estado de la mar, de la incidencia de la luz y de los movimientos acuáticos de su sirena, Jaume Fuster fue escribiendo esos poemas visuales que Railowsky exhibe hasta el 5 de mayo. Poemas que el autor propone leer sin respirar. Por ello, como sugiere al lector que se sumerge en ellos: “Inspire… espire…”.  Ahí dentro, la respiración va al ritmo de la madre…naturaleza.

Salva Torres

Fotografía española en Nueva York

Sergio de Luz, Impronta
Galería de la Fundación Ángel Orenanz
Lower East Side. Mahattan. NY
Del 6 al 27 de mayo de 2015

El fotógrafo español Sergio de Luz se lanza a cumplir el sueño americano con la presentación de su fotolibro «Impronta» en la Galería perteneciente a la Fundación Ángel Orenanz, en Nueva York, convirtiéndose así en el primer español en realizar esta hazaña con la característica particular, ya que las  fotografías que conforman este fotolibro están realizadas mediante su teléfono móvil.

Sergio de Luz. The postal service. Madrid, 2012. Cortesía del artista.

Sergio de Luz. The postal service. Madrid, 2012. Cortesía del artista.

Desde sus inicios en la fotografía, se observa un gusto por plasmar lo cotidiano convirtiendo escenas que podrian pasarse por alto, en algo bello y digno de mención. También destaca su búsqueda de la fotografía perfecta que le llevará a recorrer diferentes ciudades en múltiples países. El estilo utilizado por este fotografo se centra en la monocromía de sus obras que transmiten su mensaje gracias a lo que el juego de luces y sombras, o de la situación de los objetos dentro del encuadre, junto con la aplicación de las nuevas tecnologías aquello que hace de «Impronta» algo único es la plasmación del fenómeno de la pareidolia, el cual se define como la percepción de formas que son facilmente reconocibles, en algunos casos, en elementos donde, en principio, no hay relación alguna, como podrían ser los sobres que parece haber en la unión del respaldo de las sillas junto con el reflejo que se crea en la mesa. Así pues, el fotógrafo madrileño utiliza este fenómeno psicológico para crear una serie de imágenes con una gran carga simbólica.

Sergio de Luz. United States of the Brick. Madrid, 2010. Cortesía del artista.

Sergio de Luz. United States of the Brick. Madrid, 2010. Cortesía del artista.

La trayectoria profesional del fotógrafo no ha dado comienzos con este proyecto, ya que ha participado en diferentes certámenes como la Bienal Internacional de Arte contemporáneo de la Fundación ONCE, en su III y V edición. Así mismo, el año 2011 realizó una exposición en solitario para Aliance Français en Madrid con obras que contenian una característica común con «Impronta», la utilización del teléfono movil.

Para aquellos que no puedan visitar la exposición en Nueva York, Sergio de Luz la presentará también en la Galería Mad is Mad en la Calle Pelayo, 48, de la ciudad de Madrid del 5 al 30 de junio de 2015.

La Eugénesis de González Fornés en Railowsky

Eugénesis, de Juan González Fornés
Presentación del fotolito en Railowsky
C / Grabador Esteve, 34. Valencia
Jueves 5 de junio. 20.00 horas

La mirada distópica que Juan González había volcado sobre la transformación del paisaje urbano y sus periferias en sus series anteriores, significó un punto de inflexión en su planteamiento de la fotografía. Con ‘Eugénesis’, su interés giró hacía el ser humano como algo también en permanente reconstrucción, articulada en tres partes. “Cartografía de lo inicial”, en la que presenta las personas que marcaron a nuestro autor en el tránsito de la adolescencia, “Cartografía de lo afectivo” que muestra las mujeres que han llenado su vida sexual y afectiva, y por último, “Cartografía de lo creativo” donde nos descubre las personas que le motivaron para dedicarse a la fotografía como forma de expresión artística.

Eugenesis, de Juan González Fornés. Imagen capturada de la web del autor.

Eugenesis, de Juan González Fornés. Imagen capturada de la web del autor.

Juan González Fornés es un fotógrafo valenciano que, en la mayoría de sus series trabaja sobre el paisaje urbano en proceso de cambio, no como una representación documental sino como lugar de interpretación y análisis de lo social.

Realizó un curso de técnicas fotográficas con Pablo San Juan en la E.P. Blasco Ibáñez, estudió Fotografía artística en la Escola d’Art i Superior de Diseny, y realizó un Máster de Fotografía en la UPV, con la tesis ‘La fotografía del paisaje urbano en el arte’.

Sus diversas series tratan el paisaje, como las series Dishabitat y Disurbe, donde enfrenta las diferentes etapas escritas en el paisaje como símbolos de una nueva forma de habitar y consumir la ciudad, y también la figura humana, cuestionándose el propio medio fotográfico y sus limitaciones.  Una caligrafía hecha imagen termina de narrar aquello que la fotografía no puede contener.

'Eugénesis', de Juan González Fornés. Imagen cortesía de Railowsky.

‘Eugénesis’, de Juan González Fornés. Imagen cortesía de Railowsky.