Claroscuros, mesianismo y memoria en Shiras Galería

‘D’ombres i llums’, de Rafael Armengol (Sala Principal)
‘Rememorados’, de Roger Sanguino (Sala Refugio)
Shiras Galería
Vilaragut 3, València
Del 23 de enero al 18 de marzo de 2020
Inauguración: jueves 23 de enero a las 19:30

Shiras Galería, bajo la dirección artística de Sara Joudi, inaugura el día 23 de enero a las 19:30 la exposición ‘D’ombres i llums’, del artista Rafael Armengol (València, 1940). Siguiendo la línea de la galería, la muestra se presenta, en palabras del autor, como “una reflexión alrededor de personajes históricos que han tenido un papel relevante en los acontecimientos de la cultura de nuestro entorno, personas que han sembrado sombras y luces vinculadas con el momento presente, donde los observadores son un elemento imprescindible para dotar a la obra de sentido”.

El artista presenta su última serie, ‘D’ombres i llums’, por medio de 16 lienzos ocupando la Sala Principal de la galería. Se trata de un proyecto en el que los elementos que intervienen en la composición, y acompañan a los personajes, son fundamentales para expresar la singular visión del artista, la cual no trata de evidenciar sino de sugerir posibles interpretaciones individuales.

Imagen de la obra ‘Nerón Mao’, de Rafael Armengol. Fotografía cortesía de Shiras Galería.

Para la muestra, Shiras ha editado un catálogo con la colaboración del crítico y ensayista Martí Domínguez, quien define el proyecto como “un contrapunto a todo lo anterior, una fuga creativa, un deseo de abrir una nueva vía de expresión guiada por impulsos con Mao y Nerón como epítomes de hombres inmensos y, al mismo tiempo, catastróficos para su tiempo, de los que dependieron tantos destinos humanos. Una crítica aguda a aquel mesianismo, a aquel desbordado deseo de poder”.

Rafael Armengol, pintor consagrado con más de 50 años de trayectoria, ha obtenido a lo largo de su carrera importantes distinciones como el Premio Alfons Roig, o el nombramiento académico por la Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, gracias a sus aportaciones al campo del arte. Además, su obra se encuentra en los fondos de numerosos museos e instituciones como la colección del Instituto de Arte Contemporáneo Valenciano, la Colección del Museo de la Resistencia Salvador Allende en Santiago de Chile, la Colección del Museo de Arte Contemporáneo de Sevilla, o en fundaciones como Xarxa Cultural en Barcelona, colección la CAM, Bancaja y la Fundación Chirivella-Soriano, entre otras muchas.

‘Unseen II (Desapercibido II)’, de Roger Sanguino. Fotografía cortesía de Shiras Galería.

Por otra parte, en la Sala Refugio se dispondrá el proyecto ‘Rememorados’, del artista venezolano Roger Sanguino (Maracay, 1968), quien formulará un estudio antropomórfico a través de una instalación ilustrativa donde dibujo y escultura conjugan en perfecta armonía. Los personajes retratados evidencian un cierto carácter volumétrico, por lo que siente la necesidad de que salten al mundo tridimensional. La escultura le aporta la información teórica y técnica para comenzar a construir un discurso que utiliza el cuerpo como ancla, en el que explora temas como la mente, el lenguaje corporal, lo particular y lo universal, la relación con el otro, el tiempo, el retrato; conceptos que, junto a los aspectos formales como la importancia del dibujo, dan forma a la estructura de su trabajo mediante la intervención de cuerdas de piano, alambres y varillas de acero.

Entre su trayectoria destacan varios galardones, como el Premio Joven Artista en el Salón Nacional de arte “Aragua” en Venezuela, la Medalla de Oro en la II Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Florencia, la Mención de Honor por el Círculo de Bellas arte de Lleida, o el Premio Nacional de Pintura Enrique Ginestral en Toledo, España.

La directora artística Sara Joudi define ambos proyectos expositivos como “una muestra singular, capaz de llegar al espectador mediante dos lenguajes muy diferentes. La diferencia generacional y geográfica de los artistas hace que la propuesta sea más enriquecedora y diversa, reafirmando la universalidad del arte como un medio de expresión”. En definitiva, hace que la magia creativa llegue al público con toda su fuerza.

Imagen de la obra ‘Hipatia’, de Rafael Armengol. Fotografía cortesía de Shiras Galería.

MAKMA

Nuevas fórmulas de arte emergente el CMC La Mercé

‘Emac.ex-hibition’, de VV.AA.
V emac. | Festival de música y arte de Borriana
Centro Municipal de Cultura La Mercé de Borriana
Plaza de la Mercé, Borriana (La Plana Baixa)
A partir del jueves 23 de enero de 2020

El Centro Municipal de Cultura La Mercé de Borriana (La Plana Baixa) acoge, a partir del jueves 23 de enero, la exposición ‘Emac.ex-hibition’, organizada por emac., festival cuya quinta edición tendrá lugar del 14 al 16 de febrero de 2020.

‘Emac.ex-hibition’, muestra comisariada por Barbara Ferri –responsable, a la par, de la imagen gráfica del festival–, concita la obra de ocho creadores emergentes significativamente emparentados con el panorama artístico y contemporáneo valenciano, como son Juan de Dios Morenilla, Carlos Correcher, Marina G.Guerreiro, Raúl Lorenzo, Blanca Santos, Julián Villalba, Iñaki Gover y Alberto Sánchez, alguna de cuyas inquietudes plásticas han sido exhibidas en espacios institucionales como el Institut Valencià d’Art Moder (IVAM), el Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC) o Las Atarazanas del Grao de València, amén de galerías de referencia como Luis Adelantado y Punto.

Imagen de una de las obras de Carlos Correcher presentes en la exposición. Fotografía cortesía de @emac.fest.

Mediante la idea arquitectónica y proposicional de unir el claustro y la galería del CMC La Mercé, “el nexo principal de estos autores es el de confluir, por un lado, el interés por buscar nuevas formas de abordar el arte y, por el otro, cierta fascinación en torno a conceptos como error, azar o fracaso, en relación al propio proceso creativo”, reflexiona Barbara Ferri, quien apunta que “en sus obras conviven la objetualidad, espacialidad y plasticidad de una manera fresca e innovadora”.

‘Emac.ex-hibition’ enarbola su discurso formal, por una parte, en base la idiosincrasia instalativa de de varios de los proyectos, cuyas obras respectivas procuran una reflexión acerca del caos sonriente, la cultura del humor y la espontaneidad normativa(Carlos Correcher); la revisión del imaginario icónico en torno a la idea de felicidad (Marina G. Guerreiro); la investigación sobre los usos iconográficos, con carácter ideológico, informativo y comercial, de los medios de comunicación (Iñaki Gover); el concepto de ruina y la mitificación histórica en relación a la restauración y los usos expositivos del patrimonio artístico (Raúl Lorenzo); la mirada sobre la memoria colectiva de lo cotidiano a través del diálogo espacial y la constitución pictórica y escultórica de objetos híbridos (Blanca Santos); o la exploración de “una realidad física improbable, que no imposible, a través de su representación”, por medio de la pintura y la instalación objetual (Juan de Dios Morenilla).

Imagen de una de las obras de Marina G. Guerreiro presentes en la exposición. Fotografía cortesía de @emac.fest.

Igualmente, la naturaleza plástica y superficie 2D protagonizan la morfología de inquietudes en las que se manejan conceptos como extrarradio en calidad de “combustible creativo” que aplicar sobre el plano, a través de “la abstracción y la idea estética de paisajismo” (Julián Villalba); y “las huellas, los mensajes ausentes y los restos gráficos” como vestigio evidente del tiempo (Alberto Sánchez).

De este modo, @emac.fest, dirigido por Vicent Tormo, suma un apéndice más al nutrido programa de propuestas musicales y artísticas, ampliando un cronograma que, por vez primera, trasciende las tres jornadas habituales que durante el mes de febrero significan a la localidad de La Plana Baixa.

emac. se encuentra organizado por la asociación cultural emac.borriana y cuenta con el patrocinio institucional principal del Ajuntament de Borriana –mediante la concejalía de Cultura–, la Conselleria d’Educació, Cultura i Esport de la Generalitat Valenciana, el Institut Valencià de la Joventut (IVAJ), la Diputació de Castelló y Estrella Galicia en calidad de cerveza oficial. Igualmente, dispone de la colaboración de Naraniga Pub, Indie Are Production, Horma Zapatería, nomepierdoniuna, born music!, La Fábrica de Hielo, cero en conducta, La Ragazza Producciones y Ecomunicam.

Detalle de una de las obras de Iñaki Gover. Fotografía cortesía de @emac.fest.

MAKMA

El inmaculado suburbio de plástico de Nadia Lee Cohen

‘Not A Retrospective’, de Nadia Lee Cohen
Centro Niemeyer
Avenida del Zinc s/n, Avilés
Del 17 de enero al 29 de marzo de 2020

El Centro Niemeyer y Contemporánea, en colaboración con La Térmica y DMB, presenta ‘Not A Retrospective’, exposición individual de la fotógrafa Nadia Lee Cohen –aclamada por el público y la crítica internacional desde que con solo 22 años fuera incluída en el Premio de fotografía Taylor Wessing y expusiera su obra en la National Portrait Gallery de Londres–, comisariada por Mario Martín Pareja y que podrá visitarse hasta el 29 de marzo de 2020.

Nadia Lee Cohen (Reino Unido, 1990) es una fotógrafa, cineasta y artista de autorretrato que reside en Los Angeles (EEUU). Es esta la ciudad que más le inspira desde su primer viaje a Estados Unidos en 2014, y consecuencia de su fascinación por la los suburbios norteamericanos y la conformista vida en esas zonas residenciales. Ambientes que transmiten la idea de la perfección y, por ello, idóneos para hacer una punción directa y trasgredirla.

Nadia cuenta historias que suceden tanto en el interior de esas casas en las que los protagonistas femeninos combaten ese sofocante conformismo con el escapismo sexual, como en los exteriores, donde los rótulos y luminosos de las grandes marcas de consumo que dominan las escenas, junto a guiños al mundo pop, alimentan las referencias culturales de la narración.

A primera vista, las fotografías son llamativas, glamurosas y llenas de colores saturados, pero en una inspección más cercana se detecta un elemento melancólico. Es precisamente esta yuxtaposición la que le interesa a Nadia y reporta la clave de gran parte de su trabajo. Aunque se expresa sin tabúes, ella prefiere un enfoque más sutil en lugar de crear imágenes que tengan como objetivo sorprender al espectador. De esa manera, anima a la audiencia a absorber y contemplar la narrativa detrás de la imagen que aparece ante sus ojos.

Sus fotografías enturbian los límites entre la fantasía y la realidad, lo animado y lo inanimado, desafiando la lógica con un toque de ironía y humor. Nada es lo que parece. Nadia se esfuerza en construir contenidos reconocibles para el espectador a los que añade algo que interfiere dicha familiaridad sugiriendo que hay algo fuera de lugar.

‘Vons’, de Nadia Lee Cohen. Fotografía cortesía del Centro Niemeyer.

De este modo, modifica la atmósfera para que esta sea un poco más sombría y rara, y pone a prueba la sensación de seguridad del espectador. En dichas situaciones ficticias, y en el centro de todo, se hallan las mujeres, su sujeto favorito. En cada una de las imágenes sus modelos trascienden el papel de actrices y encarnan los caracteres del personaje asignado. Nadia prefiere fotografiar gente real a modelos profesionales: rotundas, sensuales y surreales, lejos de la belleza convencional.

El elemento de la moda en su obra es también difícil de pasar por alto, tanto por su experiencia en el diseño, como por su educación en el London College of Fashion, aunque ella admite estar más atraída por el cine (Alfred Hitchcock, John Waters, Stanley Kubrick y los hermanos Cohen) y la fotografía cinematográfica (Willian Eggleston, Philip DiCorcia, Cindy Sherman, Larry Sultan…).

Detalle de la obra ‘Sarah and friends’, que forma parte de ‘Not A Retrospective’, de Nadia Lee Cohen. Fotografía cortesía del Centro Niemeyer.

MAKMA

Los modos de mirar de Jabaloyes en Ana Serratosa

‘Miradas Manufacturadas’, de Carmen Jabaloyes
Galería Ana Serratosa
Pascual y Genís 19 (ático), València
Hasta enero de 2020

La Galería Ana Serratosa acoge, hasta enero de 2020, la exposición ‘Miradas Manufacturadas’, de Carmen Jabaloyes, un proyecto en el que la artista valenciana, de fecunda trayectoria internacional –con galería en Washington, Boston o Düsseldorf– retorna a la obra escultórica –tras varios años dedicada a la pintura–, disciplina en la que se formó en sus inicios en la Universidad de València y de Venecia.

Tal y como ha referido Jabaloyes, ‘Miradas Manufacturadas’ esta exposición, que reúne una treintena de esculturas, “tiene su origen en Venecia, en las piezas que hice entonces para expresar el impacto que para mí supuso vivir en dicha ciudad. Desde entonces, la idea de cómo se conforma nuestra manera de mirar, de percibir nuestro entorno y de entender la realidad que nos rodea me ha interesado profundamente”.

‘Love of contemplation’, de Carmen Jabaloyes. Fotografía cortesía de la Galería Ana Serratosa.

Un modo de observar la realidad, a la postre, en el que, según aprecia el filósofo y crítico de arte Emilio Raimondi en el texto expositivo, “debemos atender menos a su representación y más a la mirada que se le dedica. Ver es representar, construir una ciudad, sea la que sea, como si fuera una fábrica de piedra y agua. Como Venecia”; legendaria urbe asentada en el imaginario colectivo “como un lugar quieto, inerte, muerto”, pero que, “como Carmen ya sabe, vive en Fondamenta Nove, una de las partes más expuestas a la transformación gracias al agua, como vive en sus ojos”.

Si bien los materiales son trabajados de una forma precisa y delicada –maderas de una fábrica local especializada en la fabricación de instrumentos y partes tejidas en crochet (que representan a las mujeres de su familiia), el hierro, la malla metálica y el latón–, otro elemento de densa simbología se encuentra en la pieles, puesto que “fueron curtidas por mi padre en su juventud. Me interesaba incluirlas por la fuerte carga emocional que para mí supone el poder encontrarles un nuevo uso. Son, junto al trabajo de talla y soldadura, los elementos que yo asocio a la parte de masculinidad de mi trabajo y del desarrollo del proyecto”, rubrica Jabaloyes.

Detalle de la obra ‘Cannaregio 4885’, de Carmen Jabaloyes. Fotografía cortesía de la Galería Ana Serratosa.

Elementos constructivos que “se descomponen y se distorsionan, cambian de dimensión y de disposición para, después, volver a reagruparse, reordenarse y conformar un nuevo discurso y una nueva sustancia”, describe la artista, quien procura, de este modo, un “alejamiento definitivo de los referentes, de su origen y sus condicionantes”, posibilitando, a la postre, “la construcción de una mirada personal. La mirada manufacturada”.

‘Out of the cage’, de Carmen Jabaloyes. Fotografía cortesía de la Galería Ana Serratosa.

MAKMA




Los restos de Sheela Gowda en Bombas Gens

‘Remains (restos)’, de Sheyla Gowda
Comisariado: Nuria Enguita y Lucía Aspesi
Bombas Gens Centre d’Art
Av. de Burjassot 54-56, València
Hasta el 1 de marzo de 2020

Desde el 25 de octubre de 2019 hasta el 1 de marzo de 2020, Bombas Gens Centre d’Art (Valencia) en colaboración con Pirelli HangarBicocca (Milán), nos presenta ‘Remains (restos)’, la primera exposición individual en España de la artista Sheela Gowda. Un proyecto comisariado por Nuria Enguita y Lucia Aspesi que nos permite descubrir más de veinte años de producción artística de la artista india, desde los años noventa hasta hoy.

La exposición reúne una amplia selección de instalaciones, collages y esculturas procedentes de diferentes épocas que se construyen en distintas escalas con diversos materiales, de tradición artística local, con los que la artista mantiene un constante diálogo que culmina en propuestas abstractas. Para Sheela Gowda la abstracción no implica ausencia ni de forma ni de motivo, sino la constatación de que una forma puede ser portadora de sentidos múltiples. Más allá de entenderla hay que sentirla. Busca la sutilidad en su obra, y por eso se basa en la abstracción.

A lo largo de su carrera como artista, Sheela Gowda ha exhibido su obra en numerosas exposiciones individuales alrededor del mundo. Jugando con el espacio expositivo, acoplando y seleccionando sus obras, desplegando, en cada una de ellas, una práctica poética y política basada en una visión reflexiva y perceptiva del mundo, acompañada por una conciencia del valor simbólico y comunicativo de la materia, los objetos y sus restos. Esta selección de obras, también, transmite el compromiso con el proceso de definición y abstracción de la forma como generadora de significado, del sentido.

Sheela Gowda, en Bombas Gens.

Nacida en Bhadravati, Karnataka (India) en 1957, Sheela Gowda se formó en pintura en las universidades de Baroda y Visvabarathi en Santiniketan, marcadas por un modernismo indio, la imaginería popular, la vida cotidiana y las leyendas propias, pero, también, por formas y técnicas internacionales del arte.

Con su regreso a India a mediados de los años 80, desde Londres, donde había realizado estudios de posgrado en el Royal College of Art, Gowda abandona el espacio pictórico para trabajar en el espacio tridimensional. Este proceso de transición respondía a la determinación de la artista de incluir activamente a la audiencia, mediante sus obras, en la situación sociopolítica de la India en los años 80 y 90, asociada con el aumento de la política de derechas y los actos de violencia en todo el país. Por ello, la artista comenzó abordar estas inquietudes mediante la manipulación directa de una serie de nuevos materiales que iría incorporando en sus obras, como el estiércol de vaca, barriles de alquitrán, pigmento, cenizas, pelo, agujas, fibra de coco, caucho, cuerdas hechas de cabello, etc; materiales que proporcionarían, por medio de su textura, olor o sustancia, un diálogo directo con los sistemas en los que es mediado: económicos, políticos o rituales.

Por ejemplo, el caso del excremento de vaca, material que ocupa una posición polivalente en la economía india del ritual, el trabajo y la supervivencia. Para los hinduistas la vaca es un animal sagrado, siendo sus excrementos utilizados en artesanía local para construir juguetes y esculturas, así como combustible o para el aislamiento de suelos y paredes. Para Sheela Gowda este material fue fundamental en la transición de su trabajo desde la práctica pictórica al espacio de tres dimensiones. Usó y modeló este material de diferentes maneras con diversas técnicas y en varias dimensiones.

La artista experimentó por primera vez con estiércol de vaca en su obra conocida ‘Mortar Line’ (1996), una escultura de suelo que consiste en una línea curvada y doble de ladrillos de estiércol de vaca, unidos por un mortero de pasta de dicho material. La hendidura longitudinal entre las dos filas de ladrillos está revestida con kumkum, un pigmento rojo que se usa tradicionalmente para rituales y que aquí funciona como una especie de cemento que mantiene la unión de las piezas en una especie de columna vertebral. En este caso, el estiércol de vaca, a pesar de sus numerosos significados, da relación directa con el trabajo cotidiano de las mujeres en contextos rurales de India.

Detalle de la obra ‘Mortar Line’ (1996), de Sheela Gowda.

Un segundo material con un significado ritual y con gran importancia en la económica india sería el cabello humano. Posee un significado ceremonial, al recoger los restos de las grandes cantidades de cabello tras la tonsura practicada como sacrificio y ofrenda de miles de personas en los lugares de peregrinación. En lo cotidiano, el cabello también tiene su significado, como talismán en vehículos motorizados y en la economía. India es el mayor exportador global de cabello humano para pelucas y otros usos. Sheela Gowda nos presenta lo significativo que es el cabello en la India, por medio de su obra ‘In Pursuit Of’, pieza realizada expresamente para las salas de Bombas Gens Centre d’Art.

‘In Pursuit Of’, de Sheela Gowda (2019). Fotografía cortesía de Bombas Gens.

Sheela Gowda utiliza los materiales sin que pierdan su esencia; no los transforma, sino que les aporta significados nuevos, como, por ejemplo, en las obras en las que emplea el material de los barriles de alquitrán. Pretende que permanezcan como lo que fueron: un elemento para hacer carreteras, que se convierten, casi, en el hábitat de las personas cuando están trabajando. Los encontramos en su obra titulada ‘Kagebangara’, una instalación que está compuesta como un cuadro modernista, haciendo referencia a un cantero de obra, asemejándose la obra, particularmente, a las construcciones de placas de metal que los pedreros de carretera utilizan en Bangalore como refugios provisionales y como almacenes para sus propiedades.

‘Kagebangara’ (2008), de Sheela Gowda.

La obra de Sheela Gowda es abierta. Sus obras se aferran a la materia, que nunca desaparece. De ahí el título, ‘Remains’. El material está hecho con restos, pero restos de objetos anteriores, que son lo que permanece y adquieren diferentes significados, sensaciones y emociones que nos hacen cuestionar nuestra presencia en el mundo, el paso del tiempo y su transparencia relativa.

Adriana Florentino

Esperar al silencio para escuchar

Trencar el silenci, Edu Comelles
IVAM CADA Alcoi
Rigobert Albors 8, Alcoy
Hasta el 22 de marzo de 2019

Edu Comelles rompe con el silencio en su último trabajo que presenta en Alcoy, una instalación que necesita del silencio y que continua la línea sonora investigativa que el artista lleva desarrollando desde hace tiempo. El pasado 15 de noviembre se inauguraba la muestra ‘Trencar El Silenci’ en la tercera planta del IVAM CADA ALCOI. Para esta ocasión la obra consta de cuatro cilindros de gran formato creados en fieltro natural y suspendidos del techo del espacio expositivo. Cada cilindro esconde en su interior un sistema de altavoces que permite la escucha de una composición sonora expresamente creada para este proyecto instalativo y escultórico. 

‘Trencar El Silenci’ es una instalación sensible al ruido ambiente del espacio expositivo en el que se alberga. La obra sonora solo es audible cuando en sala reina el silencio. En tiempo real un sistema informático analiza los niveles de decibelios y en función de lo bajos que estos se presenten podremos escuchar la pieza sonora compuesta por Comelles.

Detalle de Trencar el Silenci de Edu Comelles. Imagen cortesía del artista.

La parte musical de este inusual montaje ha sido creada a partir de infinidad de registros sonoros de situaciones de silenciosas. A su vez se han grabado tocadiscos sin vinilos, cintas magnetofónicas en blanco y el zumbido de altavoces sin emitir sonido. Todo ello combinado con una serie de registros de notas en un piano de las cuales se ha utilizado la parte final de esas notas, cuando ya apenas son perceptibles al oído humano. En conjunto más de un centenar de archivos de sonido que se nos presentan en el espacio expositivo siempre y cuando reine el silencio en la sala.

La obra de Comelles se enmarca en el arte sonoro y las músicas experimentales. A actuado, en solitario o junto a colaboraciones, en festivales como Sónar, Mutek, Eufónic, Fase entre muchos otros; también ha participado en certámenes como el Mobile Week BCN, Escuchar en Buenos Aires o Radar de México DF. Su obra, en directo o en forma de instalaciones o composiciones, se ha podido disfrutar en el Reina Sofia de Madrid, LABoral de Gijón, Tabakalera (Donostia), Espai Rambleta, Bombas Gens en Valencia; Etopia (Zaragoza), CAAM (Gran Canaria) o el CCCB, Caixaforum y Arts Santa Mónica en Barcelona, su ciudad natal. 

Panorámica de Trencar el Silenci de Edu Comelles. Imagen cortesía del artista.

Este ambicioso y original proyecto ha sido posible gracias a la  Beca Llançadora 2019 impulsada por la Concejalía de Cultura del consistorio alcoiano. El paso del artista por el CADA culminará con un taller de microfonía abierto a todos los públicos que se celebrará el próximo 14 de diciembre.

Subasta solidaria de pinturas infantiles de Pinta Valencia

Pinta Valencia. Exposición + subasta solidaria
Colector
Trinitat 10, Valéncia
Jueves 20 de junio de 2019 a las 19:00


La escuela de arte Pinta Valencia, que dirigen Iris Bonora e Ismael Teira, presenta, un año más, la exposición de los trabajos realizados durante el curso escolar por niños y niñas de entre 3 y 12 años. En total son más de 200 cuadros en los que se interpretan las obras de arte más célebres desde la mirada de los pequeartistas.

En esta ocasión, como novedad, una selección de cuadros serán subastados a beneficio de la ONG One Day Yes con el fin de contribuir al desarrollo de su proyecto en la Eco-School Twashukuru, con el objetivo de garantizar la educación y alimentación de 50 niños y niñas en situación de pobreza extrema, consolidar el centro levantado sobre los cimientos del reciclaje y lograr que se convierta en autosuficiente, para generar empleo local en la comunidad de Lamu, Kenia.

La exposición + subasta Pinta Valencia tendrá lugar en Colector (Trinitat, 10) –jueves 20 de junio a partir de las 19:00–, un espacio de trabajo, colaboración y experimentación abierto al público y gestionado por una comunidad interdisciplinar de creativos dispuesta a activar cualquier idea, promoviendo encuentros entre agentes innovadores públicos y privados bajo cuatro preceptos: colaborar, innovar, producir y activar.

Además, el evento cuenta con el patrocinio de Carla´s List Consulting Art, asesoría de arte independiente, de proyectos de comisariado y servicios de art advisory para la intermediación en la adquisición y venta de obras de arte. El Horno Tradicional Alfonso Martínez ofrecerá un piscolabis de cortesía durante la inauguración.

MAKMA

Un diálogo artístico entre YunShin y Puri Herrero

‘Diálogos artísticos de las artistas Kim YunShin y Mari Puri Herrero’
Galería Han-ul
Centro Cultural Coreano
Paseo de la Castellana 15, Madrid
Del 24 de abril al 24 de junio de 2019
Inauguración: miércoles 24 de abril a las 19:30

El Centro Cultural Coreano (Paseo de la Castellana 15, Madrid), en colaboración con la Galería Álvaro Alcázar, inaugura el 24 de abril a las 19:30 la exposición de escultura y pintura ‘Diálogos artísticos de las artistas Kim YunShin y Mari Puri Herrero’.La muestra se podrá disfrutar en la Galería Han-ul del Centro hasta el 24 de junio de 2019.

‘Papeles de un diario’ es el título de las obras de Mari Puri Herrero, mientras que Kim Yun Shin presenta sus pinturas y esculturas bajo el título ‘Alma sonora’. Ambas artistas comparten disciplinas y generaciones, con obras con puntos en común, donde convergen la naturaleza y la sencillez de la vida y donde recurren a materiales como la madera o el papel para expresar de modo más profundo sus pensamientos.

Centro Cultural Coreano. MAKMA

Kim YunShin (Corea del Sur, 1935) pertenece a la primera generación de escultoras coreanas. Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Hongik, en Seúl, más tarde se traslada a Francia para estudiar en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París. En 1984 recala en Argentina, donde reside en la actualidad. Hace algunos años, en 2007, llevó a cabo su primera exposición individual en el Museo de Arte Hanwon de Seúl. Desde entonces ha celebrado exposiciones individuales y colectivas, tanto en Corea como en Argentina, y ha inaugurado un museo con su propio nombre en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

La obra de Yun Shin se remonta a 1960, cuando comienza una intensiva búsqueda por el arte abstracto. En la década de los 70 y en adelante prosigue su investigación, centrándose en materiales de escultura: madera, mármol, ónix, alabastro, y piedras semipreciosas. Además, desarrolla su obra con pinturas con formato de collage y grabados.

Representando la filosofía oriental hacia la vida, fuerza y espiritualidad milenaria, dichas formas y pensamiento han sido sus temáticas durante más de veinte años. Kim Yunshin es una artista de profundas convicciones y no fácil de tentar por modas o movimientos artísticos y estéticos efímeros.

En el año 1995, el exdirector del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, el profesor Roberto del Villano, dijo: “su obra, una ofrenda; su taller, un templo; su trabajo, una oración”. Estas palabras hacen referencia a sus esculturas, en las que hizo uso del jaspe o cuarzo rosa, sodalita, calcita, ágata o cuarzo azul, las cuales revelan en su interior ese silencio absoluto que la piedra encierra y que Yun Shin Kim delega a través de una materia abstractamente moldeada. Por eso en sus obras la frescura se mantiene como en una piedra virgen y la densidad de los espacios, el recato de los volúmenes y la simple complejidad estructural son una sola unidad que armoniza con el todo y ocupa su sitial sin rupturas ni desplazamientos, donde naturalmente instala su presencia.

Detalle de una de las obras de la artista Mari Puri Herrero. Fotografía cortesía del Centro Cultural Coreano de Madrid.

Detalle de una de las obras de la artista Mari Puri Herrero. Fotografía cortesía del Centro Cultural Coreano de Madrid.

Sin corromper la naturalidad del material crea sus obras, destacando especialmente la sencillez en sus diseños, con piezas muy bien articuladas y que dan un mensaje de fortaleza impregnadas de las experiencias y espiritualidad de la artista.

Mari Puri Herrero (Bilbao, 1942), por su parte, es una renombrada pintora y grabadora española que se mantiene en activo tras más de cuatro décadas. Su pintura recoge imágenes del mundo que le rodea, mundo en el que conviven disparidad de visiones. Cosas cotidianas, más o menos comprensibles, que vemos, imaginamos o soñamos; y casi siempre con una fuerte presencia de la naturaleza.

Habitualmente existe un recorrido previo por obra en papel: tintas, grafitos, collages… y aguafuertes, técnica esta última a la que dedica parte de su actividad. En ocasiones también procede con obra escultórica, pues considera que cada material expresa con mayor precisión determinadas ideas.

Mari Puri Herrero trabaja alternando sus estancias en el centro de Madrid y en el campo de Menagaray (Álava), donde el papel siempre le rodea. Para ella trazar sobre un papel es espontáneo, rápido e insistente; igual que el pensamiento, que frecuentemente se adelanta al desarrollo de las ideas. Cautivada por el papel Hanji o papel tradicional coreano, lo incorpora en muchos de sus trabajos.

El papel permite seguir una idea con fluidez, absorbe bien el trazo, que desde el momento en que apoyas la punta del pincel o pluma con tinta en el papel, esta queda absorbida instantáneamente, fundiéndose con él. Esto es lo que busca la artista y lo que encuentra en los papeles orientales.

De este modo, Mari Puri Herrero ha procurado presentar una breve selección de papeles, en los que se puede apreciar cómo, de manera natural, se recorren a veces con líneas, como si de escritura se tratase, temas vistos o entrevistos; otras veces, las manchas y el color que llevan a la naturaleza, para ella siempre tan cercana.

“Son amplios los recorridos que te permite una hoja de papel”.

Detalle de una de las obras de la artista coreana Kim YunShin. Fotografía cortesía del Centro Cultural Coreano de Madrid.

Detalle de una de las obras de la artista coreana Kim YunShin. Fotografía cortesía del Centro Cultural Coreano de Madrid.

Alumnos de ESAT exponen en Railowsky

Exposición fotográfica de alumnos de ESAT
Railowsky
C / Gravador Esteve, 34. Valencia
Inauguración: viernes 12 de abril de 2019, a las 19.30h

Un año más los alumnos de fotografía de la Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT) exponen sus trabajos fotográficos realizados en la asignatura Fotografía de Estudio, clases de teoría y práctica que se imparten en la escuela, y que en esta ocasión tendrá lugar en Railowsky a partir de este viernes 12 abril.

El referente artístico desarrollado en las clases del profesor Alberto Adsuara se realiza en el plató de fotografía de ESAT, siendo David La Chapelle el artista en el que los alumnos se inspiran, una práctica grupal para recrear la estética de éste fotógrafo y director norteamericano, creador de atmósferas coloristas, un artista irreverente provocador e inquietante.

Esta exposición de fotografías, comisariada por el propio Adsuara, fotógrafo, cineasta y responsable de Audiovisuales de ESAT, forma parte de su práctica docente que cada año realiza con su alumnado. Una actividad que imparte a los alumnos de primer curso de la carrera Arte & Diseño de la Escuela Superior de Arte y Tecnología de Valencia, ESAT www.esat.es.

Algunas de las imágenes de estos jóvenes estudiantes, así como otras mas personales pertenecientes a la misma asignatura, se podrán ver en esta exposición. Railowsky es una galería profesional de fotografía con casi 30 años de experiencia siempre preocupada más por el contenido que por el continente.

Por ella han pasado no sólo fotógrafos reconocidos, sino también históricos de la fotografía como Alberto Schommer, Ramón Masats, Xavier Miserachs, Bernard Plossu, Juan Manuel Díaz Burgos, Xurxo Lobato, Jean Dieauzaide, Koldo Chamorro Gary Winogrand, Mary Ellen Mark, Juan Manuel Castro Prieto, Ferdinando Scianna, Franco Fontana, Tina Modotti y Juan Rulfo, entre otros.

Cartel de la exposición fotográfica en Railowsky. Imagen cortesía de ESAT.

Cartel de la exposición fotográfica en Railowsky. Imagen cortesía de ESAT.

Shirin Salehi: memoria y dolor sobre papel

‘Dentro de un agua extraña, mi sombra’, de Shirin Salehi
Comisaria: Ana Martínez de Aguilar
Galería Ana Serratosa
Pascual y Genís 19, ático, València
Hasta el 28 de junio de 2019

“Asesinado por el cielo,
entre las formas que van hacia la sierpe
y las formas que buscan el cristal,
dejaré caer mis cabellos.

Con el árbol de muñones que no canta
y el niño con el blanco rostro de huevo.”

(Extracto de ‘Vuelta de paseo’, Federico García Lorca)
(‘Poemas de la soledad en Columbia University’, ‘Poeta en Nueva York’, 1929-30)

Resuenan como un hondo pleonasmo los versos lorquianos del paseo urbanita por la gran megápolis. Eclosiona la angustia frente al hiperbólico vacío de hormigón, craquelado de laceraciones y memoria solemne y solitaria, de naturalezas mutiladas y estrofas de raquis circular; no caben razones para el éxodo, pues todo habita aún en este penal de materia sempiterna.

Detalle de la obra 'Poemas de soledad en Columbia University', de Shirin Salehi. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

Detalle de la obra ‘Poemas de soledad en Columbia University’, de Shirin Salehi. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

Salehi transita por las avenidas cuadrangulares de aquella vasta hacienda del desconsuelo, portando consigo el eco prosódico y metafórico de las propias amputaciones, que aquí sí cantan y resuenan como una liturgia de voluntades biográficas repetitivas, a modo de mantra gestado desde la oralidad cuyo paisaje sonoro debe ser transcrito con el reiterado pulso de las ‘Cadencias del vacío’.

Así lo procura la artista teheraní, residente en España, Shirin Salehi en su serie ‘Vuelta de paseo’, bajo cuyo título –homónimo del poema del malogrado vate de Fuente Vaqueros– evolucionan diversos dibujos caligráficos, grabados y aguafuertes, planchas de cobre y pergaminos, firmes materias y quebradizos ejemplares de libro de artista que rezuman y recogen “el ritmo, el gesto y la cadencia, (…) la gestualidad de la emoción generada durante la acción, (…) el fluir instintivo de la emoción creciente que se apodera sutilmente de su cuerpo”, tal y como subraya la comisaria e historiadora del arte Ana Martínez de Aguilar en el texto curatorial de la exposición.

Imagen de una las piezas de la serie 'Todo permaneció en silencio', de Shirin Salehi. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

Imagen de una las piezas de la serie ‘Todo permaneció en silencio’, de Shirin Salehi. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

‘Dentro de un agua extraña, mi sombra’, que la Galería Ana Serratosa acoge hasta el 28 de junio de 2019, desemboca en la obra última de la autora iraní tomando pulso, a la par, de las constantes creativas sobre papel –“como un lugar donde algo sucede, no como soporte” (Martínez de Aguilar)– que han singularizado su devenir artístico durante la última década: memoria y dolor como alumbradores líricos y elementos motrices.

“«¡No conviene recordar! ¡No hay que revolver el pasado!
¡A quien recuerde lo pasado que le arranquen un ojo!»
Pero el proverbio termina diciendo:
«¡Y al que lo olvide que le arranquen los dos!»”

(‘El archipiélago Gulag’, Alexander Solzhenitsyn)

Constantes atravesadas por las evocaciones literarias, por el turbio feudo de las aflicciones que habitan en ‘Todo permaneció en silencio’ –sordas alusiones al siniestro testimonio oral recogido por Aleksandr Solzhenitsyn, mediante decúbitas incisiones y cosidos sobre papel– o en ‘Bailando con el carcelero’ –II Premio Anakaria al Libro de Artista (2015)– acerca de cuyo proyecto, inspirado en la desgarradora novela carcelaria (y crítica de los totalitarismos) ‘Invitado a una decapitación’, de Vladimir Nabokov, pueden contemplarse algunos testimonios en aguafuerte y aguatinta, en los que “la incisicón incicial dará paso al grabado, que le permite dibujar sobre planchas de metal, otorgando mayor libertad a la imaginación. Misteriosas imágenes lumínicas emergen de universos oscuros como filamentos verticales que recuerdan husos o espigas”, asevera Ana Martínez de Aguilar.

Detalle de una las piezas de la serie 'Los originales de los jardines', de Shirin Salehi, perteneciente a su proyecto ‘Bailando con el carcelero’. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

Detalle de una las piezas de la serie ‘Los originales de los jardines’, de Shirin Salehi, perteneciente a su proyecto ‘Bailando con el carcelero’. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

Desazones que habitan, igualmente, en la materia, en el objeto supeditado a la metamorfosis de los compuestos químicos actuando sobre el metal, como acontece en su proyecto de residencia florentino ‘Aguardar’, cuyas once matrices de cobre y zinc y sus ulteriores estampaciones sobre papel japonés Sekishu (‘Desaparecer de sí’) funcionan como una heurística, como un ingenio de revelación y descubrimiento, a modo de “indagación sobre el dolor, la muerte, la consunción de la materia, con lenguaje renovado”, concluye Martínez de Aguilar.

‘Dentro de un agua extraña, mi sombra’ se postula, de este modo, como una excelsa ocasión para aproximarse al recóndito y sutil acervo léxico de la obra de Salehi, sustentado por un horizonte estético equilibrado, intrínsecamente convulso y morfológicamente armónico.

La artista iraní Shirin Salehi posa junto a una de las matrices de cobre de la serie 'Aguardar'. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

La artista iraní Shirin Salehi posa junto a una de las matrices de cobre de la serie ‘Aguardar’. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Jose Ramón Alarcón