Un políptico de sabores se lleva el Mardel

IV Convocatoria de Pintura Mardel
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 13 de noviembre de 2016

El Centre del Carme de Valencia acoge hasta el próximo 13 de noviembre la exposición de la IV Convocatoria de Pintura Mardel, con el apoyo del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana. Mardel es un proyecto sin ánimo de lucro, cuyo objetivo es ayudar y promocionar a jóvenes artistas. Esta iniciativa pretende dar la oportunidad a los creadores de mostrar su trabajo y acceder a una ayuda a través de premios concedidos desde un jurado cualificado e independiente, ya sea en metálico o facilitando la difusión y el conocimiento de su obra.

La convocatoria está dirigida a artistas entre 18 y 40 años, y en ella se concede un premio (dotado con 4.000€) y tres accésit. “Este año hemos decidido conceder cuatro accésit ante el éxito de la convocatoria y la calidad de los artistas que se han presentado. La exposición en el Centre del Carme muestra las obras de los 30 finalistas, entre los más de 200 proyectos que se presentaron”, explicó Amparo Martínez, en representación de la Fundación.

El jurado ha estado compuesto por José Luis Pérez Pont, director gerente del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana; Nuria Enguita Mayo, directora de Gens Centre d’Art Valencia y editora de la revista Concreta y curadora, y por Bruno Leitao, director curatorial de Hangar – Centro de Investigación Artística de Lisboa y director del proyecto Cuatorial Clube. Como miembro del jurado, Pérez Pont señaló que “el premio busca la experimentación en el ámbito de la pintura y en este sentido las obras que hemos seleccionado van dirigidas a generar un concepto más amplio de la misma”.

Políptico de sabores, de Misha Bies Golas. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Políptico de sabores, de Misha Bies Golas. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Premios

Durante la presentación de la muestra, se dio a conocer el fallo del jurado. La obra ‘Políptico de sabores’ del artista gallego Misha Bies Golas ha sido la ganadora de esta IV edición del Premio de Pintura Mardel.

La pieza, que toma la forma de un cartel de helados, hace un ejercicio crítico acerca de la autoría de la obra de arte y, como explicó el propio artista, “el políptico de sabores habla de un pintor que aborda la pintura con sumo respeto, desde lejos, más que con miedo a mancharse, con miedo a meterse en un terreno sagrado”.

Doble paño de Verónica, de Luciana Rago. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Doble paño de la Verónica, de Luciana Rago. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Asimismo, los cuatro accésits han recaído en las obras: ‘Doble paño de la Verónica’, de la artista argentina afincada en Madrid, Luciana Rago; ‘Señales de humo’ del alicantino Pablo Bellot; ‘Cambio flúor por fama’, del valenciano Carlos Peris; ‘The evidence’, de la artista andaluza afincada en Valencia, Marina Iglesias.

Señales de humo, de Pablo Bellot, Imagen cortesía del Centre del Carme.

Señales de humo, de Pablo Bellot, Imagen cortesía del Centre del Carme.

En su obra, Luciana Rago parte de una investigación sobre pinturas canonizadas por la Historia del Arte que tiene como punto de partida la ‘Santa Faz’ (1931) de Zurbarán. Por su parte, Pablo Bellot presenta una instalación en la que muestra el estado de descomposición en la que se encuentra la sociedad y el hartazgo que le produce.

Cambio flúor por fama, de Carlos Peris. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Cambio flúor por fama, de Carlos Peris. Imagen cortesía del Centre del Carme.

El valenciano Carlos Peris hace una reinterpretación de la pintura en la que “cambia fluor por fama”, una reflexión sobre el sector artístico valenciano en clave de humor.

The Evidence, de Marina Iglesias. Imagen cortesía de Centre del Carme.

The Evidence, de Marina Iglesias. Imagen cortesía de Centre del Carme.

Inspirada en los fotogramas cinematográficos, Marina Iglesias en su obra ‘The evidence’ muestra unos cuerpos semienterrados y postrados en el suelo que presentan una ambigüedad: parecen ser más bien muñecos o maniquíes cuyas caras rotas se funden con el suelo, una escena que invita a ser completada en la mirada del espectador.

El resto de artistas seleccionados y cuya obra puede visitarse también en el Centre del Carme son: Gil Gijón, Aaron Sanroman, Saskia Rodríguez Araña, Manuel Antonio Suárez, Luis San Sebastián, Ángela Cuadra Casas, Juan Jose Valencia, Yann Leto , Jose Luis Cremades, Roberto Guille, Jesús Herrera Martínez, Ángel Masip, Alejandra de la Torre, Bell Fulllana, Asensio Martínez Soler, Juan Luis Fernández González, Quique Ortiz, Rubén M. Riera, Kepa Garraza Álvarez, Alexis Hernández, Cristina Santos Muniesa, Iker Lemos, Víctor Melia de Alba, Luisa Pastor, Pau Sellés Alós.

Biennal de Mislata Miquel Navarro

Convocante: Ayuntamiento de Mislata
Dotación: 1.500 euros
Modo de presentación: vía e-mail
Plazo de admisión: hasta el 25 de septiembre

La Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Mislata convoca la Biennal de Mislata “Miquel Navarro” actualizando la labor municipal en materia de artes plásticas emprendida por esta administración durante el período 1985-2008 a través de las Bienales de Escultura y Pintura “Vila de Mislata”. La Biennal de Mislata “Miquel Navarro” pretende mediante la presente convocatoria conceder “10 Premios en Arte Público Mislata 2016”, a fin de: Ampliar las oportunidades de artistas gratificando un máximo de diez propuestas. Ofrecer el espacio urbano de Mislata como lugar para la creación y la experimentación en diálogo con los ciudadanos que lo habitan. Promover la difusión de las artes visuales mediante una publicación que recoja la experiencia, favoreciendo el trabajo creativo y contribuyendo a la creación de memoria de la producción artística actual.

La presente convocatoria se regirá por las siguientes

BASES OBJETO 1.1. Es objeto de la presente convocatoria ayudar y promocionar el trabajo de aquellos y aquellas artistas visuales en activo, dando cabida a todo tipo de propuestas innovadoras y representativas de las últimas tendencias artísticas.

1.2. La convocatoria “Premios de Arte Público Mislata 2016” tiene como propósito: Producir y exponer un máximo de diez proyectos de intervención artística en el espacio público del municipio de Mislata que deberán exhibirse con motivo del acto inaugural de la bienal. Realizar una publicación que recoja las obras producidas para la ocasión.

1.3. La publicación de las presentes bases se realizará de acuerdo con lo establecido en el artículo 20.8 de la Ley General de Subvenciones.

2.- PARTICIPANTES

2.1. Podrán participar las personas físicas y jurídicas, mayores de edad, sin límite de la misma, de cualquier nacionalidad o lugar de residencia.

2.2. La participación podrá efectuarse de forma individual o colectiva, siempre que los y las participantes cumplan el requisito que se detalla en el apartado

2.1. 2.3. Cada participante, grupo o colectivo que desee concurrir al certamen podrá presentar únicamente una propuesta. El envío de más de una solicitud por persona física, jurídica o agrupación para ejecutar diferentes proyectos, o el envío de solicitudes de diferentes personas para la ejecución de más de un proyecto, serán considerados causa suficiente para la exclusión de dichas solicitudes.

3.- CARACTERÍSTICAS DE LOS PROYECTOS

3.1 La Biennal de Mislata “Miquel Navarro” toma su nombre en calidad de homenaje al artista mislatero, proponiendo una serie de localizaciones para realizar las intervenciones de arte público premiadas a partir de un itinerario marcado por las obras del artista que forman parte del espacio público del municipio. Las obras premiadas por esta convocatoria podrán mantener su independencia en cuanto a estilo e investigación respecto de la obra del artista de referencia.

3.2 La convocatoria “Premios de Arte Público Mislata 2016” está dirigida a seleccionar y premiar proyectos de intervención en el espacio público que tengan en cuenta en su planteamiento la ciudad y sus habitantes, que sean generadores de situaciones que favorezcan la convivencia y la integración social y que inviten a crear nuevos modelos de espacio público.

3.3. Los y las artistas que cursen solicitud de participación deberán remitir telemáticamente un dossier específico del proyecto con el que concurren al certamen, aportando cuantos datos sobre el mismo se detallan en los anexos de estas bases.

3.3.1 La dotación económica de cada premio incluirá todos los gastos que pudieran derivarse en concepto de honorarios, producción, transporte, montaje y desmontaje.

3.3.2. El Ayuntamiento de Mislata pondrá a disposición los servicios municipales para tareas de limpieza del espacio público.

3.3.3. La propiedad de las obras premiadas seguirá perteneciendo a sus autores, pues la cuantía recibida no está destinada a la adquisición. El autor en cambio, cede los derechos de imagen de la obra para ser incluida en catálogo y demás soportes de difusión, en la presente y futuras ediciones.

3.3.4. De acuerdo con las características de los proyectos presentados, los y las participantes podrán priorizar el espacio en el que llevar a cabo la intervención a partir de la documentación contenida en el Anexo IV de la presente convocatoria.

3.3.5. Los y las artistas cuyos proyectos de intervención resulten premiados asumirán el compromiso y la responsabilidad de ejecutar y disponer los medios para la instalación de los mismos en el espacio público que definitivamente les fuera asignado. En la fecha prevista en el apartado 11.2. de estas bases.

4.- PROCEDIMIENTO

4.1. La presentación de solicitudes deberá ajustarse a las siguientes indicaciones, estará debidamente cumplimentada y deberá incluir los anexos y la documentación adicional que se solicita en ellos:

4.1.1. Anexo I: DATOS PERSONALES, CURRÍCULUM VITAE Y TRAYECTORIA ARTÍSTICA DE LOS PARTICIPANTES.

4.1.2. Anexo II: FICHA TÉCNICA DEL PROYECTO.

4.1.3. Anexo III: DECLARACIÓN DE AUTORÍA.

4.1.4 Anexo IV: LOCALIZACIONES.

4.2. El proceso de inscripción a la convocatoria de los “Premios de Arte Público Mislata 2016” se efectuará de forma telemática mediante envío al mail: biennal@mislata.es pudiéndose remitir la documentación exigida con servicios como WeTransfer o similares.

4.3. El plazo de recepción de inscripciones se establece desde la publicación de estas bases hasta el día 25 de septiembre.

4.4. Transcurrido el plazo de una semana desde la fecha de remisión de la solicitud se contactará con la persona inscrita para confirmar que la documentación ha sido descargada correctamente y que la inscripción se ha efectuado con éxito. En caso de no recibir notificación alguna, los interesados/as deberán ponerse en contacto con la organización.

4.5. Cuando la solicitud no reúna los requisitos exigidos, o no se acompañe de la documentación mencionada, se requerirá a la persona solicitante para que subsane la falta, o acompañe los documentos preceptivos, en el plazo máximo de siete días indicándoles que en caso contrario, se desestimará su solicitud.

4.6. Para calificar, seleccionar y valorar los proyectos presentados, el Ayuntamiento de Mislata ha nombrado a Alba Braza, profesional cualificada en el sector, como responsable de las tareas de coordinación de la convocatoria. Dicha profesional asumirá también el comisariado de la bienal, y supervisará el proceso de producción de las intervenciones, así como la coordinación y la elaboración de una reseña crítica para la publicación asociada al certamen.

4.7. Se constituirá una comisión de evaluación encargada de la baremación de los proyectos presentados de acuerdo con los requisitos exigidos en la presente convocatoria.

5.- COMISIÓN DE EVALUACIÓN

5.1. La Comisión de Evaluación o jurado estará compuesto por: tres invitados externos expertos en el ámbito del arte contemporáneo, Jose Luis Clemente ( docente y crítico de arte), Maribel Doménech ( docente y artista) y David Armengol ( comisario de exposiciones) ; Alba Braza (comisaria de la bienal), Miquel Navarro (artista homenajeado), un/a representante del Ayuntamiento de Mislata que tendrá voz, pero no voto y el técnico de cultura del Ayuntamiento de Mislata que actuará como secretario. Actuará como órgano instructor del procedimiento el técnico de cultura del Ayuntamiento de Mislata.

5.2. El Jurado actuará como órgano colegiado a los efectos de elaborar un informe, que se elevará al órgano instructor. Una vez emitido el informe de valoración correspondiente, el órgano instructor formulará la propuesta de resolución, debidamente motivada. La propuesta de resolución será elevada al órgano competente que resolverá el procedimiento. Resolución que será inapelable. La propuesta de resolución del premio concedido será notificada a los interesados mediante la publicación en el Tablón de Anuncios y página web del Ayuntamiento: www.mislata.es. La resolución de la concesión de los premios se notificará a los interesados de forma individualizada.

DOTACIÓN ECONÓMICA

6.1. La cuantía de cada premio será de 1.500 euros y será abonada en 2 pagos estando sometida a retenciones establecidas por la legislación fiscal.

6.2. El pago a los premiados se efectuará mediante transferencia bancaria con cargo a la aplicación presupuestaria 3340.481 del presupuesto del Ejercicio Económico 2016. Una primera cantidad de 750 euros en el momento de la concesión del premio y otros 750 euros tras la inauguración de la bienal.

7.- CRITERIOS DE VALORACIÓN DE LOS PROYECTOS

7.1. Considerando que la puntuación máxima a otorgar a cada proyecto será de 10 puntos, se establece el siguiente baremo para la selección de propuestas finalistas: Calidad artística del proyecto y claridad de su explicación en el dossier presentado ( Anexo II). Máximo: 5 puntos Currículum Vitae del o de la solicitante Máximo: 1 puntos Viabilidad y adecuación de la propuesta al espacio público seleccionado, así como a los tiempos y medios de producción. Máximo: 2 puntos Consideración del entorno social y urbano del municipio de Mislata. Máximo: 2 puntos

8.- RÉGIMEN DE CONCESIÓN

8.1 La Biennal de Mislata “Miquel Navarro” incluye diez premios de acuerdo con los principios de publicidad, transparencia, objetividad, igualdad, no discriminación y mediante el procedimiento de concurrencia competitiva.

OBLIGACIONES DE LOS BENEFICIARIOS

9.1. Cada premio se considerará definitivamente adjudicado cuando el Ayuntamiento de Mislata reciba la aceptación escrita del ganador. En caso de no ser así se perderá la condición de premiado.

9.2. El premiado adquirirá el compromiso de cumplir con los plazos que se establezcan.

9.3. Deberán presentar declaración responsable de estar al corriente con las obligaciones de la Seguridad Social y Hacienda Pública.

SUSPENSIÓN Y REVOCACIÓN DEL PREMIO

10.1. El incumplimiento por parte del premiado de las obligaciones expresadas en el apartado anterior de la presente convocatoria que hagan inviable el proyecto, permitirá que los premios puedan ser revocados previo informe motivado de los responsables del proyecto y previo al trámite de audiencia del interesado, reintegrándose las cantidades que se hubieran percibido.

11.- INAUGURACIÓN

11.1. La producción de las intervenciones en el espacio público será coordinada y supervisada por la comisaria de la convocatoria. En el caso que la misma lo considerase adecuado, podría cambiarse de común acuerdo con el/la artista premiados, el emplazamiento propuesto en la inscripción.

11.2. La inauguración de la bienal está prevista para el día 25 de noviembre de 2016.

12.- PUBLICACIÓN DE CATÁLOGO

12.1. Para mayor difusión de la convocatoria, el Ayuntamiento de Mislata editará un catálogo con los proyectos premiados.

12.2. El Ayuntamiento de Mislata se reserva los derechos de publicación y reproducción de los materiales gráficos que se deriven de la exhibición y de las instalaciones en todos aquellos soportes elegidos para promocionar la difusión de la Biennal de Mislata “Miquel Navarro”.

ACEPTACION DE LAS BASES

13.1. El hecho de concursar supone la total aceptación de las presentes bases, quedando el Ayuntamiento de Mislata para dirimir cualquier eventualidad no prevista en ellas.

13.2. En caso de incumplimiento de este compromiso por razones de causa mayor será potestad de Ayuntamiento de Mislata tomar la decisión que se estime conveniente al respecto. Su decisión será inapelable.

14.- PRERROGATIVAS

14.1. El Ayuntamiento de Mislata podrá solicitar información sobre el desarrollo del proyecto durante su fase de producción.

14.2. El Ayuntamiento de Mislata se reserva el derecho a prorrogar el periodo de exhibición de las obras premiadas.

15.- RÉGIMEN LEGISLATIVO APLICABLE Es de aplicación la Ley 38/2003, de 17 de noviembre, General de Subvenciones, el Reglamento de la Ley General de Subvenciones, RD 887/2006, y el resto de disposiciones del ordenamiento jurídico que resulten de aplicación. INFORMACIÓN CENTRO CULTURAL DE MISLATA Tel. 963 990 370, 963 990 375 y 963 990 380 (de 8.30h a 14.30h) Bases completas y más información

Originals/ Inèdits: Les dues cares de la il·lustració

Originals / Inèdits. Il·lustradors D’Osona
Comissariat de l’exposició a càrrec de Ramon Ricart
ACVIC Centre d’Arts Contemporànies
C/ Sant Francesc, 1. Vic
Fins al 30 d´abril de 2016

ACVic Centre d’Arts Contemporànies és un equipament cultural públic per a la promoció de la creació, la investigació, la producció i la difusió de propostes vinculades a les pràctiques artístiques contemporànies. És un centre compromès amb el seu entorn immediat que treballa amb el context nacional i internacional, per difondre la seva pròpia activitat, per acollir i interactuar amb experiències, artistes i actors culturals externs, en una lògica de coparticipació en l’esdevenir global de les pràctiques artístiques contemporànies.

ACVic Centre d’Arts Contemporànies es posiciona amb una línia d’acció centrada en la relació entre l’activitat educativa, el territori i la interacció social. L’art creuat amb l’educació faciliten espais de producció que s’obren a l’experimentació. S’entén la pràctica artística com una pràctica que incideix, interactua i transforma l’espai social. Des d’aquest plantejament es persegueix generar una àmbit de confluència entre la producció artística i l’acció educativa, de manera que el fet educatiu esdevé una activitat emprenedora que incorpora elements de recerca, dinamitza aspectes de producció, incentiva la participació i necessita desplegar mecanismes de visibilitat i comunicació.

Exterior del ACVic Centre d'arts contemporànies. Cortesia del ACVic.

Exterior del ACVic Centre d’arts contemporànies. Cortesia del ACVic.

Tal com indica el seu nom, ‘Originals / Inèdits’ és una exposició, en dos espais, d’il·lustradors d’Osona, que mostra dues cares de la pràctica professional de la il·lustració.

D’una banda, s’han seleccionat il·lustracions originals que s’han reproduït en llibres o revistes (que s’exposen al costat de la Biblioteca Joan Triadú, a l’Espai Romeu). Els suports i les tècniques que utilitzen els il·lustradors per realitzar aquestes obres són diversos; sempre ha estat així, però actualment es poden establir dues categories molt evidents que es defineixen pel suport final de l’original en paper (en la seva rica i estimulant varietat) o en versió digital.

Encara que sembli que el concepte d’original, a primera pensada, només tingui sentit en les il·lustracions acabades sobre paper i que en les il·lustracions digitals aquest concepte perdi sentit, en la reproducció d’aquestes darreres il·lustracions també es produeixen unes transformacions que ens permeten mantenir vigent d’alguna manera la idea de l’original: la il·lustració feta o acabada a l’ordinador, en ser reproduïda també –igual que la finalitzada sobre paper– canvia de context, d’escala i sovint de color (per la mateixa impressió i el tipus de paper on s’imprimeix).L’il·lustrador –en molts casos– manté intacta l’estima per aquesta peça anomenada original (encara que a vegades “només” sigui el dibuix a llapis que escaneja per pintar a l’ordinador).

Tot això sempre amb el benentès que mantenim una certa fidelitat a la tradició parlant dels conceptes d’original i de la seva reproducció. A més de mostrar aquestes il·lustracions tal com van sortir de l’estudi del seu autor (que ja seria suficient), aquesta part de l’exposició també vol posar en evidència que els dibuixos dels contes, abans d’arribar a les mans del lector, viuen un procés que normalment no es fa evident als ulls del receptor final.

L’altra part de l’exposició Originals / Inèdits recull una tria d’il·lustracions que, per una raó o altra, no s’han publicat i que ara podem treure a la llum a ACVic Centre d’Arts Contemporànies. No hi ha cap més pretensió que conèixer obra desconeguda, il·lustracions que s’han quedat al calaix o a la carpeta, de projectes estroncats, inacabats, personals…, en definitiva, inèdits dels quals ara podrem gaudir. Cal destacar que, en conjunció amb una tendència que també es dóna a la resta del nostre país, a Osona hi ha una gran efervescència en el món de la il·lustració: als noms històrics de referència hi podem sumar un bon grapat d’il·lustradors en actiu de gran qualitat i un gruix considerable de dibuixants que cobreixen amb riquesa la diversitat estilística i de gèneres pròpia de la il·lustració.

Varvara & Mar, arte electrónico en Rambleta

Camaleón, de Varvara & Mar
Ganadores de la III Beca Espai Rambleta

Camaleón, de Varvara & Mar, son los ganadores de la III Beca Espai Rambleta. La estonia y el catalán son un referente mundial del arte electrónico. La tercera edición de la Beca de Investigación y Producción Artística de Espai Rambleta se consolida como convocatoria artística. El jurado, compuesto por refutados expertos del sector, ha tenido que decidir entre las 138 propuestas llegadas desde todas partes del mundo.

El programa de artes visuales de Espai Rambleta, en su propósito de impulsar la creación y difusión artística, creó en 2013 esta beca. Un galardón que tiene como objeto la concesión de diferentes ayudas materiales y económicas para la realización de proyectos artísticos. La convocatoria está abierta a cualquier disciplina artística, individual o colectiva, así como a proyectos de producción, investigación y comisariado. Varvara & Mar recogen el testigo de Santiago Morilla y Avelino Sala, ganadores del certamen en las dos ediciones anteriores.

Varvara Guljajeva y Mar Canet, ganadores de la III Beca Espai Rambleta. Imagen cortesa de La Rambleta.

Varvara Guljajeva y Mar Canet, ganadores de la III Beca Espai Rambleta. Imagen cortesa de La Rambleta.

El proyecto consiste en una bandera que hibrida de una a otra como un camaleón. Las banderas son símbolos muy fuertes que transportan muchos significados con ellas. Significados que han ido añadiendo y transformando a través de su contexto histórico. “En España, por ejemplo, la bandera nacional genera diferentes sentimientos según quién y cómo la interprete”, señalan Varvara & Mar. El significado de una bandera no está determinado definitivamente y puede cambiar con el tiempo. “El significado de las banderas es vástago de la historia de la que el trapo colorido es bandera”, añaden los propios artistas.

Varvara Guljajeva es una artista de Estonia, que trabaja con el arte, la gente, la tecnología y los materiales. Su experimentación se centra en el arte participativo, instalaciones interactivas y esculturas cinéticas. El catalán Mar Canet centra su actividad en la visualización artística de diferentes tipos de datos con base tecnológica.

El trabajo conjunto de Varvara y Mar se articula alrededor de la sobre-saturación de información de la actualidad, tratando los datos de diferentes tipologías para dar nuevas visualizaciones de éstos a nivel de luz, sonido o instalaciones de muy diversa índole. Pretenden presentar la realidad que nos rodea con un aspecto y sentido diferente apoyándose en datos concretos y releyéndolos de manera inusual con herramientas nuevas o readaptadas. El dúo desafía la tecnología con el fin de explorar nuevos conceptos en el mundo del arte y del diseño. Por lo cual, la investigación es una de las partes fundamentales de su práctica artística.

Varvara & Mar. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

Varvara & Mar. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

La juventud lúbrica de Sandra Ferrer

Escaleras húmedas, de Sandra Ferrer
Galería Mr. Pink
C / Guillem de Castro, 110. Valencia
Hasta el 12 de junio, 2015

Un recurso dramático muy presente en el séptimo arte es el humedecimiento, sea a través del vaho de una ducha, de la niebla o la lluvia, la humedad sobre el cuerpo de los actores genera una atmósfera íntima y tensa a la vez, cargada de sensualidad. Somos, en un elevado porcentaje, agua y por eso eliminamos líquidos con nuestra saliva, nuestros flujos, sudores o incluso el vapor de aliento que sale de nuestras bocas cuando hablamos.

La adolescencia es la etapa en que queda más acentuada nuestra condición líquida pues experimentamos constantemente intercambio de fluidos, con los besos, con el roce de los sexos, con el llanto… Nos derramamos en el primer amor, ese que sucede entre adolescentes sin espacio propio donde desatar los impulsos básicos de experimentación, sometidos al azar de los rincones oscuros, intransitados, los portales de vuelta a casa, los escalones de patios conocidos o desconocidos terminan por recoger la humedad del deseo idealizado, torpe y pegajoso pero inolvidable.

Obra de Sandra Ferrer en la exposición 'Escaleras húmedas'. Imagen cortesía de Galería Mr. Pink.

Obra de Sandra Ferrer en la exposición ‘Escaleras húmedas’. Imagen cortesía de Galería Mr. Pink.

‘Escaleras húmedas’ es la primera exposición individual de la artista multidisciplinar Sandra Ferrer (Gandía, 1989) que reúne obra fotográfica, escultura, vídeo e instalación en torno a un tema tan sugerente como cercano, a saber, el amor adolescente, utilizando de hilo conductor la humedad divididad en tres estadios; el llanto, la transpiración y el flujo sexual, siempre evocando un mismo escenario que es el del portal.

Para trasladarnos a tal localización genérica se sirve del mármol blanco típico presente en muchas de las escaleras que recorren los edificios de nuestra ciudad, de estanterías en forma de escalera y de un podium de madera con escalones reales. Tres historias de amor juvenil inundan la sala de la galería Mr. Pink divididas en tres zonas y protagonizadas cada una por una modelo adolescente.

Obra de Sandra Ferrer en 'Escaleras húmedas'. Imagen cortesía de Galería Mr. Pink.

Obra de Sandra Ferrer en ‘Escaleras húmedas’. Imagen cortesía de Galería Mr. Pink.

Maquillaje fucsia, labios carnosos, mechones de pelo sobre la cara, faldas ajustadas, prendas deportivas combinadas con tejidos plateados que remiten a la noche. Tras una noche de fiesta, roces y flirteos no es difícil volver acompañada a casa pero en casa no hay intimidad, hay padres, hermanos, familia, así que la intimidad se queda a las puertas del hogar, entre las escaleras del patio donde todos hemos vivido algún retazo de historia de amor en nuestra juventud. Amores y desamores, encuentros y desencuentros, malentendidos que acaban en llanto o florecen en la primera masturbación.

La obra de Sandra Ferrer está repleta de esas primeras veces, primeros besos, tocamientos, desengaños, como una oda a aquello que amamos en los otros cuando todavía no los conocemos. No es baladí la mezcla de timidez y sensualidad que encontramos en los tres vídeos mostrados en un loop monocanal, donde cada modelo lee a tientas lo que alcanza a ver en una hoja en la que la tinta solapa tres historias de amor acaecidas en un portal, impresas unas tapando parte de las palabras de las otras, escritas casi como un poemario por la propia artista.

En ellas está la esencia, desafiante, perdurable en nuestra memoria cual punzada de dolor: todas terminan pronunciando “aunque sigo enamorada de aquellas cosas que inventé sobre él”. Porque todos reescribimos encima de las historias de amor pasadas, Escaleras húmedas nos convierte en voyeurs melancólicos a los que hace mucho que solo somos el pálido reflejo de una nínfula.

Detalle de una de las obra de Sandra Ferrer en la exposición 'Escaleras húmedas'. Imagen cortesía de Galería Mr. Pink.

Detalle de una de las obras de Sandra Ferrer en la exposición ‘Escaleras húmedas’. Imagen cortesía de Galería Mr. Pink.

Marisol Salanova

Russafa Escènica se fija en La familia

Russafa Escènica
La familia
Del 17 al 27 de septiembre de 2015

En plena resaca del Ciclo de Russafa Escènica en el Teatro Rialto, que finalizó el sábado 31 de enero, el festival de otoño de las artes escénicas valencianas confirma que habrá una quinta edición, que se desarrollará ente los días 17 y 27 de septiembre y cuyo hilo conductor será ‘La familia’.

El título de Russafa Escènica 2015 servirá para inspirar las propuestas que se presenten al festival entre el 1 de abril y el 3 de mayo, pero no deja de ser un homenaje a cada una de las personas que han participado en Russafa Escènica durante los últimos cuatro años y a las buenas relaciones que se han creado entre los miembros del equipo, las compañías, los colaboradores y el público.

Imagen del video de EscaparateVisual para promocionar la próxima edición de Russafa Escènica. Imagen cortesía de los organizadores.

Imagen del video de EscaparateVisual para promocionar la próxima edición de Russafa Escènica. Imagen cortesía de los organizadores.

Siempre utilizando como telón de fondo el barrio de Ruzafa en Valencia, esta próxima cita mantendrá su espíritu innovador y seguirá experimentando con nuevos espacios de creación e investigando nuevas formas de trabajar las artes escénicas.

Aunque todavía se desconoce el número de propuestas que conformarán el cartel del festival el próximo otoño se prevé que serán muchas las compañías que presenten sus proyectos, más si se tiene en cuenta el éxito de la pasada edición con una afluencia de público de unas 10.300 personas y la buena aceptación del Ciclo en el Rialto que ha sumado casi un millar más de espectadores.

Imagen del video de EsparateVisual perteneciente a la promoción de la anterior edición de Russafa Escènica.

Imagen del video de EsparateVisual perteneciente a la promoción de la anterior edición de Russafa Escènica.

Este Ciclo de invierno ha supuesto además un incentivo para las siete compañías participantes, que han reestrenado sus  espectáculos en un teatro convencional, readaptando su puesta en escena en un nuevo espacio y para un público distinto.

Russafa Escènica acompaña la confirmación de su quinta edición con la presentación de su página web actualizada, donde poco a poco se irán colgando contenidos, y con el lanzamiento de un vídeo de presentación, obra de EscaparateVisual, que deja entrever el buen humor con el que se afronta esta familiar nueva aventura.

Imagen del video realizado por EscaparateVisual para promocionar la próxima edición de Russafa Escènica. Cortesía de la organización.

Imagen del video realizado por EscaparateVisual para promocionar la próxima edición de Russafa Escènica. Cortesía de la organización.

Un workshop que reinventa el hecho escénico

WORKSHOP: OBRA COMPLETA / FUERA DE ACTO
A cargo de Javier Núñez Gasco y André E. Teodósio
Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC)
Del 26 al 30 de enero de 2015

La representación teatral descansa sobre un acuerdo tácito entre público y actores que gestiona la ilusión del hecho escénico y consiste en aceptar que lo que ocurre en el escenario es una forma de verdad consentida durante el tiempo de la representación.

En lo cotidiano la realidad también se construye mediante pactos y representación de roles. Mediante convenios no escritos nos relacionamos con los otros y establecemos acuerdos temporales para la construcción de realidades. De este modo participamos de la creación de un espacio público basado en la representación.

PROPUESTA

El director y dramaturgo lisboeta André E. Teodosio y el artista plástico Javier Núñez Gasco proponen el Workshop: Obra completa/Fuera de acto una ruptura de acuerdos y la creación de nuevos pactos. Con este objetivo y con el firme deseo de que las obras cambien y actúen como catalizadores dependiendo del contenido con que se llenen, se plantea un laboratorio-de-construcción en el que cada participante pueda aportar ideas e interpretaciones, un taller teórico práctico organizado por el EACC y dirigido a personas con interés especial en las artes plásticas y escénicas.

Se tratará de releer los roles que funcionan dentro de las artes escénicas en relación con el display expositivo, los modos de reconocimiento del objeto, su posibilidad de producir acción y la carga performativa generada por el observador. En definitiva, se trabajará sobre la posibilidad de inversión de sentido en el objeto artístico, la capacidad de dotarlo de intención y actuación, y cómo ello afecta a la mirada condicionada del espectador.

El taller se celebrará en el mismo espacio expositivo que albergará la muestra posterior Fuera de acto, comisariada por José Luis Pérez Pont, y se invitará a los participantes a colaborar en la construcción de lo que pretende ser una exposición diferente. Las aportaciones inmediatas generadas durante el diálogo entre los participantes, el artista plástico y el experto en dramaturgia servirán para configurar las acciones que se realizarán en la inauguración de la exposición.

Javier Núñez Gasco. Prótesis para una bailarina. Cortesía del artista.

Javier Núñez Gasco. Prótesis para una bailarina. Cortesía del artista.

DATOS PRÁCTICOS
PARTICIPANTES: máximo 20 personas
FECHA: del 26 al 30 de enero de 2015
PLAZO DE INSCRIPCIÓN: Hasta el 20 de enero, a través del correo electrónico
actividades@eacc.es

HORARIO:
Lunes y jueves de 16 a 20.00 h
Martes y miércoles de 12 a 20.00 h
Viernes de 18 a 22.00 h
LUGAR: Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC)
PRECIO: 5 €
FORMA DE PAGO: En la recepción del EACC.

 

PINPANPUN FESTIVAL EN VALENCIA

Festival PINPANPUN
Octubre Centro de Cultura Contemporánea
C/ San Fernando 12. Valencia
Valencia 10 de enero 2015

El festival de arte sonoro y experimentación PINPANPUN celebra el día 10 de enero de 2015 su IV Edición en Octubre Centre de Cultura Contemporània, en pleno centro de la ciudad de Valencia. PINPANPUN es un lugar de encuentro artístico-cultural que aúna creatividad, riesgo y diversión.

Bajo un espectro muy amplio y con el sonido como eje estructural, el festival abarca desde conciertos y propuestas audiovisuales hasta acontecimientos performativos. PINPANPUN es una plataforma pionera en la ciudad para estilos y corrientes sonoras tan transgresoras como el noise, el drone, el glich, el DIY, el field recording o la música electroacústica entre otros. Es un festival heterodoxo, mutable y sorprendente.

Imagen cortesía Pinpanpunfest

Imagen cortesía Pinpanpunfest

El carácter marcadamente local de las propuestas se mantiene desde sus inicios con la voluntad de mostrar la evolución de los artistas autóctonos. Estos creadores, tanto los emergentes como los veteranos, encuentran en PINPANPUN un lugar de expresión que las estructuras culturales públicas de la ciudad no ofrecen. De ahí radica la relevancia y la particularidad de este festival: PINPANPUN apoya y muestra el excelente trabajo de los creativos valencianos y residentes, de forma independiente. Además, supone un extraordinario lugar de encuentro e interacción para todos los asistentes.

L.O.M Pinpanpun 2012. Imagen cortesía Pinpanpunfest

L.O.M Pinpanpun 2012. Imagen cortesía Pinpanpunfest

El propio festival ha experimentado una importante evolución, siendo año tras año un evento más comprimido e intenso. En su primera edición mostró nueve propuestas en tres semanas consecutivas. Actualmente ofrece en un solo día diecisiete propuestas distintas, con más de treinta y cinco artistas involucrados. Por este motivo, esta IV Edición del festival se denomina PINPANPUN Collapse.

PINPANPUN Collapse será un maratón de doce horas que arranca durante el día y termina acercándose la noche (de 12:00 a 24:00). El festival tendrá lugar el día 10 enero en el Octubre Centre de Cultura Contemporània, sede del festival desde la primera edición. Habrá también bebida y comida variada a precios populares.

Distortled Box Pinpanpun 2012. Imagen cortesía Pinpanpunfest

Distortled Box Pinpanpun 2012. Imagen cortesía Pinpanpunfest

El elenco de artistas participantes es más que destacable, con figuras de renombre internacional y nacional en el entorno de la música experimental como el profesor y poeta sonoro Bartolomé Ferrando, el incombustible Avelino Saavedra, el ya mítico compositor, musicólogo y tocador de campanas Llorenç Barber, Josep Lluis Galiana, además de otros muchos grandes nombres como Monserrat Palacios, Truna, Edu Comelles, Jorge Marredo, Víctor Tréscoli, MKM, We are not Brothers, Antonio Sánchez, ALOZEAU, Camí de Fondo, Martí Guillem y otros muchos que especificamos en la programación. Todas las propuestas están fuera de los estándares musicales convencionales.

PINPANPUN Collapse se trata de un acontecimiento ineludible para una ciudad, Valencia, en la que el concepto de cultura se ha malentendido durante mucho tiempo, gastando los recursos en actos e infraestructuras faraónicas. ¡Es hora de cambiar! La gestión independiente, la sencillez y el trabajo duro deben ser el leitmotiv de la cultura.

Avelino Saavedra. Foto: Antonio Sanchez PinPAnPun 2014

Avelino Saavedra. Foto: Antonio Sanchez PinPAnPun 2014

PAM! PAM! Identidad y medio ambiente

PAM! Exposición colectiva de la UPV
Centro del Carmen
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 12 de octubre, 2014

Bombardeo visual, exceso objetual, sociedad de consumo, entorno natural, reflexión sobre la imagen, azar, pausa: he aquí algunas de las expresiones más recurrentes utilizadas por los 11 artistas seleccionados en el proyecto PAM! de la Universidad Politécnica de Valencia. Expresiones e ideas que pueden verse representadas en las obras que el Centro del Carmen acoge, fruto del trabajo realizado durante un año por los alumnos de los Másteres de Producción Artística y Multimedia (PAM).

Fotografías de Aaron Duval en la exposición PAM! del Centro del Carmen.

Fotografías de Aaron Duval en la exposición PAM! del Centro del Carmen.

La imagen, que tan importante resulta en la configuración del yo cuando accedemos al mundo, y, asociado a ella, la identidad, junto a la naturaleza que desde muy temprano nos rodea, son objeto de experimentación por parte de los jóvenes artistas de PAM! Como señaló José Luis Clemente, comisario de la exposición, “la experimentación es fundamental y está muy presente, así como la reflexión acerca de lo que es el arte, junto al quién soy identitario”. También apuntó Clemente la presencia de lo “fragmentario, a modo de pequeñas secuencias”.

Instalación del Colectivo AVM en la exposición PAM! del Centro del Carmen.

Instalación del Colectivo AVM en la exposición PAM! del Centro del Carmen.

A razón de tres trabajos por artista, la exposición del Centro del Carmen reúne una treintena de obras, entre fotografías, pinturas, dibujos, proyecciones, videos, e instalaciones, que recoge esa variedad de inquietudes en torno a la imagen, la identidad y el medio ambiente. David Cantarero lo hace poniendo en cuestión esa imagen, ya sea deformándola o incluyéndola en otros espacios para provocar cierta tensión. Jorge Julve y Juan Sánchez exploran las posibilidades de la propia imagen en marcos distintos, el ámbito de Internet o el azar cotidiano, de los que cada cual se sirve para ilustrar su experimentación formal.

Detalle de la instalación de Aris Spentsas en la exposición PAM! del Centro del Carmen.

Detalle de la instalación de Aris Spentsas en la exposición PAM! del Centro del Carmen.

Marco Ranieri utiliza bombillas recicladas para generar una instalación que pone en valor los objetos inservibles, una vez finalizado su ciclo de consumo. Lo propio hace Luis Soriano mediante acrílico, madera y tela, componiendo un muestrario de objetos cuya fragmentación invita a pensar en la utilidad del catálogo más allá de su componente funcional. Óscar Martín se centra en las virutas que dejan 24 lápices de color, para mostrar la aparente improductividad de ciertos actos ejecutados mecánicamente.

Obra de Luis Soriano en la exposición PAM! del Centro del Carmen.

Obra de Luis Soriano en la exposición PAM! del Centro del Carmen.

El Colectivo AVM, integrado por Alejandra Bueno, CuautliExal, Nacarid López, Lola Moreno, Giorgia Partesotti, Félix Ríos, Adriana Román y Nieves Gonzales, apuesta por la visibilidad de personas anónimas interviniendo tarjetas postales, posibilitando la reflexión acerca de lo público y lo privado en la era de las redes sociales. Aaron Duval, en pintura, y Aris Spentsas, mediante una instalación audiovisual, reclaman la presencia del cuerpo en sus obras para poner el acento en la figura como objeto de manipulación artística.

Audiovisual de Odette Fajardo y, al fondo, instalación de Marco Ranieri en la exposición PAM! del Centro del Carmen.

Audiovisual de Odette Fajardo y, al fondo, instalación de Marco Ranieri en la exposición PAM! del Centro del Carmen.

Odette Fajardo promueve en su video otra utilización del cuerpo, la relacionada con el ritual del rostro pintado progresivamente para formar parte de cierta fiesta popular. Y de la antropología a la arquitectura de la mano de Rosa Solaz, para cerrar el círculo de PAM en torno a la imagen, la identidad y el medio ambiente. “Problemas de la época”, como sugirió Felipe Garín, director del Centro del Carmen, resultado de los trabajos de 11 artistas que tratan de “construir su propia identidad, que es muy compleja”, concluyó Garín. La Fundación Hortensia Herrero patrocina la exposición, a falta de más vías de ingresos para facilitar la producción de los jóvenes artistas de los másteres universitarios.

Obra de David Cantarero en la exposición PAM! Centro del Carmen.

Obra de David Cantarero en la exposición PAM! Centro del Carmen.

Salva Torres

MuVIM, al pie de la letra

Cada letra cuenta una historia, en Diseño de Tipografía en España desde 1990
Sala Alfons Roig
MuVIM de la Diputación de Valencia
Hasta el 13 de julio

La tipografía hace historia en el MuVIM con la exhibición de ‘Cada letra cuenta una historia’, la primera exposición que atiende al desarrollo del diseño tipográfico en España y que ha sido producida por la Diputación de Valencia. La exposición fue presentada junto con otras propuestas relacionadas con la tipografía, entre las que destaca el Type Directors Club (TDC), el patrocinio del VI Congreso Internacional de Tipografía y la exhibición de los trabajos del Master en Artes Gráficas de la Universitat Politècnica de València (UPV) en la muestra ‘Tipos característicos’, instalada en la Sala de Torre árabe, hasta el 20 de septiembre.

La exposición ‘Cada letra cuenta una historia, en Diseño de Tipografía en España desde 1990′, comisariada por Raquel Pelta, ofrece una amplia perspectiva de la creación tipográfica española a través del trabajo de más de 90 diseñadores –cinco valencianos entre ellos- y alrededor de 400 piezas.

Exposición 'Tipos característicos' que se exhibe en la Sala de la Muralla del MuVIM. Imagen cortesía del MuVIM de la Diputación de Valencia.

Exposición ‘Tipos característicos’ que se exhibe en la Sala de la Muralla del MuVIM. Imagen cortesía del MuVIM de la Diputación de Valencia.

La exposición da a conocer el estado de la creación tipográfica más reciente realizada por los diseñadores españoles, consagrados y noveles, y trata, asimismo, de acercar la tipografía a un público no especializado. “De ahí que el hilo conductor de la exposición discurra en torno a una idea central: aunque apenas nos fijamos en ella, la letra forma parte esencial de nuestra vida cotidiana. Es el vehículo de los mensajes escritos y la forma visible de las palabras pero es, sobre todo, cultura o, como decía el prestigioso diseñador estadounidense Paul Rand, es un Arte con mayúsculas”, explicó Raquel Pelta.

Las piezas de la exposición se distribuyen en cinco ámbitos: historia y cultura, identidad, investigación formal, experimentación y humor, ironía e inspiración popular. En conjunto, constituyen un recorrido por los temas que han inspirado cada una de las tipografías que el espectador podrá contemplar, aplicadas en carteles, libros, folletos, revistas, camisetas y otros materiales impresos. A estos soportes, se suma una pequeña colección de vídeos, realizados también en España, en los que la tipografía es protagonista.

Coincidiendo con la apertura de la muestra en Nueva York, el Type Directors Club ha realizado una selección de 70 piezas exclusivamente para el MUVIM. A partir del 10 de junio, coincidiendo con la conferencia del diseñador y “Chairman of the board” del TDC Diego Vainesman, el museo exhibe estos trabajos premiados y seleccionados por el prestigioso jurado neoyorquino.

Además, y complementariamente, en julio, agosto y septiembre la Sala Alta del MUVIM acogerá por tercer año consecutivo la muestra completa previa a la selección de los referidos 70 trabajos seleccionados exclusivamente para el MuVIM.

Recortable de la letra N, tipografía Zagoris. Imagen cortesía del MuVIM de la Diputación de Valencia.

Recortable de la letra N, tipografía Zagoris. Imagen cortesía del MuVIM de la Diputación de Valencia.

Con la exhibición de ‘Tipos Característicos’, en la sala de la Torre árabe, el MuVIM repite la experiencia iniciada el año pasado con la UPV para mostrar los trabajos de los alumnos del Master de Artes Gráficas. Tal como ha explicado el profesor de la UPV, José Luis Martín, “la exposición plasma el proceso de trabajo y el resultado final de la creación de una tipografía desde sus momentos iniciales -en los que la caligrafía sirve de base para identificar la estructura de las letras-, pasando por el dibujo detallado de cada glifo, hasta llegar a la fase de digitalización”.

La Diputación de Valencia patrocinará el “VI Congreso Internacional de Tipografía” organizado por la Asociación de Diseñadores de la Comunidad Valenciana, ADCV. El MUVIM será, junto con la Escuela de Arte y Superior de Diseño de Valencia, la sede de algunos actos relevantes del Congreso. El día 19 de junio acogió la clase magistral del prestigioso Rubén Fontana, creador de la tipografía FONTANA, y el taller tipográfico de los que fueron sus alumnos y ahora diseñadores de prestigio Pablo Cosgaya y Marcela Romero.

Imagen de la exposición sobre tipografía en el MuVIM. Imagen cortesía del MuVIM de la Diputación de Valencia.

Imagen de la exposición sobre tipografía en el MuVIM. Imagen cortesía del MuVIM de la Diputación de Valencia.