La energética armonía de Cristina Jaquín

Espacio Lateral
C / San Fernando 16-A Entresuelo (Plaza de las Cervezas). Santander
Del 6 de abril al 3 de mayo de 2018

El viernes 6 de abril Espacio Lateral inauguró la exposición de la artista Cristina Jaquín. Desde que el pasado 2 de febrero abriera sus puertas, el estudio continúa trabajando para acercar el arte al público y esta exposición solo es una muestra más de esa labor.

Obra de Cristina Jaquín. Fotografía de Néstor Navarro.

Obra de Cristina Jaquín. Fotografía de Néstor Navarro.

La artista plástica comparte una pequeña selección de su obra, en donde destacan los lienzos de marcadas flores y formas abstractas, con el color como punto en común. Toda la exposición parecía escogida con el propósito de paliar el hambre de primavera que, aquí en el Norte,  parece que aún no se afianza.

Si por algo destaca toda la obra de Cristina Jaquín es por la facilidad con la que crea  un ambiente sencillo que nos permite viajar a un oasis de tranquilidad y armonía y, si me permitís la expresión culinaria, todo ello rehogado con un toque de energía consecuencia directa de la perfecta combinación de colores fríos y cálidos utilizados por la autora.

Obra de Cristina Jaquín. Fotografía de Néstor Navarro.

Obra de Cristina Jaquín. Fotografía de Néstor Navarro.

La exposición de Jaquín permanecerá en el estudio Espacio Lateral hasta el 3 de mayo y, como adelantó uno de los responsables, este evento es solo el principio de una serie de exposiciones que tendrán lugar a principios de cada mes. Tendremos que esperar al mes que viene para saber con qué nos sorprenden.

Obra de Cristina Jaquín. Fotografía de Néstor Navarro.

Obra de Cristina Jaquín. Fotografía de Néstor Navarro.

Video de la inauguración realizado por Néstor Navarro:

Espacio Lateral (Cristina Jaquín) from Makma on Vimeo.

Danae N

Antonio de Felipe se defiende

Comunicado de prensa del pintor Antonio de Felipe
Madrid, 14 de septiembre de 2016

En relación a las graves e injuriosas declaraciones vertidas por la señora Fumiko Negishi atribuyéndose falsamente la autoría de varias de mis obras, hago constar que yo soy el único autor de mis creaciones, limitándose la colaboración profesional en mi taller de la señora Negishi a aspectos meramente técnicos y no creativos.

De igual forma, hago constar que a fecha de hoy no me ha sido notificada ninguna demanda interpuesta por parte de la señora Negishi ante la jurisdicción civil en la que reclame su supuesta autoría sobre mis obras, un hecho que, insisto, es tajantemente falso.

Las acusaciones de la señora Negishi son injuriosas e infundadas, motivo por el cual ya he puesto este asunto en manos de mis abogados, quienes iniciarán las acciones judiciales pertinentes para defenderme de este hecho tan grave.

Antonio de Felipe. Imagen tomada del video realizado por Carles Claver y Josevi Marco con motivo de su exposición en la galería Thema de Valencia.

Antonio de Felipe. Imagen tomada del video realizado por Carles Claver y Josevi Marco con motivo de su exposición en la galería Thema de Valencia.

En el momento oportuno volveré a restablecer la estupenda comunicación que siempre he mantenido con toda la prensa española. De ella solo espero que sea cauta, que sea objetiva y que no dé por veraces determinadas declaraciones que ya han sido publicadas y que ya están siendo juzgadas por la opinión pública española sin tener en cuenta mi versión de los acontecimientos.

Por el momento, las circunstancias me obligan a mantenerme en silencio y a centrarme en el trabajo. Me encuentro inmerso en la ejecución de la nueva serie que protagonizará mi próxima exposición y, ante todo lo ocurrido, creo que lo mejor para mí es permanecer en mi estudio.

Por último, quiero dar las gracias a aquellos medios de comunicación que se han interesado desde un primer momento en conocer mi versión de los hechos para realizar su trabajo con objetividad y profesionalidad. Prometo hablar con ellos de todo lo ocurrido en cuanto me sea posible.

Y también quiero agradecer las constantes muestras de apoyo y de cariño de todos los seguidores de mi trabajo como pintor pop a través de internet y de las redes sociales. Gracias por confiar en mí y por seguir creyendo en mi obra.

Antonio de Felipe. Imagen del video realizado por Carles Claver y Josevi Marco con motivo de su exposición en la galería Thema de Valencia.

Antonio de Felipe. Imagen del video realizado por Carles Claver y Josevi Marco con motivo de su exposición en la galería Thema de Valencia.

 

Sótanos de identidad: Marie-Lou Desmeules

Tras más de una década de residencia en Berlín, la artista canadiense Marie-Lou Desmeules tomó la determinación de trasladarse a Valencia, hace más de tres años, portando consigo un turbio equipaje de vestigios plásticos, emparentados con los hipogeos de la identidad como temática vertebral de su trabajo, para transitar por los hediondos cauces y alcantarillas levantinas, en permanente búsqueda y sed de metamorfosis, al azucarado calor del Mediterráneo.

Makma se traslada a su estudio, en pleno corazón primigenio del barrio de Ruzafa, para ser testigo inmediato de una de sus Surgeries (Cirugías) y conversar, de un modo ulterior, acerca de sus perturbadoras inquietudes y singularísimo proceso de trabajo.

Diversos instantes del proceso de su Cirugía sobre Klaus Nomi. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Diversos instantes del proceso de su Cirugía sobre Klaus Nomi. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

¿Por qué motivo has escogido la figura de Klaus Nomi para realizar tu última Cirugía?

En homenaje a su fascinante personaje, su música y estética plástica tan heterodoxa.

¿A qué serie pertenece esta Surgery?

A una nueva serie vinculada con artistas e iconos alemanes (todavía carece de nombre).

¿Cuáles han sido tus últimas series y trabajos de transformación?

Travis Brickle, Eminem, Don Limpio, Chewbacca, John Waters, Divine, Dolly Parton, así como autorretratos de pintores como Gustave Courbet y Van Gogh.

También he estado recientemente en Bucarest, donde he hecho una perfomance experimental en vivo con el compositor electrónico Silent Strike, además de una Cirugía con una actriz rumana como modelo.

Imagen de cuatro de sus Cirugías: John Waters, Travis Bickle, Eminem y Chewbacca. Fotografía cortesía de la artista.

Imagen de cuatro de sus Cirugías: John Waters, Travis Bickle, Eminem y Chewbacca. Fotografía cortesía de la artista.

¿En qué momento y por qué motivo descubriste y comenzaste a explorar el universo de las Surgereis?

Después de años pintando retrato sobre lienzo, comencé a pintar sobre la gente durante mis dos últimos años de residencia en Berlín -estancia que prolongué durante una década-. La idea de que el individuo desaparece detrás de una imagen me ha fascinado muchísimo desde mis comienzos.

En el primer año de mi proceso de experimentación trabajaba en un taller sito en una enorme y vieja brasserie industrial, en la Landsbergerallee. Era un piso justo encima de un estudio de BDSM -disciplina de bondage y sadomasoquismo-. Se escuchaban los gritos de las masoquistas y los electroshocks mientras trabajaba sobre mis modelos. Este ambiente ha sido el punto culminante del comienzo de mis Cirugías, desarrollando en esta etapa diversas series de transformaciones monstruosas-pop. Posteriormente, he hecho series de social-reality (esta vez mi taller se encontraba frente a una casa para personas sin hogar), celebrities y políticos internacionales.

¿Qué materiales y estilos sueles emplear?

Utilizo materiales fibrosos como pelos, telas y papeles, además de acrílicos. Trabajo mezclando el pop, el bad art y el grotesque, entre otros, conformando elementos y estilos que son parte final de la estética de mi obra.

Ha de tenerse en cuenta que una Cirugía es muy compleja. Es un mezcla de medios y técnicas diferentes, como fotografía, escultura, pintura y performance, para los que combino estilos y referencias de la historia del arte y de la  música, además de un importante proceso de preparación y una dosis ineludible de improvisación.

Composición de imágenes de la obra 'En el centro de belleza'. Fotografía cortesía de la artista.

Composición de imágenes de la obra ‘En el centro de belleza’. Fotografía cortesía de la artista.

¿Qué papel juega la música en el proceso de tu obra y con qué soundtrack sueles trabajar en tu estudio?

De la música, como de la vida, es de donde saco toda la energía. La reproduzco igualmente para mis modelos durante las Surgeries; como estos no se pueden mover, ni hablar (en ocasiones ni ver), confío en que la música les transporte durante el viaje/’operación quirúrgica’.

Un buen soundtrack para trabajar debe ser una selección ecléctica de estilos que dan emociones diferentes -ligero, agresivo, festivo, dramático, surreal, diva, opera, kitsch, japonés, clásica, etc.-. Cada Cirugía tiene su playlist diferente y lo pongo en shuffle mode, de este modo es siempre una sorpresa y forma parte de la improvisación.

Por ejemplo, en la última Cirugía de Klaus Nomi había canciones de Philipp Glass, Brad Mehldau, Erik Truffaz, Klaus Nomi, Amanda Lear, Nitzer Ebb, Señor Coconut, Bohren, Bach, Nino Ferrer, Klaus Wunderlich, Van McCoy…

Tus Cirugías trabajan permanentemente sobre un concepto asociado a la identidad y a la máscara.

En mi trabajo nos encontramos con la imagen de una persona sobre otra. A través de esta superposición me interesa conversar sobre la identidad, los géneros (genders) y las cirugías plásticas en sí mismas, entre otras cuestiones. En mi serie de Celebrities, por ejemplo, procuro tratar la imagen de los famosos como resultado de un post-internet-patchwork.

Me fascina el poder de la imagen, en una época de selfies egomaníacos, en la que la belleza se asocia ineludiblemente a los conceptos de dinero y felicidad. Una obsesión por querer ser amado por nuestra imagen, por conocer a gente, ignorando quién palpita detrás realmente

Una cirugía estetico-plástica es similar a una máscara, diluye la identidad. Y cuanto más ansía un paciente parecerse a otra  persona, tanto más grotesco resulta.

Imagen de la obra 'La Dolce Vita'. Fotografía cortesía de la artista.

Imagen de la obra ‘La Dolce Vita’. Fotografía cortesía de la artista.

Tu obra ha sido referida en medios de comunicación y magazines internacionales, desde la costa oeste de Estados Unidos hasta los confines del este asiático, pasando por exposiciones en Alemania, los países de Europa Central y Turquía. ¿Consideras que en España, en general, y en Valencia, en particular, aún no se ha comprendido tu trabajo?

Es verdad que mi trabajo ha tenido mas éxito internacional -sobre todo en Nueva York, L.A. y Londres-, pero en Valencia dispongo de una lista de modelos con quienes trabajo con mucho gusto y siempre existen muchas personas interesadas en participar o que me preguntan cuándo y dónde voy a exponer mi trabajo en España.

¿Qué proyectos tienes en mente para 2016?

Ir a Nueva York y Tokyo. Encontrarme con diversos  artistas y galeristas, así como alimentar mis ojos y mi mente. También existen varios proyectos sobre los que todavía no puedo concretar detalles, como uno en Alemania, así como transformaciones sobre músicos famosos de Inglaterra y Estados Unidos. Y, por supuesto, planificar/exponer aquí en España.

http://www.marieloudesmeules.com
Instagram: @marieloudesmeules

Jose Ramón Alarcón

 

Patricia Iranzo: “Me fascina el rostro humano”

Manhattan Portraits, de Patricia Iranzo
Local Project de Manhattan

Pintora de rostros. Fotógrafa de cuerpos desnudos sumergidos en el agua. Por dos diferentes caminos Patricia Iranzo llega al mismo punto. Un lugar donde se revelan los misterios de la mente más allá de la consciencia, una encrucijada en el que realidad y ficción se encuentran, y las imágenes sugieren lo que el ojo no ve. Sobre la base de sus conocimientos en psicoanálisis, sus retratos intentan captar a las personas en su estado más puro, obligándoles en cierta manera a remontarse a su infancia.

Dentro de un par de meses la artista valenciana abandonará su estudio de la calle Cordellers e iniciará un viaje en el tiempo y espacio que no está muy segura dónde la conducirá, ni cuánto durará. Su destino es Manhattan y su objetivo localizar a los últimos descendientes de los indios lenape, aborígenes que poblaban esos parajes antes de la llegada del hombre blanco.

Obra de Patricia Iranzo. Cortesía de la artista.

Obra de Patricia Iranzo. Cortesía de la artista.

Manhattan Portraits es el nombre de este proyecto singular que desarrollará con el apoyo de la Local Project, una galería de Long Island sobre diversos soportes audiovisuales: pinturas, fotografías, vídeos a partir de sus entrevistas y contactos con 20 nativos. Un estudio antropológico a través del arte.

Cómo surgió el interés de Iranzo por una etnia tan lejana e ignota podría ser materia de un relato o de un sueño. Todo empezó en 2003, en Nueva York, donde, gracias a unos amigos que le cedieron un loft pasó una temporada pintando rostros, una serie que llamó Portraits of nobody (Retratos de nadie). “Eran rostros  inventados a los que ponía alma y resultaban muy creíbles”, cuenta. “Con ellos pretendía hace una reflexión sobre la realidad y la construcción de la realidad”.

Tres años después tuvo ocasión de exponer estas obras en Payne Gallery, una sala de arte de la Universidad de Pennsylvania y, ante su sorpresa, muchos visitantes identificaron los retratos como de los indios de Manhattan. “A partir de ahí se despertó mi curiosidad hacia ellos y pensé que sería interesante investigar su pasado y raíces a través de los que todavía viven. Ya he conectado con dos y espero que sobre el terreno pueda localizar a más que estén dispuestos a colaborar. Mi idea es intentar elaborar un árbol genealógico que permita atisbar un mundo desaparecido hace siglos”.

Obra de Patricia Iranzo. Cortesía de la artista.

Obra de Patricia Iranzo. Cortesía de la artista.

Cara a cara con los últimos indios lenape, a Iranzo le espera una singular aventura para la que no tiene fecha de caducidad. “Las cosas auténticas y realmente importantes no tienen esa urgencia a la que estamos habituados”, sentencia.

Iranzo usa el gran formato, dos por dos metros, para plasmar rostros gigantes que cuentan una historia sin palabras y que tienen una vida detrás que el espectador imagina. “Utilizo técnicas mixtas y para mí la prioridad es el color”, comenta. Esa obsesión por las facciones humanas es su marchamo, su marca de fábrica. “Me fascinan las caras porque no hay dos iguales, por la cantidad de información que encierran, sobre todo a través de la mirada. Me inspiran una curiosidad insaciable. A veces paro a alguien por la calle y le pregunto si se dejaría retratar. Es Nueva York todos accedían, pero aquí la gente es más recelosa”.

Fotografía de Patricia Iranzo. Cortesía de la artista.

Fotografía de Patricia Iranzo. Cortesía de la artista.

Bajo el agua

El agua. O mejor el cuerpo humano sumergido en ella. Desnudo y prístino. Resistente y vulnerable. Es otro de los temas sobre los que pivota su trabajo, Underwater Series. “Cuando te metes en el agua ves cosas que no ves fuera”, dice. “Adoptas una perspectiva que lo cambia todo y en el medio líquido tienes la posibilidad de rodear al modelo, incluso de hacer fotos boca abajo”.

Iranzo inició su serie Retratos bajo el agua, en 2011, y cada año la amplia y renueva. “Utilizo cajas de luz, un formato más íntimo y también más cómodo sin las exigencias físicas de las grandes piezas difíciles de manipular. Con este trabajo observo que las mujeres son mucho más desenvueltas que los hombres en el medio acuático. Ellos están más rígidos”.

Fotografía de Patricia Iranzo. Cortesía de la artista.

Fotografía de Patricia Iranzo. Cortesía de la artista.

Trayectoria

Licenciada en Periodismo y estudiante de Bellas Artes, Iranzo profundiza en la psicología mediante sus conocimientos en psicoanálisis y psicología gestalt. A caballo de Valencia y Nueva York, su trayectoria es bastante inusual. Durante un tiempo trabajó en diversos oficios, incluso fue detective privado unos pocos días, aunque siempre dejaba cinco horas para poder dedicarme a lo que me gusta. Gracias al boca oreja sus obras se han vendido en Nueva York, Alemania y un importante coleccionista norteamericano compra muchos de sus cuadros.

Obra de Patricia Iranzo. Cortesía de la artista.

Obra de Patricia Iranzo. Cortesía de la artista.

Bel Carrasco

La autenticidad siniestra de José Hernández

José Hernández
Fundación Chirivella Soriano
C / Valeriola, 13. Valencia
Hasta el 6 de septiembre, 2015

José Hernández, lo recordó Manuel Chirivella, era un pintor del “soñar despierto”. De manera que cabría entroncarlo con el movimiento romántico, allí donde éste se hace cargo de la irrupción de lo siniestro como fenómeno estético allá por el siglo XIX. Romanticismo que viene a su vez a dar voz a todo aquello que la Ilustración, en tanto discurso de la racionalidad científica, negaba. De ahí que José Hernández (Tánger, 1944, Málaga, 2013) pintara despierto los sueños que sin duda nos atemorizan. La objetividad exacerbada de la vigilia dándose paradójicamente la mano con la no menos intensa visión subterránea de los sueños. ¿O habría que decir, para ser más exactos, pesadillas?

Obra de José Hernández. Centro del Carmen y Fundación Chirivella Soriano.

Obra de José Hernández. Centro del Carmen y Fundación Chirivella Soriano.

Porque en José Hernández se aprecia el encuentro, después de todo, de ambas tendencias disociadas de la mente humana. Por un lado, cierto naturalismo extremo, que se puede ver en la proliferación de extraños bichos y monstruos tan propios de la literatura fantástica. Y, por otro, cierto desgarro existencial, sin duda proveniente de esa misma pasión por alcanzar las capas más profundas del inconsciente. No es extraño, por ello, que ‘La metamorfosis’ de Kafka sea uno de los libros ilustrados por Hernández y, sin duda, de los mejores.

Obras de José Hernández en el Centro del Carmen.

Obras de José Hernández en el Centro del Carmen.

Los artistas como José Hernández no se encuentran cómodos en los juegos de seducción y comunicación que ahuyentan lo real de la experiencia humana, para ofrecernos a cambio una visión reconfortante de nuestro paso por la tierra. Frente a esos otros discursos más amables de la lógica comunicativa o el glamour publicitario, Hernández contrapone el áspero acercamiento a la vida corrupta que el tiempo inexorablemente impone. Lo auténtico, parece decirnos José Hernández con su obra, se encuentra próximo a lo siniestro, nunca cerca de la almibarada realidad.

Ópera veneciana, de José Hernández. Centro del Carmen y Fundación Chirivella Soriano.

Ópera veneciana, de José Hernández. Centro del Carmen y Fundación Chirivella Soriano.

Esta práctica artística, que sin duda entronca igualmente con la prolongación del romanticismo que supuso la emergencia de las vanguardias, tiene mucho que ver con ese soñar despierto antes aludido. José Hernández, del que su viuda Sharon Smith dijo que trabajaba diez horas diarias en su estudio, se limitaba a plasmar lo que su mente afloraba durante su apasionada vigilia. De manera que más que interpretar los sueños que cristalizan en su premiada obra, lo que Hernández hace es dejar que estos emerjan a borbotones para captarlos al vuelo en estado de hipnosis.

Memoria meteorológica, de José Hernández. Cortesía del Centro del Carmen.

Memoria meteorológica, de José Hernández. Cortesía del Centro del Carmen.

El Centro del Carmen del Consorcio de Museos y el Palau de Valeriola de la Fundación Chirivella Soriano han tenido que sumar sus espacios para acoger tamaña cantidad de seres monstruosos, a mitad de camino entre el sueño de la razón y su pesadilla siniestra. Más de 150 obras, entre las de su primera etapa (acogidas en Valeriola) y las realizadas a partir de los 80 (en el Carmen), que dan cuenta del desgarro existencial que provoca el encuentro de ambas exacerbaciones: la realista científica y la surrealista romántica.

Privilegios deshidratados, de José Hernández. Centro del Carmen.

Privilegios deshidratados, de José Hernández. Centro del Carmen.

Pinturas, dibujos, ilustraciones, carteles, esculturas y diseños de escenografías teatrales (conoció a Bacon, Buñuel, Ginsberg, Kerouac y Orson Welles, entre otros), que dejan espléndida huella del quehacer artístico del que fuera, con todo merecimiento, Premio Nacional de Artes Plásticas en 1981. Un quehacer basado en la autenticidad que, al estar ligada al horror, daría pie a otra historia no menos apasionada acerca de lo siniestro como destino del arte vaciado de dimensión simbólica. José Hernández la promueve con su obra inquietante y sin duda fantástica en todos los sentidos.

Detalle de una de las obras de José Hernández. Cortesía del Centro del Carmen.

Detalle de una de las obras de José Hernández. Cortesía del Centro del Carmen.

Salva Torres

Espai Rambleta reúne a Luna y Flowers

Luna y Flowers
Espai Rambleta
C / Pío IX. Valencia
Miércoles 22 de abril, a las 20.30h

Luna vuelven. Luna se reúnen de nuevo. Con la misma formación que entre 1999 y 2005 (Dean Wareham, Britta Phillips, Lee Wall y Sean Eden). Es lo que estaban deseando escuchar sus seguidores desde que allá por el otoño de 2004 Wareham anunció que tras la publicación del que iba a ser su último disco de estudio, ‘Rendezvous’, y la posterior gira de presentación, el grupo iba a decir adiós.

Imagen de la banda Luna. Espai Rambleta.

Imagen de la banda Luna. Espai Rambleta.

Cumplieron la promesa. Pero ahora ese capítulo se cierra y empieza el siguiente. El libro va a seguir siendo el mismo: el que empezó a escribir Wareham tras la disolución de Galaxie 500, ese al que llamó Luna y con el que se dedicó, a través de siete discos de estudio y uno en directo -entre 1992 y 2005-, a llevar a terrenos con más pulsaciones y afilados las canciones elípticas y envolventes de su banda anterior, esas en las que él aportaba una voz de tenor planeadora y texturas de guitarra a fuego lento.

De ‘Rosebuds’ a ‘Broken Social Scene’, de ‘Beachwood Sparks’ a ‘Black Rebel Motorcycle Club’, la sombra de Luna es muy alargada. Han dejado mucha huella. Que tras diez años parada, vuelve a caminar. Una banda muy culpable de que la cara más lacónica del Nueva York que pintaron Lou Reed y Tom Verlaine siga con nosotros.

Imagen de la banda Flowers. Espai Rambleta.

Imagen de la banda Flowers. Espai Rambleta.

Flowers

En su disco de debut, ‘Do What You Want To, It’s What You Should Do’, aparecido en septiembre, el trío londinense Flowers sintetiza la energía cinética y la cruda vulnerabilidad de sus directos en catorce canciones de un pop aparentemente sencillo.

Llevado eso a la práctica y colgado en la blogosfera pronto dio como resultado una gira teloneando a The Pains Of Being Pure At Heart por Europa y un concierto abriendo en Londres para Young Marble Giants, así como una invitación a la edición de 2013 del neoyorquino Popfest.

Tenía su lógica, pues en directo se hallan a medio camino de los dos grupos citados. Gustaron al público de ambos y gustaron al ex Suede Bernard Butler, con el que coincidían en su amor por Cocteau Twins y por la Gibson ES-355, que es la que toca el guitarrista del grupo, Sam Ayres (los otros dos componentes, Rachel Kenedy como cantante y Jordan Hockley a la batería).

Cartel anunciador de la actuación de Luna y Flowers en Espai Rambleta.

Cartel anunciador de la actuación de Luna y Flowers en Espai Rambleta.

El primer fotógrafo del amanecer

Una nueva visión de la fotografía española
La obra de José Martínez Sánchez (1807-1874)
Editado por Railowsky

Retratista de la alta sociedad madrileña de mediados del siglo XIX, uno de los primeros reporteros gráficos y viajero e inventor de técnicas fotográficas como la leptografía. José Martínez Sánchez (1807-1874), nacido y fallecido en Valencia aunque ejerció su oficio en Madrid, es uno de los pioneros de la fotografía sobre papel en España, cuya obra quedó eclipsada por fotógrafos extranjeros. Una de las fotos que realizó en el Puerto de Valencia, con motivo del viaje de la reina Isabell II, en 1858, está considerada como la primera que se tomó de un amanecer.

María José Rodríguez y José Ramón Sanchis, ambos archiveros valencianos y amantes de la fotografía, han rastreado en documentos gráficos, como la famosa Colección Castellano a fin de recuperar la obra y memoria de este artista que, tras una época de gloria en su estudio madrileño, murió arruinado en un hospital de Valencia.

Una nueva visión de la fotografía española. La obra de José Martínez Sánchez (1807-1874), editado por Railowsky.  El libro se divide en tres apartados: la biografía del autor y el contexto de la fotografía española de su época, el estudio de las más de 22.000 fotografías de la Colección Castellano de la Biblioteca Nacional en su mayor parte obra de este fotógrafo, y un apéndice sobre las fotografías de obras públicas de Martínez Sánchez para la Exposición Universal de París de 1867 realizado por Marta López. El diseño y la maquetación son de Eugenio Simó.

Retrato del actor Julián Romea. Colección FBS.

Retrato del actor Julián Romea. Colección FBS.

Retratos y reportajes

Martínez Sánchez gozó de gran éxito. En las décadas de los cincuenta y sesenta del siglo XIX pasaron a retratarse por sus estudios los más destacados personajes de la sociedad madrileña. “En sus álbumes en la Colección Castellano figuran miembros de la casa real, nobles, ministros, diputados, senadores, diplomáticos, gobernadores civiles, militares, cardenales, obispos, clérigos, funcionarios”, dicen Rodríguez y Sanchis. “Pero también aparecen actores, actrices, artistas de circo y gente del pueblo llano como libreros, relojeros, comerciantes, etcétera”.

Una de sus obras más difundidas fue el reportaje que realizó, junto al mejicano Antonio Cósmes, del viaje de la reina Isabel II a Valencia, en 1858. “Este trabajo fue descrito por Lee Fontanella como el primer ejemplo de reportaje en España, en el sentido de que ‘narra un solo acontecimiento con ilación sincrónica: el recibimiento del barco de la reina en el puerto. No son vistas sacadas diacrónicamente que requieran luego para ser comprendidas la narración de un cronista’. Una de estas fotografías que capta el alba en el Puerto de Valencia ha sido calificada por los expertos como el primer amanecer fotografiado en España”.

Retrato de Valentín Montes y Soriano. Colección Javier Sánchez Portas.

Retrato de Valentín Montes y Soriano. Colección Javier Sánchez Portas.

Expo Universal de París

Martínez Sánchez también estuvo presente en la Exposición Universal de París de 1867. “Otro de sus proyectos cumbre fue la realización de casi un centenar de fotografías de obras públicas en equipo con otro famoso fotógrafo de la época, Laurent”, señalan Rodríguez y Sanchis.

En su libro, Rodríguez y Sanchis constatan que el procedimiento leptográfico, una de las principales aportaciones españolas a las técnicas fotográficas en la Europa del momento, considerado hasta ahora un invento conjunto de Martínez Sánchez y Laurent, fue una aportación exclusiva del valenciano.

También han averiguado que nació un año antes de lo que se pensaba, el 25 de septiembre de 1807. Hijo del escribano del Ayuntamiento de Bicorp, que alrededor de 1816 se trasladó a vivir a Valencia, donde ejerció de notario. Su maestro fue probablemente  Pascual Pérez Rodríguez, otro valenciano que abrió un estudio en Madrid, en 1850, para dar a conocer la fotografía sobre papel.

Durante mucho tiempo las fotografías de obras públicas para la Exposición de París de Martínez Sánchez se atribuyeron exclusivamente a Laurent, pues éste las comercializó en parte firmadas sólo con su nombre. Además de las obras públicas, Martínez Sánchez realizó una serie de fotografías paralelas durante el viaje.

Rodríguez y Sanchis, licenciados en Historia y archiveros de profesión, son también autores del libro ‘Un segle de fotografia i fotògrafs a Torrent (1839-1939). La seua relació amb la ciutat de València’, editado por el Ajuntament de Torrent, y de la obra en dos volúmenes ‘Directorio de fotógrafos en España’ (1851-1936), editado por el Archivo General y Fotográfico de la Diputación de Valencia.

Autorretrato de José Martínez Sánchez. Colección Particular Ciudad Real.

Autorretrato de José Martínez Sánchez. Colección Particular Ciudad Real.

Bel Carrasco

Danzad, danzad, malditos

Danzar en precario. El sector de la danza en la Comunidad Valenciana
Estudio promovido por la Asociación de Profesionales de la Danza en la Comunidad Valenciana (APDCV)
Realizado bajo la dirección de Albert Moncusí, del Departamento de Sociología y Antropología Social de la Universitat de València

Años de la Gran Depresión. Crisis galopante. Multitud de jóvenes y no tan jóvenes haciendo lo imposible por sobrevivir. El director Sidney Pollack llevó esa situación al cine en su película ‘Danzad, danzad, malditos’. En ella, un tropel de personas bailan hasta la extenuación en un concurso con el fin de alcanzar un jugoso premio en metálico. Día y noche, sin apenas descanso. Salvando las distancias, un estudio promovido por la Asociación de Profesionales de la Danza en la Comunidad Valenciana (APDCV) revela lo próxima que está aquella realidad de la presente.

Se trata del primer estudio laboral y sociológico que se hace en la Comunidad Valenciana sobre el sector de la danza. Estudio que viene a reflejar el mismo carácter extenuante de una profesión al límite de sus posibilidades. Los datos son harto elocuentes. El 51,1% de los profesionales que trabajan en espectáculos de danza percibe menos de 600€ al mes. Este porcentaje se eleva hasta el 61% si se trata de aquellos que se dedican a la enseñanza de la danza no reglada. Y el 82% no percibe remuneración alguna por las horas extras y los ensayos.

Danzar en precario, estudio promovido por la Asociación de Profesionales de la Danza en la Comunidad Valenciana. Imagen cortesía de la APDCV.

Danzar en precario, estudio promovido por la Asociación de Profesionales de la Danza en la Comunidad Valenciana. Imagen cortesía de la APDCV.

La socióloga y bailarina Carolina Ponce tildó de “craso error” que no se tenga en cuenta a los profesionales del sector a la hora de la gestión cultural de la danza. Una danza, dijo, que “sobrevivirá titánicamente, pero sobrevivirá”. Al estilo de la maldición fílmica. Y se dirigió al sector con signo exclamativo: “¡Reclamad vuestro derecho!”. Albert Moncusí, director del estudio realizado por el Departamento de Sociología y Antropología Social de la Universitat de València, señaló que era “muy difícil vivir de la danza y dedicarse a la danza”. Un sector, a juicio de Miguel Tornero, presidente de la APDCV, “multidisciplinar y escasamente articulado o directamente desarticulado”.

Si las artes en general y la cultura en su más amplia acepción “están mal”, el de la danza, subrayó Moncusí, “es el más perjudicado”. El estudio ofrece más datos que corroboran tamaña precariedad. Un 20,3% de los profesionales por cuenta propia –la mayoría directores artísticos, coreógrafos y en menor medida bailarines- lo hace sin contrato. Y dada la inestabilidad laboral y la escasa duración de los contratos de trabajo, los profesionales de la danza se ven obligados a realizar múltiples actividades alejadas de su actividad escénica. Práctica que lleva a cabo un 43,3% de los profesionales y que, como subraya el estudio, “dificulta su desarrollo profesional”.

Logotipo de la APDCV.

Logotipo de la APDCV.

La precariedad se hace extensible a otros ámbitos de su quehacer artístico. “La danza raramente aparece en los medios de comunicación”, delata el informe, que también destaca el “descenso drástico” de las funciones, de público y de recaudación de danza en la Comunidad Valenciana. “Sólo la pérdida de espectadores ha caído en un 50%”. El estudio concluye con un “suspenso para la política cultural autonómica”, incidiendo en algo que se hace extensible a otros sectores de las artes: la toma de decisiones “desde una nula visión estratégica, sin criterios técnicos y sin un consenso con los profesionales”.

Asimismo, se denuncia que si bien la disponibilidad de espacios escénicos en la Comunidad Valenciana es aceptable en relación con el conjunto de autonomías –ocupa la cuarta plaza, con un total de 139 espacios-, esos espacios “están infrautilizados”. Finalmente, proponen la reducción del IVA cultural, el incremento de la inversión pública en ayudas y subvenciones, así como establecer un cupo mínimo de danza en la programación anual de teatros y centros culturales, entre otras demandas. De lo contrario, no quedará más remedio que seguir con la supervivencia titánica a la que se refirió Carolina Ponce.

Actuación escénica cortesía de la Asociación de Profesionales de la Danza de la Comunidad Valenciana (APDCV).

Danzar en precario, estudio promovido por la Asociación de Profesionales de la Danza de la Comunidad Valenciana. Imagen cortesía de la APDCV.

Salva Torres

Muñoz Puelles: Vidas gigantes para ‘nanos’

A la velocidad de la luz (El joven Einstein)
Vicente Muñoz Puelles
Editorial Anaya

Las biografías de los grandes hombres y mujeres forman parte esencial de la educación de las nuevas generaciones como ejemplo y  estímulo al estudio y superación personal. El escritor valenciano Vicente Muñoz Puelles, Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil, ha dedicado parte de su producción literaria a este tipo de obras. La última, ‘A la velocidad de la luz (El joven Einstein)’, recientemente publicada por Anaya, cuando se celebra el año dedicado al científico más importante del siglo XX, Premio Nobel de Física en 1921 y padre de la teoría de la relatividad.

Portada del libro 'A la velocidad de la luz (El joven Einstein)', de Vicente Muñoz Puelles. Editorial Anaya.

Portada del libro ‘A la velocidad de la luz (El joven Einstein)’, de Vicente Muñoz Puelles. Editorial Anaya.

¿Por qué se ha especializado en este tipo de libros?

Lo que he hecho es más bien ampliar el campo de mis actividades literarias, simultaneando esas biografías recientes con mi propia obra de ficción y con las adaptaciones de obras clásicas. Pero a la hora de escribir el trabajo es muy parecido. Por seria y rigurosa que sea, una obra literaria siempre es ficción, en el sentido de que solo puede abarcar determinados aspectos de la realidad. Lo que sí es nuevo en mi producción son las vidas de científicos, como Ramón y Cajal, Charles Darwin, sobre quien he escrito dos novelas, Marie Curie y Einstein, que acaba de salir.

Portada del libro 'El rayo azul', de Vicente Muñoz Puelles. Editorial Anaya.

Portada del libro ‘El rayo azul (Marie Curie, descubridora del radio’, de Vicente Muñoz Puelles. Editorial Anaya.

¿Cuántos ha escrito y a qué edades van destinados?

Es difícil dar una cifra exacta, porque hace ya muchos años que escribí un ’Yo, Goya’ y un ’Yo, Colón’ para jóvenes, y algunas de mis novelas, como ’El último manuscrito de Hernando Colón’, tienen mucho de biografía. Tampoco hay una diferencia esencial, desde el punto de vista narrativo, entre un libro como ’La guerra de Amaya’, que cuenta la juventud de mi madre, y ‘El rayo azul (Marie Curie, descubridora del radio)’, que cuenta la juventud de esta última, salvo, naturalmente, los aspectos científicos. Por dar una cifra, podría decir que he escrito alrededor de una quincena de libros biográficos. En cuanto a la franja de edad, los editores suelen destinarlos a alumnos de la ESO o de Bachillerato, pero a mi modo de ver escribir solo tiene sentido cuando uno se dirige a todos los públicos.

¿Qué método sigue para armonizar la amenidad y la didáctica?

Más que un método, es una suma de factores: identificación con el punto de vista del personaje que cuenta la historia, sencillez de estilo, claridad de exposición. Nunca cuento algo que a mí mismo no me interese o que no entienda. Y procuro que nada entorpezca la fluidez del relato. Creo que es posible ser preciso sin ser aburrido o inexacto.

Portada del libro 'El pintor de las neuronas', de Vicente Muñoz Puelles. Editorial Anaya.

Portada del libro ‘El pintor de las neuronas’, de Vicente Muñoz Puelles. Editorial Anaya.

¿Qué hay en la vida de Eisntein que pueda resultar interesante a los jóvenes?

Las cualidades más características del joven Einstein, tal como lo veo, eran la amplitud de su curiosidad, su imaginación, su rechazo al autoritarismo, su inconformismo permanente, su carácter independiente y su escepticismo ante las creencias de los mayores y ante la ciencia oficial de su tiempo. Tenía la ambición de entender el universo y, al mismo tiempo, un elevado sentido del humor. Esas cualidades, a mi modo de ver, siguen siendo muy deseables entre los jóvenes.

¿Cómo cree que influye en la educación el conocimiento de la vida de estos grandes hombres?

Según un estudio de la Fundación Española para la Ciencia y la Tecnología (FECYT) y la Obra Social La Caixa presentado hace poco, la divulgación científica aumenta un 5,6 % el número de los jóvenes interesados en estudiar ciencia o tecnología. Eso, naturalmente, en cuanto a los científicos. El ejemplo debería ser válido en otros campos, y parece posible que, leyendo mis libros sobre Goya o sobre Dickens, otros jóvenes sientan deseos de pintar o escribir. No en vano la juventud es o debería ser la etapa más creativa.

Vicente Muñoz Puelles. Imagen cortesía del autor.

Vicente Muñoz Puelles. Imagen cortesía del autor.

Bel Carrasco

“Los artistas en ARCO pintamos poco”

Desayunos Makma en Lotelito
Con Antonio Alcaraz, Carmen Calvo, Inma Femenía y Chema López, artistas valencianos presentes en la 34ª edición de ARCO, entre el 25 de febrero y el 1 de marzo de 2015
Entrevista realizada por el equipo de dirección de Makma: Vicente Chambó, José Luis Pérez Pont y Salva Torres

Cada año, el mes de febrero tiene fecha reservada para el arte contemporáneo en Madrid. Hablamos de ferias nacidas para satisfacer la necesidad comercial de las industrias culturales y, especialmente, de las galerías. La cita es del 25 de febrero al 1 de marzo, días en los que se reúnen en torno a ARCO, Just Madrid y Art Madrid  las galerías más destacadas a nivel nacional y algunas de las más representativas del panorama internacional. Pero, sobre todo, y sin duda lo principal, cientos de artistas que deberían ser el centro de tamaña concentración de arte. Como por ejemplo, los cuatro artistas valencianos reunidos por MAKMA en torno a un café en Lotelito.

De izquierda a derecha, Inma Femenía, Chema López, Carmen Calvo y Antonio Alcaraz, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

De izquierda a derecha, Inma Femenía, Chema López, Carmen Calvo y Antonio Alcaraz, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Salvo Inma Femenía, la más joven, al igual que la galería con la que va a JustMad, Área 72, el resto lleva años acudiendo a ARCO. “Yo he llegado a ir hasta con diez galerías”, dice Carmen Calvo, que el pasado lunes recibió de manos de los Reyes el Premio Nacional de Artes Plásticas correspondiente a 2013. Chema López, que acudirá con Rosa Santos, y Antonio Alcaraz, que lo hará con Múltiplos tras quedarse fuera la veterana Cànem de Castellón, son igualmente asiduos a la feria madrileña, que en esta edición únicamente contará con tres salas valencianas: Luis Adelantado, Espai Visor y la citada Rosa Santos, de un total de 212. “Es totalmente insuficiente”, señala Alcaraz.

Carmen Calvo y Antonio Alcaraz, durante los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

Carmen Calvo y Antonio Alcaraz, durante los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

“ARCO es un producto más, como la moda”

Insuficiente para una feria que, a juicio de Chema López, está pensada para ellas: “Los artistas en ARCO pintamos poco”. Y añade: “Los artistas estamos si las galerías quieren, por eso digo que es una feria para las galerías”. Aún así, ellos están ahí, en representación de otros muchos, camino de la 34ª edición de la feria de arte contemporáneo más importante de España. Y nos hablan de las virtudes y vicios de tamaña concentración de galerías, artistas y coleccionistas en el recinto de IFEMA en Madrid. “ARCO es un producto más, como la moda”, apunta Carmen Calvo, que asume su papel crítico: “Yo, Pepito Grillo”.

Inma Femenía y Chema López, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Inma Femenía y Chema López, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

“Las ferias de arte sirven para hacer caja, no nos engañemos”

“El nombre lo dice todo: feria”, indica Inma Femenía, presente en JustMad, feria satélite junto a Art Madrid del astro solar que supone ARCO. “A mí me parece una gran feria”, apunta Antonio Alcaraz, que después de muchos años acudirá sin pinturas, ni dibujos, sino con Libro de Artista. En todo caso, como pasa con la publicidad, “parece que el que no está en ARCO no existe”, reconoce Chema López. Lo mismo les pasa a las galerías, que últimamente se quejan de que a veces no cubren ni los gastos, pero ahí están. De hecho, los cuatro coinciden a la hora de apuntar que, en la mayoría de los casos, “las galerías se mantienen porque van a ferias”, puesto que en la ciudad de origen “no se vende nada, salvo Madrid o Barcelona”. Carmen Calvo tiene muy claro que las ferias de arte “sirven para hacer caja, no nos engañemos”.

Antonio Alcaraz en los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Antonio Alcaraz en los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

“Las galerías deberían intercambiar cromos, darnos a conocer fuera”

No entienden el criterio de selección de galerías. “Han penalizado a aquellas galerías que no tuvieran en su nómina artistas extranjeros, lo cual me parece injusto porque no se valora el esfuerzo de muchas de ellas por poner en valor a gente del propio territorio”, critica Alcaraz. “No sé qué pasa, pero lo extranjero parece siempre más atractivo”, apostilla Femenía. Y, de ser así, ¿por qué no se apuesta por artistas españoles en galerías extranjeras? Quid pro quo. “Las galerías de aquí deberían hacer esa labor de establecer contactos, intercambiar cromos y darnos a conocer fuera”, sostiene Calvo. “Antes era muy habitual que las galerías intercambiaran artistas, pero ahora por lo que yo sé no se hace”, esgrime López. “Seguimos con el complejo de Bienvenido Mr. Marshall”, resalta con ironía Carmen Calvo, que acude a ARCO con la galería Fernández-Braso.

Carmen Calvo en los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

Carmen Calvo en los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

“El 21% de IVA es la muerte de la cultura”

Y cuando nos quitamos los complejos de encima, va el Gobierno español y sube el  IVA hasta el 21%. “Eso es la muerte de la cultura”, subraya Carmen Calvo después de arremeter contra el ministro de Educación, Cultura y Deporte, José Ignacio Wert, al que tuvo bien cerca durante la entrega de los Premios Nacionales. “No es cuestión de personalizar, sino de criticar una decisión que ha sido un palo y una ruina para el país a nivel de literatura, de arte…”. Y agrega: “Si acercar a la gente a la cultura cuesta, acercarla al arte contemporáneo todavía más, y con el IVA que tenemos ya ni te cuento. Porque detrás del artista, hay un transportista, un carpintero, el de las telas… hay un tejido social que depende de esto”.

Inma Femenía en los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Inma Femenía en los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Chema López dice sin acritud (“tampoco pasa nada”) que a él en las 15 ediciones en las que ha participado en ARCO “nunca me ha comprado nada ninguna institución”. “Nosotros los artistas de las ayudas no nos enteramos, pero a las galerías con alguna ayuda les es más fácil ir a ferias”, destaca Alcaraz, quien delega precisamente su trabajo de promoción a esas galerías: “Prefiero que ellas se encarguen de mover y vender mi obra”.

Chema López, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Chema López, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

También señalan que ARCO “se sobrevalora como acto cultural”, al ser la “única feria de relieve a nivel nacional” (López). Así como se alegran que haya “bajado el sensacionalismo” de antaño, con aquellos “artefactos espectaculares”, a favor de propuestas más sensatas. “Creo que ha bajado para que la venta sea más fácil; las galerías llevan piezas más seguras de vender”, remacha Femenía. De la relación entre galerías y artistas, Calvo asegura que se trata de “un matrimonio bien avenido”, aunque “a veces no”, y entonces “cambias, te vuelves promiscuo”. Asimismo, diferencia entre galeristas y galeros, “que son los que han robado”. Eso sí, a pesar de los pesares, a los cuatro artistas les une lo que la propia Carmen Calvo llamó “estar envenenado”: esa pasión por el arte que todos ellos comparten camino de ARCO.

De izquierda a derecha, Vicente Chambó, Salva Torres, José Luis Pérez Pont, Inma Femenía, Chema López, Carmen Calvo y Antonio Alcaraz. Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

De izquierda a derecha, Vicente Chambó, Salva Torres, José Luis Pérez Pont, Inma Femenía, Chema López, Carmen Calvo y Antonio Alcaraz. Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Vicente Chambó, Salva Torres, José Luis Pérez Pont, Inma Femenía, Chema Lopez, Carmen Calvo y Antonio Alcaraz. Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Vicente Chambó, Salva Torres, José Luis Pérez Pont, Inma Femenía, Chema Lopez, Carmen Calvo y Antonio Alcaraz. Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

De izquierda a derecha, Antonio Alcaraz, Carmen Calvo, Chema López e Inma Femenía. Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

De izquierda a derecha, Antonio Alcaraz, Carmen Calvo, Chema López e Inma Femenía. Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Vicente Chambó y Salva Torres