Mujeres y arte protagonizan De Par en Part

Festival de Par en Part
VI Bienal de Arte y Diseño
Diferentes espacios de Buñol (Valencia)
Del 26 al 29 de octubre de 2017

Las mujeres están en el punto de mira del Festival de Par en Part, en Buñol, que abrió sus puertas este 26 de octubre. La mayoritaria presencia femenina ha sido uno de los propósitos de la Concejalía de Cultura y la organización del festival que buscan dar protagonismo y visualizar el papel de la mujer en el arte y en la sociedad, según afirma Arantxa Bonillo, codirectora del evento.

La muestra ‘La ciudad de las mujeres. Fotografía, espacios y género”, que reúne la obra del colectivo de mujeres fotoperiodistas Objectives, propone pensar la ciudad como espacio político desde una perspectiva de género, enfrentándose así a la persistente exclusión femenina de lo público y reivindicando la condición de ciudadanía que ellas han conquistado.

Festival De par en part en Buñol. Imagen cortesía de la organización.

Festival De par en part en Buñol. Imagen cortesía de la organización.

Los siete proyectos sobrepasan el lenguaje fotográfico para descubrir otros como formas expresivas como la instalación audiovisual, el vídeo o la cartografía. Las autoras narran historias mediante diferentes mujeres y espacios: sus recorridos, sus acciones diarias, y se detienen para reflexionar sobre su papel en la vida política, la vida pública, su territorialidad y su representaciónen el espacio urbano.

Otro plato fuerte en De Part en Part es la exposición personal de la artista Elena Martí. Bajo eltítulo’”Frágil’, la muestra reúne un conjunto de obras de distintos formatos y técnicas con unelemento común, la fragilidad que nos transmiten los materiales con los que trabaja. Elena Martí elabora “paisajes” con elementos naturales y óxidos, regidos por la acción del tiempo y su efecto en la materia.

Festival De par en part de Buñol. Imagen cortesía de la organización.

Festival De par en part de Buñol. Imagen cortesía de la organización.

Las cinco intervenciones de arte urbano en el entorno de Buñol serán realizadas por mujeres, con muralistas como Julia Silla, conocida como Julieta XLF, una artista muy activa en la Comunidad Valenciana, con una amplia iconografía de marcado carácter infantil, cercana al arte oriental, con influencias del kawaii japonés y el pop psicodélico.

Las otras intervenciones de street art irán de la mano de la artista uruguaya Lucía Pintos, con la obra ‘Nulo’, Doa Oa, con ‘Reforestando’, un proyecto mural que hace una metáfora del resurgir de la vida, Raquel Rodrigo con ‘Arquicosturas’, una especie de “segunda piel” que se inserta enespacios urbanos y Alba Bla, con una obra lúdica entre el absurdo, la lógica y lo mágico de la vida.

De igual manera, destaca la mayoritaria presencia de artistas mujeres que presentan sus obras enlas 35 casas, locales y estudios abiertos al público durante los tres días de festival.

Festival De par en part. Imagen cortesía de la organización.

Festival De par en part. Imagen cortesía de la organización.

Arístides Rosell y Raimundo Díaz

130 artistas toman Buñol

De Par en Part
Festival de Arte y Diseño de Buñol
Diferentes espacios de Buñol (Valencia)
Del 20 al 29 de octubre de 2017

¿Qué sucede cuando el arte toma una urbe por asalto, cuando nada parece importar más que esa relación entre público y artistas? Hemos visto en los últimos años una avanzada de festivales en los que el arte deja de estar enclaustrado en su zona de confort: las galerías, los museos, estudios, y sale a la calle en busca de la gente, interesado en una mayor socialización, liberándose de sus misterios e intimidades. Como quien acude a una playa nudista.

Así asistimos -por segunda vez ya- a la VI Bienal de Arte y Diseño de Buñol, que para su renovación incluyó hace dos años el Festival De Par en Part, hijo directo de Russafart, otro evento que renovó en la Comunidad Valenciana la manera de interactuar con el público, abriendo los estudios de los artistas a la población.

Festival De Par en Part. Fotografía de Raquel Abulaila por cortesía de la organización.

Festival De Par en Part. Fotografía de Raquel Abulaila por cortesía de la organización.

El formato actualizado de “puertas abiertas” redimensionó en 2015 una Bienal, que había sido referente nacional e internacional para el mundo del arte y que casi por desidia había caído en el olvido. Ese año se consiguió atraer a más de 100 artistas hacia un Buñol interesado en salirse de los límites tradicionales de los eventos realizados en la comarca y abonar una vez más el terreno de la cultura. Todos ganaron.

Buñol comienza a visualizarse también como una plaza en la que cada dos años, pintores, escultores, grabadores, diseñadores asaltan los espacios urbanos con sus obras, se organizan concursos, talleres, exposiciones, nuevos grafitis invaden los muros. Todo con una complicidad indescriptible con la población local, que la mayor de la veces hace de juez y parte.

Las calles se convierten en un hervidero de ideas y proyectos que posicionan el arte local, nacional e internacional presentes en el evento. Los resultados son visibles. Se ha despertado un mayor interés por el arte. Este año, sus organizadores esperan la participación de unos 130 artistas y 35 casas de vecinos abren sus puertas a expositores.

Cartel del festival De Par en Part. Imagen cortesía de la organización.

Cartel del festival De Par en Part. Imagen cortesía de la organización.

Del 20 al 29 de octubre se programan un sinnúmero de actividades vinculadas a las artes plásticas y al diseño pero también conciertos, espectáculos de danza, conferencias magistrales. La inauguración, el viernes 20 de octubre, contó con la apertura de dos exposiciones en el Castillo de Buñol: la muestra fotográfica ‘Ciutat de les dones’, sobre el rol de la mujer en la sociedad contemporánea y que reúne la obra del colectivo de mujeres fotoperiodistas Objectives, y ‘Frágil’, de la artista Elena Martí, centrada en el ser humano y la naturaleza.

Ese día se presentó un espectacular “videomaping” interactivo del grupo multidisciplinario VitaminArt, en cuyas proyecciones fusiona la expresión artística con las últimas tecnologías, haciendo de sus presentaciones un sugestivo y deslumbrante espectáculo visual. La noche se cerró con el espectáculo de danza aérea ‘Célula’ del grupo Subcielo, pieza de tango bailada sobre pared.

El sábado 21, a la misma hora, se presentó un espectáculo del taller de danza comunitario TaiatDanza en la Sala Raga, mientras que el miércoles 25 en ese mismo espacio se proyectará el documental ‘Manuel Ballester, el llanto airado’, de Giovanna Ribes.

Vista de la exposición de Elena Martí. Imagen cortesía del festival De Par en Part.

Vista de la exposición de Elena Martí. Imagen cortesía del festival De Par en Part.

Los días intensos del festival

Durante el fin de semana, del 26 al 29 de octubre, se programan las jornadas más activas de la mano del Festival de Par en Part. Vecinos y visitantes podrá disfrutar de acciones plásticas de directo, murales, concurso de pintura rápida; talleres de modelado 3D y arquitectura para niños; conciertos; exposiciones y puertas abiertas de más de 30 casas con exposiciones por todo Buñol. Y para dejar un buen sabor de boca, la oferta se completa con una enriquecedora ruta de la tapa,iniciativa a la que se han sumado los bares y restaurantes que colaboran con el festival.

Aunque el festival De Par en Part se inaugura el 26 de octubre en la sala Raga a las 19.30 horas, desde las 10 de la mañana de ese día se podrán apreciar las intervenciones de muralistas como Julia Silla, conocida como Julieta XLF, una artista muy activa en la Comunidad Valenciana, con una amplia iconografía de marcado carácter infantil, cercana al arte oriental, con influencias del kawaii japonés y el pop psicodélico.

Vista de una de las exposiciones del festival De Par en Part. Fotografía de Raquel Abulaila por cortesía de la organización.

Vista de una de las exposiciones del festival De Par en Part. Fotografía de Raquel Abulaila por cortesía de la organización.

Otras intervenciones de street art irán de la mano de la uruguaya Lucía Pintos, con la obra ‘Nulo’, Doa Oa, con ‘Reforestando’, un proyecto mural que hace una metáfora del resurgir de la vida, Raquel Rodrigo con ‘Arquicosturas’, una especie de “segunda piel” que se inserta en espacios urbanos y Alba Bla, con una obra lúdica entre el absurdo, la lógica y lo mágico de la vida.

El 26 de octubre se inaugura en la sala Raga una exposición homenaje al artista buñolense Emilio Villar ‘Cuco’, con un conjunto de pinturas abstractas, mientras que el en mercado municipal se abre la muestra de esculturas ‘Martingalas’, de Luis Pascual Ferrer.

El 27 de octubre, entre las 17.30 y las 20.30, se abrirán al público las casas y talleres de Buñol, con visitas guiadas por especialistas del Ayuntamiento y explicaciones in situ en distintas exposiciones. Para las once de la noche tendrá lugar en Venta Pilar el concierto ‘PinteracciónJazz’, un espectáculo que mezcla jazz y pintura en directo.

Festival De Par en Part. Fotografía de Raquel Abulaila por cortesía de la organización.

Festival De Par en Part. Fotografía de Raquel Abulaila por cortesía de la organización.

El 28 de octubre se desarrollará el concurso de pintura ‘Paisajes del Castillo’, las casas y talleres abrirán en horas de la mañana y tendrán lugar dos talleres, previa inscripción. El primero, de animación 3D impartido por Jaime Rehues en la sala Raga y el segundo, de arquitectura para niños en la sala de la Tomatina. Ese día se premiarán las obras participantes en el concurso de intervenciones efímeras del paisaje.

‘The Left (I) overs’ es el título de la conferencia que impartirá Basurama, a las 20.00 horas en la sala Raga. Basurama es un colectivo madrileño con alcance internacional que realiza intervenciones con desechos. La noche cierra con el concierto de los grupos Demoliciones constructivas, Punk Sailor y Vevas Band.

El concurso de pintura rápida será el plato fuerte en la jornada final del festival de Par en Part el domingo 29 de octubre, día en que los estudios y casas mantendrán sus puertas abiertas a los visitantes. De Par en Part apuesta fuerte por artistas internacionales y últimas tendencias en diseño, convirtiéndose así en uno de los festivales de arte de renombre en la Comunidad Valenciana.

Festival De Par en Part de Buñol. Imagen cortesía de la organización.

Festival De Par en Part de Buñol. Imagen cortesía de la organización.

Arístides Rosell y Raimundo Díaz

Diseño e impresión artesanal de Münster Studio en Gijón

‘Münster Studio’
Centro Cultural Antiguo Instituto
Sala 1
Jovellanos 21, Gijón
Hasta el 16 de julio de 2017

La Sala 1 del Centro Cultural Aniguo Instituto acoge, hasta el próximo 16 de julio de 2017, la exposición ‘Münster Studio’. Münster es un pequeño estudio de diseño gráfico e ilustración con base de operaciones en Barcelona. El estudio echó a andar en 2010 realizando trabajos para asociaciones, promotores de conciertos y grupos de música. Desde el principio comienzan a serigrafiar los diseños en su propio taller, actividad que se convertirá, en cierto modo, en insignia del estudio: la combinación de diseño gráfico con técnicas de impresión artesanales. Con una mano en el ordenador y otra en el bote de tinta, el estudio siempre ha tratado de investigar nuevas técnicas y lenguajes para afrontar dlos proyectos.

Imagen de uno de las ilustraciones de Münster Studio presente en la exposición. Fotografía cortesía de los organizadores.

Imagen de uno de las ilustraciones de Münster Studio presente en la exposición. Fotografía cortesía de los organizadores.

Durante estos años han trabajado con infinidad de bandas de música como La Habitación Roja, Supersubmarina, The Corrigans y Los últimos bañistas, entre otros, y organizadores de conciertos de diversos tamaños y procedencia; editoriales de libros, marcas y compañías de teatro. Su trabajo ha sido reseñado en prensa especializada y galardonado con el Premio Enderrock a la mejor portada de 2011 y el Premio MIN al mejor diseño en 2016.

La exposición recoge una selección de los carteles creados durante los últimos años por el estudio. Carteles de conciertos en su mayoría, pero también para teatro, con la particularidad de estar todos ellos impresos en serigrafía en su propio taller.

La obra de Münster Studio llega a Gijón fruto, un año más, de la colaboración entre la Fundación Municipal de Cultura, Educación y Universidad Popular del Ayuntamiento de Gijón, a través del Departamento de Museos, y las Jornadas de Diseño y Comunicación Visual ‘MOTIVA 2017′ que organizan la Escuela de Arte de Oviedo y la Escuela Superior de Arte del Principado de Asturias (Avilés).

Imagen del cartel de Münster Studio para un concierto del músico norteamericano Jello Biafra, pretérito líder los Dead Kennedys. Fotografía cortesía de los organizadores.

Imagen del cartel de Münster Studio para un concierto del músico norteamericano Jello Biafra, pretérito líder los Dead Kennedys. Fotografía cortesía de los organizadores.

 

Pepe Gimeno, de la expresión a la estructura

Al Hilo del Pensamiento, de Pepe Gimeno
Galería Mr. Pink Av. Guillem de Castro, 110. Valencia
Inauguración: jueves 4 de mayo, a las 20.00h
Hasta el 15 de junio de 2017

Los trazos, líneas y colores que habitan el mapa del inconsciente del diseñador gráfico Pepe Gimeno, del estudio GimenoGràfic, han traspasado de la mente al lienzo y son los protagonistas de la exposición ‘Al Hilo del Pensamiento’ que exhibirá la galería de arte Mr.Pink de Valencia del 4 de mayo al 15 de junio.

Este espacio creativo, abierto al arte de vanguardia y a tendencias y disciplinas artísticas nuevas, dará cabida al lenguaje poético de las pinturas y esculturas concebidas por Pepe Gimeno, diseñador gráfico de referencia en la Comunitat Valenciana y cuyos últimos trabajos incluyen la imagen del Circuit Ricardo Tormo y de la Plaça de Bous de València.

Obra de Pepe Gimeno. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Obra de Pepe Gimeno. Imagen cortesía de Mr. Pink.

La exposición se articula en tres bloques: ‘El Gesto’, una recopilación de trazos o dibujos en blanco y negro sobre papel; ‘La Estructura’, una colección de esculturas nacidas de materiales de desecho; y ‘La expresión’, un trabajo pictórico sobre lienzo a partir de las estructuras que contienen sus esculturas.

‘El Gesto’, parte introductoria de la exposición, incluye una serie de dibujos que, según el autor, “responde a un ejercicio del verano de 2010. Armado con un pincel y con la mente en blanco, plasmaba sobre un papel lo que me dictaba el inconsciente. La mano fluía ligera y libre creando líneas y manchas en las que tomaban forma mis sensaciones. El pincel reproducía imágenes y estructuras que pasaban veloces por mi mente. El ejercicio lo repetí innumerables veces. Mi inconsciente quedó reflejado minuciosamente en el proceso”, explica el diseñador. El resultado son un conjunto de imágenes figurativas y estructuras abstractas difíciles de crear racionalmente. “Son, en su conjunto, una respuesta primaria y contundente a preguntas complejas que verbalmente me era imposible contestar”, según Pepe Gimeno.

Obra de Pepe Gimeno. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Obra de Pepe Gimeno. Imagen cortesía de Mr. Pink.

En ‘La Estructura’, que mantiene el pulso de sus colecciones anteriores como ‘En 59 fragmentos’ y ‘The Green bag’, retoma el uso de los desechos para crear esculturas que establecen un diálogo fluido y rico entre los elementos que las conforman. “Lo que me lleva a desarrollar estas obras es una continua búsqueda de estructuras. Estructuras narrativas que cuenten historias, que planteen conflictos y que describan situaciones y vivencias. Mi intención es que las formas de los diferentes elementos que combino se relacionen y establezcan un diálogo fluido y rico entre ellas”, explica el autor.

Por último, y sin duda la parte más renovada de la obra plástica de Gimeno, se presenta ‘La Expresión’, un conjunto de lienzos en las que reinterpreta las estructuras de sus esculturas. “Me preguntaba si podría trasladar los conceptos que contienen estas estructuras tridimensionales a las dos dimensiones. Quería, apoyándome en la experiencia gestual desarrollada años antes, recoger en un plano la expresión que me transmitían las esculturas. Recrear el diálogo que plantean y la emoción que me producen desde un punto de vista nuevo, desde una mirada nueva”, añade el diseñador.

Obra de Pepe Gimeno. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Obra de Pepe Gimeno. Imagen cortesía de Mr. Pink.

Seminario de animación japonesa en Valencia

I Seminario de Animación Japonesa
ESAT, Nozomibashi y Cooljapan
Inauguración: viernes 30 de septiembre, 2016, a las 17.00h.
Salón de Actos de la Concejalía de Juventud de Valencia
C / Campoamor, 91. Valencia
Actividades: Sábado 1 de octubre, de 10.00 a 19.00h
Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT)
C / Viciana, 5. Valencia

ESAT presenta, junto a Nozomibashi y Cooljapan.es, el primer seminario de animación japonesa organizado en la ciudad de Valencia, que se inaugura el viernes 30 de septiembre en la Concejalía de Juventud de Valencia. El sábado 1 de octubre, la actividad se desarrollará de 10.00 a 19.00 h. en la Escuela Superior de Arte y Tecnología.

El programa de las actividades en ESAT se divide en dos salas. En la Sala 1, comenzará a las 10.00h con ‘La imagen del samurái y el ninja a través del anime’. De 11.00 a 13.00, a en punto, le seguirán ‘Anime e innovación docente: cómo aprender historia japonesa divirtiéndose’; ‘La importancia de la Animación en la historia del Videojuego’, y ‘La traducción y adaptación del anime en español’.

Cartel del Seminario de Animación Japonesa. Imagen cortesia de ESAT.

Cartel del Seminario de Animación Japonesa. Imagen cortesia de ESAT.

Ya por la tarde, a las 17.00h, ‘Proceso de producción de un anime: tradición y software’; una hora después, ‘Japón en el anime, viajando por Japón mediante la animación japonesa’, y a las 19.00h, ‘Cien años de Animación Japonesa’.

En la Sala 2, también se iniciarán las sesiones a las 10.00h con ‘La importancia de la Animación en la historia del Videojuego’, y luego a cada hora, ‘Japón en el anime, viajando por Japón mediante la animación japonesa’, ‘La imagen del samurái y el ninja a través del anime’, y la Master Class ‘El diseño de personajes en animación’, impartido por Javier Bolado, editor en Ediciones Babylon, que se inició en el mundo del cómic creando ‘Myth Wars’ a los 17 años. Su última obra, ‘Eraide, la Guerra sin Nombre’, será editada este otoño.

Por la tarde, en esta misma Sala 2, ‘La traducción y adaptación del anime en español’ (17.00h); ‘Cien años de Animación Japonesa’ (18.00h), y ‘Proceso de producción de un anime: tradición y software’ (19.00h).

Princesa Arete, un clásico moderno de la animación japonesa.

Princesa Arete, un clásico moderno de la animación japonesa.

Septiembre movido en la ESAT

ESAT Escuela de Arte Superior y Tecnología de Valencia
Festival Asalto, REDD y TEDx Valladolid

La Escuela Superior de Arte y Tecnología comienza el curso participando en varios proyectos, tanto de la ciudad de Valencia, como de fuera. Destaca el proyecto URBA(R)N (arte urbano y realidad aumentada) que se presentará en el Festival Asalto de Zaragoza.

URBA(R)N se concibe como una propuesta de intervención en el espacio urbano a través de la aplicación de realidad aumentada. Argumentada con dos líneas de trabajo conceptuales, en el que la primera de ellas establece una relación física entre la trama urbana real y la que nos encontramos en Google Maps y cómo pueden ser intervenidos ambos espacios relacionándose en lo que podemos denominar el espacio híbrido.

En la segunda línea de intervenciones el participante podrá observar una serie de juegos visuales fruto de la imagen que Zaragoza tiene proyectada en internet, amplificando el significado de la ciudad en su contexto físico gracias a la aportación de lo virtual y provocando la unión de estas dos imágenes de la ciudad en un mismo espacio.

En los dos casos, el espectador podrá a través de su dispositivo móvil y con la aplicación gratuita Aurasma, escanear las marcas e imágenes instaladas por varios puntos de la geografía zaragozana y de este modo desplegar los contenidos virtuales que se encuentran tras las imágenes físicas, las cuales funcionan como localizadores de imágenes virtuales y reclamos visuales para desplegar la interacción.

El proyecto, ideado en el Departamento de I+D+i de ESAT, Escuela Superior de Arte y Tecnología dirigido por Solimán López con el apoyo de Toni Vaca e Inma Femenía ha elegido a los alumnos Antonio Cubel y David Bahílo, actualmente cursando la carrera de Arte&Diseño en ESAT, para el desarrollo de la propuesta por su fuerte vinculación con lo urbano y sus capacidades gráficas.En el Festival, además de los mencionados alumnos, también participa la alumna de tercero de Arte y Diseño, Lu de López con una instalación publica en línea con sus últimos trabajos.

Detalle de la propuesta de Lu de López para Reed. Imagen cortesía ESAT.

Detalle de la propuesta de Lu de López para Reed. Imagen cortesía ESAT.

Además, en Las Naves de Valencia tiene lugar durante todo el mes el proyecto REED, “Rejuvenate European Design” que fomenta el conocimiento de la economía circular como un medio de creación de nuevas perspectivas profesionales, partiendo del diseño de productos que cumplan con el precepto de economía circular: diseños de productos que permitan reutilizar, reparar y reciclar sus componentes. Frente al concepto tradicional de economía lineal de producir, usar y tirar.

La manera de incentivar la concienciación y creatividad propuesta es mediante concursos que permitan a los estudiantes generar sus propuestas de productos que cumplan con los preceptos de la economía circular, y para ello, AIJU, como miembro del proyecto y en colaboración con ESAT (Escuela Superior de Arte y Tecnología) proponen este concurso de diseños e ideas creativas basadas en los conceptos de economía circular en el que los alumnos de diseño de la escuela son los protagonista. Una segunda exposición en fechas posteriores acabará recopilando el resto del material que viajará a Londres dónde se encontrará con las propuestas de los ganadores del concurso a nivel europeo.

La exposición se inaugura el día 22 de Septiembre a las 19:30 horas y estará disponible hasta el 03 de Octubre. Durante el acto inaugural de la exposición se dará a conocer los 3 ganadores de la edición en Valencia quiénes optarán a la patente de su diseño, un premio en metálico y el viaje a Londres para conocer a sus compañeros ganadores del resto de países participantes en el proyecto.

Por último, bajo el título ‘Wonder Finder’ se encuentra un video instalación basado en la video proyección de información extraída de perfiles de redes sociales de los protagonistas de TEDx Valladolid, sobre una serie de carpetas metálicas emulando los recorridos virtuales y digitales que está información transita en la nube y en los espacios de interacción social.

Instalación Wonder Finder. Imagen cortesía ESAT.

Instalación Wonder Finder. Imagen cortesía ESAT.

Dicha intervención pretende de este modo, hacer un recorrido visual por los protagonistas principales de estos 5 años de este importante TEDx, utilizando como recurso visual, el trazo digital que estos han ido dejando a lo largo de estos últimos años en la red social. Visualmente, la propuesta también unifica a estos protagonistas ya que gráficamente se establecen relaciones entre ellos, simbolizando como TEDx Valladolid, ha unido estos perfiles de una manera real y simbólica.

El proyecto también ha sido ideado en el ESAT LAB (Laboratorio de I+D+i), dirigido por Solimán López con la colaboración de Toni Vaca e Inma Femenía, y es desarrollado por los alumnos de ESAT (Escuela Superior de Arte y Tecnología de Valencia), Fran Mengual y Carmen Frontera, así como por alumnos de ESI Valladolid, quiénes han aunado esfuerzos para obtener los mejores resultados visuales de esta idea. El resultado  amenizará el próximo TEDx en Valladolid y que será instalado en la sala principal del Laboratorio de las Artes de Valladolid, LAVA con motivo del mencionado evento.

 

Mariscal regresa al origen

Apuntes para una peli de Garriris, de Javier Mariscal
Galería Pepita Lumier
C / Segorbe, 7. Valencia
Inauguración: viernes 16 de septiembre de 2016, a las 20.30h

Colgar un auténtico Mariscal firmado por el famoso diseñador valenciano en la pared del salón ya no es un sueño imposible. Los fans del padre de Cobi pueden hacerlo realidad a partir del próximo 16 de septiembre asistiendo a la exposición ‘Apuntes para una peli de Garriris’ que se inaugura en la galería Pepita Lumier.

La muestra reúne 170 piezas totalmente inéditas impresas sobre papel arte, sobre materiales especiales como metacrilato e impresiones en blanco y negro intervenidos individualmente por el artista. Son series limitadas y numeradas a un precio asequible. Se trata de un camino novedoso de arte digital para acercar el mundo de Mariscal a todo tipo de público. Obras realizadas sobre papel de algodón de alta calidad que, juntamente con las tintas pigmentadas, dan como resultado un acabado perfecto y de una calidad cromática extraordinaria.

Ilustración de Javier Mariscal. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Ilustración de Javier Mariscal. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

‘Los garriris la peli’ es un proyecto cinematográfico muy personal e íntimo de Javier Mariscal en el que lleva tiempo trabajando y que espera materializar en un filme de animación y un cómic. “El nombre de Garriris viene de que yo soy muy disléxico y cuando era pequeñito no podía leer ‘gr’ y leía ‘garriri, garriri’”, cuenta Mariscal.  “Todo el mundo se descojonaba y con el tiempo me gustó. Además, al principio los personajes parecían siempre como enfadados con la vida, como gruñendo, grr, grr… Los Garriris son sinvergüenzas, no tienen un duro y, sin embargo, viven”.

En la Galería Pepita Lumier se mostrará un material inédito que incluye bocetos, trabajo gráfico de creación de personajes y desarrollo gráfico del guión de la película. El filme en proyecto se ambienta a principios de los años setenta y cuenta la historia de una pareja de jóvenes veinteañeros que toman el barco hacia Formentera para ser hippies. Un viaje hacia la libertad en busca de sexo, drogas y rock and roll.

Los dibujos de Mariscal hacen un colorista recorrido por paisajes mediterráneos, con preciosos juegos de luz, crepúsculos, amaneceres y un continuo ambiente de fiesta donde el tiempo no existe y la naturaleza marca el ritmo de la vida.

Ilustración de Javier Mariscal. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Ilustración de Javier Mariscal. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Vida de cómic

Javier Mariscal (Valencia, 1950, se trasladó a Barcelona en 1971, donde estudió diseño gráfico y fundó el cómic underground Rollo Enmascarado. Allí publicó sus primeros trabajos, entre los que destacan sus personajes El Señor del Caballito y Los Garriris.

A finales de los setenta inicia su andadura profesional con diversas exposiciones, publica en numerosas revistas y algún libro, como Abcdari Il.lustrat. En 1979, diseña el cartel Bar Cel Ona, que se convirtió en uno de los iconos de la ciudad.  En 1988, su Cobi es elegido como mascota de los Juegos Olímpicos de Barcelona’ 92. Al año siguiente, funda el Estudio Mariscal en Palo Alto y en 1999 le es otorgado el Premio Nacional de Diseño.

Ilustración de Javier Mariscal. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Ilustración de Javier Mariscal. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

En 2010 se estrenó  el largometraje de animación ‘Chico y Rita’ que dirigió junto a Fernando Trueba, ganadora del Premio Goya y nominada a los Oscar como mejor película de animación. Este año ha lanzado ‘Mariscal Portraits’, un proyecto personal para compartir y conectar con la gente a través de sus dibujos. Con ‘Apuntes. Bocetos de una peli de Garriris’ da un paso más por un camino  por el que avanzará dentro de unos meses con el lanzamiento de impresiones sobre papel, aluminio o metacrilato.

Tras haber sido expuesta a lo largo de los años en numerosas galerías y museos y haber participado en ferias de arte internacional, su obra se puede encontrar en colecciones de los museos más prestigiosos del mundo.

Ilustración de Javier Mariscal. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Ilustración de Javier Mariscal. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Bel Carrasco

La ciudad a ojo de aguja

Valencia al detalle, de Tono Giménez y Tomás Gorria
Guía inusual de Valencia, que se presentará en octubre de 2016

Tono Giménez, que durante años ha ido fundamentando su colección fotográfica con múltiples detalles de la ciudad de Valencia, y Tomás Gorria, diseñador editorial y articulista, parecen haber seguido los pasos de Italo Calvino en Las ciudades invisibles. Como él, estos dos inquietos valencianos han trazado un mapa de su ciudad dibujado con aspectos minimalistas, sumamente delicados y que exige una percepción distinta a la habitual.

Tono Giménez (izda) y Tomás Gorria, autores de Valencia al detalle. Imagen cortesía de los autores.

Tono Giménez (izda) y Tomás Gorria, autores de ‘Valencia al detalle’. Imagen cortesía de los autores.

La Valencia al detalle que ambos viajeros interiores nos proponen está escrita “en los ángulos de las calles, en las rejas de las ventanas, en los pasamanos de las escaleras, en las antenas de los pararrayos, en las astas de las banderas, surcado a su vez cada segmento por raspaduras, muescas, incisiones, cañonazos”. Son palabras de Calvino, pero a buen seguro que las suscriben quienes a su vez ponen el acento en aldabas, bocallaves, canalones, escudos, puertas, rótulos, rejas, gárgolas, campanas y marquesinas.

“¿Podemos hablar de una Valencia inédita?”, se pregunta Gorria. Y su respuesta va en la dirección de esos detalles que, efectivamente, configuran una ciudad distinta, en la que “lo verdaderamente importante es casi invisible a los ojos, y en momentos como este, donde la vida transcurre tan deprisa”, explica el diseñador. La ciudad de Giménez y Gorria tiene mucho que ver con la sensación extraída de esas otras ciudades invisibles a las que alude Calvino: “Comprendí que debía liberarme de las imágenes que hasta entonces me habían anunciado las cosas que buscaba”.

Gárgola Catedral de Valencia.

Gárgola Catedral de Valencia.

Valencia al detalle pretende ser un libro para descubrir esas cosas que a simple vista pasan desapercibidas. Para ello se hace necesario rozar los cuellos de las camisas por delante o por detrás, de tanto alzar la mirada del suelo o penetrar en él en busca de altas gárgolas y canalones, y superficiales alcantarillas. Una mirada huidiza, ajena a la espectacularidad de Les Arts y al bullicio de Internet, y más próxima a la contemplación minuciosa.

Por ejemplo, de aldabas que invitan a golpear la puerta con la perplejidad de quien de pronto se da cuenta de su forma de anillo, de sus distintas cabezas (de perro, de diablo, del políticamente incorrecto moro). Aldabas, que no timbres, abriéndose paso entre una multitud de singulares puertas y casonas. Edificios majestuosos, como La Lonja, de cuyas paredes sobresalen figuras con gestos desvergonzados, y gárgolas que a veces sobrecogen. Detalles y más detalles que Gorria y Giménez, tanto monta, descubren en aras de quebrar esa imagen rutinaria de la Valencia turística.

Bocallave de las Torres de Serranos. Imagen cortesía de los autores.

Bocallave de las Torres de Serranos. Imagen cortesía de los autores.

La ciudad invisible que muestran ha necesitado el apoyo de 144 mecenas para que el proyecto vea definitivamente la luz en octubre, cuando será presentado el libro. La Administración bastante tiene con festivales de marca para fijarse en ciudad tan minúscula por fuera como grande por dentro. El crowdfunding o financiación colectiva vuelve a tener la “culpa” de que un proyecto modesto alcance la categoría de imperiosa necesidad. Porque Valencia, como dicen sus promotores, se merecía otra mirada.

Canalón de la Calle Pelayo. Imagen cortesía de los autores.

Canalón de la Calle Pelayo. Imagen cortesía de los autores.

Más allá del horroroso cableado que afea la ciudad y de la desidia que atesoran muchas calles, Valencia guarda pequeños tesoros que Tono Giménez y Tomás Gorria descubren. “Los rótulos que dan nombre a sus calles, las pequeñas esculturas de sus edificios góticos, las veletas que coronan sus cúpulas, pero también elementos menos conocidos como las tapas de las alcantarillas que han soportado millones de pisadas o los curiosos rostros de los canalones”. Todo eso y más conforma Valencia al detalle, que contará con una serie de rutas en las que diversos especialistas mostrarán a pie de calle algunas de esas joyas. “Es el posible despertar de un latente amor por lo justo, no sometido todavía a reglas, capaz de recomponer una ciudad más justa aún de lo que había sido antes de convertirse en recipiente de la injusticia”, por concluir de nuevo con Calvino.

Valencia al detalle.

Rótulo antiguo Café El Siglo, en la calle Paz, 1 de Valencia. Imagen cortesía de los autores.

Salva Torres

La marca Pinazo

Any Pinazo
Marca diseñada por Estudio Menta
Celebración del centenario de la muerte de Ignacio Pinazo

El Any Pinazo, la celebración del centenario de la muerte del pintor valenciano Ignacio Pinazo, ya ha iniciado su recorrido expositivo con la muestra ‘Del ocaso de los grandes maestros a la juventud artística. Valencia 1912-1927’, en el MuVIM desde el 14 de julio al 17 de octubre. La efemérides, diseminada por toda Valencia y su provincia, se alargará durante todo 2016 y mediados de 2017 con cerca de una docena de iniciativas artísticas con el objetivo de revalorizar la importancia decisiva de Pinazo en la pintura española.

La marca diseñada para la ocasión ha sido obra de Estudio Menta, encargados de aunar el legado histórico que hereda la imagen del pintor con la contemporaneidad tanto de su obra como del planteamiento del Any. “Un proyecto cultural como el diseño de la imagen, pero con un trasfondo institucional y conmemorativo, requería de un equilibrio gráfico entre lo artístico y un lado más sobrio, que transmitiese los valores de modernidad que el Any Pinazo promovía”, valoran desde Menta. El resultado garantiza la contemporaneidad de la efemérides y supone una solución moderna combinada como una capa más para resolver cartelería y otras aplicaciones.

Any Pinazo, marca diseñada por Estudio Menta. Imagen cortesía de la organización.

Any Pinazo, marca diseñada por Estudio Menta. Imagen cortesía de la organización.

El reto de vincular la complejidad pictórica y su espíritu pionero y traerlo hasta la actualidad, llevó a hacer hincapié en su virtud como conector de disciplinas y tiempos. “La primera reflexión a la hora de crear la marca -en versión de los diseñadores de Menta- es que era un error hacer de la misma un simulacro, como ocurre con la firma de Picasso por ejemplo, ya que con Pinazo no existe un arquetipo de obra que sirviese de referente”.

“Su trayectoria -continúa diciendo- es más un discurrir, un puente entre tradición y modernidad, un vínculo que abrió las puertas de un nuevo tiempo. Así pues, haciendo una lectura de este símil del puente y de su obra desde nuestra contemporaneidad, llegamos a ese símbolo de la línea oblicua que une puntos: tradición y modernidad”.

Esa conexión está presente también en la solución tipográfica, combinando el uso de una fuente tradicional de carácter moderno (Rasmus) con una moderna de gesto manuscrito (Mériva). La imagen tendrá presencia en infinidad de formatos, desde el cartel oficial del Any Pinazo hasta sus aplicaciones en el espacio público, así como en su página web: www.anypinazo.com, obra de Nociones Unidas para reflejar la complejidad y riqueza de uno de los mejores artistas valencianos de todos los tiempos.

Any Pinazo, por Estudio Menta.

Any Pinazo, por Estudio Menta.

MediArte o la creatividad fin de grado

IV Muestra Creativa de Estudiantes – MediArte
Palacio de Colomina
Carrer l’Almodí, 1. Valencia
Inauguración: viernes 15 de julio, a las 19.30h
Hasta septiembre de 2016

El Palacio de Colomina abre sus puertas para acoger algunos de los trabajos que los alumnos de Comunicación Audiovisual han ido realizando durante el curso 2015-2016 en la Universidad CEU Cardenal Herrera, en la IV Muestra Creativa de Estudiantes –MediArte, que se inaugura el viernes 15 de julio a las 19.30 horas, y que permanecerá expuesta hasta septiembre.

Fotografía de Virginia Jareño. Imagen cortesía de MediArte.

Fotografía de Virginia Jareño. Imagen cortesía de MediArte.

La muestra incluye en su interior creaciones fotográficas, audiovisuales, musicales y sonoras que los alumnos han ido realizando, bien en alguna materia a lo largo del curso, bien como Trabajo Final de Grado.

El perfil práctico de los estudios de Comunicación Audiovisual, así como de Periodismo y Publicidad y RRPP, y el Máster Universitario en Diseño y comunicación gráfica, hace que a lo largo de un curso académico se creen gran cantidad de obras creativas de las cuales se ha realizado una selección para formar parte de esta muestra.

Fotografía de Francesc Planes. Imagen cortesía de MediArte.

Fotografía de Francesc Planes. Imagen cortesía de MediArte.

En esta IV Muestra Creativa de Estudiantes-MediArte los trabajos han girado en torno a temáticas como el futuro y la tecnología, la situación de los refugiados que llegan a Europa, los trastornos de personalidad, las discapacidades, la problemática relacionada con el tabaquismo y las centradas más estrictamente con la propia creación experimental: videocreaciones, fotografía pixelada, videoclips, creación sonora y producción musical.

MediArte tiene como objetivo mostrar a la ciudadanía la visión que de la sociedad actual tienen los alumnos mediante su obra creativa, al tiempo que sirve para incentivar su propio desarrollo personal en el transcurso de su aprendizaje educativo.

Fotografía de Andrea Savall. Imagen cortesía de MediArte.

Fotografía de Andrea Savall. Imagen cortesía de MediArte.

Fotografía de Andrea Savall. Imagen cortesía de MediArte.

Fotografía de Andrea Savall. Imagen cortesía de MediArte.