Arte a martillazos

Under Destruction, de Ovidi Benet
Vbospagna
C / Cirilo Amorós, 48. Valencia
Hasta el 11 de marzo de 2020

Construir y destruir. Levantar muros para luego derribarlos. Erigir civilizaciones e imperios que con el tiempo se derrumban, se desvanecen. La actividad humana pivota entre ambos extremos, opuestos y también complementarios. La acción destructiva suele ser traumática, dañina y trágica. Pero en ocasiones es también una forma radical de abrir puertas a lo nuevo, al futuro. Alumbrar nuevas visiones.

Este concepto positivo y revolucionario del acto de aniquilar se plasma en una singular instalación, Under Destruction, que se puede visitar en Vbospagna (Cirilo Amorós, 48) hasta las próximas Fallas. Concretamente, hasta el 11 de marzo. Se trata de un proyecto conjunto del artista millennial alicantino Ovidi Benet, la firma italiana de iluminación Vbospagna y el estudio creativo valenciano CuldeSac.  Una performance integrada en el ciclo 4 stagioni de la firma de iluminación que ofrece a artistas y diseñadores la posibilidad de crear su propia instalación, con la luz como protagonista y abierta a la participación ciudadana.

Under Destruction, de Ovidi Benet. Imagen cortesía del autor.

La idea se materializa en un espacio blanco y diáfano de forma rectangular de 30 metros cuadrados, cuyas paredes están recubiertas de planchas de pladur. Una colección de pequeños martillos dorados presentados como joyas más que como armas o herramientas se ofrecen al visitante.  Con ellos se golpean las paredes para abrir pequeños o grandes boquetes  por los que brotan las luces que hay en el interior. 

«La idea surgió en CuldeSac junto con Pepe Garcia, co-fundador de CuldeSac y director creativo de CuldeSac Custom, así como con el equipo de viabizzuno y yo como parte del equipo creativo de CuldeSac y director de Observatory», dice Benet. «Una perfecta sinergia para generar una instalación que hable de las tres marcas implicadas en el proyecto, y a la vez una forma de expresar la frustación ante el arte de la generación de millennial a la que pertenezco», dice Ovidi Benet. Nacido en Dénia hace 29 años, Benet estudió en la escuela ARTE10, en el Instituto Europeo de Madrid (IED) y profundizó en el diseño experimental en el Domaine de Boisbuchet en Lessac (Francia). Actualmente, forma parte del equipo de CuldeSac como experto en materiales y conceptualización de los proyectos.

«Me gusta combinar el arte y elementos del diseño de interiores como la iluminación con un sentido estratégico», afirma, «creando sinergias». Esta performance incluye «un componente de arte callejero al involucrar al público en la obra a base de hacer agujeros que espontáneamente adoptan figuras como falos o estrellas. Me satisface lanzar una propuesta, destrucción sin límites, y llevar a la gente a mi terreno».

Under Destruction, de Ovidi Benet. Imagen cortesía del autor.

De vez en cuando algún trastornado burla las estrictas medidas de seguridad de un museo y atenta contra una escultura o un lienzo. En el caso de Under Destruccions el simbólico acto vandálico, romper paredes a martillazos reivindica un mensaje completamente distinto. A lo largo de seis meses Benet y sus colaboradores concibieron un espacio construido y esculpido a partir de su propia destrucción. «Los asistentes son quienes, a golpe de martillo,  se convierten en voluntarios artífices de la revelación de la luz que esconden las ruinas y la decadencia».

Esta insólita obra de arte experimental se plantea pues como «una alegoría de la sociedad actual, en la que las nuevas generaciones de pensadores y creadores ven en la destrucción el fin de un ciclo para avanza hacia un futuro que ya está aquí y que exige compensar los efectos del periodo anterior en una unión imprescindible de la ética y la estética de manera transparente, consecuente y horizontal».

Desde el núcleo del proyecto hasta la concepción de la propuesta definitiva, se siguió un proceso para averiguar cómo conseguir que el espectador juegue con la luz y que, a través de la interactuación, desempeñe un papel vital dentro de la instalación. Tres líneas de perfil 13×8 dan la bienvenida a los visitantes marcando los ejes que definen el espacio. A medida que la construcción va destruyéndose, da lugar a un juego de luces y sombras que los productos de Vbospagna han potenciado mediante la implementación de innovadora tecnología. Gracias a ella la iluminación evoluciona cambiando sus colores e intensidad. 

Benet comenzo su trayectoria artística, en 2018 con esculturas que combinan la estética con la funcionalidad. En el corazón del Cabanyal creó su propio estudio, Observatory, donde experimenta con distintos materiales, sobre todo plásticos, texturas, aluminios y fuentes de luz. «La luz es especialmente interesante por ser un ente mágico, intocable, que se percibe de distinta forma. Con juegos de luces puedes conseguir efectos y generar reacciones inesperadas en la gente», concluye Benet.

Under Destruction, de Ovidi Benet. Imagen cortesía del autor.

Bel Carrasco

La Cabina se duplica por obra de Lawerta

Cartel del Festival Internacional de Mediometrajes La Cabina 2016
Autor: Jorge Lawerta
Presentado en La Fábrica de Hielo
C / Pavia, 37. Valencia
Viernes 22 de julio de 2016

Carlos Madrid, director de La Cabina – Festival Internacional de Mediometrajes de Valencia, y el ilustrador Jorge Lawerta presentaron el viernes 22 de julio el cartel de la novena edición del festival en La Fábrica de Hielo. La imagen representa una escena del mediometraje dirigido por Antonio Mercero en 1972, protagonizado por José Luis López Vázquez y cuyo título ha tomado el festival, La cabina.

El cartel del festival es, desde hace unos años, un acontecimiento en sí mismo. En las últimas ediciones, artistas y diseñadores de la talla de Paula Bonet, Luis Demano, Escif o Carla Fuentes (Littleisdrawing) han sido los encargados de llevarlo a cabo. Para esta novena edición, que se celebrará del 3 al 13 de noviembre, La Cabina ha contado con el ilustrador valenciano Jorge Lawerta.

Madrid destaca del cartel que “integra perfectamente todos los elementos dentro de la imagen” y que “es muy dinámico en cuanto a los colores utilizados por Lawerta que representan las tres secciones del festival: Sección Oficial, Amalgama e Inèdits”. Además, añade que “es una buena reinterpretación de la película de Mercero, aunque en nuestro cartel José Luís López Vázquez aparece encantado de estar encerrado en la cabina, al igual que esperamos que el público esté encantado de encerrarse con nosotros los días del festival”.

Lawerta está titulado en Bellas Artes por la UPV, ha sido Director de Arte en agencias como CuldeSac™: Espacio Creativo, Comunicación, Experience o Global Works y ha colaborado en El País, Eleven Magazine, ICON – EL PAÍS o Panenka entre otras publicaciones. Además, ha realizado diseño de marca para clubes como el Valencia CF y el Levante UD. Esta faceta deportiva de su trabajo se manifestó recientemente en su primera exposición –Amor por los colores– en la galería Pepita Lumier art&shop.

Cartel de La Cabina 2016, obra de Jorge Lawerta. Imagen cortesía del festival La Cabina.

Cartel de La Cabina 2016, obra de Jorge Lawerta. Imagen cortesía del festival La Cabina.

Las Naves reúne 30 años de diseño valenciano

Tres décadas de diseño
Organizada por la Asociación de Diseñadores de la Comunidad Valenciana
Las Naves
C / Joan Verdeguer, 16. Valencia
Hasta el 5 de septiembre

Acercar y dar a conocer una parte de los treinta años de diseño gráfico e industrial en la Comunidad Valenciana a todos los públicos y poner en valor el talento y gran trabajo de los profesionales que viven y trabajan en la Comunitat Valenciana. Y hacerlo de una manera accesible, cercana, donde el visitante pudiera tocar, disfrutar y manipular cada uno de los diseños. Estos son dos de los principales objetivos de la exposición Tres décadas de diseño, una muestra organizada por la Asociación de Diseñadores de la Comunidad Valenciana (ADCV) y comisariada por Marisa Gallén y Carmina Ibáñez, del estudio Gallén+Ibáñez.

Esta actividad, enmarcada dentro del programa #30ADCV, pretende reunir y mostrar algunas de las piezas más icónicas y representativas que han desarrollado durante estos años los diseñadores valencianos. La exposición, que se encuentra en Las Naves, ha sido prorrogada en las últimas semanas y se podrá visitar hasta el próximo 5 de septiembre.

La muestra presenta tres escenografías para las tres décadas de vida de la ADCV (1985-1995/1995-2005/2005-2015) y pretende reflejar el espíritu que dio personalidad formal a cada una de estas décadas a partir de escenografías configuradas con obras de los socios profesionales y empresas asociadas. “Queríamos mostrar una exposición donde convivieran con naturalidad las piezas de diseño, tanto gráfico como de producto, de los socios de la asociación en estos 30 años”, explica Carmina Ibáñez.

Una de las instalaciones de la exposición 'Tres décadas de diseño'. Imagen cortesía de Las Naves.

Una de las instalaciones de la exposición ‘Tres décadas de diseño’. Imagen cortesía de Las Naves.

“Para ello intentamos dar cabida al mayor número posible de piezas de los socios. Al tratarse de escenografías, las piezas debían ser armónicas entre sí y configurar ambientes habitables. Este peculiar concepto expositivo permite al visitante el contacto directo con el diseño ya que hemos orientado la puesta en escena para ser paladeada sin las restricciones habituales que impiden el acceso a las piezas y al disfrute de aquellos aspectos que van más allá de lo visual. En esta exposición se puede hojear un libro, sentarse en un sillón o abrir los cajones. De este modo el visitante puede analizar cómo el diseñador plantea un proyecto atendiendo a diferentes aspectos como la ergonomía, el confort, los valores táctiles de los materiales, la secuencia de un libro, etc”, destaca Marisa Gallén.

Tres décadas de diseño reúne algunas de las piezas más icónicas del diseño valenciano, como la estantería Literatura de Punt Mobles, el sillón Gong de José Juan Belda, la etiqueta del Premio Nacional Daniel Nebot para Maduresa (Bodega Celler del Roure), el primer cartel de Nude o el botijo La Siesta de Hector Serrano.

Sin embargo, hay muchas otras que no han podido estar presentes. “Al comisariar esta exposición nos hemos dado cuenta de que la historia del diseño valenciano se está perdiendo. Hay muchísimas piezas que fueron grandes protagonistas del diseño nacional e internacional de las cuáles quedan escasos ejemplares. Bien porque las empresas no guardan los muebles descatalogados o porque no ha habido una iniciativa pública para preservar ejemplares de estos diseños y los pocos ejemplares que quedan en manos privadas no se prestan por miedo a perderlos o estropearlos”, comenta Ibáñez.

Pasar un rato en esta muestra, sentarse en sus muebles, consultar sus libros, admirar sus carteles… es una manera de entender la evolución del diseño en estos años. “Durante los años 80 se produjo el boom del diseño español. Sin embargo, no existía en el mundo empresarial una cultura del proyecto, fue la administración pública la abanderada del diseño. La recién estrenada España democrática pretendía integrarse en Europa y el diseño se contempló como una herramienta imprescindible para conferir un plus de eficiencia e imaginación que le permitiera competir en el libre mercado. En esta década, el diseñador era visto como alguien más ligado a la moda o al arte y que o bien podía lanzarte a la fama con un producto estrella o te hundía la empresa con sus locas ideas creativas. En los 90, sobre todo tras la crisis del 93, se produjo un cambio hacia formas más contenidas y muchas empresas empezaron a contemplarlo como un elemento fundamental para su estrategia empresarial. Además, fue en esta década cuando se reguló la enseñanza del diseño”, subraya Gallén, que del 85 al 91 vivió uno de los momentos más estimulantes de la explosión del diseño valenciano en el colectivo La Nave.

Una de las instalaciones de la exposición 'Tres décadas de diseño'. Imagen cortesía de Las Naves.

Una de las instalaciones de la exposición ‘Tres décadas de diseño’. Imagen cortesía de Las Naves.

Para Nacho Lavernia, socio fundador y presidente de la asociación durante los años 1992-1996: “Se vivía con la sensación de que todo estaba por hacer. De que estábamos construyendo algo, haciendo país. Era un momento estimulante, lleno de ilusión y muy propicio al esfuerzo colectivo. La administración pública tenía ideas y estrategias para modernizar el tejido productivo valenciano. Y en este contexto la Asociación era una herramienta importante de su política industrial. Lo sabíamos y queríamos aprovecharlo porque estar juntos nos parecía importante.” De esta década son piezas tan representativas como la Lámpara Tauré de Eduardo Albors, la Vajilla Aymara de Pepe Gimeno, el cartel Franchise to Spain de Paco Bascuñán o la ya mencionada estantería Literatura de Vicent Martínez.

A partir de la segunda década (1995-2005) el diseño ha entrado a formar parte de la cultura empresarial y será la demanda industrial la que absorba la mayor parte de los esfuerzos reemplazando a la administración pública en la promoción del diseño. Para Mac Diego, presidente de la asociación entre los años 2001-2005, “el ordenador es una herramienta de trabajo imprescindible y la llave de acceso, con un sólo clik, a toda la cultura visual mundial”. De estos años encontramos piezas firmadas por CuldeSac, Ximo Roca, Carlos Tíscar, Miguel Herránz, Sandra Figuerola + Marisa Gallén, Paco Bascuñán, Ramón Pérez, Mac Diego, Pepe Gimeno, Vicente Gallega, Juan Martínez Estudio, Juan Nava, Didac Ballester o Ibán Ramón.

Hasta llegar a su época más reciente, marcada según Kike Correcher (presidente de la asociación entre los años 2005-2006) por dos fenómenos: “El positivo empuje de una nueva generación de profesionales con una visión mucho más global, y el negativo advenimiento de una crisis económica que dura hasta nuestros días”. Para Marisa Gallén, “la generación fundacional ha demostrado en su madurez un gran nivel profesional, ha logrado situar el diseño valenciano en el panorama nacional e internacional y, en su labor docente, ha contribuido a formar a la segunda generación. Por primera vez tenemos dos generaciones de diseñadores trabajando simultáneamente y con un alto grado de compromiso con la profesión”, concluye.

De esta última etapa encontramos proyectos de estudios tan consolidados como Lavernia & Cienfuegos, Pepe Gimeno, Gallén+Ibáñez, Carlos Tíscar… y, además, nuevos proyectos de diseñadores más jóvenes que despuntan por su talento tanto a nivel nacional como internacional. Ejemplos como Yonoh, Odosdesign, Inma Bermúdez, Borja García, Nueve Estudio, Estudio Merienda, Pixelarte, Yinsen, Luis Eslava, Menta y muchos otros que han posicionado a Valencia como una de las capitales del diseño.

En definitiva, una muestra donde el visitante está invitado a pasar, ver y tocar, y sobretodo a disfrutar de la exposición desde el respeto a las obras expuestas. La exposición, realizada en colaboración con  Las Naves, se inauguró el 28 de mayo, y está producida por Ricardo Alcaide y patrocinada por la Fundación Banco Sabadell.  Además contó con las colaboraciones de Finsa, OTH y Turia como cerveza oficial. En ella, también se podrá visionar un video que complementará virtualmente esta retrospectiva del diseño valenciano.

 

La reivindicación del diseño valenciano

From Valencia with Design, (FVWD) es una cita con el diseño valenciano más internacional, organizada la Asociación de Diseñadores de la Comunidad Valenciana (ADCV) y Las Naves-Espacio de Creación Contemporánea.

Esta exposición de itinerancia internacional hizo su presentación el 7 de marzo en Las naves, donde reunió las piezas que diferentes diseñadores y estudios de diseño valenciano (pertenecientes todos ellos a la ADCV) han desarrollado para empresas extranjeras.

FVWD quiere dar difusión y reivindicar una realidad desconocida para algunos: la internacionalización y calidad del diseño valenciano, un gran exportador de servicios para grandes empresas internacionales cuyos proyectos han sido reconocidos con numerosos premios internacionales.

FVWD reune proyectos de sectores muy diversos, desde la automoción a la cosmética, pasando por el mobiliario, la iluminación o el packaging para hacer un recorrido cuya última parada es mostrar la auténtica identidad del diseño valenciano.

La exposición recorre varios países tras su estancia en Valencia y se puede visitar en centros culturales y de diseño, museos o centros de negocios de diferentes países de Europa, Asia y América.

ORIGEN: VALENCIA | 100 PROYECTOS | 20 PAÍSES | 29 DISEÑADORES

Eduardo Albors
Rafa Armero
Manolo Bañó
Inma Bermúdez
Víctor Carrasco
Conca&Marzal
CuldeSac
Narcís Díez Belmonte
Jorge Diez
Ramón Esteve
Estudi hac
Estudio Bascuñán & Andreu Balius
Figuerola + Gallén
Borja García
Pepe Gimeno
Jorge Herrera
Ibán Ramón + Dídac Ballester
Juanico
Kiitos Design
Lavernia+Cienfuegos
Makea tu vida
Ángel Martínez
Juan Martinez
Miguel Molina
Ximo Roca
Hector Serrano
Carlos Tíscar
Voltio
Yonoh

Yonoh, Silla Blanc, imagen cedida por FVWD