‘Ride’, de Neus Flores ‘Incorto’ | Festival internacional de cortometrajes de México Estreno: viernes 26 de junio a las 9:00 (hora peninsular) Miércoles 24 de juno de 2020
El cortometraje ‘Ride’, ópera prima de la periodista, agente cultural y colaboradora de MAKMA Neus Flores, será exhibido en ‘Incorto’, festival internacional de cortometrajes de México, el próximo viernes 26 de junio de 2020, sumándose a la trayectoria que atesora este filme de docu-ficción desde su reciente première mundial del pasado noviembre de 2019, en la Sala Rasa64 de Terrassa, y su refrendado pase por el Clermont Ferrand International Short Film Festival –uno de los festivales de ineludible referencia en su género–.
‘Ride’ -o cinema veritée– basado en hechos reales y que pretende acercarse a la verdad cotidiana desde un punto de vista universal –territorio en el que las emociones se entienden en cualquier cultura– y con el uso de varios idiomas, mediante un guión de proyección internacional.
‘Ride’, que ha contado con el apoyo de Faktoria d´Arts y La Bonne (Centro de Cultura de Mujeres Francesca Bonnemaison), se postula a modo de un cinema veritée que pretende acercarse a la verdad cotidiana desde un punto de vista universal –territorio en el que las emociones se entienden en cualquier cultura– y con el uso de varios idiomas, mediante un guión de proyección internacional.
Un viaje por las emociones, un trayecto por la vida de dos mujeres
(madre e hija, interpretadas por Mari Arveheim y Alba Manobens
Flores, respectivamente) que pasan por una etapa de crecimiento
propio y de enfrentamiento a nivel familiar, para terminar uniéndose
a nivel personal a través de las vicisitudes de su recorrido por la
Costa Brava.
El desencuentro entre ellas se inicia en el ámbito del hogar
durante un desayuno cotidiano y desemboca en un club nocturno, donde
Emma (la madre) encuentra a Alex (su hija, aún menor de edad)
bailando a cambio de dinero.
Alex decide irse de casa tras la virulenta reacción de su madre y
Emma es consciente de que si deja marcharse a su hija la perderá
para siempre; por este motivo decide irse con ella a lo largo de un
viaje por la costa catalana -durante el que se encontrarán con
diversos personajes que les harán crecer a nivel personal y
emocional, hasta llegar a mejorar su relación y entenderse de nuevo.
‘RIDE’ es un viaje desde la oscuridad emocional y física,
hasta encontrar la luz y el optimismo que mejorará la relación de
estas dos mujeres para siempre, al final de su viaje y dentro del
marco incomparable de la casa museo Dalí, en Port-Lligat (Cadaqués,
Costa Brava).
“Una road-movie inspirada en ‘Thelma &Louise’ y
‘Little Miss Sunshine’, que no deja indiferente a nadie”, en
palabras de su directora, Neus Flores.
#MAKMAEntrevistas | Javier Fesser ‘El Monstruo Invisible’, de Javier y Guillermo Fesser 35′ Películas Pendelton y Acción Contra el Hambre, 2020 Jueves 21 de mayo de 2020
Refrendado
por una singularísima filmografía que incluye cinco largometrajes y
más de una decena de cortos –con los que ha cimentado una laureada
trayectoria tan heteróclita como reconocible–, el cineasta Javier
Fesser retorna a las pantallas (digitales) tras convulsionar la
taquilla y engrosar con recompensas académicas su morral de caza
mediante su hilarante y pedagógico filme ‘Campeones’ (2018).
De este modo, ‘El Monstruo Invisible’ –cortometraje estrenado en Movistar Plus el pasado 1 de mayo–, amén de atesorar, igualmente, la fraternal rúbrica (estilística y consanguínea) de los Fesser, ubica su acento proposicional sobre el objetivo de visibilizar (con voluntades emotivo-reflexivas y didácticas) la crónica e ignominiosa desnutrición infantil –que sitúa en el epicentro de la iniquidad a casi 200 millones de niños en todo el planeta– encarnada en un grupo de recolectores de basura, encabezados por el diestro y sagaz Aminodin, en el abyecto escenario de un desmesurado muladar de Marawi –ciudad al sur de Filipinas cuyo Gobierno se encuentra en pleno proceso de negociación con las guerrillas independentistas islámicas, quienes, en 2017, emprendieron el intento de consumación de un califato bajo el sanguinolento paraguas del ISIS–.
¿Qué
razones habitan en la gestación de este proyecto conjunto, en
colaboración con Acción contra el Hambre?
El
proyecto nace del deseo de cerrar la trilogía iniciada con ‘Binta y
la gran idea’ (2005) y ‘Bienvenidos’ (2014), poniendo en esta ocasión
el hambre y la guerra como paisaje de fondo. El objetivo ha sido, una
vez más, hacer cine para educar. Generar un contenido que sirva como
herramienta para los maestros, un elemento atractivo que invite al
debate.
¿Cuáles
fueron las singularidades humanas y logísticas de rodar en la isla
filipina de Mindano?
Marawi
es un territorio en guerra. Hemos rodado la película en situación
de toque de queda y con grandes medidas de seguridad, pero tengo que
decir que Acción contra el Hambre gestionó todos los permisos y nos
facilitó absolutamente la logística, de forma que el pequeño
equipo técnico que hicimos la película nos pudimos concentrar al
100% en nuestro trabajo. Es una suerte moverte en lugares así en
calidad de miembro de una ONG tan querida y respetada como Acción
Contra el Hambre.
(De dcha. y izda.) Javier Fesser, Guillermo Fesser y el productor Luis Manso junto al grupo de niños que protagonizan ‘El Monstruo Invisible’. Fotografía cortesía de Acción Contra El Hambre.
La teoría del ‘círculo vicioso de la pobreza’, acuñada por el premio Nobel de economía sueco Gunna Myrdal, incide en la dificultad para ahorrar que experimentan los ciudadanos de los países pobres –una complejidad que atesora carácter inelubible y hereditario. ¿Es el hambre el más funesto de los círculos posibles? ¿Tiene el hambre una naturaleza hereditaria?
El
hambre no es el problema, es solo una consecuencia de una
circunstancia mucho más trágica llamada ‘injusticia’. Los
protagonistas de ‘El Monstruo Invisible’ son personas sin oportunidad
alguna de abandonar su situación de pobreza. Uno de los aspectos más
terribles es el hecho de que la desnutrición en los primeros meses
de vida provoca daños irreversibles en el desarrollo del cerebro. Es
decir, las personas que lo sufren ven drásticamente limitadas sus
capacidades cognitivas e intelectuales para labrarse un futuro mejor.
Transitar
tras las pasos de Aminodin sobre el elefantiásico vertedero de
Papandayan auxilia a fraguar una radiografía que se transforma en
dinámico discurso frente a la carestía (en todas sus formas
posibles). ¿Es la ficción cinematográfica más enérgica y
empática que el simple documento audiovisual?
Guillermo
y yo hemos apostado definitivamente por la ficción. Creemos en la
inmensa capacidad de empatía que tiene una historia con nombre y
apellidos. Nos parece que la película ha de mostrar la vida de un
chaval alegre, divertido y juguetón, como cualquier niño del
planeta, al que le pasan muchas cosas, entre otras, que no tiene qué
comer y que no puede ni soñar con acudir a una escuela.
¿Qué
papel concedes en este cortometraje al humor –en tanto que agudeza,
ingenio y ocurrencia– y al entusiasmo –entendido como una forma
de ilusión, aliento y optimismo–, tan presentes en tus películas
anteriores?
El
humor es un vehículo de expresión muy poderoso que, además, hace a
los personajes muy atractivos. Esta es una película que deseamos sea
vista por miles de niños de todo el mundo y que les haga sonreír,
les entretenga y les interese. La reflexión vendrá después porque,
detrás de ese envoltorio luminoso y desenfado se esconden mensajes
profundamente humanos que habitarán sus conciencias por mucho
tiempo. Es una película para que el espectador descubra y llegue a
sus conclusiones. En ‘El Monstruo Invisible’ hay más preguntas que
respuestas.
¿Caben
razones para encontrar belleza y armonía entre la inmundicia? ¿Son
los cometas manufacturados con deshechos vívido ejemplo de ello?
Donde
hay seres humanos hay belleza y donde hay infancia esta belleza se
multiplica por mil. Las cometas son una expresión externa de la
dignidad y esperanza de estas personas tan injustamente maltratadas.
No hay basurero en el mundo que pueda eclipsar la belleza en la
sonrisa de un niño.
Afirmaba
el filósofo y matemático escocés Thomas Carlyle que “la
contemplación es un lujo, mientras que la acción es una necesidad”.
¿Confías en que ‘El Monstruo Invisible’ exhorte a la acción a
quienes simplemente contemplamos?
Claro.
En el momento en el que el cine nos da la oportunidad de ponernos en
la piel de quienes sufren, en el momento en que uno entiende que lo
contrario a pobreza no es riqueza, sino justicia e igualdad, en ese
mismo instante, es casi imposible no menear el culo. ¿Se nota mucho
que amo mi profesión?
Javier Fesser. Fotografía cortesía de la Academia de Cine.
#MAKMAEntrevistas | Randa Maroufi ‘Bab Sebta (Ceuta’s Gate)’ 19′ Barney Production & Montfleuri Production, 2019 29 de abril de 2020
En la introducción de su celebrado
título ‘Lugares fuera de sitio’ (Premio Espasa 2018), el lúcido
periodista y escritor Sergio del Molino reflexiona en torno del
concepto, semántica y singularidad de la frontera, más allá de su
simple funcionalidad como línea separatoria de circunscripiciones y
Estados, concibiéndola como “un territorio de significados
múltiples y paradójicos. Un lugar que es y no es, donde termina y
empieza todo y donde las naciones se definen con una violencia y una
grosería impropias de la civilización”; un espacio equívoco e
incierto en el que “crecen rarezas y personajes que rompen los
moldes de los prejuicios nacionales y de las inercias con que un país
suele pensarse a sí mismo”.
Uno de esos epicentros limítrofes consuma su naturaleza excepcional al otro lado del Estrecho, en la región fronteriza de la península Tingitana que divide la ciudad autónoma de Ceuta de la provincia de Castillejos, en Marruecos, a través de la denominada Bab Sebta o Puerta de Ceuta, convulso núcleo de mercancías, contrabando y trasiego consuetudinario –controvertidamente clausurado desde finales de 2019 y, en la actualidad, huérfano de circulación hasta el último tercio de 2020, como consecuencia de la medidas implementadas por la autoridades marroquíes en relación a la pandemia por COVID-19–.
Y acerca de la idiosincrásica
simbología de este ignoto (para muchos) confín, tan consanguíneo y
deudo como remoto e inextricable, la artista y cineasta Randa Maroufi
(Casablanca, Marruecos, 1987) reflexiona en su más reciente proyecto
cinematográfico, ‘Bab Sebta (Ceuta’s Gate)’, un excelso cortometraje
que, provisto de los mimbres formales de la ficción, erige su
película en un preciado documento y artefacto artístico que
radiografía el raquis conductual y cartográfico que ha venido
caracterizando a este paso fronterizo.
No en vano, su filme, amén de haber sido censurado en el reciente Festival de Cine Mediterráneo de Tetuán para proteger «la paz social» (según informaban los poderes públicos de la ciudad marroquí), viene disfrutando de una laureada acogida internacional, recibiendo el Gran Premio del Festival de Cine Tampere (Finlandia, 2020) o el Primer Premio Competición Internacional en el Festival Internacional de Cortometrajes de Winterthur (Suiza, 2019).
¿Cuál es la génesis del proyecto
‘Bab Sebta’? ¿Tienes alguna estrecha vinculación con la región
fronteriza de Ceuta y Tetuán?
Es importante para mí hablar sobre la parte anecdótica de este proyecto, porque me ayudó de alguna manera a mi deseo de querer trabajar sobre este tema.
Ceuta es un territorio que he frecuentado desde mi corta edad, porque mi padre era inspector de aduanas (no en Ceuta). Además, muchas personas de mi familia (en el norte del país) trabajan en este campo, así como en tránsito, importación y exportación, etc. La jerga aduanera se repitió, a menudo, en nuestras reuniones familiares. Recuerdo que, incluso, utilizamos productos de las incautaciones aduaneras.
Viví durante varios años en la región de Tánger y estudié 4 años en el Instituto Nacional de Bellas Artes de Tetuán. Siempre me ha marcado la influencia española en esta región, casi omnipresente, que se encuentra fuertemente en el dialecto regional, la forma de vida y, especialmente, en la cultura del consumo.
En 2015, tuve la oportunidad de quedarme en Trankat Art Residency. Pasé tres semanas, volviendo a pie y en coche para ver este ballet de personas alrededor de la frontera de Bab Sebta. La dinámica del movimiento, la apariencia plástica y visual del pasaje, las situaciones características de espera y los gestos me interesaron de inmediato. Este experimento de observación remota inauguró el proyecto.
¿Dónde se rodó la película?
La
película se rodó en Azla, un pequeño pueblo no muy lejos de
Tetuán. Transformamos parte de una antigua fábrica de mortadela en
un estudio. Decidí trabajar con personas reales que trabajan en la
frontera de Ceuta.
Plano cenital de una de las secuencias de ‘Bab Sebta’. Fotografía cortesía de la cineasta.
¿Cómo llevaste a cabo la morfología de su puesta en escena?
La película fue filmada con dos puntos de vista diferentes, uno cenital y otro frontal. La elección del punto de vista cenital parecía importante, adecuado y más justo para analizar un tema relacionado con la separación de dos territorios, puesto que permite realizar la dimensión cartográfica del proyecto. En ese sentido, puede tener reminiscencias de la arquitectura, la topografía, pero también del monitoreo.
El travelling frontal me permitió obtener la delicadeza de los detalles y las situaciones, pero también dejar un lugar para la figura humana y revelar los rostros.
Hubo un gran trabajo de posproducción, ya que la película está compuesta solo de tomas fijas. Todos los movimientos de la cámara son virtuales; un diseñador gráfico ha agregado los dibujos del suelo y la señalización.
¿Qué obras, películas o imágenes
has tenido en cuenta como referencia estilística y conceptual para
desarrollar este trabajo?
‘Dogville’,
de Lars Von Trier, en la posición principal. Luego, otros trabajos
como los de Mika Rottenberg, Daniel Firman, Kim Sooja, Dirk Brommel,
Gerhard Treml & Léo Calice, Avi Mograbi, Chantal Akermann…
Un papel fundamental del
cortometraje reside en la semiótica de las líneas fronterizas,
departamentos, divisiones y estructuras. ¿De qué modo afectan al
comportamiento de las personas? ¿Qué reflexiones te has planteado
acerca de la ubicación de los individuos/cuerpos en este singular y
extraño espacio público?
Hay
una ruta mecánica que se crea a través de esta división. La gente
actúa como en una fábrica, la cadena es conocida. Los trabajadores
me describieron el pasaje como unas “instrucciones de uso” de la
frontera. Quería insistir en este aspecto técnico y austero del uso
de una frontera, donde el cuerpo se mueve de forma estructural.
¿Consideras que este factor
semiótico que hay en ‘Bab Sebta’ caracteriza, igualmente, los
fundamentos de tus trabajos anteriores? ¿Estás de acuerdo con que
cortometrajes como ‘The Great Safe’ o ‘Stand-by Office’ redundan, en
buena medida, en torno a los signos y símbolos de comunicación que
afectan a nuestro modo de ver y de relacionarnos?
El
punto común de mis películas es la puesta en escena de cuerpos en
espacios. Trato de mostrar lo que estos espacios reales o simbólicos
hacen a los cuerpos.
La presente pandemia global por la
COVID-19 ha exarcebado los controles fronterizos internacionales y,
en algunos casos como el de Marruecos, directamente se han cerrado,
imposibilitando los flujos de entrada y salida. ¿Crees que ‘Bab
Sebta’ sería un proyecto diferente si lo hubieses llevado a cabo
tras el fin de la pandemia por coronavirus?
No
creo que ‘Bab Sebta’ hubiera sido diferente después de la situación
actual. Estamos en la ficción y no en la frontera misma. Sin
embargo, tal vez las voces estarían en el pasado, ya que el punto de
cruce de Ceuta se cerró mucho antes del COVID-19, a finales de 2019,
donde podemos ver muy claramente un impacto social significativo.
¿De qué como ha afectado la
pandemia y el confinamiento a tu trabajo y tus proyectos en curso o
futuros? ¿Cómo estás llevando personalmente esta situación?
Probablemente tengo todo
el tiempo que siempre he esperado tener para desarrollar algunos
proyectos, pero no es fácil. Los proyectos de exhibición han sido
cancelados o pospuestos, lo cual es normal. Intento concentrarme en
escribir un nuevo proyecto y dar un paso atrás, pero sigo siendo
optimista.
Randa Maroufi en el set de rodaje de ‘Bab Sebta’. Fotografía cortesía de la cineasta.
#MAKMAOpinión #MAKMACine #MAKMALibros #MAKMAExposiciones | Harterofilias domésticas | Estado de alarma (III) 13 de abril de 2020
Las haciendas clínicas y primaverales del Sanatorio Wald de Davos, en el cantón oriental suizo de los Grisones, se revelaron, durante el incierto y decadente lustro previo a la Primera Guerra Mundial, en epicentro inspirador de una de las conspicuas y miríficas novelas sine quibus non de la literatura universal: ‘La montaña mágica’, de Thomas Mann (1875 – 1955).
Publicada en 1924 y ponderada como una novela filosófica de aprendizaje, la egregia obra del autor alemán circula en ascenso –tras las inquietudes y aflicciones del neófito Hans Castorp–, hacia cotas tísicas de mocadores, declinación y ruina de un tiempo presto a su desaparción, entre afecciones y agonías metafísicas, entre las que inocular agudezas proverbiales como la que sigue:
“El individuo puede tener presentes toda clase de objetivos personales, de fines, de esperanzas, de perspectivas, de los cuales extrae la energía para los grandes esfuerzos y actividades; ahora bien, cuando lo impersonal que le rodea, cuando la época misma, a pesar de su agitación, en el fondo está falta de objetivos y de esperanzas, cuando ésta se le revela como una época sin esperanzas, sin perspectivas y sin rumbo, y cuando la pregunta sobre el sentido último, inmediato y más que personal de todos esos esfuerzos y actividades –pregunta planteada de manera consciente o inconsciente, pero planteada al fin y al cabo–, no encuentra otra respuesta que el silencio del vacío, resultará inevitable que, precisamente a los individuos más rectos, esta circunstancia conlleve cierto efecto paralizante que, por vía de lo espiritual y moral, se extienda sobre todo a la parte física y orgánica del individuo”.
Y, quizás, a un servidor no le reste otra porfiada voluntad que henchir la inmanejable concavidad del presente y desnortado trecho, para eludir la ataraxia, asiéndose al manubrio del hallazgo rutinario, morfología gimnástica de ‘Harterofilias domésticas | Estado de alarma’.
Harterofilias domésticas |
Estado de alarma (XXI) | Viernes 3 de abril de 2020
“¿Cuánta verdad soporta, cuánta verdad osa un espíritu? Esto fue convirtiéndose cada vez más, para mí, en la auténtica unidad de medida. El error (el creer en el ideal) no es ceguera, el error es cobardía. Toda conquista, todo paso adelante en el conocimiento es consecuencia del coraje, de la dureza consigo mismo, de la limpieza consigo mismo. Yo no refuto los ideales, ante ellos, simplemente, me pongo los guantes” (‘Ecce homo. Cómo se llega a ser lo que se es’ | Friedrich Nietzche).
Y uno, encaminado por su heterodoxa
senda, toma el guante (con la asepsia del látex) y prosigue el curso
(¿ilimitado?) de ‘Harterofilias domésticas | Estado de alarma’.
Harterofilias domésticas |
Estado de alarma (XXII) | Sábado 4 de abril de 2020
“—Pero ¿se va a ir a la vía pública en pelota viva? —se rió una clienta con mucha chulería madrileña al ver a Fermín en calzoncillos; (…) daba la impresión de que hubiera pagado dinero encima con tal de librarse de aquella ropa impregnada de las exudaciones de todo un invierno (…). —Me han ofrecido un trabajo. Un médico de Pamplona que trabaja aquí, en un sanatorio (…). —Un sanatorio, ¿de qué? (…). —Una clínica de reposo… O sea, gente más o menos chiflada. —¡Coño! Eso puede ser divertido. Además, como labor de formación, experiencias humanas, casos curiosos… —(…)Bueno, tendría mucho tiempo para escribir. Además, como te dan la cama… El sanatorio está en el campo (…) ¿Sabes cuánto tiempo hace que no respiro aire puro?”.
Trasladarse, desde las pulmonías de provincias, al encuentro con la herrumbrosa bohemia madrileña de cafés letrados, poetas de lirismo y alquitrán, sobremesas de casquería y nocturno ignominioso de pensiones, perdedores y menesterosos.
‘Los ilusos’ (1958), de Rafael Azcona (Ilustraciones de Antonio Mingote) (Nueva versión | Ediciones del Viento, 2008).
Harterofilias domésticas |
Estado de alarma (XXIII) | Domingo 5 de abril de 2020
Harterofilias domésticas |
Estado de alarma (XXIV) | Lunes 6 de abril de 2020
–“Nobody will help you”. –“All of that’s the neutral zone, the international zone”. –“(…) whatever the problem, they must be sent here”. –“But to better understand the system, we have to go to the bottom”.
Inquirir la semiótica fronteriza. Cartografiar la permuta, trueque existencial del orbe abstracto.
‘Columbus’ (2017), de #Kogonada. ‘La poética de lo cotidiano’, de Yasujiro Ozu (Gallo Nero Ediciones, 2017).
Harterofilias domésticas |
Estado de alarma (XXVI) | Miércoles 8 de abril de 2020
–“Berlín tiene muchas superficies vacías. Se ven casas que están completamente libres por un lado porque la casa no fue reconstruida tras su destrucción. Se llaman muros ciegos a los desoladores muros laterales de esas casas, y casi no se ven en otras ciudades. Esas superficies vacías son heridas, y me gusta esa ciudad por sus heridas. Transmiten mejor la historia que cualquier libro o documento histórico.
Al rodar ‘Cielo sobre Berlín’ noté que buscaba continuamente esas superficies vacías, esas no man’s lands” [Wim Wenders | ‘The urban landscape’ (‘El paisaje urbano’) (1991) (Intervención en un coloquio de arquitectos japoneses)].
Converger en las ruinas de lo citadino y erigir el escombro, broza última de todos los vestigios, en “imagen, tiempo y relato” de lo teleológico.
‘La memoria de las imágenes. Textos de la emoción, la lógica y la verdad’, de Wim Wenders (Ediciones de la Mirada | Contraluz – libros de cine, 2000).
Harterofilias domésticas |
Estado de alarma (XXVII) | Jueves 9 de abril de 2020
“(…) la épica de una generación de pintores que cruza las naciones de la América Latina. Los años sesenta, los setenta, los años de la revolución y de los sangrientos golpes militares, los debates sobre la vanguardia estética, los asfixiantes exilios. Y todo ello con un punto de llegada: París.
(…) El personaje, un Ángel de la Calle que nunca se fue, se cruza con todas estas historias y todos estos debates” (Paco Ignacio Taibo II | Prólogo).
Bajo el tegumento épico de la crónica vibran los usufructos de la solitud como una contracción patrimonial de lo consuetudinario.
‘Pinturas de Guerra’, de Ángel de la Calle (Reino de Cordelia, 2017).
Harterofilias domésticas |
Estado de alarma (XXVIII) | Viernes 10 de abril de 2020
XI M’zora Caravane Larache (Marruecos) Junio de 2019
Con la participación de un total de 53 artistas de nueve países distintos (Marruecos, Camerún, Bélgica, Francia, Inglaterra, Holanda, Chile, Japón y España), el pasado mes de junio de 2019 (del 12 al 17) ha tenido lugar en Larache (Marruecos) el undécimo encuentro multicultural de artistas M’zora Caravane, con la presencia física de 37 artistas en la ciudad y la colaboración de los 16 creadores restantes a través de sus obras.
El
encuentro –promovido desde España por el Colectivo LA ESPIRAL, ACC
y contando también, por primera vez, con la asociación marroquí
LARACHE EN EL MUNDO– ha sido apoyado por el Consorci de Museus de
la Comunidat Valenciana y por distintos organismos del país vecino,
como son el Ministerio de Cultura y Comunicación o el de la Juventud
y Deportes de Marruecos, entre otros.
Este
singular proyecto de creación contemporánea viene generando un
recorrido propio (Línea Sur-Norte), bajo unas mismas ideas de
colaboración y entendimiento entre personas y artistas de Europa y
África.
Se
pretende aportar desde el seno del arte un planteamiento donde prima
lo colectivo y transcultural, en una iniciativa que denuncia las
restricciones a la libertad de movimiento de las personas. De ese
modo, se cuestionan las actuales políticas migratorias y se unen, a
través de la práctica contemporánea, artistas de muy distintos
orígenes, bajo una misma sensibilidad. Tiene especial relevancia en
estos encuentros la dramática situación actual en el Mediterráneo.
A
la vez, esta iniciativa está siendo compartida, desde sus inicios,
en una multitud de encuentros hermanados celebrados en distintos
países, el último de ellos en el Museo L de Lovaina la Nueva
(Bélgica), bajo el título de ‘BienvenUE’, donde participaron mas de
40 artistas internacionales de África y Europa.
Inauguración de la exposición en la Torre del Judío de Larache. Fotografía cortesía de Emilio Gallego.
PROGRAMA
El
programa público del encuentro comenzó el viernes 14 de junio, con
una visita al Cromlech de M’zora, lugar de origen de los encuentros
en 2009, con la actuación del grupo de payasos belgas Cie Voilà
l’enchantement, en el colegio de aquella localidad.
Posteriormente,
por la tarde se inauguró con gran asistencia de público,
autoridades y entidades, la exposición de arte contemporáneo en la
Torre del Judío, edificio medieval situado en la ciudad de Larache.
A
continuación, se presentó el libro ‘L’enfant clandestin’ por parte
de su autor, el poeta camerunés David Essomé; así mismo, tuvo
lugar un adelanto del libro del poeta local marroquí Abdeslam
Serroukh, que recitó acompañado al laúd por Zahara el Bounani. La
jornada finalizó con la proyección de cuatro cortos y vídeos de
Pablo Barce (‘El Nadador’), Outman Akjeje (’96º’), Manuela de
Tervarent y Charley Case (‘Je suis mon rêve’) y Josep Ginestar
(‘Casa XII’).
Actuación de música gnawa en el recinto del coliseo romano. Fotografía cortesía de Emilio Gallego.
El programa del sábado 15 de junio fue intenso, contando, igual que el día anterior, con una gran participación y una excelente acogida. Entre las actividades mas destacadas cabe mencionar los talleres dirigidos por diversos artistas (Andrea Brontons, Benoit Vivien y Myrtille Sauvage), enfocados a niñas y niños de la medina de Larache, agrupados en una asociación local de carácter social.
Este
día, la jornada tuvo lugar en el interior del yacimiento
arqueológico de Lixus, de origen fenicio y romano, situado a tres
kilómetros de Larache. En este escenario se presentaron performances
como las del Grupo Habémus o la Foz Machine de Fred Chemama,
acompañado del músico japonés Degurutieni. También se realizaron
in
situ
instalaciones, como la del artista Najib Cherradi o la de David
Bartholomeo.
Para
finalizar, ya al atardecer, en el interior del recinto del coliseo
romano y en un ambiente totalmente festivo, tuvieron lugar distintas
actuaciones: desde música gnawa o percusión a cargo del
grupo de batucada Sambalaraxe, a los Acróbatas de Mito. Entre todos
ellos supieron crear una verdadera fiesta de la transculturalidad,
que duró hasta la madrugada.
La XI edición de M’zora Caravane ha gozado de una gran repercusión en Marruecos, consolidando la trayectoria de un proyecto que, sin duda, seguirá su desarrollo allí y en otras ciudades, añadiendo calidad y cada vez más artistas a su nomina de participantes y aumentando su apuesta por la integración del arte contemporáneo como puente entre culturas.
Un instante de la performance del Grupo Habémus en M’zora Caravane. Fotografía cortesía de Emilio Gallego.
Elena López Riera
Visiones Contemporáneas
Playtime Audiovisuales
DA2 – Domus Artium 2002
Avenida de la Aldehuela s/n, Salamanca
Del 14 de febrero al 26 de mayo de 2019
El 14 de febrero arranca la séptima temporada de Visiones Contemporáneas, últimas tendencias en el cine y vídeo en España, un proyecto comisariado por Playtime Audiovisuales (Enrique Piñuel y Natalia Piñuel) que tiene su espacio de exhibición en DA2 – Domus Artium 2002, Centro de Arte Contemporáneo de Salamanca.
El inicio de la temporada de 2019 estará dedicado, en su decimonoveno ciclo, a la cineasta Elena López Riera, a la que seguirán los dedicados a David Domingo aka Stanley Sunday, para terminar el año con la artista visual Nùria Güell, quien además dará una master class en el museo.
Visiones Contemporáneas se ha convertido, desde el cominezo de sus ciclos en 2013, en un referente dentro de la exhibición audiovisual en España, compaginando las proyecciones con encuentros y clases maestras de los artistas invitados, apostando siempre por artistas comprometidos con su tiempo, que se arriesgan tanto formal como conceptualmente.
Hasta la fecha, 18 son las artistas que han tenido su Visiones Contemporáneas, ofreciendo un amplio espectro del panorama audiovisual contemporáneo español: Félix Fernández, Alex Reynolds, Chus Domínguez, Albert Alcoz, Arrieta y Vázquez, Laida Lertxundi, Left Hand Rotation, Eli Cortiñas, Víctor Iriarte, Regina de Miguel, Lois Patiño, Momu & No Es, Eloy Domínguez Serén, Las Chicas de Pasaik, María Ruido, Rosana Antolí, Diana Toucedo y Dora García. En 2017 se ha comenzado, igualmente, un programa de itinerancias, que ha llevado el proyecto a Barcelona, México DF. y Los Ángeles.
ELENA LÓPEZ RIERA
La primera artista programada para este 2019 es Elena López Riera, cineasta y docente alicantina, con base en Suiza. Doctora en Comunicación Audiovisual, ha enseñado cine y literatura comparada en la Universidad de Ginebra, siendo también invitada como investigadora a la Universidad Sorbonne-Paris III y como profesora a la Universidad Carlos III en Madrid.
En 2009 funda el colectivo de experimentación audiovisual Lacasinegra, quienes, tras varios años trabajando con diferentes formatos en torno a las prácticas artísticas, realizaron en 2014 el largometraje ‘Pas à Genève’. En solitario, estrenó ‘Pueblo’ en la Quinzaine des Réalisateurs de Cannes de 2015. Desde entonces no ha cesado de cosechar premios en algunos de los certámenes más prestigiosos a nivel internacional, como el Festival Internacional de Cine de Locarno, el Festival de Cine Europeo de Sevilla o el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde en su última edición le fue concedida una mención especial del jurado, y fue seleccionada con su nuevo proyecto, el largometraje ‘El agua’, en Ikusmira Berriak 2018, un programa de apoyo a proyectos audiovisuales que apuesten por la innovación y la experimentación.
Para este ciclo se han seleccionado sus tres últimas películas rodadas en solitario: ‘Pueblo’ (2015), ‘Las Vísceras’ (2016) y ‘Los que desean’ (2018), un conjunto de trabajos que transitan en torno a los límites de la no-ficción, teniendo como protagonistas los escenarios de su pueblo natal, Orihuela (Alicante), los rituales y tradiciones que componen la memoria del lugar y funcionan como eslabón generacional, creando comunidades que incorporan a personas de todas las edades atraídas por estas ceremonias.
Fotograma de ‘Las vísceras’, de Elena López Riera. Fotografía cortesía de Playtime Audiovisuales.
‘Madre’, de Rodrigo Sorogoyen
Apache Films, Caballo Films y Malvalanda (2017)
18 minutos
Filmin
La plataforma de vídeo bajo demanda Filmin ha nutrido su ubérrimo catálogo con los ya egregios dieciocho minutos que conforman ‘Madre’, de Rodrigo Sorogoyen, erigidos en el presente anhelo de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España (AACCE) de cara a la nonagésimo primera edición de los Premios Óscar, tras su nominación en la categoría de mejor cortometraje de ficción, en la que el próximo domingo 24 de febrero (madrugada del lunes 25 en España) competirá junto a las producciones canadienses ‘Fauve’ (Jeremy Comte) y ‘Marguerite’, (Marianne Farley), la irlandesa ‘Detainment’ (Vincent Lambe) y la estadounidense ‘Skin’ (Guy Nattiv).
El director madrileño afronta la última escudilla de un opulento invierno ahíto de ágapes y distinciones, tras la feraz cosecha de galardones obtenidos por ‘El reino’ a su paso por los Premios Forqué, los Feroz, las medallas del CEC y los recentísimos Goya, cuya cita sevillana formalizó una diarquía entre las procelosas y hediondas aguas mediterráneas del poder y las inclusivas, diversas y visibles bondades de la hilarante, didáctica e irregular (cinematográficamente) ‘Campeones’.
‘Madre’, que ya hubo obtenido el galardón al mejor cortometraje de ficción en los Premios Goya 2018 –entre otros y numerosos laureles en festivales nacionales y foráneos– desarrolla, a través de un portentoso e inquietante plano secuencia doméstico, la repentina y desesperada conversación telefónica entre un niño de seis años –incógnitamente abandonado por su padre en la vastedad de una playa vascofrancesa– y su madre, quien trata de averiguar, con el secundario auxilio de la abuela del menor, el improbable paradero de su hijo, mediante algún elemento o señal distintiva que este pueda reportarle a través de un teléfono móvil a punto de consumir su batería.
Desenlaces aparte, Sorogoyen sustenta el opresivo hilo conductor en manos de una límpida puesta en escena, nutrida de referencias inciales a la existencia de la figura Iván (voz del infante a cargo del jovencísimo Álvaro Balas), y las veraces y plausibles interpretaciones de Blanca Apilánez (abuela) y, muy especialmente, Marta Nieto (madre), quienes alimentan los rasgos cualitativos y confieren fidedigna incertidumbre a este angustioso relato cinematográfico, entre cuyas virtudes técnicas debe destacarse el sobresaliente manejo de la luz natural, supeditado a la deriva emocional de sus protagonistas.
Sin duda, tanto su corpus formal como narrativo (epílogo singularmente incluido), justifican, amén de la estocástica bienvenida del premio de la Academia –que hubieron olfateado, entre otros, Borja Cobeaga, Javier Fesser, Nacho Vigalondo y Juan Carlos Fresnadillo–, la realización de un largometraje homónimo –ya en fase de edición– que prosigue su diégesis meses después del enigmático colofón de ‘Madre’. Un camino –del corto al largo a partir de un mismo título y argumento– por el que, curiosamente, ya ha transitado su compañera de nominación ‘Skin’, del director israelí Guy Nattiv.
La actriz Marta Nieto durante un instante de ‘Madre’, de Rodrigo Sorogoyen. Fotografía cortesía de Filmin.
‘Distintos’, de Josevi García Herrero
Entrevista con el director del cortometraje
El verano de 2018 es un tiempo de buena cosecha para el guionista y cineasta valenciano Josevi García Herrero por la buena acogida que ha tenido su último proyecto, el cortometraje ‘Distintos’, que lleva más de cincuenta selecciones en festivales de cine de todo el mundo. Ha recibido catorce premios, además de conseguir la preselección a los Goya 2019 y la selección en el Festival Indy Shorts de EEUU, calificador de los Óscar de la Academia de Hollywood, que podría ser la antesala para lograr esa meta el año próximo.
‘Distintos’ es una iniciativa de Fundación Asindown, que eligió a un director sensibilizado con temas de trasfondo social, como acreditan sus anteriores cortos, ‘¡Se vende varita mágica!’ y ‘Contando estrellas’.Lo que hace a este filme especial es haber sido protagonizado por dos chicos con síndrome de Down, Pablo Molina y Salva Albert –sin experiencia actoral previa– y la participación altruista de Alejandro Sanz. La historia cuenta el viaje de los chicos para asistir a un concierto de su ídolo musical. En el reparto: Carlos Olalla, Ventura Rodríguez, Llum Barrera, Sandra Cervera, María De Paco y Guillermo Montesinos. La banda sonora es del compositor valenciano Josué Vergara.
“Esta experiencia ha sido un auténtico y enriquecedor aprendizaje para mí”, dice García Herrero. “He tenido la oportunidad de conocer de cerca y en profundidad cómo es la vida con síndrome de Down. Tuve que investigar y explorar para escribir el guión y poder hablar de ello, y entendí mejor las dificultades que podían llegar a tener los chicos, así como sus virtudes y capacidades. Tanto Pablo como Salva me han demostrado que querer es poder, que con sus ganas y su esfuerzo podíamos llegar adonde nos propusiéramos”.
Entre las numerosas anécdotas del rodaje que tuvo lugar en Valencia y Madrid, recuerda el divertido y entrañable encuentro de los chicos con Alejandro Sanz –la primera escena que se rodó– y hasta los doce donuts que tuvo que comer Salva, pues su personaje comía uno en una secuencia, y con las repeticiones de planos y tomas se convirtieron en una docena. También memorable la escena de la lluvia, “era el último día, había nervios, tristeza porque todo llegaba al final y eso de mojarse completamente no resulta muy agradable en octubre”.
Desde su estreno en la Seminci (Valladolid) el pasado octubre, ‘Distintos’ ha emprendido un camino de éxitos. “Lo más difícil es acertar con el tono de la historia, y creo que he dado en el clavo. Es una historia fresca, desenfadada, nada condescendiente, lejos de un tono dramático y empalagoso que hubiera hundido esta película. También he acertado en el modo de contarla, el humor es la otra clave. Decir las cosas sin miedo, con libertad, con verdad y con corazón; y que los protagonistas fueran conscientes de su realidad y los primeros que se identificaran, y que eso no fuera un freno para contarlo y mostrarlo. Tenía que ser un discurso valiente que se alejara del todos somos iguales para decir todos somos distintos. Es la única forma real de conseguir que esta sociedad compuesta de personas distintas, reconociéndonos todos distintos, nos ofrezca el modo de encontrar y entender la igualdad”.
Fiel a su vocación solidaria y social, el cineasta hace un llamamiento a los directores, guionistas y creadores en general: “Tenemos la suerte de poder contar historias para que muchas personas disfruten y se entretengan y, además, podemos y debemos pensar que también pueden ayudar a muchas otras personas invisibles por algún motivo. Hagámoslo. Incluyamos en nuestros guiones esas historias necesarias”.
García Herrero no se duerme en los laureles. Tiene entre manos tres proyectos de series de ficción, mientras revisa el guión de su primer largo. Al mismo tiempo, prepara una campaña de sensibilización con la Asociación Esperanza y Sonrisa, que apoya la investigación del cáncer infantil, y dirige el Ficticia, el festival de ficción online de Aranjuez.
IV FICAE – Festival Internacional de Cortometrajes y Arte sobre Enfermedades
Universitat Politècnica de València y Asociación VINCLES, FICAE
Varias sedes de València
Del 23 de febrero al 3 de marzo de 2018
FICAE – Festival Internacional de Cortometrajes y Arte sobre Enfermedades es un festival único en el mundo ya que trata la enfermedad en todas sus variables y desde múltiples perspectivas. Bajo esa premisa, uno de los objetivos clave del festival es el de derruir los estigmas que padecen muchos pacientes en su entorno mediante el lenguaje universal del cine y el arte. FICAE también estimula el diálogo y la reflexión en torno a las distintas patologías y sus contextos.
Organizado por la Universitat Politècnica de València y la Asociación VINCLES, FICAE encara su cuarta edición, que se celebrará del 23 de febrero al 3 de marzo en varias sedes de València. Casi 1.700 películas de 108 países distintos se inscribieron para participar este año, pero finalmente han sido 52 cortometrajes los que se proyectarán tanto en las secciones competitivas como las paralelas, provenientes de países como Estados Unidos, España, México, Irak, Francia, Eslovenia, Serbia, Bulgaria, Rusia, Irán, Dinamarca, Chile o Suecia, entre otros.
Fotograma perteneciente al cortometraje ‘La Faim Va Tout Droit (Hunger Keeps Walking),’, del la italiana Giulia Canella, que participa en la Sección Oficial. Fotografía cortesía de FICAE.
FICAE propone narrativas que tratan sobre las percepciones y emociones de quien padece la enfermedad, las diversidades patológicas y sus consecuencias, los estigmas sociales y familiares de los pacientes, la figura de aquellos que los cuidan, los contextos sociosanitarios. Es por ello que los cortometrajes que forman parte de la Sección Oficial a competición están divididos en ocho bloques temáticos: Cáncer, Memoria, VIH-Sida, Psique, Parkinson, Cuidados (la figura del/la cuidador/a), Contextos sanitarios y Miscelánea (otras enfermedades). Las proyecciones de estas películas se realizarán del 28 de febrero al 3 de marzo en el IVAM (C/ Guillem de Castro, 118), sede oficial de 4FICAE, en sesiones de mañana y tarde, normalmente acompañadas de mesas de trabajo y debate con especialistas.
Como novedad de este año se ha incluido una sección a competición: Sección DMD, con el título ‘La muerte buena’, apoyada por la asociación Dret a Morir Dignament – Comunitat Valenciana, que se celebrará el lunes 26 de febrero en el Octubre Centre de Cultura Contemporània, de 18 a 21 h.
Fotograma perteneciente al cortometraje ‘Fragmentos del Rey desmembrado (Fragments of the Dismembered King), de Alejandro Miñarro Rodríguez, que participa en la Sección Oficial. Fotografía cortesía de FICAE.
Además de varias secciones paralelas que completan la programación de FICAE, el festival también cuenta desde sus inicios con una parte artística muy importante. Las intervenciones que se realizan en el Campus de la UPV, bajo el título de ‘Presbicia’ serán realizadas en esta edición por Diana Larrea y Ultranature y tratarán sobre los estigmas en torno a la salud mental. En el Instituto de Historia de la Medicina y de la Ciencia López Piñero se llevará a cabo una exposición titulada ‘Epistemologías de la prevención del VIH/sida’ que recorre más de 30 años de campañas de prevención del VIH y del sida a través de carteles y otros elementos comunicativos. En la Fundación La Posta se presenta, por segundo año consecutivo, la sección ‘Conversa(c)ciones’, una aproximación crítica y compleja a la experiencia de la enfermedad, con Anaïs Florin y Eva Fernández, bajo el título ‘Práctica artística y visibilización de relatos silenciados: el caso del taller CUERPOS EN LUCHA’.
FICAE se ha convertido en un festival de referencia y punto de encuentro experiencial tanto para cineastas y espectadores, como para la comunidad de pacientes, asociaciones, colectivos sociales y personal sanitario.
Todas las actividades de FICAE son de entrada gratuita hasta completar aforo a través de acreditación previa.
Fotograma perteneciente al cortometraje ‘Crhistmas’, del búlgaro Borislav Kolev, que participa y compite en la Sección DMD. Fotografía cortesía de FICAE.
‘RIDE’, de Neus Flores
Cortometraje de docu-ficción
Faktoria d´Arts y La Bonne (Centro de Cultura de Mujeres Francesca Bonnemaison), 2018
Con el apoyo de Faktoria d´Arts y La Bonne (Centro de Cultura de Mujeres Francesca Bonnemaison), la periodista y agente cultural Neus Flores ha emprendido el rodaje de su ópera prima, ‘RIDE’, cortometraje de docu-ficción -o cinema veritée– basado en hechos reales y que pretende acercarse a la verdad cotidiana desde un punto de vista universal –territorio en el que las emociones se entienden en cualquier cultura– y con el uso de varios idiomas, mediante un guión de proyección internacional.
En tanto que proyecto en curso, ‘RIDE’ cuenta con un dietario de filmación en Facebook –en cuyo perfil se pueden encontrar contenidos, vídeos y enlaces del making of, además de una cuenta de crowdfunding en Kickstarter, en la que colaborar mediante donaciones, a cambio de merchandising, follow ups y experiencias con el equipo de rodaje, estando prevista su culminación durante la primavera del 2018, con el fin de ser proyectado a partir del verano en diversas salas y festivales.
‘RIDE’ se postula como un viaje por las emociones, un trayecto por la vida de dos mujeres (madre e hija, interpretadas por Mari Arveheim y Alba Manobens Flores, respectivamente) que pasan por una etapa de crecimiento propio y de enfrentamiento a nivel familiar, para terminar uniéndose a nivel personal a través de las vicisitudes de su recorrido por la Costa Brava.
El desencuentro entre ellas se inicia en el ámbito del hogar durante un desayuno cotidiano y desemboca en un club nocturno, donde Emma (la madre) encuentra a Alex (su hija, aún menor de edad) bailando a cambio de dinero.
Alex decide irse de casa tras la virulenta reacción de su madre y Emma es consciente de que si deja marcharse a su hija la perderá para siempre; por este motivo decide irse con ella a lo largo de un viaje por la costa catalana -durante el que se encontrarán con diversos personajes que les harán crecer a nivel personal y emocional, hasta llegar a mejorar su relación y entenderse de nuevo.
‘RIDE’ es un viaje desde la oscuridad emocional y física, hasta encontrar la luz y el optimismo que mejorará la relación de estas dos mujeres para siempre, al final de su viaje y dentro del marco incomparable de la casa museo Dalí, en Port-Lligat (Cadaqués, Costa Brava).
“Una road-movie inspirada en ‘Thelma &Louise’ y ‘Little Miss Sunshine’, que no dejará indiferente a nadie”, en palabras de su directora, Neus Flores.
