«Transformar la exposición en una capacidad activa»

#MAKMAEntrevistas | Diana Guijarro: «Transformar la exposición en una capacidad activa»
‘Dónde estamos. Dónde podríamos estar.’
Colección «la Caixa» | Convocatoria de comisariado
Caixaforum Barcelona 
Hasta el 1 de noviembre de 2020

Sin duda alguna –y quizá ahora, más que antes– nos replanteamos las prácticas expositivas dentro y fuera del museo. El hecho de llegar al visitante a través de la contextualización del objeto ha quedado en segundo plano ante las nuevas prácticas museográficas. Se observa desde hace ya un tiempo la forma en la que discursos asertivos se mezclan con prácticas participativas que desarrollan cierto declive de la autoridad museográfica como tal.

En este contexto, Fundación «la Caixa» lanza anulamente su convocatoria de comisariado para menores de 40 años con el principal objetivo de generar nuevas lecturas sobre su colección y la del MACBA. Diana Guijarro es una de las seleccionadas de la pasada convocatoria de 2018, cuya exposición ‘Dónde estamos. Dónde podríamos estar’ puede disfrutarse ahora hasta el próximo noviembre en el Caixaforum de Barcelona.  

exposición
Imagen de la obra ‘Mobile Home’, de Mona Hatoum. Fotografía de Roberto Ruiz cortesía de Diana Guijarro y Fundación «la Caixa».

En primer lugar, enhorabuena por haber sido seleccionada en la convocatoria. Imagino que no debe de haber sido fácil abordar el conjunto que suponen las colecciones del MACBA y La Caixa. Las piezas que integran estas colecciones recorren la historia del arte y por tanto acontecimientos histórico-artísticos clave a nivel nacional e internacional. ¿Cómo ha sido enfrentarse a ese trabajo de selección? 

Gracias María. Como bien indicas esta es una de las pocas convocatorias, por no decir de las únicas, en este país que te permite como comisaria enfrentarte a dos colecciones altamente representativas de la historia del arte contemporáneo.

Obviamente, implica un reto muy estimulante ya que es una oportunidad excepcional en lo que a la práctica curatorial se refiere. Significa poder investigar las nuevas problemáticas del presente, pero también la transformación de la historia, las identidades y los espacios en base a otras dinámicas experimentales, buscando fórmulas discursivas alternativas.

En mi caso, llevaba tiempo investigando sobre la propuesta que quería presentar y, a medida que iba profundizando y documentándome en el proceso, iba tomando forma la selección de las obras con las que articularía el discurso, piezas a las que luego se fueron sumando otras, un poco como parte natural del desarrollo; esto es lo que, finalmente, fue creando conexiones nuevas y amplificando la propia visión que tenía sobre las mismas.

El trabajo previo de preparación del proyecto supuso un proceso duro, pero, al mismo tiempo, creo que es de los más gratificantes a nivel personal, ya que es ahí donde entran en juego muchos aspectos con los que tienes que tratar y es entonces cuando empiezas, realmente, a construir el proyecto en todos sus sentidos, cuando todo empieza a encajar en su aparente desorden.

También me gustaría puntualizar que sin una convocatoria como esta, en la que existe una organización pormenorizada de los tiempos, los recursos, los medios y la información, y se trabajan “los cuidados” –en el sentido de trabajar desde el respeto por parte de todos los profesionales implicados–, es difícil que se puedan llevar los proyectos bajo estos parámetros tan rigurosos. Creo, sinceramente, que es un ejemplo para estos tiempos tan complicados en el ámbito artístico y cultural.

‘Dónde estamos. Dónde podríamos estar.’ Hay un interrogante encubierto…  

Para el título de la exposición escogí el texto de Lucy R. Lippard ‘Mirando alrededor: dónde estamos y dónde podríamos estar’ (que puede leerse en Paloma Blanco et al., ‘Modos de hacer. Arte crítico, esfera pública y acción directa’, Ediciones Universidad de Salamanca, Salamanca, 2001, pp. 51-71 ), donde la escritora y comisaria se preguntaba sobre la posibilidad de unas prácticas artísticas que fueran capaces de llevarnos a otra visión colectiva de lugar. Una nueva articulación de lo social en la que lo artístico nos devolviera la idea de futuro.

Alrededor de estas ideas comencé a articular la propuesta, que luego se fue ampliando hacia otros campos de conexiones, pero esta era la base sobre la que quería construir y transmitir el proyecto. Me parecía enormemente sugerente partir de estas reivindicaciones, que ya nos invitaban en otro tiempo a sacar las prácticas artísticas de su lugar para llevarlas hacia otros territorios (puede que más inciertos e incómodos, pero, sin duda, necesarios). Y ver con ello cómo estas reflexiones tenían un amplio calado en lo que sucede ahora, conectando casi de forma mágica con otros pensamientos de la actualidad. 

Sin duda, el interrogante que ella plantea se puede y se debe llevar hacia un campo mucho más diversificado, sobre todo si pensamos en las reflexiones que podemos hacer en torno a él, y nos hace pensar en un ámbito político, en lo social y lo físico, o en lo cultural y emocional que nos rodea; una especie de visión panorámica de lo que somos o creemos ser como sociedad.

Más ahora, cuando vivimos situaciones excepcionales que requieren que nos cuestionemos lo que venimos haciendo como colectividad. Si esto no cambia nuestra relación con el entorno y con los otros, sin duda quedan pocas esperanzas de futuro. Puede que la clave esté en llegar a entender los nuevos matices que se encierran tras preguntas como esta.

Detalle de la exposición. Fotografía de Roberto Ruiz cortesía de Diana Guijarro y Fundación «la Caixa».

La experimentación curatorial no es nueva para ti. Creo observar una línea clara en tu trabajo en la que entremezclas patrones de un comisariado más tradicional y la mediación en espacios expositivos. ¿Crees que la parte práctica de tu trabajo ha influenciado, también, a la hora de buscar nuevas concepciones teóricas sobre el comisariado?

Por supuesto, la experiencia previa en otros proyectos influye en cómo quieres ir desarrollando la labor curatorial. Es cierto que hablamos de un trabajo en el que entran en juego muchas variables: por un lado, está la propuesta e investigación que se desarrolla, la selección de las obras y el proyecto de mediación que se puede construir con todo ello, pero luego hay presentes otros muchos factores que en la mayoría de los casos escapan a nuestro control.

En la parte práctica que comentas, es verdad que ha habido proyectos curatoriales que han marcado de una forma un tanto especial la manera en la que quiero relacionarme con el espacio expositivo y las obras, y, en consecuencia, de cómo todo esto se proyecta en la visita o tipos de visita que se pueden plantear.

Me resulta complicado entender el medio expositivo como algo estático, asumido como el lugar en el que se va a contemplar, a vivir la experiencia estética, cuando en realidad nos encontramos ante un dispositivo cargado de potencial crítico.

Un lugar para el intercambio, hablando en un amplio sentido, implica explorar esas otras relaciones de poder y entender que esto que hacemos está inevitablemente ligado a un contexto determinado, con sus estructuras totalmente articuladas, las cuales estamos obligados a cuestionar.

Aunque, claro está, que esto implica querer ponernos las cosas un poco más difíciles. Al fin y al cabo, hablamos de transformar la exposición en una capacidad activa, en “eso que está pasando” y que es capaz de reconsiderar los métodos que tenemos para ejercer resistencia.

Es muy interesante la vuelta de tuerca que realizas al hablar de ‘ritual’, aplicando el concepto al hecho expositivo en su plenitud: aquel que observa desde lejos, el que participa activamente, la forma de movernos en el espacio… ¿Cómo has intentado que el visitante se enfrente a cada pieza presentada? 

Me interesaban los acercamientos que Carol Duncan realiza en su libro ‘Rituales de Civilización’ en torno a la diferenciación de los lugares y el concepto de lugar ritual, entendido como el espacio en el que escenificar algo. El modo en el que ella lo conecta con los espacios museísticos y en cómo profundiza en las formas de participación que se dan dentro de ellos, en los gestos que son entendidos como una especie experiencia estructurada bajo un modo de ocupación pautado; todo ello me permitía extender estas reflexiones hacia los fenómenos culturales y ciertos comportamientos que asumimos como normales tan solo por el hecho de que no contradigan nuestros esquemas.

Esta idea de acto que se diluye en un nosotros se traslada a la exposición y, por extensión, a las piezas y a la forma de relacionarnos con ellas. La exposición no plantea un recorrido específico, ni siquiera una direccionalidad, sino que lanza un guiño hacia una organización rizomática de elementos y mensajes.

No obstante, no es casual que la pieza que articula el espacio sea ‘La trayectoria de la luz en la caverna de Platón (desde la caverna de Platón, la capilla de Rothko, el perfil de Lincoln)’, de Mike Kelley, ya que esta obra implica alterar el orden de nuestros cuerpos nada más entrar en la exposición y nos obliga a arrastrarnos para volver a entrar en la caverna, un comienzo con el que desmontar los órdenes establecidos. 

En otras piezas, como, por ejemplo, la de Andrea Fraser, ‘Little Frank and his carp’ (‘El pequeño Frank y su carpa)’, el visitante se sitúa ante la visión de una performance dentro del Museo Guggenheim de Bilbao y aflora entonces una sensación que mezcla cierta incomodidad con dosis de humor, con la que reflexionar sobre los mecanismos de poder desde una perspectiva crítica, como permite esta obra. 

Son piezas que parten de lenguajes muy diversos y que tratan cuestiones complejas, como es la carga del exilio (Mona Hatoum), la escenificación de la propia identidad (Cindy Sherman) o los relatos confusos, donde nuestra propia posición como espectador es algo indeterminada e intercambiable (obras de Txomin Badiola o Alex Reynolds). Es interesante que los visitantes perciban que son ellos quienes activan, con su presencia, el sentido de las obras, son los que generan las conexiones entre ellas y, por tanto, los discursos alternativos que puedan surgir o no durante la visita, que son igualmente válidos a los propuestos desde la exposición. Ahora, son los visitantes quienes tienen una responsabilidad nueva.

Imagen general de la exposición. Fotografía de Roberto Ruiz cortesía de Diana Guijarro y Fundación «la Caixa».

Además, se propone una especie de actividad “extra” –inspirada en una acción llevada a cabo en 1976 por Allan Kaprow–, que invita a posicionarse desde un nuevo punto de vista, unas ‘Instrucciones para un acceso controlado’ que, sin duda, resultarán divertidas y anecdóticas para aquel que pueda acercarse a visitar la exposición. ¿Qué más puedes contarnos sobre la función de este planteamiento?

La idea era proponer una serie de pautas que invitaran a experimentar el espacio expositivo en la línea de los conceptos que se trabajan en el proyecto y que transformen, de alguna manera, la experiencia de visita en una capacidad activa. Para ello me inspiré en la actividad que Allan Kaprow planteó en ‘7 Kinds of Sympathy, una unidad modular participativa en la que una persona conectaba con otra generando mensajes primarios y copiando gestos y movimientos secundarios.

En este caso, ya no hablaríamos tanto de «A y B», como él proponía, sino que buscaríamos esa comunicación e intercambio entre la persona y la exposición para provocar que el supuesto ritual de visita que llevamos a cabo en estos espacios se vea alterado por comportamientos que no asociamos al museo o al entorno expositivo. Digamos que este elemento es la excusa para reclamar y ocupar la exposición en base a otros términos, es decir, lo que nosotros podemos hacer que sea la exposición.

La nueva situación derivada de la pandemia mundial ha provocado que nos replanteemos nuevas relaciones con el espacio urbano, con las relaciones sociales… ¿Alguna nueva lectura que podamos añadir también en el espacio expositivo? ¿Crees que a partir de ahora la forma de relacionarnos con el espacio en el museo fomentará esas nuevos modos discursivos que aludes en tu trabajo?

Como comentas, las relaciones con y en el espacio expositivo han cambiado y esta situación excepcional ha hecho que la exposición en sí tenga que transformarse, así como sus diferentes elementos, la ocupación de la misma y el uso que hacemos de ella. Son numerosas las reflexiones que están surgiendo al respecto, aunque, debido a la celeridad de los acontecimientos, parece que ahora nos vemos abocados a solucionar las problemáticas más urgentes y derivadas de los protocolos de actuación y seguridad.

Parece difícil enfrentarse, hoy por hoy, a un pensamiento más pausado y crítico sobre cómo todo esto afectará a nuestros modos discursivos y a nuestra forma de entender la exposición; no obstante, creo que sí puede suponer un punto de inflexión en cuanto a cuestionarnos algunas dinámicas asociadas a estos espacios y es una oportunidad para desmontarlas, en base a otra realidad y concienciación.

Quizás tengamos que entender que muchas de nuestras actuaciones encajan, casi siempre, dentro de algo más transitorio y que hay que empezar en algún momento a hacer las cosas de otro modo.

Puede encontrarse más información sobre la exposición en la web de Caixaforum.

Detalle de la exposición ‘Dónde estamos. Dónde podríamos estar’. Fotografía de Roberto Ruiz cortesía de Diana Guijarro y Fundación «la Caixa».

María Ramis

Concurso de comisariado de exposiciones de Fundación Enaire

Convocante: Fundación Enaire
Dotación: 18.000 euros
Modo de presentación: vía e-mail
Plazo de admisión: hasta el 1 de junio de 2018

1. OBJETO DEL CONCURSO
El objeto de este Concurso es la selección del comisario que realizará las dos
exposiciones inaugurales de los nuevos centros de arte que Fundación ENAIRE
abrirá previsiblemente en 2019, Las Naves de Gamazo (Santander)
y La Arquería de Nuevos Ministerios (Madrid).
2. TIPO DE CONCURSO
Se trata de un concurso abierto en una sola fase.
3. CONTENIDO DE LAS PROPUESTAS
Los participantes deberán aportar dos propuestas de comisariado de dos
exposiciones diferentes que coincidirán en el tiempo.
Las propuestas deben contemplar los siguientes puntos:
Propuesta 1: Exposición en Las Naves de Gamazo (Santander)
Una selección de 60 obras de la Colección ENAIRE de Arte
Contemporáneo para la exposición inaugural de este centro de arte.
Memoria explicativa de la selección de obras propuesta partiendo
de una relectura conceptual de la Colección ENAIRE de Arte
Contemporáneo.
Propuesta 2: Exposición en La Arquería de Nuevos Ministerios (Madrid)
Una selección de 80 obras de la Colección ENAIRE de Arte
Contemporáneo para la exposición inaugural de este centro de arte.
Memoria explicativa de la selección de obras propuesta partiendo
de una relectura conceptual de la Colección ENAIRE de Arte
Contemporáneo.
Ambas propuestas se considerarán tentativas de cara a su posterior
adaptación definitiva a los espacios expositivos de ambos centros.

Las propuestas deberán apostar por un discurso innovador y de calidad en
el que se tengan en cuenta las diferentes disciplinas artísticas, los diversos
estilos, técnicas y formatos de las obras, así como la pluralidad de artistas
presentes en la Colección, de tal manera que quede reflejada la riqueza y
variedad de este conjunto artístico.
La extensión máxima de la memoria explicativa de cada una de las dos
propuestas será de tres páginas (sin contar con la selección de obras, que
podrá contener material gráfico). Las propuestas deberán presentarse en
formato DIN A-4 (210 x 297 mm) con tamaño 11 de fuente e impresas a una
cara y a color.
4. PARTICIPANTES
Podrá optar a la convocatoria cualquier profesional, a título individual, mayor
de edad, español o extranjero residente en España con una formación y
trayectoria profesional acreditada.
5. DOTACIÓN ECONÓMICA Y CONDICIONES DE CONTRATACIÓN
La persona seleccionada será contratada para el comisariado de las dos
exposiciones referidas por una cantidad total de 18.000 € (impuestos
incluidos) en concepto de honorarios profesionales. El abono se realizará en
tres pagos de la siguiente manera:
6.000 € en la fecha de la firma del contrato.
6.000 € en la fecha de la inauguración de Las Naves de Gamazo
(previsiblemente a mediados de 2019).
6.000 € en la fecha de la inauguración de La Arquería de Nuevos
Ministerios (previsiblemente a finales de 2019).
El comisario seleccionado trabajará conjuntamente con Fundación ENAIRE
en el discurso expositivo y el diseño museográfico de las dos muestras, así
como en la elaboración del catálogo que, con motivo de la inauguración de
ambos centros, se edite.
Asimismo, el comisario colaborará con Fundación ENAIRE en la presentación
de ambos espacios, tanto a nivel institucional con el Ministerio de Fomento
(de quien depende Fundación ENAIRE) como a nivel oficial con los medios de
comunicación.

6. JURADO Y CRITERIOS DE VALORACIÓN
El jurado estará integrado por el Comité Asesor de Fundación ENAIRE
compuesto por artistas profesionales y prestigiosos gestores culturales,
así como por la Directora Gerente de Fundación ENAIRE y la Conservadora
de la Colección ENAIRE (en calidad de Secretaria).

7. DOCUMENTACIÓN Y PLAZOS
Los participantes deberán enviar sendas propuestas (de cada uno de los dos
centros) en formato PDF junto a su curriculum vitae actualizado. En caso de ser
necesario, Fundación ENAIRE se reserva el derecho de solicitar los originales
de las titulaciones para su comprobación.
Se tendrá en cuenta la experiencia profesional de los participantes con
colecciones de arte públicas o privadas, así como su participación en trabajos
editoriales de arte.
Las propuestas deberán enviarse antes del 1 de junio de 2018 a la siguiente
dirección de correo electrónico: fundacionenaire@enaire.es
Fundación ENAIRE enviará una confirmación de recepción de correo a cada
participante.
8. DIFUSIÓN
Fundación ENAIRE podrá difundir el proyecto seleccionado por los medios
que considere oportuno.
9. CONFIDENCIALIDAD
Fundación ENAIRE garantiza la confidencialidad de la documentación aportada
en la convocatoria.
10. INFORMACIÓN SOBRE EL CONCURSO
Para solicitar la relación de obras de la Colección ENAIRE de Arte
Contemporáneo o cualquier otro tipo de información sobre el Concurso podrán
dirigirse a la siguiente dirección de correo electrónico: fundacionenaire@enaire.es

Bases completas
Imagen de portada: ”DRG-3”, de Ofelia García, galardonada en la pasada edición.

Arranca la segunda edición de S.A.CO en Sevilla

S.A.CO
II Feria Internacional de Arte Contemporáneo
Fibes, Nuevo Palacio de Exposiciones y Congresos de Sevilla
Avenida Alcalde Luis Uruñuela 1, Sevilla
Del 3 al 6 de noviembre de 2016

S.A.CO prepara su II Feria Internacional de Arte Contemporáneo, que se volverá a desarrollar en el Nuevo Palacio de Exposiciones y Congresos de Sevilla, FIBES, manteniendo así la alianza que se creó en la primera edición. Acogerá un total de 21 espacios expositivos disponibles en tres formatos adaptables a cada proyecto artístico y albergarán más de 220 artistas nacionales e internacionales durante los días 3, 4, 5 y 6 de noviembre de 2016.

Como nuevos agentes culturales que se incorporan a esta segunda edición se encuentra el Ayuntamiento de Sevilla, el Área de Cultura y la Consejería de Turismo de la Junta de Andalucía. Esta alianza de S.A.CO con las instituciones políticas persigue la creación de un evento cultural y artístico de referencia en el panorama andaluz, así como difundir y promocionar nuevos espacios de arte contemporáneo de Sevilla y promesas emergentes.

Disposición de stands durante la edición de S.A.CO 2015. Fotografía cortesía de los organizadores.

Disposición de stands durante la edición de S.A.CO 2015. Fotografía cortesía de los organizadores.

S.A.CO es una feria que desea destacar por estar en constante evolución y responder a las necesidades e inquietudes culturales del panorama profesional, motivo por el cual, en esta segunda edición y como novedad, le daremos cabida y visibilidad, con un fantástico espacio, a comisarios independientes y emergentes, con la I Convocatoria de S.A.CO CURATORS. Aprovechamos este evento cultural para trabajar la difusión de artistas contemporáneos emergentes, por lo que se volverá a incluir un espacio expositivo destinado a los Solo Projects.

En esta segunda edición, gran parte de nuestros esfuerzos estarán enfocados al proyecto ¡A S.A.CO CON ANDEX!, a través del cual queremos hacer llegar el valor del arte a la Asociación de Padres de Niños con Cáncer de Andalucía. Para ello, hemos ofrecido una serie de talleres centrados en las disciplinas que mostrará la feria impartidos por grandes artistas contemporáneos, como son Mercedes Naranjo con un taller de escultura, Sevilla de Moda con el taller de diseño de moda, Rocío Muñoz con un taller de Dibujo y Pintura, Mara León junto a su equipo, las artistas Sonia, Angelina y Aurora con un taller de fotografía y collage, y Víctor Pulido, que impartirá un taller de modelado el día 5 durante la muestra. También hemos elaborado un cuaderno de láminas artísticas, en el que han participado numerosos artistas contemporáneos, que se pondrán a la venta durante los cuatro días que dura la muestra además de encontrarse en venta en el Hospital Virgen del Rocío de la mano de ANDEX.

Un instante de una de las jornadas de S.A.CO 2015. Fotografía cortesía de los organizadores.

Un instante de una de las jornadas de S.A.CO 2015. Fotografía cortesía de los organizadores.

Las convocatorias artísticas de S.A.CO volverán tener su hueco en la feria, y a través de ellas queremos poner a disposición de jóvenes artistas emergentes el magnífico entorno cultural del evento. Como convocatorias más relevantes cabe destacar el II Networking de Jóvenes Artistas Contemporáneos Andaluces, la I Convocatoria de arte de SIMOF para la creación del cartel de SIMOF 2017, la II Convocatoria de Solo Project, y la Convocatoria de S.A.CO Curator.

Al igual que en la primera edición, S.A.CO seguirá apostando por una integración activa de la cultura y el arte en la sociedad sevillana, motivo por el cual, y de manera inédita no vista en otras ferias españolas, se desarrollarán actividades que implicarán a los visitantes, acercándolos de esta forma a los procesos creativos y a la puesta en valor del arte.

S.A.CO, II Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Sevilla, se encontrará abierta al público en un horario ininterrumpido de 11:30 a 21:00 horas en el Nuevo Palacio de Exposiciones y Congresos de Sevilla, FIBES, siendo el precio de la entrada a la feria será de 8 euros.

Un instante de la presentación y avance de contenidos de S.A.CO. Fotografía cortesía de los organizadores.

Un instante de la presentación y avance de contenidos de S.A.CO. Fotografía cortesía de los organizadores.

 

Origami sudafricano en Bus Station Space

‘GEOMETRI(CO)COTOLOGÍAS. Investigaciones geométricas en origami textil’, de Pierre Louis Geldenhuys
BUS STATION SPACE
Plaza Camilo Díaz Baliño 17, Santiago de Compostela
Del 1 de abril al 11 de mayo

‘GEOMETRI(CO)COTOLOGÍAS. Investigaciones geométricas en origami textil’, exposición polarizada en torno de la obra del artista Pierre Louis Geldenhuys, se allega a Santiago de Compostela de la mano de los comisarios de arte Merche Medina y Jose Ramon Alarcón (Ecomunicam) y la galería BUS STATION SPACE.

Imagen de la obra 'Juego de Dominó II', presente en la exposición. Fotografía cortesía del artista.

Imagen de la obra ‘Juego de Dominó II’, presente en la exposición. Fotografía cortesía del artista.

El artista implementa y desarrolla una novísima acepción del término “cocotología”, gestada a partir del neologismo ideado por el literato noventayochista  Miguel de Unamuno, generoso diletante de la papiroflexia y singular occidentalizador de los rudimentos del origami asiático. La muestra pretende asentarse como un estudio cocotológico de resoluciones geométricas a través de diferentes técnicas de origami textil desarrolladas por el creativo sudafricano, fundamentadas mediante sus conocimientos y trayectoria como diseñador de alta costura y escenógrafo, sirviéndose para ello de diversos tipos de tela -algodón, lino y seda-, en conjunción con firmes materiales como el alambre, la madera o el nácar.

La obra de Pierre Louis Geldenhuys se solidifica como consecuencia de un dilatado y perseverante proceso de investigación de las múltiples posibilidades del origami oriental, en la que se advierten tres etapas diferencias: una primera, en la que la técnica se incorpora a modo de ornamentaciones en sus diseños y vestidos de alta costura; un segundo período particularizado por el desarrollo de obras origámicas exentas, mediante el empleo del cosido de técnicas mixtas y la superposición de múltiples elementos geométricos; y una tercera fase -su última serie- en la que Pierre Louis confecciona su obra a partir de una única pieza de origami, encontrando en los teselados -formas repetitivas bi/tridimensionles que encajan entre sí, desprovistas de espacio entre los bordes- y los estudios kinéticos -investigación del movimiento en espiral- el vehículo idóneo para reflexionar en torno de la matemática aplicada a la representación geométrica.

Imagen de la obra 'Cuadrícula I', presente en la exposición. Fotografía cortesía del artista.

Imagen de la obra ‘Cuadrícula I’, presente en la exposición. Fotografía cortesía del artista.

‘GEOMETRI(CO)COTOLOGÍAS’ propone una combinación de piezas transparentes, opacas y retroiluminadas (con la incorporación de la fortaleza de pigmentos e intensas tonalidades propios de su país de origen, en sus más recientes creaciones) que permiten revelar al espectador sus complejas formulaciones técnicas, auxiliando a trascender las composiciones sobre el plano y reportando al engranaje de recursos empleados un inherente valor estético, que termina por sumarse a la formulación de reiteraciones métricas que habitan la superficie.

 

 

Concurso ‘Arte en la Casa Bardín’

Convocante: Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert
Dotación: 1000 € brutos para cada artista y comisario/crítico seleccionado
Modo de presentación: online
Plazo de admisión: hasta el 28 de febrero de 2016

El Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert, a través de su Departamento de Arte y
Comunicación Visual ‘Eusebio Sempere’ tiene el propósito de poner en marcha el concurso ‘ARTE EN LA CASA BARDIN’, un espacio que canalizará la presentación de proyectos expositivos de artistas y comisarios o críticos de arte de la provincia de Alicante, con el objetivo de acercar y divulgar las prácticas artísticas dentro de la programación de exposiciones de la Casa Bardín durante el período de 2016 y 2017. El concurso se regirá por las siguientes BASES:

PRIMERA

Podrán participar en este concurso, las personas físicas, artistas y comisarios o críticos
de arte nacidos o residentes en la provincia de Alicante.

SEGUNDA

Los interesados deberán presentar una única propuesta, suscrita por un artista y un crítico o comisario, junto con la documentación que figura en la cláusula siguiente, que deberán enviar a la dirección de correo electrónico iaccursos@diputacionalicante.es, desde la
publicación de las presentes bases, hasta el 28 de febrero de 2016.

TERCERA

La documentación se presentará en un único documento digital en formato pdf de un máximo de 9 megas, constará de:

1 – Solicitud de participación firmada por el artista y el crítico o comisario.
2 – Copia del D.N.I. de ambos.
3 – Curriculum vitae del autor y crítico o comisario, resumido en una página tamaño A4, como extensión máxima, a letra times new roman de 12.
4 – Memoria explicativa de la propuesta, con un máximo de 300 palabras.
5 – Fotografías de las obras: Un máximo de 10 Imágenes relacionadas con la propuesta artística.

CUARTA

La selección de los proyectos se realizará por una comisión de expertos en arte, que se designará en su momento. Las propuestas serán valoradas por la comisiónde expertos en función de los siguientes criterios:

El valor artístico y cultural de la propuesta.
Dimensión conceptual, formal y técnico-procedimental.
Producción plástica e investigación artística.
Adecuación al espacio expositivo.
Originalidad e impacto del proyecto.

La comisión de expertos seleccionara ocho exposiciones anuales como máximo.

Una vez resuelto el concurso y de acuerdo con sus normas de aprobación, el IAC Juan Gil Albert elaborará un presupuesto de gastos por la organización de cada una de las exposiciones seleccionadas. Dentro del citado presupuesto, se asignará una retribución al artista y al comisario por la creación artística realizada, por el tiempo dedicado y el trabajo desarrollado en la organización y montaje de la exposición, los textos críticos del catálogo, así como de cualquier otro acto que se pueda organizar en su difusión didáctica o jornada crítica. El importe de esta retribución será de 1.000€ brutos a cada uno de ellos. La Junta Rectora del Organismo aprobará la realización de cada una de las exposiciones y autorizará el gasto imputable a cada una de ellas.

QUINTA

El Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert, organizará como máximo 8 exposiciones individuales anuales con la participación de un artista y un comisario o crítico de arte, en la sala de exposiciones del edificio de la Casa Bardín, sede del IAC Juan Gil-Albert, c/ San Fernando, 44 de Alicante.

Las obras a exponer deberán estar en buenas condiciones para su exhibición pública. En
caso necesario de enmarcados, restauración, así como materiales que puedan intervenir en su montaje, los gastos irán a cargo del artista.

El número de obras a exponer será el que determinen el autor y comisario, de acuerdo con el organizador, considerando que las piezas a exhibir deberán estar disponibles en el momento que sean solicitadas por el Instituto y durante su exposición.

Las obras deberán estar aseguradas, cuya póliza deberá cubrir el tiempo de exposición en el espacio de la Casa Bardin, corriendo con los gastos el organizador.

El artista se ocupará del embalaje y transporte de las obras.

SEXTA

Los seleccionados aportarán las fotografías y material que les sea requerido por el organizador para el catálogo de la exposición o para otros fines promocionales. (folletos, prensa, proyectos educativos, etc.), así como el texto crítico publicación.

El Instituto publicará un catálogo de la exposición de acuerdo con su línea editorial, y se ocupará de las gestiones con la imprenta que se determine, así como de cualquier otro medio de información.

El Instituto podrá organizar una jornada para propiciar un Encuentro entre el artista y el crítico de arte además de visitas guiadas, con la idea de complementar su difusión.

SÉPTIMA

Los participantes que resulten seleccionados presentarán al Departamento de Arte el dossier del proyecto de exposición, ficha técnica de las obras y valoración de las mismas.

El artista y comisario, prestarán su colaboración en el Departamento de Arte, para el montaje de la exposición, su diseño expositivo, distribución de las obras, etc.

El Instituto aportará personal para las tareas de montaje y desmontaje de la muestra.

OCTAVA

Una vez resuelta la selección de las propuestas presentadas, se realizará la correspondiente publicación en la página web del IAC Juan Gil-Albert y mediante comunicado en los medios de comunicación.

NOVENA

Los participantes que resulten seleccionados, ceden los derechos de explotación de las obras a exponer, así como los derechos de imagen, en su caso, que los podrá reproducir, distribuir y comunicar públicamente con motivo de la exposición que se celebre.

DÉCIMA

Los participantes autorizan expresamente al IAC Juan Gil-Albert a utilizar sus datos a fin de remitirles información sobre actos culturales promovidos por éste, pudiendo solicitar su rectificación o cancelación dirigiéndose al IAC Juan Gil-Albert mediante correo electrónico.

DECIMOPRIMERA

Los seleccionados ceden al IAC Juan Gil Albert todos los derechos de exposición y difusión del proyecto seleccionado desde su presentación hasta diciembre de 2017.

DECIMOSEGUNDA

La participación en la presente convocatoria implica la aceptación plena de los concursantes en las presentes bases. En lo no previsto expresamente, el IAC Juan Gil-Albert resolverá las dudas que se presenten.

Bases completas

 

Los 400 ‘maravillosos’ años de Cervantes

Miguel EN Cervantes. El retablo de las maravillas, de Miguelanxo Prado y David Rubín
Organizado por Acción Cultural Española (AC/E), Comunidad de Madrid e Instituto Cervantes
Museo Casa Natal de Cervantes
C / Mayor, 40. Alcalá de Henares, Madrid
Hasta el 14 de febrero de 2016

El Museo Casa Natal de Cervantes en Alcalá de Henares acoge desde el 15 de octubre la exposición Miguel EN Cervantes. El retablo de las maravillas, organizada por Acción Cultural Española (AC/E), Comunidad de Madrid e Instituto Cervantes, para conmemorar el 400 aniversario del fallecimiento del escritor que tendrá lugar en 2016.

El proyecto, concebido y comisariado por el equipo “i con i”, muestra la fascinante figura que fue Miguel de Cervantes a través de uno de sus ocho entremeses, El retablo de las maravillas, obra en la que el autor aborda el binomio ficción/realidad y de gran carga autobiográfica.

Detalle de la cubierta de Miguel EN Cervantes. Imagen cortesía de Acción Cultural Española.

Detalle de la cubierta de Miguel EN Cervantes. Imagen cortesía de Acción Cultural Española.

El lenguaje elegido es el de la ilustración, un lenguaje que permite generar esa experiencia de viaje del pasado y acercar un relato histórico al público actual, incluido el público familiar. Miguelanxo Prado, dibujante realista Premio Nacional del Comic en 2013, cuenta la vida de Cervantes acentuando el discurso de la realidad. David Rubín, uno de los historietistas españoles más reconocidos en los últimos años, narra la historia de El retablo, dentro del mundo de la ficción.

Miguel de Cervantes tuvo una vida tan apasionante como poco conocida. Fue espía de Felipe II, trabajó para la Iglesia, vivió un asalto pirata en alta mar, estuvo preso, fue recaudador de impuestos, marido intermitente, viajero incansable… Sin embargo, su gran éxito, El Quijote, eclipsó su figura, y un halo de misterio rodeó siempre su existencia.

Ilustración de Miguelanxo Prado, en la exposición Miguel EN Cervantes. Imagen cortesía de Acción Cultural Española.

Ilustración de Miguelanxo Prado, en la exposición Miguel EN Cervantes. Imagen cortesía de Acción Cultural Española.

Miguel EN Cervantes plantea escenas biográficas de Cervantes ilustradas por Miguelanxo Prado en conexión con El retablo de las maravillas dibujado por David Rubín. Prado perfila el físico del escritor y su trayectoria vital, recreando los escasos datos ciertos sobre su biografía, con un lenguaje realista, mientras que Rubín traslada la acción de El retablo a viñetas y pone rostro a sus personajes.

El discurso expositivo está organizado en tres partes. La primera narra las escenas de la vida cotidiana de Cervantes junto con la presentación de los personajes del entremés. En segundo lugar, presenta escenas del Cervantes escritor coincidiendo con la parte de mayor acción del entremés; para terminar con el alter ego de Cervantes y la crítica social, al tiempo que se desarrolla el desenlace de El Retablo.

Dibujo de David Rubín, en la exposición Miguel EN Cervantes. Imagen cortesía de Acción Cultural Española.

Dibujo de David Rubín, en la exposición Miguel EN Cervantes. Imagen cortesía de Acción Cultural Española.

La exposición contrapone dos niveles narrativos, el de la realidad, correspondiente a la vida del autor, y el de la ficción, representado por su famoso entremés. En su recorrido se van desgranando temas universales como la clase social, el amor, la familia, el dinero, la educación, la religión, la profesión del escritor y el alter ego presentes tanto en la vida como en la obra de Cervantes.

El objetivo de la exposición es conocer el apasionante personaje que fue Miguel a través de la relectura de una de sus obras de teatro que no vio representada en vida, El retablo de las maravillas.

Ilustración de Miguelanxo Prado. Imagen cortesía de Acción Cultural Española.

Ilustración de Miguelanxo Prado. Imagen cortesía de Acción Cultural Española.

Exposición itinerante

Miguel EN Cervantes, producida por Acción Cultural Española, la Comunidad de Madrid y el Instituto Cervantes, se presenta en dos formatos. El primero que, tras su presentación en el Museo Casa Natal de Cervantes de Alcalá de Henares, itinerará por varias sedes nacionales y un segundo formato, más sencillo y adaptable, que permitirá la presentación simultánea de varias copias en algunos de los centros del Cervantes como los de Túnez, Nápoles o Burdeos y en otras sedes internacionales.

Dibujo de David Rubín, en la exposición Miguel EN Cervantes. Imagen cortesía de Acción Cultural Española.

Dibujo de David Rubín, en la exposición Miguel EN Cervantes. Imagen cortesía de Acción Cultural Española.

 

Alternativas dentro y fuera del formato expositivo

Simposio: ¿Exposición? Alternativas dentro y fuera del formato.
Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC)
C/Prim, s/n. Castellón de la Plana
25 de Octubre de 2014
Horario: 11-14 h. y 16-19 h.

Coordinado por: David Arlandis y Javier Marroquí
Con la participación de: Álvaro de los Ángeles, Alba Braza Boïls, Luisa Espino, Soledad Gutiérrez, Jorge Luis Marzo, Martí Manen, Teresa Marín García.

Con el objetivo de revisar conceptos ligados al formato clásico de exposición temporal -el cual vive una profunda crisis debido a su incapacidad de responder a la producción cultural contemporánea-, ofrecemos una oportunidad para examinar y debatir de manera conjunta y horizontal las claves que llevan a trabajar en alternativas a la exposición, tratando proyectos comisariados que prescinden de las rigideces que se imponen, dando pie a otro tipo de relaciones entre artista, comisario, institución y público.

La jornada de este simposio no se desarrollará en torno a la ponencia de los invitados, sino planteando a una serie de conceptos que se discutirán abiertamente entre todos los asistentes.

 

Alba Braza Boïls

Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Valencia, especialista en Museología, Museografía y Conservación de Museos y Máster en Gestión y Análisis del Arte Actual. Trabaja como comisaria independiente entre Italia y España, entendiendo la práctica del comisariado como una modalidad con un particular potencial para producir subjetividades desde y para el contexto. Le interesa la experimentación de formatos expositivos que se adapten a la obra y a las condiciones dadas por el entorno, en los que se integre al público como un agente activo que origina intercambios de conocimientos y de afectos. Codirige el proyecto Sin Espacio y forma parte del equipo editorial de Appunti e riflessioni / Notas y reflexiones.

 

Álvaro de los Ángeles

Profesor asociado de Comunicación Audiovisual en Universitat Politècnica de València-UPV. Docente en el Máster Universitario en Fotografía: Arte y Técnica. Comisario independiente, director de los proyectos (sic) societat i cultura y Herramientas del arte. Relecturas. Comisario de la exposición Àmbits de intrusió, Can Felipa, Barcelona. Editor del libro El arte en cuestión, Sala Parpalló, Valencia. Ha publicado en Kalías, Lars, Mute, o arte10.es.

 

Luisa Espino

Entre 2008 y 2013 ha sido responsable de la coordinación de las exposiciones internacionales del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, donde ha comisariado las muestras de Ai Weiwei. Resistencia y tradición y A/O Caso Céspedes. Entre 2006 y 2008 fue la encargada de comunicación y de supervisión de proyectos en la Galería Elba Benítez de Madrid. Entre 2004 y 2006 trabajó como gestora cultural en el Centro Cultural Español en Miami.

Entre sus trabajos de comisariado independiente destacan People Have the Power (La Casa Encendida, 2013) y  PROYECTO HABITAR. Cuando quienes crean las ciudades son arquitectos improvisados (en itinerancia por los Centros Culturales de la Red AECID en Latinoamérica, 2009-10).

Ha colaborado en proyectos educativos en el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y en el Miami Art Central de Florida. Colabora de manera habitual con las revistas ARTECONTEXTO y El Duende de Madrid y con la Fundación de Arte Outsider NAEMI.

 

Soledad Gutiérrez

Comisaria independiente de exposiciones. Durante los últimos años ha trabajado como conservadora de exposiciones en el Museu d’Art Conteporani de Barcelona (MACBA), participando de diversos proyectos y publicaciones. Anteriormente fue responsable del programa de exposiciones de Hauser & Wirth, Londres; y asistente curatorial en la Whitechapel Art Gallery de Londres. Entre las exposiciones que ha comisariado recientemente caben destacar Oskar Hansen. Forma abierta en el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) y Allan Kaprow. Otras Maneras en la Fundaciò Tàpies.

 

Martí Manen

Comisario y crítico de arte. Ha comisariado exposiciones en el Museo de Historia Natural (México DF), Sala Montcada – Obra Social ‘La Caixa’ (Barcelona), AARA (Bangkok), Sala Rekalde (Bilbao), Konsthall C (Estocolmo), La Panera (Lleida), CA2M (Madrid).

Durante 5 años comisarió exposiciones en su habitación (Sala Hab, Barcelona). Recientemente ha publicado dos libros: Salir de la exposición (si es que alguna vez habíamos entrado), un libro de teoría sobre procesos expositivos editado por Consonni, y Contarlo todo sin saber cómo, una novela que es una exposición que es una novela editado por CA2M.

Ha sido co-curador del programa de exposiciones El texto: principios y salidas en el Centro de Arte Fabra i Coats de Barcelona.

 

Jorge Luis Marzo

Historiador del arte, comisario de exposiciones, escritor y profesor de la Escuela Universitaria BAU de Barcelona. Entre sus recientes proyectos curatoriales destacan No tocar, por favor (2013), El d_efecto barroco. Políticas de la imagen hispana (2010-2011), Low-Cost. Libres o cómplices (2009), Spots electorales. El espectáculo de la democracia (2008), Hem pres la ràdio (2006-2007), Tour-ismos (2004), Indivisuals (2002-2003), En el lado de la TV (2002), El corazón de las tinieblas (2002-2004).

En el ámbito editorial, sus últimos trabajos son L’era de la degradación de l’art. Poder i Política Cultural a Catalunya (2013), La memoria administrada. El barroco y lo hispano (2010), ¿Puedo hablarle con libertad, excelencia? Arte y poder en España desde 1950 (2010), Arte Moderno y Franquismo. Los orígenes conservadores de la vanguardia y de la política artística en España, Fotografía y activismo social (2006), Me, Mycell and I. Tecnología, movilidad y vida social (2003) y Planeta Kurtz (2002).

Y en el ámbito audiovisual, sus actividades más recientes son MACBA: la derecha, la izquierda y los ricos (SUB, 2013;  y Videocracia. Ficción y política (con Fito Rodríguez, 2013www.soymenos.net

 

Teresa Marín García

Licenciada y Doctora en Bellas Artes. Artista visual y profesora en la Facultad de Bellas Artes de Altea. UMH. Como artista ha realizado proyectos en colaboración en diversos contextos. Investiga sobre procesos creativos y creación colectiva en arte, cultura visual, tecnología y educación, temas sobre los que ha publicado varios libros y artículos.

Blogs: http://lacolectivalab.net ; http://cccvlab.com ; http://petitcomitederesistencia.wordpress.com/ ; http://vocesdistantesaqui.blogspot.com.es/ ; http://visualarte-lab.umh.es

 

INSCRIPCIÓN

PRECIO: 20€
PRECIO AMICS DEL EACC: 14€
INSCRIPCIÓN PREVIA: EACC a través de la dirección electrónica: actividades@eacc.es
FIN DE LA INSCRIPCIÓN: Viernes 24 de Octubre
PLAZAS LIMITADAS: Hasta cubrir aforo
PARA MÁS INFORMACIÓN: actividades@eacc.es (tel. 964 72 35 40)

 

Sala del Espai d'Art Contemporani de Castelló (EACC). Imagen cortesía de EACC.

Sala del Espai d’Art Contemporani de Castelló. Cortesía EACC.

Exposiciones virtuales en ArtStudio.at.BB

ArtStudio.at.BB

Edgar Insuasty

Valencia

Hasta el mes de abril

Llegaron hace año y medio a Valencia procedentes de la capital de la Toscana, Florencia. Se instalaron en la calle Alzira y, primero físicamente en su piso y ahora de manera virtual, no han cejado en su empeño de promover y difundir el arte contemporáneo de una forma diferente. Tan diferente que han montado ArtStudio.at.BB como si fuera una galería al uso, pero sin serlo. Barbara Bacconi está al frente de la misma, bien secundada por el webmaster Federico Zanetti.

Y lo primero que se apresura a decir Barbara, cabalgando alegres sus palabras, es que ArtStudio.at.BB, siendo virtual, funciona como si tuviera espacio físico, lo que le confiere una gran potencialidad. Por ejemplo:el 28 de febrero inauguró a las 18.00 horas la exposición del colombiano afincado en Barcelona, Edgar Insuasty. Habrá acto de clausura dentro de aproximadamente un mes y el artista pasará a formar parte del archivo de la galería. Hasta la fecha y hora anunciada de la siguiente exposición, no se podrá acceder a la misma, cuidando así los ritmos naturales de cualquier exposición física. Eso sí, una vez inauguradas, la capacidad de divulgación es enorme, porque se puede “asistir” desde cualquier ciudad del mundo.

Barbara Bacconi recalca que no se trata de una galería de imágenes, porque cada exposición tiene su fecha de inicio y de clausura, que incluye su correspondiente invitación, inauguración y divulgación. Federico Zanetti, como webmaster especializado en el más alto nivel de las nuevas tecnologías, se encarga de difundir la “cuidada selección” de obras de cada artista, merced a una “meticulosa labor de comisariado”. En todo caso, Bacconi subraya que ella no es “una marchante de arte”: simplemente pone en conexión al artista con el posible comprador a través de la red.

Edgar Insuasty abrió la galería virtual ArtStudio.at.BB con la exposición Timeline. Esa especie de línea continua a la que alude el título, es la que Barbara Bacconi quiere seguir en su galería, cuya virtualidad permite conectar la obra de sus artistas con público de todo el mundo. De Insuasty le interesa esa “tensión entre lo oscuro y lo iluminado” que aparece en su obra. La misma tensión con la que arranca la galería virtual de Bacconi y Zanetti: iluminando con su proyecto el fondo oscuro de la actualidad.