‘Dientes de Leche’, un cómic sin adulterar

‘Dientes de Leche’, de Boris Ramírez Barba
Editorial Hirukoa
Presentación en Ateneo Cómics
Calle Serrano 10, Alicante
Sábado 31 de agosto de 2019 a las 18:30

Sin duda alguna el panorama actual fundamenta el cómic como una materia que se está viendo rejuvenecida por una nueva concepción del lenguaje narrativo y estético, que viene siendo desarrollada por las recientes generaciones de artistas y creativos que trabajan en el sector. Impulsados por una serie de eventos y por la apuesta de grandes museos, como por ejemplo el MuVIM o el IVAM – dentro del caso valenciano-, se generan nuevos discursos y actividades entorno a esta disciplina. El cómic, asociado a recuerdos infantiles, tiene ahora un nuevo valor que, por un lado, presenta diferentes lecturas en lo referente a las producciones pasadas y una nueva singularidad aprovechada por las nuevas creaciones. 

Siguiendo esta línea de preferente innovación, el autor de cómics e ilustrador Boris Ramírez presenta su primera novela gráfica titulada ‘Dientes de Leche’. La historia gira en torno a Cara, una niña muy imaginativa que trata de establecer contacto con sus padres, encerrados en la habitación de su casa. Las escenas se suceden en un ambiente sobrecogedor que persigue la sugestión de pesadilla e incertidumbre. Todo este ambiente se relata a través de un dibujo muy característico, la escala de grises y un único tono amarillo. Con motivo de la primera presentación del volumen en formato físico nos adentramos un poco más en lo que supone la apuesta por la creación joven, sus dificultades y retos, así como en una historia que no dejará indiferente a nadie. 

Has trabajado para otros proyectos la ilustración y el cómic, pero esta es una de tus obras más personales, una novela gráfica en la que tú generas todo el contenido tanto gráfico como narrativo, ¿qué diferencias has notado con respecto a otros trabajos anteriores?

He trabajado bastante tiempo como ilustrador y diseñador de personajes para algunas campañas publicitarias, donde todo tenía que pasar varios filtros y muchas opiniones, y sigo realizando muchos encargos para portadas y cosas así. Trabajar solo, por mal que me haga quedar o por terrible que suene, es la forma más cómoda y agradable de trabajo para mí. No digo que salgan mejores productos, Dientes de Leche se habría beneficiado muchísimo (sin duda) de ayudas u opiniones externas, incluso de otros ilustradores, pero, de vez en cuando, lo mejor es trabajar simplemente para uno mismo. Más todavía en proyectos tan personales como este, a veces, demasiadas opiniones juntas se convierten en obstáculos no solo en contra del tiempo si no que también contra el confort de los propios autores. Personalmente adoro el cómic como disciplina en parte por esto mismo. Es uno de esos medios que posibilitan el trabajo de autor, de aquellos que, aunque requieran de un trabajo exagerado, permiten a una sola persona crear universos enteros. No se me ocurre nada que pueda llegar a ser más satisfactorio.

Un único escenario, un único personaje… ¿Qué recursos o referencias te ayudaron a afrontar el desarrollo de una historia así?

Ha sido bastante delicado. Por ello, era muy importante dotar casi de personalidad a elementos inanimados. No solo en casos evidentes como en los que el compañero de peluche de Cara mantiene conversaciones fluidas con su amiga, si no que también con muchos apartados que parecen carecer de importancia, como las tijeras amarillas perdidas, cuya misteriosa desaparición se convierte casi en una subtrama de la que nadie quiere hablar demasiado; de los recuerdos de los padres de Cara, totalmente tergiversados y versionados por una mala memoria; de los dibujos infantiles garabateados en hojas amarillas desperdigados por la habitación de Cara… Casi todo lo que dibujo tiene fines más allá de lo estético, algunos más determinantes que otros, por supuesto, pero en la casa vacía de Cara, en ese único escenario, siempre se están produciendo cambios o detalles de los que, muchas veces, ni siquiera se hace mención. 

Quizá el dividir la trama en diferentes secciones, con sus respectivos cambios de máscaras, hace que el lector note más aún la evolución del personaje, ¿tienen alguna justificación más allá de la coherencia narrativa?

Al fin y al cabo, lo que vemos en Dientes de Leche es a Cara, una niña a solas que se hace mayor. Buena parte de esto queda representado con sus máscaras, así como sus estados o necesidades de cada momento. Los primeros cambios pueden llegar incluso a pasar desapercibidos, pero conforme vamos pasando páginas, las máscaras de Cara cambian radicalmente, así como su actitud y su entorno. 

A lo largo de la historia se suceden una serie de espeluznantes momentos oníricos, auténticas pesadillas que nos llevan a rememorar recuerdos infantiles, ¿te has inspirado en algo personal?

Digamos que son oníricos, de acuerdo. Como decía antes, esta es una obra muy personal para mí. De niño solía tener pesadillas muy vívidas y terrores nocturnos que recuerdo perfectamente aún hoy, quizá a causa de unos gustos prematuros. Antes de tener el guion final, antes de haber terminado de definir la trama, ya tenía una lista muy bien preparada de aquellas pesadillas y momentos de terror que me habían marcado tanto. La realización de este cómic ha sido casi terapéutico para mí, una auténtica vomitona de ponzoña enquistada, y he acabado encontrando muchas similitudes y características comunes en pesadillas que me afectaron en diferentes momentos y de formas paralelas. He sido muy fidedigno con ellas, e incluso he llegado a representar casi con exactitud el pasillo y la distribución de la casa donde me crié, así como mi cuarto, que ahora es más de Cara que mio. 

Portada del cómic ‘Dientes de Leche’. Imagen cortesía del autor.

Al final del volumen, nos encontramos con un guiño, una breve historia extra sobre el “otro” personaje casi protagonista de la historia, ¿qué nos puedes contar sobre el peluche de Cara? 

Quisimos introducir algo de material extra a la hora de publicar el volumen completo, así que, además de algunas ilustraciones y portadas alternativas, incluimos una pequeña historia de una sola página que cuenta cómo se conocieron Cara y Osi. Para mí, Osi es muy importante, ya que es un peluche que tuve de niño y aún conservo junto a mi cama. Es casi idéntico a cómo queda representado en la obra, pero ahora está un poco más machacado. Ha llevado también una vida dura. Como pasa con Cara, las relaciones con seres inanimados, que en la infancia pueden ser tan naturales, pueden llegar a complicarse con el tiempo. Ahora pienso en él y me doy cuenta de lo poco imaginativo que era de crío al bautizarlo de forma tan simple, pero es una pieza importante para mí tanto dentro como fuera de la obra. 

¿Crees que el lector se identifica más con el peluche que con Cara?

Es algo delicado, creo. Osi es la voz de la razón en determinados momentos, pero uno no puede evitar pensar mal de él. Puede parecer engañoso. Supongo que cada uno podrá verse reflejado donde quiera. Estoy seguro incluso de que muchos se identificarán con los padres de Cara, que la ignoran y aislan, que la abandonan y parecen preferir no saber nada de ella. O no, no lo sé. La gente se suele identificar más con aquello a lo que quiere parecerse que con lo que en realidad es.

No solo la narrativa destaca por la experimentación, sino también la técnica, la escala de grises y un único color son los aspectos más llamativos del cómic, ¿por qué este método para narrar la historia de Cara?

Es cierto que narrativamente creo que Dientes de Leche es diferente. No tenemos una historia tradicional al uso. Realmente, la historia está compuesta por una comunión de “micro-relatos”, pequeñas historias y anécdotas que van dejando avanzar a Cara. Por supuesto, todas ellas se entrelazan para dejar ver en su conjunto una historia coherente, pero esta trama es una suma de momentos. Por ello, necesitaba también una estética muy definida, muy reconocible, para que esos momentos se difuminaran unos con otros de manera más homogénea. 

Esta forma de contar la historia también permitió muchísima libertad a la hora de jugar con Cara, con sus ideas y sus periplos. Y ese único tono… bueno, es un amarillo febril que creo queda muy bien en las partes más crudas.

Ya que comentas que has tratado la historia como una sucesión de momentos, y que has incorporado una estética acorde a lo que querías transmitir, ¿qué referentes han sido tu guía?

Dientes de Leche bebe mucho del ero-guro. Una de mis novelas favoritas, La Bestia Ciega de Edogawa Rampo, destaca bastante en su estilo, ya que configura la historia principal por medio de lo que podrían considerarse narraciones breves, relatos cortos, a modo de capítulos. Es cierto que la carga sexual que identifica al ero-guro es casi subliminal en Dientes de leche, ya que he preferido no dotar a la obra de ese tipo de connotaciones, a pesar de que, aún así, y si se entrecierran un poco los ojos, sigue estando bastante presente. En el cómic, podemos encontrar a gran cantidad de autores de este género (principalmente japoneses), y creo que lo que al final buscan todos, conmigo incluido, es una representación más o menos poética, más o menos surrealista, de la pesadilla y de lo abyecto. Con Dientes de Leche, más allá de sus tramas o de sus significados conceptuales, busco representar la pesadilla y hacer que el lector paladee lo grotesco y lo perturbador. 

No queremos revelar ningún aspecto clave de la historia, pero el final podría generar ciertas cuestiones, ¿quisiste dotar a la obra de algún aspecto del terror psicológico?

Aunque en algunos puntos pueda parecer que Dientes de Leche hace uso de elementos muy desagradables o demasiado físicos para tratar de alcanzar ese malestar que el libro debería emanar a cada página, el verdadero horror se encuentra en segundo plano. Sin embargo, opino, es muy evidente. Casi todo mi trabajo gira de forma levemente obsesiva alrededor de una vomitona existencialista. Algunas veces más sutil y otras a gritos, siempre acabo encaminado hacia una dirección bastante depresiva en ese sentido. Un ejemplo muy claro es el libro de ilustraciones Mortis Causa, que autopubliqué hace cerca de un año. Allí resumo toda la vacuidad que me condena muchas veces al insomnio en unas 30 páginas de absurdismo ilustrado mudo. 

Hirukoa publicó el año pasado Dientes de Leche en castellano y en inglés en la conocida plataforma Comixology, ¿qué opinas sobre el formato digital que parece estar en alza en los últimos tiempos tanto en cómics como en libros? ¿Cómo crees que afecta particularmente al mundo del cómic?

El beneficio de tener la obra a la venta en formato digital es que siempre está disponible. Con un par de clicks cualquiera puede acceder a ella de manera inmediata. Tenerla en Comixology da bastante visibilidad, la verdad, sobre todo a la hora de promocionar el cómic por redes, que es donde más difusión se ha realizado. Hemos logrado bastantes ventas digitales, y estoy muy contento por ello. Hemos conseguido llegar a muchos países, incluso hemos vendido alguno en Japón. Como autor, saber que mi obra puede llegar a tantos lugares es una maravilla. Como lector… puede que sea más viejo de lo que creo, ya que soy casi incapaz de leerme ni un solo cómic en mi ordenador. Publicar en digital tiene sus cosas buenas y sus cosas malas, pero es cierto que permite que la obra llegue a sitios que de de forma física sería impensable. España parece quedarse atrás en este sentido, ya que en muchos otros países, el consumo de cómics digitales es muy elevado. Pero es cuestión de tiempo. Dientes de Leche ha sido publicado también (junto con otros cómics de la misma editorial) por la nueva plataforma valenciana Tebeox, que apuesta precisamente por este medio. Lo importante al fin y al cabo es dar facilidades y capacidad de movimiento a tu obra para que pueda llegar a todo tipo de lector.

La historia y el género se alejan considerablemente de lo que suele publicarse en España y todavía más aún si hablamos de un autor joven como es el caso, según tu experiencia profesional, ¿te has encontrado con dificultades en el complicado sector editorial español? 

Me puse a trabajar en Dientes de Leche bastante desanimado, la verdad. Llevaba muchos intentos de publicar con una editorial sin conseguirlo. Desde que terminé Bellas Artes he estado intentando sacar adelante alguno de mis cómics, y ha sido terriblemente frustrante ver como cientos de horas de trabajo en diferentes proyectos se quedaban en nada al no encontrar el modo de publicarlos; cómo tantas ideas muy queridas eran rechazadas tajantemente o, peor aún, ignoradas. Uno de mis cómics fue seleccionado por una plataforma para realizar un crowdfunding que no llegó a ninguna parte. Publiqué con Amazon también una novela, Escamas de Pez Cautivo, pero no conseguí los resultados esperados. En fin, muchos intentos muy diferentes con muchas obras muy distintas que no parecían dar frutos. Entonces me decidí por hacer una obra totalmente mía, sin pensar en gustos ajenos o posibles mercados. Una obra sin adulterar en la que contase lo que me diera la gana como me diera la gana. Si no conseguía que ninguna editorial se interesase por ella pues tendría que volver a autoeditar. Era casi un último intento, pienso ahora. Y entonces la editorial Hirukoa se mostró interesada, lo que es muy de agradecer, teniendo en cuenta el carácter tan “poco mercantil” de la obra y que yo era un autor que nunca antes había publicado de esta manera. Es una editorial que se arriesga, que publica aquello le gusta, aquello que piensa que se debe publicar, no panfletos vendibles por modas sacadas de youtube o tendencias o parodias. Ahora cuenta con un catálogo muy interesante que combina todo tipo de autores, y sigue trabajando por sacar adelante proyectos ambiciosos.  Al final, todo es no dejar de intentarlo y, sobre todo, hacerlo de manera que satisfaga, en primer lugar, a aquel que lo intenta.

‘Dientes de leche’ está publicado en diferentes plataformas digitales como ComixologyDriveThrucomics o Tebeox. Además puede adquirirse a través de la página web de la editorial Hirukoa

Booktrailer del cómic ‘Dientes de Leche’.

María Ramis. 

Cristina Durán se asocia el ‘Tres’ en Pepita Lumier

‘Tres’, de Cristina Durán
Galería Pepita Lumier
C / Segorbe, 3. Valencia
Inauguración: jueves 21 de marzo, a las 19.30h
Hasta el 4 de mayo de 2019

Dibujante de cómics con una amplia trayectoria, Cristina Durán ha publicado numerosas novelas gráficas junto al guionista Miguel Á. Giner Bou, con las que ha recibido premios y nominaciones, siendo sus obras más destacadas ‘Una posibilidad entre mil’ y ‘La máquina de Efrén’.

‘El día 3′ fue Premi Ciutat de Palma en 2016, Premio Mejor Obra Nacional en el Salón del Cómic de Zaragoza y publicado en 2018 por Astiberri: “’El día 3’ es la historia de la lucha de unas familias, como la tuya o la mía, que se vieron obligadas por las circunstancias a movilizarse en busca de respuestas. ‘El día 3’ es la historia de una gran ola de solidaridad, del despertar de una sociedad”.

Ilustración de Cristina Durán. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Ilustración de Cristina Durán. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Este cómic es un trabajo colectivo realizado junto al guionista Miguel Á. Giner Bou y la periodista del Levante-emv Laura Ballester, en cuyo libro ‘Lluitant contra l’oblit’ (Sembra Llibres) se basaron Durán y Giner para construir la historia. También ha sido clave el documental ‘La estrategia del silencio’ y la web ‘0responsables’ de la Cooperativa Valenciana Barret. Para nuestra dibujante: “Una vez más ha sido muy gratificante comprobar la eficacia del cómic como lenguaje, lo útil que puede llegar a ser para dar a conocer historias necesarias y darles visibilidad.” Es por todos estos motivos, que ‘El día 3’ forma el grueso de la exposición y centra la mayoría de las obras originales que se exponen, tanto en lápiz como tinta y en pinturas realizadas para la ocasión en gouache y color.

Cristina Durán se considera básicamente dibujante de cómic pero disfruta mucho realizando trabajos de ilustración para prensa y publicidad porque “supone enfrentarme a temas diversos, aprender mucho y también aportar mi punto de vista sobre las cosas.”

Una recopilación de trabajos realizados en el último año, mostrarán ilustraciones para El País o el Diari Ara. Como en sus novelas gráficas, Cristina Durán intenta dar visibilidad a quien la necesita a través de sus dibujos y es por eso que participa, y nos enseña, colaboraciones en proyectos altamente reivindicativos con las mujeres creadoras como Hits with Tits.

Ilustración de Cristina Durán. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Ilustración de Cristina Durán. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

La tercera y última parte de la exposición, nos ofrece una selección de páginas originales y portada del cómic ‘Vicente Blasco Ibáñez. Una vida apassionant’: “Hacer cómics como este son una gran oportunidad para aprender sobre nuestra ciudad y sobre los personajes ilustres que la habitaron y demuestran el poder didáctico y divulgador del cómic”, señala Durán.

‘Tres’ es una exposición en la que ver de cerca y conocer los entresijos de la realización de un cómic o una ilustración para prensa, desde el dibujo previo a lápiz, con sus anotaciones y correcciones, a la tinta final, depurada y lista para ser coloreada. También una oportunidad única de ver unas pinturas realizadas para la ocasión con las que Cristina Durán enfatiza la visibilidad. Porque como bien decía nuestra dibujante al principio de esta nota, creemos en el poder transformador del lenguaje del cómic y la ilustración, y os lo queremos enseñar.

Obra de Cristina Durán. Imagen cortesía de Pepita Lumier

Obra de Cristina Durán. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Semana Negra: imaginario colectivo

XXXII Semana Negra
Antiguo astillero naval de Gijón
Del 5 al 14 de julio de 2019

Como cada verano, y van treinta y dos, la Semana Negra se reinventa para seguir siendo el festival literario, cultural, reivindicativo, festivo y popular más longevo de España. El mismo espíritu iconoclasta y comprometido nos lleva a proponer nuevas ideas para el debate y a retomar argumentos que la actualidad nos incita a llevar a las mesas de discusión.

Más de un centenar de autores participarán con sus propuestas y obras en esta edición del festival. Ahora solo adelantaremos algunos nombres y propuestas. Se irán añadiendo autores y temas en sucesivas entregas.

El cartel anunciador de la XXXII Semana Negra, siguiendo la tradición de que un año lo realice un artista extranjero y el siguiente uno español, será obra del dibujante español Víctor Santos, conocido internacionalmente por sus obras en el cómic, con títulos tan significativos como ‘Polar’ o ‘Filthy Rich’. Recientemente ha visto una de sus obras (‘Polar’) producida por Netflix y llevada a la pantalla por el director Jonas Ackerlund. Sigue la estela de Eduardo Risso, Carme Solé, Lorenzo Mattotti, Peret, José Muñoz, Miguel Calatayud, Jacques Loustal, Miguelanxo Prado…

Numerosos serán los temas y propuestas que compondrán las actividades y los debates del encuentro de escritores en esta nueva edición de la Semana Negra. Contaremos con tres carpas de actividades simultáneas, lo que nos permitirá ofrecer un elevado número de presentaciones de libros, debates y encuentros con los lectores donde el público asistente tendrá que elegir entre la interesantísima oferta literaria y cultural.

Volveremos a tener espacios y mesas de debate dedicados a analizar las últimas aportaciones en la novelística negra, en especial la escrita en español. También contaremos con apartados específicos para los géneros de novela histórica, la ciencia ficción y la fantasía, el libro de no ficción, la poesía y lenguajes como el cómic, el cine documental y la plástica.

Imagen aérea de la distribución morfológica de la Semana Negra de Gijón en el antiguo astillero naval. Fotografía cortesía de los organizadores.

Imagen aérea de la distribución morfológica de la Semana Negra de Gijón en el antiguo astillero naval. Fotografía cortesía de los organizadores.

Federico García Lorca y Antonio Machado, los dos escritores españoles más reconocidos del siglo XX, serán recordados en sendas mesas redondas y actividades.

Se cumplirán 75 años del final de la Segunda Guerra Mundial y la Liberación de París. Al frente de los soldados que desalojaron a los nazis de la Ciudad de la Luz estaban los republicanos españoles de La nueve. Historiadores, novelistas y narradores hablarán de estos héroes españoles de la lucha contra el fascismo.

La novela negra es el eje troncal de este festival. Contaremos con la presencia de autores y autoras de probada trayectoria y que han estado muy activos en los últimos tiempos, así como con nuevos valores que están surgiendo o empezando a desarrollar su obra en la narrativa negra en español. José Luis Muñoz, Tatiana Goransky, Francisco Bescos, Berna González Harbour, Javier Valenzuela, Enrique Llamas, Jorge Eduardo Benavides, Carmen Mola, Paco Gómez Escribano, Carme Chaparro o Graziella Moreno son el comienzo de una larga lista que recogerá lo más importante de lo que se está escribiendo y leyendo ahora mismo en el género policíaco en nuestra lengua común.

Insistiremos en el apartado que denominamos ‘Novela negra española ¿demasiada policía?’, que pondrá en tela de juicio la actual tendencia en la novela de crímenes a situar como protagonistas a agentes del orden en lugar de al investigador privado. Valores de primer nivel de la novela española como Eugenio Fuentes, Marta Sanz, Andreu Martín o Lorenzo Silva se encontrarán con nuevos nombres que pisan fuerte: Marta Robles, Noelia Lorenzo Pino o Carlos Bassas del Rey son algunos de ellos. El thriller sigue siendo un género en alza y volverá a contar con su propio espacio. ‘Thriller: la ficción paranoica’ es el título que englobará esta sección.

La novela histórica, además del fallo y entrega del prestigioso premio Espartaco, volverá a contar con una amplia representación en las actividades literarias del festival. La presencia de algunos de los más significativos autores de este género como Alfonso Mateo-Sagasta, Fermín Goñi, Fritz Glockner o Pilar Sánchez Vicente se unen a Empar Fernández, José María Espinar o Jesús Maeso de la Torre, primeros de una lista que se alargará y que abordará temas tan interesantes como ‘Novela histórica, ¿luz o sombra sobre la Historia?’.

La Ciencia Ficción y la literatura fantástica tendrá nutrida representación de autores que llegarán a la SN con sus últimos libros bajo el brazo como finalistas del premio Celsius, que se fallará el último viernes del festival, o para debatir y acercar al público las últimas novedades. Nombres como Rosa Montero, Elia Barceló, Luis Artigue, Cristina Higueras, Victoria Álvarez o Ricardo Vigueras abren la lista de participantes en este apartado. Uno de los temas que dará lugar a homenajes y mesas de debate será el nombre propio más importante de la literatura de Ciencia Ficción de los años sesenta y pilar de la novelística norteamericana: ‘Philip K. Dick’.

La literatura italiana, la francesa, la nórdica, la checa o la anglosajona volverán a estar presentes en el recinto del festival de la mano de algunos de sus más prestigiosos representantes, que más adelante os anunciaremos.

La poesía llenará un par de madrugadas la Carpa del Encuentro de la Semana Negra. Las ya clásicas veladas: una dirigida por el poeta y novelista Carlos Salem, con las últimas tendencias en la revitalizada poesía joven, de difusión tecnológica o tradicional, y la ya histórica explosión de versos que, bajo la dirección de Luis García Montero, nos traerá a algunos de los mejores poetas en la noche del encuentro literario gijonés. Aunque no solo las veladas poéticas, la poesía, los recitales y presentaciones, como viene sucediendo en los últimos años, llenaran varias tardes las carpas del festival.

Imagen del logotipo de cabecera del periódico noir 'A Quemarropa' sobre un collage mural ubicado en el recinto del festival. Fotografía cortesía de los organizadores.

Imagen del logotipo de cabecera del periódico noir ‘A Quemarropa’ sobre un collage mural ubicado en el recinto del festival. Fotografía cortesía de los organizadores.

El lenguaje del cómic es uno de los que, desde su primera edición, la SN ha potenciado con notable éxito de público y resonancia. En esta edición tendremos ejes muy diferentes a lo largo del festival. Aquí os anunciamos el primero. La presencia del autor español más versado en la actualidad sobre el género negro, Víctor Santos, cuya obra ‘Polar’, decíamos, acaba de ser adaptada a la pantalla por Netflix y que cuenta con una amplia trayectoria en títulos del género negro, de los que hablaremos con él largo y tendido.

Contaremos con una sólida representación de lo que se está haciendo en Latinoamérica en el mundo de las viñetas, con la presencia del colombiano José Campoh, la boliviana Alexandra Ramírez y el mexicano Luis Gantús.

La puesta de largo de la nueva obra del escritor Carlos Salem junto al artista argentino Iñaki Echeverría nos permitirá presentarla y hablar con uno de los más interesantes dibujantes actuales de la Argentina. El guionista Pepe Gálvez nos hablará de sus últimas novelas gráficas y el vasco Kike Infame presentará sus nuevos trabajos. Este apartado seguirá aumentando gloriosamente. Seguiremos informando.

Pero la Semana Negra no solamente es narración, también es ensayo y discusión social.

Por cuarto año consecutivo impulsamos el espacio Aula Universitaria Semana Negra / Extensión Universitaria de la Universidad de Oviedo, con la colaboración del Vicerrectorado de Extensión Universitaria y Proyección Internacional de la Universidad de Oviedo y bajo la dirección del profesor Rubén Vega. Hacemos crecer este espacio, que tan buena acogida ha tenido. Este año las charlas versarán sobre propuestas tan diferentes como ‘Los superhéroes y el derecho’ o ‘La violencia sobre la mujer en la novela negra en México’. Más adelante ampliaremos la información sobre los diferentes temas y charlas del programa.

Nuevamente volveremos a tratar asuntos como la justicia, la corrupción y la investigación policial con responsables de informativos de diversos medios, escritores y jueces. Entre otros ponentes estarán el escritor y periodista especializado Carles Quílez, los periodistas de investigación Nacho Carretero, Manuel Marlasca o Alfonso Egea.

Revisaremos la ‘Memoria de los niños de la guerra’ con la presencia de uno de ellos, Paco Robles y el libro de Miguel Ángel Fernández.

A los 15 años del 11M traeremos a debate las consecuencias del mayor atentado terrorista de la historia de España aprovechando el reciente libro -y la presencia- de Marisol Pérez Urbano.

La música, sus historias negras y blancas formarán parte de una mesa de debate en la que también presentaremos la novela de Julio Castejón, líder de la banda ‘Asfalto’ y buen conocedor de la música y su intrahistoria en nuestro país.

Volveremos a prestar la máxima atención a los lectores más jóvenes y las secciones de literatura infantil y juvenil regresarán a la Semana Negra más potentes que nunca. ¿Qué mejor modo de fomentar la lectura que involucrando a niños y jóvenes? Para ello contaremos con cuentacuentos infantiles, autores juveniles de los que arrasan, booktubers… Estén atentos porque la programación que preparamos va a sorprender.

La Semana Negra es universal, pero no olvidamos a los autores asturianos y en asturiano, y tendrán voz, igualmente, las asociaciones culturales y sociales cercanos para que sigan participando en las actividades del festival.

La SN pondrá, como siempre, en manos de los asistentes un número diario del periódico decano de la prensa negra mundial, ‘A Quemarropa’, que, además de colaboraciones temáticas de firmas de prestigio, contendrá el programa diario definitivo y mantendrá a los lectores al tanto de lo que sucede en el encuentro de escritores y demás actividades del festival. Será gratuito hasta final de existencias. Coleccionistas, estén atentos para no perderse ningún número.

La SN regalará a los asistentes libros únicos, que luego se volverán objeto de búsqueda y codicia. Y en este apartado anunciamos ya que se obsequiará a los presentes con el catálogo de la exposición ‘Víctor Santos’. Esta publicación recogerá íntegra la exposición y contendrá una larga entrevista con el artista a cargo del dibujante y teórico Kike Infame. Se regalará en la exposición y en el acto central de la charla con Víctor, en la Carpa del Encuentro. No serán las únicas publicaciones que los asistentes podrán conseguir. Anunciamos que habrá más. Y continuaremos la actividad, entre festiva y divulgadora, que iniciamos el año pasado con los remates de libros por sorpresa en las tres carpas de actividades.

La programación musical, una de las piezas fuertes de la Semana Negra, volverá a traer los míticos conciertos nocturnos, gratuitos como siempre, con algunas sorpresas que muy pronto podremos anunciar.

El apartado de exposiciones no estará descuidado. En el cómic tendremos la dedicada a la obra del artista Víctor Santos, un recorrido a través de 40 de sus mejores originales que devuelve el género negro a las muestras de cómic de la SN.

Michel Suárez y Alex Zapico iluminarán la Carpa del Encuentro con otra de sus maravillosas y sorprendentes exposiciones de fotografía, que acompañarán con mesa de debate. El tema: ‘Dandis’.

No faltará fotoperiodismo ni proyecciones y estrenos de cine, documentales de reciente elaboración y complicada visualización en los circuitos habituales, con la presencia de sus autores.

Y más exposiciones, y más Feria del Libro, y más terrazas, y más mercadillo interétnico, y mas atracciones de feria, y más… que seguiremos contando.

Semana Negra de Gijón. Makma

Semana Negra

Teriomorfismo y ciberpunk en Plastic Murs

‘Real Fiction’, de Deih, Dhani Barragán y Jay Bisual
Plastic Murs
Denia 45, València
Del 1 de febrero al 1 de marzo de 2019
Inauguración: viernes 1 de febrero a las 19:30

Es obvio que en la segunda década del siglo XXI, las nuevas expresiones del arte contemporáneo están consolidando un marco de actuación creativa, dejando atrás un modelo de modernidades que durante todo el siglo XX estaba asociado a los diferentes ismos. Todas las corrientes de ruptura del siglo pasado propusieron un esquema diferente de percepción de la realidad y, por tanto, de su representación. Pero nunca hasta ahora la libertad de interacción entre la creatividad artística, la realidad y la ficción habían sido tan activas y, por qué no, efectivas.

Imagen de la obra 'Hunch', del artista Deih, que forma parte de 'Real Fiction'. Fotografía cortesía de Plastic Murs.

Imagen de la obra ‘Hunch’, del artista Deih, que forma parte de ‘Real Fiction’. Fotografía cortesía de Plastic Murs.

Vivimos tiempos en que la actualidad hiperconectada nutre de forma inmediata la creación artística, dando como resultado nuevas tipologías de obras como las que componen esta exposición; obras que van desde las representación artística de un insider interestelar en la soledad de parajes deshabitados espaciales, hasta elementos de teriomorfismo, ciberpunk y post-pop, realizadas bajo una utópica realidad paralela e inquietante, plasmada por propuestas estéticas creativas que componen esta exposición, creada bajo tres manos que dibujan una alternativa ficción real.

Los potentes matices narrativos propios del cómic, manga y lowbrow, son las líneas gráficas elegidas con las que se encontrarán los visitantes de la exposición ‘Real Fiction’. En estos diferentes modelos de experiencia artística hay algunos que incluso no tienen razón de ser, si no es alimentándose del combustible temático del día a día existencial de la real ficción de los autores, encontrando la inspiración narrativa en los medios y la técnica en el histórico valor de la tradición gráfica oriental y occidental.

A su vez, sus creaciones artísticas nos devuelven la mirada, inundando nuestra consciencia de realidades nacidas de su ficción, reclamando en la composición de sus obras el poder de anticipación visionaria o el paralelismo residente en la obra representada de este hecho y que así lo confirma.

Imagen de la obra 'Creepy House', de Dhani Barragán, que forma parte de 'Real Fiction'. Fotografía cortesía de Plastic Murs.

Imagen de la obra ‘Creepy House’, de Dhani Barragán, que forma parte de ‘Real Fiction’. Fotografía cortesía de Plastic Murs.

Plastic Murs presenta un reflejo del momento creativo de las nuevas expresiones del arte contemporáneo, centrándose en un tándem que siempre ha disfrutado de mucho prestigio en la cultura valenciana: la ilustración y el arte urbano. Una propuesta que busca equilibrio y la contraposición, la posibilidad de disfrutar de una enérgica exposición de una forma única.

Forman este conjunto Deih, Dhani Barragán y Jay Bisual, artistas que de una forma brillante, consiguen trasladar su estilo desde la hoja hasta el muro, pasando de la ilustración al dibujo, con una fidelidad que hace que sus obras sean perfectamente reconocibles por la gente que habita las ciudades y el “gran público virtual” que sigue a estos artistas a través de sus redes sociales.

La exposición ‘Real Fiction’ es un ejemplo de cómo el arte plural actual, lejos de buscar un nombre comercial con el que #etiquetarlo, desea acceder a la gran lonja del reconocimiento mundial por mérito propio, crear nuevos lenguajes más allá de ser un simple idioma.

Imagen de la obra 'Producer', de Jay Bisual, que forma parte de 'Real Fiction'. Fotografía cortesía de Plastic Murs.

Imagen de la obra ‘Producer’, de Jay Bisual, que forma parte de ‘Real Fiction’. Fotografía cortesía de Plastic Murs.

Deih (València, 1977), con un trabajo que habitualmente apunta hacia la representación icónica de un insider en un paraje interestelar, representando procesos, inquietudes y razonamientos, experimentados por el propio artista.

Dhani Barragán (Sevilla, 1989), con una estética lowbrow, elementos que evocan a la contracultura utilizando personajes que suelen ser animales personificados representados en forma de collage imposible, enmarañados y aparentemente desordenados, que esconden una orquestada harmonía lowbrow.

Jay Bisual (Vic, 1984), robots, calaveras y seres freaks que conviven en una especie de versión distópica de una neociudad, configurando un mundo psicodélico y surrealista, donde crea retratos distorsionados y con un toque de humor, mezcla de la realidad callejera y la ciencia ficción.

Fran Picazo

Sao: improvisación, collage y cómic

Alfredo Santos Sao
Espacio Lateral
C / San Fernando 16-A Entresuelo (Plaza de las Cervezas). Santander
Hasta finales de junio de 2018

Como viene siendo costumbre, Espacio Lateral inaugura el mes con un nuevo artista, no sabemos quién da la bienvenida a quién: si el mes al artista o este al mes. Tampoco importa, porque el estudio santanderino ha conseguido que esperemos cada principio de mes con la incertidumbre de qué nuevo artista presentará en sus instalaciones.

Obra de Alfredo Santos en Espacio Lateral. Foto de Néstor Navarro.

Obra de Alfredo Santos en Espacio Lateral. Foto de Néstor Navarro.

Junio lo ha inaugurado el dibujante Alfredo Santos, más conocido como Sao. En esta ocasión se ha optado por una presentación diferente, ya que horas antes de presentarnos su obra, el artista impartió un taller de collage y dibujo. Una forma dinámica y distinta no solo de presentar su trabajo sino también de compartirlo con el público. Cualquier excusa es buena para Sao para compartir emociones y convertir el arte en un vehículo perfecto para expresarse.

Sao no es ningún principiante, son muchos los años de trabajo centrado en la combinación de estilos y la experimentación con otras artes. Siempre con el ojo puesto en otros estilos y técnicas, siempre buscando nuevos medios de transmitir emociones, Sao consigue unir todas las piezas logrando una armonía que, a simple vista, no parecía posible.

Improvisación, lenguaje de cómic y collage son los tres pilares sobre los que se asienta Sao. Una combinación que casa a la perfección y cuyo resultado no deja indiferente. Para los que quieran disfrutar de algo distinto, no pueden dejar de visitar Espacio Lateral y disfrutar de la obra de Sao.

Video realizado por Néstor Navarro:

Espacio Lateral- Sao (Alfredo Santos) from Makma on Vimeo.

Vista de la exposición de Alfredo Santos 'Sao' en Espacio Lateral. Foto de Néstor Navarro.

Vista de la exposición de Alfredo Santos Sao en Espacio Lateral. Foto de Néstor Navarro.

Danae N

La huella del Rey Lobo

Rex Lupus. El Sexto Reino, de Mikel A. Toledo
NPQEditores
Valencia 2018

¿Sabe alguien quién era el Rey Lobo? Muy pocos conocen las hazañas de este personaje singular que, a caballo entre la historia y la leyenda galopó por la Hispania del siglo XII. Un musulmán de origen cristiano, un moro que mantuvo alianzas con los cristianos contra la invasión de los fanáticos almohades y sobre todo un gran monarca que luchó duramente para lograr el bienestar de su pueblo al que gobernó con inteligencia y una tolerancia inusual en su época.

Su memoria perdida en el túnel del tiempo retorna ahora en imágenes y a todo color gracias al empeño de Mikel A.Toledo (Pego, 1968), Miki, autor del cómic histórico ‘Rex Lupus. El Sexto Reino’ cuyo primer volumen acaba de aparecer en NPQEditores. Toledo es un artista polifacético que desde la temprana infancia sintió el impulso de relatar historias mediante imágenes, realizó 60 monumentos falleros entre 1993 y 2013, ha trabajado en un taller de ebanistería, como decorador de interiores y también es profesional del tatuaje.

Mikel A. Toledo. Imagen cortesía del autor

Mikel A. Toledo. Imagen cortesía del autor

Toledo tuvo noticia por primera vez de Abú Abd Allâh Muhammad ibn Sah´d ibn Mardánish, el llamado Rey Lobo de Valencia y Murcia en 2004 cuando se celebraba en su localidad natal, Pego, el 725 aniversario de la Carta pobla otorgada por el Rey Pedro III El Grande, hijo de Jaime I. El ayuntamiento le encargó una falla conmemorativa y al estudiar la vida de otro personaje histórico, al-Azraq tropezó casualmente con el Rey Lobo.

En 2012, su mujer le regaló una novela de Santiago Roa, La loba de al-Ándalus ambientada en el Reino de Mardánish, el reino de taifas más extenso de la península que abarcaba desde el Delta del Ebro hasta Almería incluyendo parte de Cuenca y Teruel y llegando hasta Jaén.  La novela reavivó su interés por el personaje y encendió una llama que no se consume. Poco después se puso manos a la obra consagrándose a un proyecto de largo recorrido todavía en proceso de elaboración, pues su cómic histórico integra tres volúmenes.

Sólo en el primero ha invertido unas 4.500 horas entre documentación, elaboración de trama, guión, diseño y dibujos. Para empaparse tanto de los hechos históricos como de los detalles de la ambientación (arquitectura, vestimentas, armas, etcétera) realizó innumerables búsquedas en bibliografías de historiadores,  archivos históricos, artículos de divulgación, además de visitar castillos y lugares que aparecen en su obra.

Rex Lupus, de Mikel A. Toledo. Imagen cortesía del autor.

Rex Lupus, de Mikel A. Toledo. Imagen cortesía del autor.

“El segundo libro está en pleno proceso de creación y tengo la esperanza de que éste será más rápido puesto que ya hay mucho trabajo adelantado,  sobre todo en documentación, aunque la realización de las ilustraciones y el guión es muy laboriosa”, dice Toledo. “Dibujo a lápiz y la pintura aplicada con pinceles, es acuarela. Calculo que en año y medio, máximo dos, podremos editar el segundo libro”.

Cuando se novelan hechos históricos la mayor dificultad es ser fiel a la realidad, además de concretar y sintetizar los hechos en el mínimo texto posible para adaptarlo a la distribución de las viñetas y al lenguaje cómic. “Cuando pretende ser realista, el dibujo tiene que  estar muy bien documentado: ropajes, armas, castillos, caballos, las perspectivas, las proporciones, los encuadres, los gestos, las manos. Todo es mucho más complicado que con un estilo y un color más simple. Pero la satisfacción que siento al ver por fin el libro publicado en papel y poder dar a conocer esta historia y estos personajes me compensa el esfuerzo que le he dedicado”.

Rex Lupus, de Mikel A. Toledo. Imagen cortesía del autor.

Rex Lupus, de Mikel A. Toledo. Imagen cortesía del autor.

¿Por qué el olvido ha ocultado la figura de este gran monarca? “A la historia oficial  influenciada por los intereses de la iglesia católica no le interesaba recordar que fue un musulmán el que defendió con tanto ahínco los intereses de los reinos cristianos, mientras estos se desangraban en sus disputas intestinas”, responde Toledo. “Si se hubiera sido cristiano, seguro que habría sido recordado y ensalzado como ocurre con Jaime I”, concluye.

Abú Abd Allâh Muhammad ibn Sah´d ibn Mardánish, el Rey Lobo de Valencia y Murcia fue  posiblemente la figura más determinante del S. XII en Hispania tanto para los reinos  cristianos del norte como para los andalusíes musulmanes y mozárabes del Sharq, ya que  impulsó el crecimiento económico desde la agricultura, intensificando toda una red  hidrográfica de acequias, canales y albercas para el regadío; la artesanía, la seda, el papel, la arquitectura, las ciencias y las artes. Fomentó las exportaciones y tratados comerciales con las  repúblicas de Génova y Pisa, países eslavos y oriente medio. Su reinado fue la época de mayor esplendor de Murcia y Valencia en la Edad Media.

Se aseguró unos ejércitos formidables mediante pactos con los reinos cristianos para defender su reino y en definitiva la península entera de la intransigencia almohade durante un cuarto de siglo. Luchó por la felicidad y la prosperidad de su reino y sus súbditos. Ninguno de los dos califas almohades contra los que luchó pudo nunca conquistar su reino. Asedió Córdoba durante casi un año; puso cerco a  Sevilla, capital almohade, desafiando así a un poder militar infinitamente superior al de prácticamente toda la península y conquistó Granada poseyéndola durante más de medio año.  Estableció ceca y acuñó moneda, la más importante fue el Morabetino Lupino de oro, moneda de gran valía y solvencia que circuló por toda Europa hasta finales del S. XIV. Consiguió un equilibrio social y religioso entre las tres religiones principales en su  reino.

Rex Lupus, de Mikel A. Toledo. Imagen cortesía del autor.

Rex Lupus, de Mikel A. Toledo. Imagen cortesía del autor.

Bel Carrasco

El IVAM sigue apostando por el cómic

TBO IVAM, de Daniel Torres y Carlos Pérez
Panoràmica. Un passeig per l’IVAM, de Carlos Maiques
Diciembre de 2017

El IVAM ha reeditado el cómic ‘TBO IVAM’, que realizó el dibujante valenciano Daniel Torres (València, 1958) en colaboración con el pedagogo, escritor y experto en arte valenciano Carlos Pérez (València, 1947-2013) y ha publicado un nuevo libro sobre los espacios del museo ilustrado por Carlos Maiques (València, 1971). L’Institut Valencià d’Art Modern afianza así su apuesta por el cómic y la ilustración, disciplinas artísticas que comienzan a hacerse un hueco en la programación de los museos.

‘TBO IVAM’ es un cómic de 8 páginas creado en 1990 por el guionista Carlos Pérez y el dibujante Daniel Torres, que narra la visita al museo de un grupo escolar en el que las obras de arte aparecen referenciadas, empleando para ello el propio estilo que han desarrollado ambos artistas a lo largo de su carrera.

Portada TBO de Daniel Torres

La reedición de este cómic, que se distribuirá de manera gratuita a visitantes del museo y participantes en los talleres del IVAM, confirma el compromiso del museo con este género. Un compromiso que se materializó en las exposiciones ‘VLC. Valencia Línea Clara’ que reunió 200 cómics originales sobre la generación de autores valencianos de los años 80 y una exposición sobre la obra del dibujante valenciano Daniel Torres, recogido en la muestra ‘La casa. Crónica de una conquista’. Tiempo después el IVAM inauguraba la exposición ‘Fanzination!. Los fanzines de cómic en España’, una selección de un centenar de ejemplares fruto de la donación de más de 2.100 fanzines que ha realizado al museo el experto e investigador de cómic Álvaro Pons y que se concibió como el primer paso para la creación de una fanzinoteca en la Biblioteca y Centro de Documentación del IVAM.

Desde el pasado 14 de diciembre, la sala de la Biblioteca del museo acoge la muestra documental ‘Sueños ilustrados. Grandes ilustradores para pequeños lectores’, un recorrido histórico por los principales libros ilustrados dedicados al público infantil, incidiendo de manera especial en los trabajos que han supuesto una evolución estética en este ámbito artístico.

Ilustración de Carlos Maiques. Imagen cortesía del IVAM.

Ilustración de Carlos Maiques. Imagen cortesía del IVAM.

El IVAM también refuerza su apoyo a la ilustración con la publicación de ‘Panoràmica. Un passeig per l’IVAM’ de Carlos Maiques, una visión del dibujante valenciano sobre las distintas dependencias del museo y de la vida cotidiana que en él se desarrolla. A través de los espacios comunes del museo, en las galerías, las oficinas, los almacenes o durante las conferencias, conciertos, charlas y performances, el autor muestra una visión panorámica del IVAM. El libro reúne más de 80 ilustraciones realizadas en técnica mixta sobre papel por Carlos Maiques.

Ilustración de Carlos Maiques. Imagen cortesía del IVAM.

Ilustración de Carlos Maiques. Imagen cortesía del IVAM.

La memoria melanítica de la XXX Semana Negra de Gijón

XXX Semana Negra de Gijón
Antiguo astillero de naval de Gijón
Del 7 al 16 de julio de 2017

Con cronológica regularidad estival, el antiguo astillero naval de Gijón acoge la trigésima edición de la Semana Negra, vertebrando un cronograma de diez jornadas que transitan desde el inmediato viernes 7 al domingo 16 de julio de 2017, a través de las que conmemorar implícitamente tres décadas erigidas en referencia del mapa noir peninsular y transoceánico, a partir de cuyos mimbres el festival literario se ha ido nutriendo de territorios y extremidades consanguíneos al género negro y consolidando una morfología excepcional que responde a todas las acepciones del término.

Miembros de la organización de la Semana Negra y representantes institucionales junto al cartel de su trigésima edición, obra de Carme Solé Vendrell, durante el encuentro con los medios celebrado en la Carpa del Encuentro. Fotografía: Merche Medina.

Miembros de la organización de la Semana Negra y representantes institucionales junto al cartel de su trigésima edición, obra de Carme Solé Vendrell, durante el encuentro con los medios celebrado en la Carpa del Encuentro. Fotografía: Merche Medina.

En un encuentro con los medios en la ‘Carpa del Encuentro’, aún con los paños menores propios de las ultimaciones del montaje, José Luis Paraja -director del comité organizador- y Ángel de la Calle -director de contenidos del festival- han rubricado los definitivos acentos que conformarán la presente edición, en compañía institucional de Jesús Martínez Salvador -concejal de Turismo del Ayuntamiento de Gijón- y de José Ramón Tuero -Director General de Deporte en el Gobierno del Principado de Asturias-, amén de la presencia de Monserrat López -concejala de Cultura- y diversos representantes políticos de la ciudad, como Mario del Fueyo -XSP-, Aurelio Martín -IU-, Lara Martínez y José María Pérez -PSOE- y Joaquín Merediz -Ciudadanos-.

Provisto con el lirismo propio que reporta la efeméride del presente julio, José Luis Paraja ha apelado a los vestigios, al pulso de la memoria asentada bajo el curso de veintinueve ediciones, recordando que el noir “era un género sin consolidar y en busca de espacio”, allá por 1988, año en el que se incoaba un encuentro que ha contemplado una “diáspora de festivales” ulteriores, ramificados como “hijos de la Semana Negra”.

Quizás por ello (e igualmente fruto de las incertidumbres y vicisitudes económicas que han singularizado los últimos meses), la programación prevista pretende “emular aquel espíritu”, invitando a referentes del género que entonces principiaban, como Juan Madrid o Lorenzo Silva, quienes se aventuraban por el territorio en compañía de un ignoto Leonardo Padura, convertido en la actualidad en paradigma indubitable que “aquí encontró su camino”.

Imagen del poeta asturiano Ángel González, fallecido en 2008, a quien la Semana Negra rinde homenaje, Fotografía cortesía del festival.

Imagen del poeta asturiano Ángel González, fallecido en 2008, a quien la Semana Negra rinde homenaje. Fotografía cortesía del festival.

Uniformada con la melanítica ilustración de Carme Solé Vendrell -quien firma el cartel del presente año- y los tejados de la incertidumbre sobre los que toca el violín el emblemático Rufo -gestado por el diseñador Kike Herrero-, la XXX Semana Negra de Gijón traza un horizonte de un centenar de actividades con el sello de más de ciento treinta autores nacionales e internacionales -mayoritariamente de habla hispana-, con los que procurar una aproximación a diversos órdenes temáticos, tales como la justicia en la novelística negra -con Carlos Quílez y Graciella Moreno Graupera-, la ecología, el medioambiente y el cambio climático -con Euginio Fuentes y María Inés Krimer, entre otros-, la ciencia ficción y la fantasía -entre los que destacan con emergencia Miguel Aguerralde y Alberto Caliani-, así como la novela histórica -en compañía de Javier Azpeitia o Luis García Jambrina- y la fonética internacional de Sophie Hénaff o Cecilia Ekbäck.

La prosodia que nutre el género negro latinoamericano se encontrará representada por imprescindibles e ínclitos como Paco Ignacio Taibo II -creador y director in arsentia de la Semana Negra-, Tatiana Goransky, Fernando López -responsable del festival argentino Córdoba Mata-, Vladimir Fernández o Jorge F. Hernández, quienes procurarán compañía literaria a representantes de la literatura oriunda de Asturias -como Alejandro M. Gallo, Miguel Barrero, Pilar Sáncehz Vicente o Julio Rodríguez- y del consagrado orbe peninsular -como Rosa Montero, Ramón Pernas, Marta Robles o los mencionados Juan Madrid y Lorenzo Silva-.

El pulitzer asturiano Javier Bauluz refrenda un nuevo ‘Encuentro de Fotoperiodismo’, mientras que cuarenta originales producidos en Francia, Argentina, Gran Bretaña y España -gestados por Marika Vila, Susanna Martín o Iñaki Echeverría- posibilitan la exposición ‘Visualizando el maltrato: la violencia de género en el cómic’. Por su parte, los poetas Carlos Salem y Escandar Algeet, acompañados de Olaia Palacios, María Nieto y Andrés Treceño, procuran la lírica sabatina y nocturna habitual a una Semana Negra que, memoria mediante, rinde homenaje a la figura y vestigios del vate asturiano Ángel González, quien durante las venturosas ediciones de mediados de los noventa posibilitó la injerencia de su voz poética, tan radiográfica como los meandros dipsómanos y prosaicos del género.

De este modo, la XXX Semana Negra de Gijón, uniformada con el mixto overol de la cultura popular se asienta durante diez jornadas “en un erial convertido en una celebración cultural” que “nunca ha perdido de referencia el contexto social ni el compromiso” y determina su propedéutica con la “tentación de mirar atrás” para refrendar la idiosincrasia de su presente.

Miembros de la organización de la Semana Negra y representantes institucionales frente a la figura de Rufo, durante el encuentro con los medios celebrado en la Carpa del Encuentro. Fotografía: Merche Medina.

Miembros de la organización de la Semana Negra y representantes políticos e institucionales frente a la figura de Rufo, durante el encuentro con los medios celebrado en la Carpa del Encuentro. Fotografía: Merche Medina.

Jose Ramón Alarcón

 

Calpurnio, contra la saturación informativa

Calpurnio
Galería Pepita Lumier
C / Segorbe, 7. Valencia
Hasta el 7 de julio de 2017

“Fui infógrafo en el Heraldo de Aragón hace 20 años y recuerdo que detrás de mí estaba el cuarto de los teletipos que no paraban de sacar noticias”. Calpurnio, alter ego de Eduardo Pelegrín (Zaragoza, 1959), lo recuerda como el momento en que ya percibió el exceso de información que, aún hoy, considera “igual a la ausencia de información”. Un exceso que extrapola a esos otros excesos que caracterizan la sociedad contemporánea: de producción, de consumo, de asuntos corruptos, de población. Excesos de los que ha ido dando cuenta en su obra, que ahora muestra en la galería Pepita Lumier tras diez años de ausencia expositiva.

Cuttlas, de Calpurnio, en la galería Pepita Lumier.

Cuttlas, de Calpurnio, en la galería Pepita Lumier.

Está, cómo no, el bueno de Cuttlas, ese extraño vaquero que el ilustrador dio a luz en una “página gamberra” hace ya muchos años, siendo desde entonces como su segunda piel. Porque Calpurnio y Cuttlas comparten esa fijación por la vida sencilla que se complica a base de torrenciales pensamientos. De hecho, su dibujo es tan despojado como densas sus elucubraciones. “Me gusta la matemática y la física; hice hasta tercero de Arquitectura y también me atrae la geometría descriptiva”. Líneas, espacios y números que atraviesan la exposición dividida en tres grandes apartados: el dedicado a Cuttlas, Mundo Plasma y El Golem.

“Tengo memoria de pez, no recuerdo nombres y situaciones, pero eso me da, por el contrario, una rica visión abstracta”. Visión que, partiendo de Cuttlas, desemboca en los más actuales universos del plasma y el monstruoso Golem. “Antes terminaba en la nada”, se refiere a una serie de tintas numéricas realizadas en 1995, “y ahora hay un monstruo que podemos combatir”. Mejor, pues, el monstruo que la nada. “No dejarnos llevar por la desesperación”. Lo dice después de haber superado el escepticismo teñido de angustia que supone habitar ese mundo de excesos. “Para mí el Golem ha sido como salir de la encerrona; identificar el monstruo que hay detrás de tanto exceso”.

Golem de Calpurnio, en la galería Pepita Lumier.

Golem de Calpurnio, en la galería Pepita Lumier.

La obra que sirve para ilustrar la exposición, a modo de tarjeta, ya recoge esa saturación de palabras y de cifras, tras la cual se vislumbra el monstruo. “Es el Golem tras la debacle”. Y aunque parezca que pasar del exceso (que como un tsunami de palabras lo arrasa todo) al monstruo demoledor (cuya enorme figura también sobrecoge) lleva al mismo callejón de salida, Calpurnio no lo ve así: “Fragmentar el problema es un modo de abordarlo; como si la solución estuviera en la matemática”.

El neurólogo Oliver Sacks contaba que él tenía colgada en su cuarto de baño la tabla periódica, porque le daba estabilidad. Frente al caótico mundo, el orden numérico. Y así todas las mañanas. Calpurnio, tras constatar la angustia del mundo anegado de excesos, ha encontrado en la tabla parecida de las matemáticas cierta salvación. Por eso las 32 piezas de El Golem que ocupa una de las paredes de la galería, convenientemente fragmentado, supone un alivio. Al igual que sus ilustraciones publicadas en diversos medios. “A mí me gusta la prensa, la tira diaria”. Tiras sencillas que, como dice, “dan sensación de vacío en medio de tanta información”.

Ilustraciones de Calpurnio en su exposición de la galería Pepita Lumier.

Ilustraciones de Calpurnio en su exposición de la galería Pepita Lumier.

Acuarelas, tintas chinas y collages que van dando cuenta del universo de Calpurnio, cuyos limpios y esquemáticos dibujos contrastan con la maraña de pensamientos metafísicos que pone en boca de sus personajes. “Hay un ruido ambiente, pero dentro del pesimismo encuentro ahora un mensaje optimista, reduciéndolo a formas matemáticas”. Cansado de “rendirse ante el desastre”, el historietista aragonés afincado en Valencia encuentra en “las ciencias y el humanismo” la única salida cierta. Por mucho que El Golem se empeñe en demostrar lo contrario. “No es Frankenstein ni Nosferatu, que son personajes de libro, sino que el Golem pertenece a las leyendas judías, a medio construir en su intento de ser Dios; un subproducto del hombre”.

Calpurnio lo utiliza (“me he pasado un año con él”) para ilustrar ese optimismo teñido de ironía que ya caracterizara al vaquero Cuttlas, en medio de un salvaje oeste plagado de extraños compañeros de viaje. En cualquier caso, “no soy opinólogo”, advierte, sino que utiliza el lenguaje del cómic “para explicarme”. También para explicar a cuantos quieran visitar la exposición, que Pepita Lumier tiene el privilegio de acoger dado lo poco que se prodiga, que la vida con monstruos es mejor que nada.

Calpurnio en la galería Pepita Lumier.

Calpurnio en la galería Pepita Lumier.

Salva Torres

Daniel Torres convierte a la casa en personaje

La Casa. Crónica de una conquista, de Daniel Torres
IVAM
C / Guillem de Castro, 110. Valencia
Hasta el 4 de junio de 20174

“¿Qué pasa si empezamos a quitar cosas?” Y, tras la interrogación, Daniel Torres se plantea lo que ocurriría si quitamos la luz, el agua, el cuarto de baño, los electrodomésticos y, ya puestos, hasta la mismísima casa. “¿Qué tenemos? Tenemos a un ser absolutamente inválido, que no sabría qué puñetas hacer”. Entonces, “¿cómo ha sido esto de la casa?”. Y a responder al grueso de esta última pregunta es a lo que el creador de Roco Vargas ha dedicado seis años de investigación. Seis años que dieron como resultado la publicación de La Casa. Crónica de una conquista.

El IVAM le dedica su Caso de estudio presentando una selección de 100 dibujos originales y bocetos de tan intenso trabajo, acompañados de ocho pequeños electrodomésticos, que vienen a reflejar la evolución de ese hogar que ahora damos por hecho, pero que ha sido resultado de la conquista a la que alude el título del volumen editado por Norma Editorial en 2015. “Es una descripción de dónde ha vivido el ser humano durante 2000 años en Occidente”, explicó Torres. El ilustrador valenciano, en conversación con Álvaro Pons, destaca cómo “conocemos la historia de los países, la historia de los reyes, las guerras, la política, pero en las diferentes épocas, ¿cómo vivía la gente?”

Una de las obras de la exposición 'La casa. Crónica de una conqusta', de Daniel Torres, en el IVAM.

Una de las obras de la exposición ‘La casa. Crónica de una conqusta’, de Daniel Torres, en el IVAM.

La exposición que permanecerá en la Galería 3 del IVAM hasta el 4 de junio muestra ese modus vivendi a través del tiempo. Desde el neolítico, al Chicago de 1918, pasando por Roma, Atenas, Florencia y la Revolución Industrial, focalizada en el Londres de 1866, bajo el epígrafe ‘La ciudad devora a sus hijos’, Daniel Torres ofrece un recorrido por esas diferentes formas de habitar que hemos ido desarrollando los humanos. Y aunque estos figuran en algunos de los dibujos, Torres quiso dejar clara la importancia del fondo sobre la figura.

“Los creadores de novela gráfica trabajamos con personajes, que son entes dramáticos, pero pocas veces son los objetos y los espacios los protagonistas. Yo he querido que la arquitectura sea un personaje”. Y ahí están los grandes rascacielos de la edad moderna protagonizando la mayor parte de la exposición. Rascacielos que Torres explica asociados con el invento del freno para los ascensores: la seguridad de que ya no pudieran caerse, permitió a los fabricantes aventurarse a construirlos para que subieran hasta 30 plantas si era necesario. De ahí que la ciudad creciera hacia arriba sin cortapisas.

Ilustración de Daniel Torres en 'La Casa. Crónica de una conquista' en el IVAM.

Ilustración de Daniel Torres en ‘La Casa. Crónica de una conquista’ en el IVAM.

De estos y otros descubrimientos da cuenta Torres en La Casa. Crónica de una conquista, que resume en el IVAM mediante 100 dibujos. El sociólogo Jesús Ibáñez habló de esa conquista de la casa como efecto de la necesidad de protección que siempre hemos buscado los humanos. “Lo que protege es un techo, un tejido, un texto: lo que protege es, en definitiva, la técnica”, sostiene Ibáñez. Algo que Torres también subraya, tras descubrir el libro de Lewis Mumford Técnica y civilización: “Leyendo ese libro te das cuenta de que gran parte de los avances de la humanidad tienen que ver con la técnica”.

Daniel Torres, que ya formó parte de la exposición comisariada por Álvaro Pons en el IVAM bajo el título de Valencia Línea Clara, reconoce que la creación del Premio Nacional del Cómic hace 10 años ha sido el “espaldarazo definitivo” de la ilustración, hasta hace bien poco considerada una disciplina menor. José Miguel Cortés, director del museo valenciano, acoge de nuevo la obra de un ilustrador, porque a su juicio “no se puede entender la cultura visual del siglo XX y XXI sin los dibujantes de cómic”, que han encontrado en el IVAM su casa.

Las casas de Torres se muestran parceladas en viñetas, al igual que las paredes delimitan por dentro sus diferentes estancias. “La casa está cercada por paredes, que proporcionan amparo. Y la pared, como cualquier membrana, frontera o límite, divide el espacio-tiempo en dos zonas: un interior/pasado y un exterior/futuro”, argumenta Jesús Ibáñez. De ese futuro también ofrece alguna pincelada, a falta de mayor abundamiento, Daniel Torres: “La intimidad ha pasado de ser un concepto valorado a no serlo, sobre todo con las redes sociales, algo que no trato, pese a ser un buen apocalíptico”.

Daniel Torres en el IVAM.

Daniel Torres en su exposición ‘La casa. Crónica de una conquista’. Imagen cortesía del IVAM.

Salva Torres