Metro cuadrado. Danza, espacio y reflexión

Entrevista a Edwin Valentín, director de Metro cuadrado
Grupo de danza 33 Volts
Teatre Carme, Carrer de Gregori Gea, 6, Valencia
Del 18 al 21 de octubre de 2018

¿Somos conscientes del espacio que ocupamos?
La velocidad con la que transitamos los lugares apenas deja tiempo para una toma de conciencia real del espacio que habitamos. En el mundo en que vivimos, se impone más que nunca repensar la forma en la que consumimos tiempo y espacio, conocedores de que ambos son compartidos y en muchas ocasiones efímeros. El arte, y más concretamente la danza, siempre interesada en el movimiento, ha investigado y conformado la manera en que vemos el cuerpo. Ahora, la concepción de este ha cambiado para terminar fundiéndose en un todo. Fagocitados por una rutina opresora que vacía de sentido nuestros trayectos, sumergiéndonos en dinámicas donde se desdibujan los límites de nuestra frontera de contacto.

Sin duda, la danza es el mejor catalizador a través de la cual el ser humano puede expresar sus ansiedades y miedos, experimentar con sus emociones y dirigir su fuerza, tanto hacia lo individual como a lo colectivo. Las residencias del Carme Teatre acogerán en este mes octubre la práctica e investigación en torno al movimiento hecho danza. Gracias al grupo 33 Volts, dirigido por Edwin Valentín, podremos disfrutar de la belleza ecléctica de un espectáculo en el que las Bellas Artes se funden para conformar una crítica reflexiva del espacio, el yo y el nosotros.

Edwin Valentín estudió en la Escuela Nacional de Antropología e Historia de México, su país de origen, de donde parte la inspiración de sus obras. Licenciado y especializado en Antropología Física, sus proyectos ahondan en los fenómenos sociales y culturales que tienen como punto de referencia el cuerpo y su relación con el entorno. Su formación artística comenzó en un Bachillerato de Artes y Humanidades, ligado al Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), en el que se especializó en danza.

En 2014 quedó en 4º lugar en la primera edición del concurso “Encuentro Creadores de Danza, Premio Movimiento Original”, de la Ciudad de México, en la cual presentó por primera vez el proyecto Metro cuadrado, que estrena en Valencia el próximo jueves 18 de octubre.

Fotografía de Edwin Valentín, cortesía del director.

Fotografía de Edwin Valentín, cortesía del director.

 ¿De dónde surge Metro cuadrado?

El contexto de la ciudad de México es el de vivir en una ciudad enorme en la cual las dinámicas que tu generas o que la propia ciudad te genera, te ponen en un estado de alerta. Más allá de la situación del país, el hecho de cómo convivir con tanta gente, es lo que me inspiró. Cuando has de ocupar el transporte público para moverte a cualquier lado, entras en relación con un todo, en un estado en el cual ves a las personas y no te queda otra opción que estar cuerpo a cuerpo, en una ciudad en la que todas las horas se han vuelto “hora pico”, en algunas líneas de metro. Por mucho que trates de evitarlo el espacio personal se pierde y termina por generarse una masa. El hecho de cruzarme la ciudad de México, de norte a sur para trabajar me hizo pensar en esas personas que hacen todos esos tránsitos constantemente.

Un día que estuve en un paradero de autobús esperando el trasporte, empecé a agobiarme por el ruido de los puestos ambulantes, el tráfico, la gente, el cansancio etc. y traté de voltear la cabeza hacia arriba para respirar y ver hacia el cielo. Me encontré con una enredadera de cables y me di cuenta de que no había espacio por ningún sitio. De ahí sale Metro cuadrado, de esa sensación en la que te preguntas ¿estamos viviendo esto?, ¿de dónde viene? y ¿para dónde vamos? En ese momento, mi punto de apoyo fue el metro de la ciudad que sirvió para la primera exploración de la obra.

Al momento de mudarme a Valencia, me encuentro con una ciudad en la que se siente totalmente lo contrario, en la cual yo tengo espacio, mi cuerpo lo vive distinto, se llega a relajar de otra manera. Descubro esta ciudad, nueva para mi y la siento totalmente contraria, los mismos traslados se hacen sin tanta gente, y no siento la misma sensación que en México. Entonces fue cuando me planteé ¿cómo estas personas viven  la relación con la sobrepoblación mundial?, ¿cómo se vive la sobrepoblación mundial en una ciudad como Valencia? y ¿qué pasa con este concepto?, ¿se piensa? De ahí, decido retomar Metro cuadrado aprovechando la oportunidad que generan las residencias del Carme Teatre. Estas me permiten generar un proyecto para trabajar las visiones de cómo los habitantes de una ciudad más pequeña sienten la sobrepoblación aunque, tal vez, pueda parecer que no está tan presente ese concepto o imagen. Tenia todavía esa sensación de que se podía indagar más en Metro cuadrado, explorando los distintos ángulos de donde tratar este tema. Desde un principio me interesó tener bailarines de aquí para que ellos me hablaran de sus vivencias y ver cómo sus cuerpos las expresan.

 Háblanos de la obra ¿en que consiste?

La obra parte de la danza contemporánea y podría definirse como tal porque el principal elemento del cual comunicamos es el cuerpo y el movimiento. Nos apoyamos de video, de artes plásticas, etc. La música es esencial ya que el espectáculo es mudo. La piezas sonoras no son del todo melódicas y hay algunas que transmiten sonidos ambientales con el fin de generar una sensación concreta. El sentido del oído está muy presente dentro de la pieza, por lo tanto, hablamos de danza contemporánea apoyada en otras artes.

¿Metro cuadrado tiene un punto experimental?

Si, los bailarines van a ser quienes a través de su cuerpo trasladen una serie de sensaciones al público. Siempre les pido que hablen y que conozcan el concepto que trabajamos en la obra, con el fin de que ellos lo reflexionen e investiguen y me vayan contando a través de sus experiencias y su vida cómo sienten esta relación entre ellos y la reducción de espacio. A partir de esta reflexión previa, comienzan a investigar el movimiento que posteriormente integrarán dentro del discurso. Este proceso a mi me enriquece tanto a nivel personal como profesional, nutriendo también el trabajo y la obra en sí, en la que se pueden ver un conjunto de emociones diversas.

Detalle de los bailarines ensayando Metro cuadrado. Fotografía cortesía de Edwin Valentín

Detalle de los bailarines ensayando Metro cuadrado. Fotografía cortesía de Edwin Valentín

¿Cómo fue el proceso de selección del equipo de Metro cuadrado?

El proceso de selección de bailarines fue un poco largo, porque al principio tuve que buscar personas que quisieran integrarse dentro del proyecto. Buscaba en primer lugar, que más allá de que fueran bailarines tuvieran una buena condición física, porque la propuesta tiene varios momentos de mucha fisicalidad, en la cual el cuerpo se pone muy al límite. El equipo lo conformamos Cristina Martí (Conservatorio Superior de Danza del Institut de Teatre Barcelona), Ivan Colom (Conservatorio Superior de Danza de Valencia), Pablo Caracol (Ilustrador y bailarín), Natalyd Altamirano (Asistente de dirección, actriz y bailarina y yo mismo como antropólogo físico, director, coreógrafo y bailarín.

¿Qué te pareció el espacio del Carme Teatre?

Tenía mucha ilusión de representar en el Carme Teatre. La primera vez que conocí la sala, en su sede actual, me provocó bastante. Es una sala no muy grande en la cual el público está muy cerca de lo que está sucediendo. Cuando entré inmediatamente lo pensé, “aquí yo podría representar Metro cuadrado”. Desde un primer momento, la sala en mi mente se prestaba para realizar esta obra en la que quería que la gente estuviera cercana a lo que hiciéramos en escena. El Carme Teatre es el espacio perfecto.

¿Podríamos afirmar que hay un tono crítico en la obra?

Mi intención es que el público reflexione sobre la sobrepoblación y llegue a pensarlo como algo que no está tan lejano, que se vea como un espejo que refleja una sociedad. En nuestro planteamiento, confluyen muchos elementos que sirven para hablar de este tema y hacer pensar al público que somos distintos elementos. Existe una complejidad mayor, no por estar separados unos de los otros y que aquí en Valencia no se viva esta situación de sobrepoblación, no significa que en otro lado no esté pasando.

El fin último es que el arte comunique alguna emoción, sentimiento o imagen, que mueva al público hacia esta reflexión. Nosotros a partir de las emociones, el movimiento y las imágenes pretendemos que al público se le genere algo en su ser que lo haga reflexionar. Para mi es muy importante este tema y considero que es algo relevante de que hablar. La población mundial va en aumento. No está mal que vaya en aumento, pero hemos de darnos cuenta que no somos los únicos, la humanidad no es lo único que habita en este espacio.

¿Crees que Metro cuadrado se podría lanzar a la calle?

Sí, es una buena manera de acercar la danza al público en general. Yo creo que el arte debe ser más accesible, con apoyo del gobierno y de las instituciones, y tiene que haber un hábito y una educación por consumir arte en la sociedad. Creo que ahora más que nunca la gente necesita ser muy empática, sentir y saber qué es lo que están sintiendo los demás. En estos tiempos todo es tan rápido que la gente necesita tomarse un tiempo para reflexionar eso que está sintiendo, y el arte ayuda en este proceso.

¿Si te dieran la oportunidad de lanzar Metro cuadrado a la calle lo harías?

Sí, sin pensarlo, lo haría.

¿Para cuándo la próxima obra? ¿Alguna idea de futuro en mente?

Tengo varias ideas en mente, pero hay una en especial que me está moviendo mucho desde hace unos meses atrás. Primero habría que terminar Metro cuadrado, seguir representando la obra hasta donde se pueda y una vez asentada, empezar otra investigación. Yo que veo México en la distancia y me genera muchas emociones y pensamientos, hay algo sobre mi país de lo que quiero hablar, quizás no sobre él, pero sí partiendo del mismo. Creo que en el próximo proyecto México estará más explícito que en Metro cuadrado, que ya está más globalizado. Considero que la obra debería estar abierta y continuar. Se puede adaptar a otras circunstancias, espacios y bailarines.

Logotipo del grupo de danza 33 Volts. Imagen cortesía de Edwin Valentín

Logotipo del grupo de danza 33 Volts. Imagen cortesía de Edwin Valentín

Andrés Herraiz Llavador

Trazo Urbano de México a Valencia

Trazo Urbano VLC
Sala de Exposiciones Josep Renau
Universitat Politècnica de València
Camí de Vera, s/n. Valencia
Hasta el 12 de julio, 2015

La ciudad conjuga lo antagónico humano. En tanto que producto de la necesidad, adquiere el carácter de objeto de la naturaleza. En tanto que sujeto de la cultura, condensa las aspiraciones y contradicciones de sus habitantes y de su historia.

El proyecto Trazo Urbano se presentó por primera vez en el Museo de la Ciudad (México DF) en noviembre de 2013 con una clara vocación de conjugar la dimensión gráfica de la ciudad y la potencia transformadora de lo urbano. Diversas ciudades y artistas de Colombia, EEUU y España han ido acogiendo sucesivas concreciones de nuevas propuestas gráficas que tienen como eje rector nuestra irrenunciable naturaleza urbana.

Imagen del cartel de la exposición Trazo Urbano VLC. Cortesía de la UPV.

Imagen del cartel de la exposición Trazo Urbano VLC. Cortesía de la UPV.

Trazo Urbano VLC mantiene un doble común denominador: por una parte, dos carpetas compuestas por 21 estampas de 40x40cm de artistas de México y de Valencia, por otra, una selección de artistas cuyo trabajo supone una aproximación personal (individual o colectiva), una visión comprometida con el espacio urbano desde sus respectivas posiciones que terminan por plasmarse en sendas propuestas que podemos circunscribir en un amplio territorio visual de innegable cualidad gráfica.

Vista general de la exposición Trazo Urbano VLC. Fotografía de García Poveda cortesía de la UPV.

Vista general de la exposición Trazo Urbano VLC. Fotografía de García Poveda cortesía de la UPV.

Desde México

No hay proyecto sin que esté atado a un objeto y no hay atadura sin responsabilidad. Trazo urbano, gráfica contemporánea desde México, responde a los problemas y posibilidades que presenta hoy en día la disciplina desde un estado de emergencia, de autoorganización, de un pluralismo lógico, de una no-linealidad, de turbulencias, pero principalmente a la incertidumbre y al aprendizaje.

Desde Valencia

La ciudad de Valencia ha servido como base de operaciones recurrente y constante en todos los participantes. Desde registros fotográficos elaborados durante décadas, hasta procesos definidos espacial y temporalmente, pasando por acciones colectivas, participativas y reivindicativas, o por propuestas introspectivas en las que la memoria, la historia e incluso las emociones terminan por encontrar el modo de hacerse visibles y presentes.

Exposición 'Trazos Urbanos'. Fotografía de García Poveda cortesía de la UPV.

Exposición ‘Trazos Urbanos’. Fotografía de García Poveda cortesía de la UPV.

Heroínas del cáncer

Fotografías de Belén Caballero
Centro Cívico del Puerto de Sagunto
Jardines del Antiguo Sanatorio s/n. Sagunto (Valencia)
Hasta finales de junio, 2015

Desde el éxito de la película Las chicas del calendario es muy común que algún colectivo de hombres o mujeres opte por desnudarse total o parcialmente por una buena causa. Las 21 mujeres que posan en esta ocasión no lo hacen en un calendario sino en una muestra de la fotógrafa Belén Caballero que se expone este mes en el Centro Cívico del Puerto de Sagunto.

Son mujeres de distintas edades y lugares, unidas por un nexo común, han superado un cáncer de mama y retomado las riendas de su vida. Prestando voluntariamente su imagen, sin complejos ni tapujos, animan a las personas y familias afectadas transmitiendo un mensaje de esperanza. La muestra reúne 21 fotografías en gran formato; 70 X 70 centímetros y dos de 70 X 2 metros. Es uno de los actos programados por Amucanma, asociación dedicada al acompañamiento y apoyo de personas afectadas por el cáncer de mama y a sus cuidadores, con motivo de  su segundo aniversario.

Pilar Rico, en un retrato de Belén Caballero. Imagen cortesía de la autora.

Pilar Rico, en un retrato de Belén Caballero. Imagen cortesía de la autora.

Las organizadoras animan a visitar la muestra fotográfica, pues “van a encontrar cómo la alegría, la amistad, y en general todo lo tremendamente vital, tiene cabida incluso durante los meses o años en los que se convive con el cáncer”, aseguran. “Es una exposición para compartir sentimientos, para compartir experiencias y para crecer todos como personas”. En resumen un proyecto con alma que celebra el triunfo de la vida y las ganas de luchar contra la adversidad para conservarla.

“Las sesiones de fotos con estas mujeres fue una experiencia muy intensa y emocionante, porque se crean relaciones muy íntimas”, dice Caballero. “Pude comprobar que todas son mujeres muy valientes que se han enriquecido y fortalecido superando una difícil prueba como es el cáncer”.

María Jesús Merlos, fotografiada por Belén Caballero. Imagen cortesía de la autora.

María Jesús Merlos, fotografiada por Belén Caballero. Imagen cortesía de la autora.

“Una etapa más”

Isabel Galdón, una de las modelos y fundadora de Amucanma, reconoce que “superar un cáncer exige un esfuerzo titánico, pero también puede vivirse como una etapa más en la vida, con ilusión por renacer, por sentirse otra vez bella y atractiva”. Durante esta lucha a muerte se desarrolla una mirada introspectiva, la búsqueda de uno mismo. “Después de tanto esfuerzo, y cuando el cáncer ha desaparecido, estamos agotadas, pero entonces comienza el resurgimiento, y esta fase es muy gratificante”, apunta Galdón.

La doctora Elvira Buch, cirujana de la Unidad de Mama del Hospital de Sagunto, sugirió a Galdón que crease una asociación para las mujeres afectadas de cáncer de mama y sin dudarlo se puso manos a la obra. Junto a su amiga Kety Simón Gurumeta, fundó la Asociación de Mujeres de Cáncer de Mamá, Amucanma,  presentada en las XIII Jornadas sobre esta enfermedad, celebradas en el Hospital de Sagunto en mayo de 2013. Ese mismo día se apuntaron muchas mujeres y, posteriormente, se incorporaron también hombres. El 5 de junio tuvo lugar la primera junta general, de la que salió la directiva y un buen número de voluntarias para empezar a poner en marcha un proyecto lleno de ilusión.

Begoña Parras, en un retrato de Belén Caballero. Imagen cortesía de la autora.

Begoña Parras, en un retrato de Belén Caballero. Imagen cortesía de la autora.

Belén Caballero abrió su estudio a principios de los noventa en la localidad valenciana de Sagunto y desde entonces compagina su actividad de fotógrafo con la docencia del lenguaje fotográfico. Con el tiempo se ha convertido en referente de la fotografía de retrato en el ámbito de lo Social en España y en el resto de Europa.

Ha dirigido cursos y ponencias, y recibido numerosos galardones en prestigiosos concursos internacionales. Es Maestro Fotógrafo de la Federación Española de Profesionales de la Fotografía y de la Imagen, y Medalla de oro de la Confederación Española de Fotografía. Veintisiete obras suyas han destacado en los distintos certámenes de calificaciones de la Federación Española de Profesionales de la Fotografía y de la Imagen de las cuales 21  forman parte de la colección de honor de la Federación Española.

Encarna, retratada por Belén Caballero. Imagen cortesía de la autora.

Encarna, retratada por Belén Caballero. Imagen cortesía de la autora.

Bel Carrasco

Pantalla CCCB: Colectivo Dostopos

Dostopos, colectivo de videoartistas catalanas
CCCB un mes, un artista (Centre de Cultura Contemporània de Barcelona)
Espacio audiovisual
Diciembre 2014

El CCCB ha habilitado su Espacio audiovisual, que ya acoge el Archivo Xcèntric, para presentar un nuevo proyecto audiovisual dedicado a los videocreadores. También cuenta con una web desde la que se pueden visionar los trabajos que se proyectan en el Centro así como el material adicional complementario como son entrevistas, biografías o artículos.

Pantalla CCCB, un mes, un artista muestra durante el mes de diciembre la obra de Ana Pfaff y Ariadna Ribas, el colectivo Dostopos. A través del videoclip y la videoproyección exploran la relación entre imagen y música, cuerpo y movimiento, analógico y digital. Hacen lo que les da la gana y juegan con la recuperación de materiales, el footage, y el collage animado.

Fotograma. Imagen cortesía de la organización

Fotograma. Imagen cortesía de la organización

Estas dos jóvenes se conocieron mientras se formaban en la ESCAC y se especializaban en montaje. Verdaderos topos, excavan en sus archivos para experimentar en su laboratorio y desarrollar un universo visual muy particular. Imágenes de Youtube, series de televisión y fotografías de la Nasa. Rotoscopia, animación flash, manipulación directa sobre el celuloide y filmaciones en súper 8, gran variedad de técnicas para aventurarse en el triángulo formado por danza, música y montaje, para sorprender con ambivalentes e inesperados significados que surgen de la suma de los fotogramas.

nenuka nature

Fotograma. Imagen cortesía de la oganización

Con el videoclip “Usted está aquí” subrayan que el presente no se puede entender sin mirar hacia el pasado. Con recortes de diarios y revistas ilustran los mensajes ocultos tras las letras de Alado Sincera. También se exhiben propuestas de cine performativo, como “Brana Calypso Dendrita”,  un mismo guión desarrollado en tres pantallas y en tres dimensiones paralelas.

Hell’O Monsters: Cover History

Hell’O Monsters: Cover History
Espai Tactel
C/ Dénia, 25-B. Valencia
Inauguración: 2 de mayo a las 20 h.
Hasta el 13 de junio de 2014

En las nuevas obras del colectivo belga Hell’O Monsters, personajes zoomorfos han evolucionado de los ejemplos tomados de El jardín de las delicias de El Bosco, la anterior y primera exposición en Espai Tactel, a seres donde esta presencia híbrida se antoja una mascarada y una actitud continuada. La necesidad de ser otros es un argumento que todos hemos hecho propio. La cuestión sería desvelar si esa necesidad no es, en definitiva, el único modo de ser nosotros mismos. En unas palabras que el filósofo Miguel Morey tomó prestadas de Michel Foucault indicaba: “(…) mostrar las determinaciones históricas de lo que somos es mostrar lo que hay que hacer. Porque somos más libres de lo que creemos, y no porque estemos menos determinados, sino porque hay muchas cosas con las que aún podemos romper –para hacer de la libertad un problema estratégico, para crear libertad. Para librarnos de nosotros mismos.” (Miguel Morey, “La cuestión del método”, Introducción al conjunto de textos titulado Tecnologías del yo, Michel Foucault, Barcelona, Paidós, 1990, p. 44.)

Hell'O Monsters, "Cover History". Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell’O Monsters, «Cover History». Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell'O Monsters, "Cover History". Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell’O Monsters, «Cover History». Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

El colectivo, formado por Jérôme Meynen, François Dieltiens y Antoine Detaille, profundiza en sus intereses formales y conceptuales vinculados a la relación entre arte y artesanía, por un lado, y a la innegable dependencia del ser humano y cualquier ser vivo con el medio natural transformado y construido. La naturaleza y la construcción de un relato que la domestique y, posteriormente, la transforme. La capacidad de “librarnos de nosotros mismos”, como indicaba el profesor Morey, es una auténtica liberación de sí, es un poder no ser uno/a mismo/a y, de esta forma, ser otros. La composición de Hell’O Monsters en tanto que colectivo, dispone en bandeja la disolución del yo artista en tanto que figura unívoca e individual, la posibilidad de ser más de uno y de que el resultado obtenido no corresponda exactamente a ninguno de ellos, sino más bien a la suma de sus partes diferenciadas que adquiere, al mismo tiempo, una coherencia estilística inusitada.

Hell'O Monsters, "Cover History". Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell’O Monsters, «Cover History». Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell'O Monsters, "Cover History". Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell’O Monsters, «Cover History». Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

La dicotomía arte/artesanía no pretende revivir las ascuas de una rivalidad entre idea, actitud y técnica, como si aún pudiera defenderse lo uno sin lo otro o influyera en su lectura final hacerlo, sino que de lo que se trata aquí es de la utilización del saber hacer como herramienta principal de la obra artística. Ésta funciona de manera concisa y transparente precisamente por su ejecución técnica y deriva de la práctica del graffiti del propio grupo de artistas. Las obras se entremezclan en el espacio con elementos dibujados y pintados en los muros de las salas donde exponen, como una lectura amplificada del espacio y de su obra. Por un lado, las paredes se plantean como soporte donde incidir con dibujos, objetos, pinturas que repercuten en los propios dibujos enmarcados, en las pinturas realizadas sobre soportes exentos. Y las obras, a su vez, se integran en los muros con la normalidad con que vemos, por ejemplo, la coexistencia de arquitectura y graffiti en el espacio público. Esta combinación de factores, donde quedan desdibujados los límites, así como las funciones primigenias de las obras y su soporte mural, es lo que hace consistente el trabajo de los belgas y el motivo por el que sea interpretado como algo más que ilustración de unas ideas previas.

Hell'O Monsters, "Cover History". Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell’O Monsters, «Cover History». Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell'O Monsters, "Cover History". Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell’O Monsters, «Cover History». Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Cover History plantea algunas ideas al respecto de las apariencias y lo que subyace por debajo. En la exposición de hace ahora dos años, Two sticks and a cross are easily confused (Es fácil confundir dos palos con una cruz) el título remitía directamente a la importancia de la simbología en la pintura integrada dentro de la historia del arte, pero también al hecho fortuito y casual que se genera por el imaginario colectivo, en relación directa con la ideología y la religión. También el juego de palabras y el intercambio de símbolos construía la ironía. En este caso, la polisemia del título Cover History puede dirigirse al hecho mismo de encubrir alguna cosa, la Historia, al igual que refiere la mascarada que supone emplear una u otra máscara para determinadas situaciones personales, sociales o políticas. Elementos todos ellos similares entre sí, pero claramente diferenciados.

Álvaro de los Ángeles

Hell'O Monsters, "Cover History". Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell’O Monsters, «Cover History». Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell'O Monsters, "Cover History". Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell’O Monsters, «Cover History». Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell'O Monsters, "Cover History". Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell’O Monsters, «Cover History». Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell'O Monsters, "Cover History". Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Hell’O Monsters, «Cover History». Imagen cortesía de la Galería Espai Tactel.

Pedro G. Romero en la galería Isabel Hurley

Málaga Euskadi da de Pedro G. Romero
Galería Isabel Hurley
Paseo de Reding, 39 bajo (Málaga)
Inauguración: el 31 de enero a las 20h
Hasta el 15 de marzo

Cuando la galería Isabel Hurley invitó al Archivo F.X. a enseñar algunos de sus últimos trabajos en una individual, la mayoría de estas nuevas producciones estaban realizadas a partir de archivos de imágenes de Euskadi y Navarra, dentro del proyecto Una violencia pura, cuya primera fase se presentó en el Museo de San Telmo de Donostia/San Sebastián a lo largo de 2013.

Una de las muchas Entradas elaboradas para esa ocasión era Málaga Euskadi da, en alusión directa a un trabajo de 1986 de los malagueños Agustín Parejo School que, más allá de los lógicas del Archivo F.X., se nos aparecía como fundamental puesto que, en muchos aspectos, para Pedro G. Romero, este colectivo es un referente y, además, hace circular algunas ideas interesantes en relación a su obra. La propia idea de la imagen y su trabajo político; pero también -y de ahí la importancia de la institución que acoge la pieza en su colección- la circulación entre el arte radical, la calle y las instituciones, es decir, el continuo cambio de pedestal que una obra recorre para seguir validándose, recuperando potencia.

Por eso, el primer impulso fue mostrar estos materiales de Agustín Parejo School, sus restos, y ha sido grande el esfuerzo de la galería para conseguirlo. Así, gracias a los prestamos del Macba y a la colaboración del MNCARS, el Festival de Cine Opera Prima Ciudad de Tudela, el Colegio de Arquitectos de Málaga, Mar Villaespesa, Juanjo Fuentes y el propio Pedro G. Romero, estos documentos –pegatinas, carteles, fotografías, audios y vídeos- se pueden mostrar.

Además, esta operación es coherente con la lógica de trabajo del Archivo F.X., situada siempre contra el “aparato” Museo, dispositivo hegemónico en las artes visuales desde mediados del siglo XIX. Recordemos que “contra” no significa sólo oposición, también funciona en expresiones como “contra la pared”, es decir, pegado a ésta, poniendo todo el cuerpo en contacto con su piedra.

Desde finales de los años 90 el Archivo F.X. trabaja en torno a las relaciones entre iconoclastia y movimiento radical moderno. La base para estas operaciones la constituye un vasto archivo gráfico de la iconoclastia política antisacramental en España entre 1845 y 1945, imágenes que se ordenan bajo un índice crítico de términos que provienen de las construcciones visuales del amplio campo del proyecto moderno. Es decir, cristos decapitados, iglesias incendiadas y hostias profanadas bajo entradas como Acéphale, Anarquitectura o Art and Crafts. Un caso particular de funcionamiento: la imagen de las ruinas del Convento de las Capuchinas de Manresa quemado en julio de 1909, que contenía una capilla, una escuela, un obrador de dulces, un comedor para los más pobres y un taller de confecciones aparece bajo la entrada La Casa Invisible, el extraordinario centro social y cultural malagueño. Este tipo de ejemplos son los que constituyen el caudal principal del Archivo F.X., su particular juego de lenguaje.

Julio de 1909. Convento de los Capuchinos de Manresa, después de haberse quemado durante la Semana Tràgica.

La Casa Invisible. Convento de las Capuchinas de Manresa, después de haberse quemado durante la Semana Trágica de 1909. Imagen cortesía de Pedro G. Romero /Archivo FX.

Bajo este paraguas de Málaga Euskadi da podíamos subrayar, también, otra cuestión importante. La arqueología sobre la imagen que realiza el Archivo F.X. no trabaja sobre esa convención que se ha venido en llamar Memoria Histórica. Al menos no solamente. Estás imágenes de templos profanados, santos atacados y burla de liturgias son tan pertinentes en Málaga como en Bilbao. No se trata de recordar nada, ni de levantar secretos al pasado, ni de denunciar públicamente este o aquel exceso de propaganda. Esos son, seguramente, efectos colaterales. El nodo del trabajo del Archivo F.X. es la imagen, sus apariciones, desapariciones y reapariciones. Alguna vez se ha escrito que el punto máximo de aparición de una imagen, su exaltación máxima, es el momento, inmediato, que precede a su destrucción. Es sobre este tipo de paradojas que el Archivo F.X. anda operando.

El bloque principal de trabajos muestra parte del Tesauro: Una Violencia Pura (Málaga Euskadi da), un conjunto de 177 imágenes procedentes de distintos archivos relacionados con Euskadi y Navarra que han entrado en el índice del propio Archivo F.X. Podrán verse en el espacio de la galería en una particular disposición, pero también pueden consultarse a través de la página www.fxysudoble.com. Un especial protagonismo, dentro de este tesauro tienen las Entradas: Guggenheim Bilbao/Pompidou Málaga. En este mismo orden de cosas,  puede verse la Entrada: L’Argent, una pequeña teatralización a partir de la película de Robert Bresson de mismo título, en que la pequeña falsificación de un billete de 100 francos provoca una oleada de asesinatos.

L'Argent

Imagen de la entrada L’Argent. Cortesía de Pedro G. Romero / Archivo FX

Entre otras piezas de la exposición, Los Países, un trabajo fotográfico realizado en Euskadi a partir de un encargo del proyecto Construcción y destrucción del territorio de la Universidad Complutense de Madrid y que, recientemente, la editorial Periférica ha convertido en libro y Las Autovías, trabajo en desarrollo que pretende poner en marcha el viaje turístico que, en 1938, el franquista Servicio Nacional de Turismo –una iniciativa del malagueño Luis Antonio Bolín- proponía recorrer para la Ruta del Frente Norte, desde Oviedo hasta Irún: iglesias profanadas y marcos incomparables, campos de prisioneros y plazas de toros, exaltaciones religiosas folklóricas y ciudades en ruinas.

Junto a todo esto se presenta, también, el Boletín número 9. Documentos y materiales, producido por la Fundación Málaga y la propia galería, una publicación del Archivo F.X., de distribución gratuita, que recoge contenidos coincidentes con muchos de los trabajos dados en exposición. El número contiene una mirada especial desde la óptica de El regreso de Martin Guerre, un trabajo seminal de la historiadora Natalie Zemon Davies y un hito de la historia indicial, la microhistória y las historias social y cultural, nombres todos asignados a una indagación histórica inclasificable.

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Entrada: Pompidou, Málaga. Imagen cortesía de Pedro G. Romero / Archivo FX

Colectividades y formas contemporáneas de lo social

Simposio: Colectividades y formas contemporáneas de intervención social
25 de octubre de 2013
Coordinado por: José Luis Pérez Pont
Con la participación de: Javier Martín Jiménez (Hablar en arte), Lurdes Fernández (Off Limits), Núria Güell y Chus Tudelilla.
Horario: 11-14 h. y 16-19.30 h.

Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC)
C/ Prim, s/n. Castellón de la Plana

Con el propósito de aproximarnos a otras formas de gestión de proyectos e
intervención en ámbitos sociales, planteamos un acercamiento a modelos que
desde la colectividad o con la colectividad muestran enfoques plurales que
rompen con la idea del comisariado individual, evidenciando el agotamiento de
la figura del comisario “estrella”, así como las posibilidades que ofrecen estos
enfoques más horizontales aplicados al terreno de lo contemporáneo.

Programa:

Lo público es nuestro / 11.00 h
La calle es el lugar de todos, en ella se manifiesta la diversidad y la pluralidad
de una sociedad, sin embargo son numerosos los signos que pugnan en el
espacio público por definir unas formas de vida que reafirman lo individual
sobre cualquier noción de colectividad. Es precisa una relectura crítica de
nuestro entorno social y político.

José Luis Pérez Pont
Crítico de arte y comisario.
Co-director de MAKMA Revista de artes visuales y cultura contemporánea.
Desarrolla proyectos de edición y comisariado desde un enfoque de análisis y
prospección socia. Entre sus proyectos destaca “Del mono azul al cuello blanco. Transformación social y práctica artística en la era postindustrial”, “Geografías del desorden. Migración, alteridad y nueva esfera social”, “Puntas de flecha. Nuevas trayectorias en el arte contemporáneo valenciano. En el ámbito del arte público, trabaja en diferentes convocatorias de intervención en el espacio público urbano. Desde 1998 comisaría anualmente Art públic / Universitat pública, Muestra de arte público para jóvenes creadores, en la Universitat de València. Entre 2001 y 2004 dirigió Proyecto Calle, convocatoria de arte público de Peralta (Navarra). Desde 2006 dirige Intracity, arte público y mediación social (Xarxa Joves.net).

Comisariado desde la colectividad / 12.30 h
En la actualidad, la figura del «comisario individual estrella», aunque sigue y
seguirá existiendo, comienza a estar en entredicho y evidencia un agotamiento
frente a otros modelos que buscan enfoques plurales y muchas veces más
horizontales. Una de las líneas de trabajo de la asociación hablarenarte: propone una ruptura con sistemas tradicionales, firmando comisariados de manera colectiva, conceptualizados por todo el equipo de hablarenarte:, o poniendo en marcha proyectos que provoquen otra forma de trabajo. Es el caso, por ejemplo, de “Curators’ Network”, un proyecto europeo que lleva ya tres años generando una red de colaboración entre comisarios, que da a conocer a artistas de diferentes países y facilita la conexión entre profesionales del arte internacional creando una comunidad. O el proyecto “Jugada a 3 bandas”, que fomenta el comisariado de exposiciones en galerías de arte privadas, lo que fuerza al comisario a adaptarse a un contexto diferente al que habitualmente trabaja.

Javier Martín Jiménez
Miembro fundador de la asociación hablarenarte: (www.hablarenarte.com) y responsable de la gestión de proyectos como “Curators’ Network” (www.curators-network.eu), “Jugada a 3 bandas” (www.a3bandas.org), “Ingráfica, Plataforma Internacional de Arte Gráfico” (www.ingrafica.org) o Lugares de Tránsito (www.lugaresdetransito.net), entre otros.
Licenciado en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid, ha sido
coordinador general de PHotoEspaña 2007, donde previamente fue director de
actividades (PHE06 y PHE05). Anteriormente fue coordinador de redacción de la
Revista Doce Notas y colaborador de publicaciones especializadas como Lápiz y Sublime. Es miembro fundador y secretario de la federación de asociaciones
culturales de Madrid AAIM (Agentes Artísticos Independientes de Madrid, http://aaimadrid.blogspot.com/).

La ética de las consecuencias como lugar de resistencia / 16.00 h
Con un posicionamiento estricto orientado a generar mecanismos para la
disidencia, el trabajo de Núria Güell aborda y reformula los límites de la
legalidad, detectando los abusos de poder cometidos por las Instituciones que
nos gobiernan a través de la legalidad establecida. Sus proyectos se desarrollan
como tácticas disruptivas en contextos específicos que alteran las relaciones de
poder instauradas, donde siempre se involucra, colabora o se alía con agentes o
colectividades, creando redes multidisciplinarias.

Núria Güell
Graduada en Artes por la Universidad de Barcelona, continúa sus estudios en la
Cátedra de Arte de Conducta en La Habana bajo la dirección de Tania Bruguera. Su trabajo se ha exhibido en La Bienal de La Habana, de Pontevedra, de Liubliana y Liverpool, así como en la Trienal de Tallin, y en museos de Barcelona, La Haya, Madrid, Hertogenbosch, París, Nueva York, Chicago, Miami, Formigine, Londres, Estocolmo, Estambul, Leipzig, Bucarest, Zagreb, Cali y Lima así como en diversos centros sociales auto-gestionados.

Co-creando cultura / 17.15 h
“Hola estás haciendo 1 peli” es una experiencia de creación audiovisual
participativa, una categoría creciente de proyectos que, basándose en los
principios de colaboración, co-creación y participación transforman el papel del
espectador y desestabilizan desde la práctica los roles y relaciones de poder
comúnmente aceptados en el desarrollo y recepción de un proyecto artístico o
cultural. ¿Herramientas de empoderamiento y transformación social?
¿consecuencias lógicas de la era de la información? ¿o nuevos y más
sofisticados modelos de imposición de imaginario?. Durante el encuentro
analizaremos “Hola estás haciendo 1 peli” y otros proyectos participativos
desarrollados con la mediación de Off Limits, y las preguntas que generan en
torno al papel de la cultura y sus agentes en la sociedad red.

Lurdes Fernández
Licenciada en Bellas Artes por el San Francisco Art Institut, es Directora de Off
Limits, espacio independiente situado en Madrid dedicado a la experimentación
artística en el ámbito de las artes visuales y escénicas y empresa dedicada a la
mediación cultural.
Lurdes ha sido Directora Técnica de Artistas Visuales Asociados de Madrid
(AVAM) y Gerente de la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales de España
(UAAV). Previamente colaboró con galerías de arte como Malborough, Max
Estrella y Bárcena & Cia. En el apartado de producción y exhibición artística,
dirigió MAD.03, y ha desarrollado dos proyectos independientes: Espacio de
Arte Garage Pemasa (1999-2001) y espacio Off Limits (2006-actualidad).

Colectivo Brecht / 18.30 h
«A fines de los años veinte, cuando el concepto de colectivos literarios y teatrales se convirtió en una moda, esencialmente en Berlín, le dije en una ocasión: ‘para ti el colectivo es un grupo de personas inteligentes que contribuye a lo que una persona quiere; o sea, lo que tú quieres’. Él reconoció con su peculiar pícara sonrisa que podría no estar demasiado equivocado en ello». El testimonio del escritor Carl Zuckmayer incide en la importancia determinante que lo colectivo tuvo en la obra de Bertolt Brecht, quien señaló que «el acto creativo se ha convertido en un proceso de creación colectiva, un continuo de naturaleza dialéctica en el que la invención original en sí misma, ha perdido gran parte de su importancia». Y no obstante, la autoría de Brecht se impuso a la de sus colaboradores, cuyos nombres apenas son conocidos o completamente desconocidos. La conferencia «Colectivo Brecht» vindica a las personas que colaboraron en sus proyectos, e interroga las posibilidades del concepto colectivo.

Chus Tudelilla
Doctora en historia del arte por la Universidad de Zaragoza, comisaria independiente de exposiciones y crítica de arte.
La investigación es el instrumento eficaz en su aproximación al arte español de los siglos XX y XXI. Ha atendido a las manifestaciones artísticas y visuales de las vanguardias históricas y del periodo de posguerra. Su tesis doctoral está dedicada a la figura de Mathias Goeritz en España. Asimismo ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas de artistas actuales, y es autora de numerosos ensayos. En la actualidad trabaja en proyectos que hunden sus raíces en Bertolt Brecht y Walter Benjamin.

INSCRIPCIÓN
PRECIO: 20 €
PRECIO AMICS DEL EACC: 14 €
INSCRIPCIÓN PREVIA: EACC a través de la pagina web. actividades@eacc.es
FORMA DE PAGO: mediante depósito en BANKIA, nº de cuenta 2038 6452 83
6000022900. Al realizar el pago, es necesario indicar el nombre y apellidos del
titular, además del título del simposio para el que se hace el ingreso.
FIN DE LA INSCRIPCIÓN: 23 de octubre o cuando se cubran las plazas.
PLAZAS LIMITADAS
PARA MÁS INFORMACIÓN: actividades@eacc.es (tel. 964 72 35 40)

Carlos García Peláez. Spray. Graffiti técnico, spray sobre muro. Imagen cortesía del artista

Carlos García Peláez. Spray técnico. Spray sobre muro. Imagen cortesía del artista

Symposium: Contemporary Collectives and Forms of Social Intervention

25 October 2013
Times: 11:00 am – 2:00 pm & 4:00 – 7:30 pm

Coordinated by:
José Luis Pérez Pont

With the goal of engaging with other forms of project management and intervention in various social fields, we wish to afford a vision of different models which, from or with collectives, will rehearse multifaceted approaches that break away from the idea of the individual curatorship, laying bare the exhaustion of the “star” curator, while at once examining the potential of these more horizontal approaches applied to contemporary fields of interest.

The Public is Ours / 11:00 am
The street belongs to everyone. It is the place that best expresses a society’s diversity and plurality. That said, there are many signs in the public space striving to define forms of life that reaffirm the individual over any notion of the collective. The situation calls for a critical rereading of our social and political environs.

José Luis Pérez Pont
Art critic and curator
Co-editor of MAKMA visual arts and contemporary culture magazine. Works with publishing projects and curatorships from the perspective of social research and analysis with public and private institutions. Among his projects are “Del mono azul al cuello blanco. Transformación social y práctica artística en la era postindustrial”; “Geografías del desorden. Migración, alteridad y nueva esfera social”; “Puntas de flecha. Nuevas trayectorias en el arte contemporáneo valenciano. In the field of public art, he works with various projects for intervention in the urban public space. Since 1998 he has curated the annual Art públic / Universitat pública, Muestra de arte público para jóvenes creadores, at the University of Valencia. Between 2001 and 2004 he directed Proyecto Calle, a public art initiative in Peralta (Regional Government of Navarra / Town Council of Peralta). Since 2006 he has directed Intracity, a public art and social mediation project (Xarxa Joves.net).

Curatorship from the Collective / 12:30 pm
At the current moment, the «individual star curator», while still very much alive and expected to live for quite some time yet, is beginning to be questioned and there are certain signs of exhaustion in comparison with other models that look for more plural and more horizontal approaches. One of the working lines of the association hablarenarte: advocates a break with conventional systems, addressing curatorship from a collective stance, conceptualised by the whole team of hablarenarte: or implementing projects that are able to introduce other ways of working. This is the case, for instance, of “Curators’ Network”, a European project already with three years experience in creating a collaborative network among curators, focusing on artists from different countries and facilitating connections between international agents in the art world in order to form a community. Another example is the project “Jugada a 3 bandas”, which encourages curated exhibitions in private art galleries, thus forcing the curator to adapt to a context other than the one in which he usually operates.

Javier Martín Jiménez
Founding member of the association hablarenarte: (www.hablarenarte.com) and in charge of managing projects like Curators’ Network (www.curators-network.eu), Jugada a 3 bandas (www.a3bandas.org), Ingráfica, Plataforma Internacional de Arte Gráfico (www.ingrafica.org) and Lugares de Tránsito (www.lugaresdetransito.net), among others.
After graduating with a degree in History of Art from Universidad Autónoma de Madrid, he went on to become general coordinator of PHotoEspaña (PHE07), where he had previously held the post of director of activities (PHE05; PHE06). Prior to that he had worked at the magazine Doce Notas as editorial coordinator as well as contributing to the magazines Lápiz and Sublime. He is a founding member and secretary of the federation of cultural associations of Madrid AAIM (Agentes Artísticos Independientes de Madrid, http://aaimadrid.blogspot.com/).

Co-creating Culture / 4:00 pm
“Hola estás haciendo 1 peli” is an experience of participative audiovisual creation, a growing category of projects based on the principles of collaboration, co-creation and participation that is transforming the role of the spectator and destabilising, from the practice, the commonly accepted roles and power relations in the development and reception of an art or cultural project. Are they tools for empowerment and social transformation? Or the logical consequences of the information era? Or new and more sophisticated models of imposition of imaginary? During the encounter we will analyse “Hola estás haciendo 1 peli” and other participative projects developed with the mediation of Off Limits, and look at the issues that arise around the role of culture and its agents in the network society.

Lurdes Fernández
Graduate in Fine Arts from the San Francisco Art Institute, is Director of Off Limits, an independent space located in Madrid dedicated to artistic experimentation in the field of visual and performing arts and a company dedicated to cultural mediation.
Fernández has been Technical Director of AVAM (Associated Visual Artists of Madrid) and Manager of UAAV (Union of Associations of Visual Artists of Spain). She has also worked with art galleries like Marlborough, Max Estrella and Bárcena & Cia. In the field of artistic production and exhibition, she directed MAD.03, and has developed two independent projects: Espacio de Arte Garage Pemasa (1999-2001) and Espacio Off Limits (2006-ongoing).

«The Ethics of Consequences as a Place of Resistance» / 5:15 pm
Based on a strict positioning conceived to generate mechanisms for dissidence, the work of Núria Güell addresses and reformulates the limits of legality, focusing on the abuses of power committed by the institutions that govern us through established legality. Her projects are conceived as disruptive tactics in specific contexts to alter established power relations, in which she is always involved, collaborates or allied with agents or collectives, creating multidisciplinary networks.

Núria Güell
A graduate in Art from the University of Barcelona, Güell furthered her studies at Cátedra Arte de Conducta, the performance and time-based arts studies program in Havana under Tania Bruguera. Her work has been exhibited at the biennials in Havana, Pontevedra, Ljubljana and Liverpool, as well as in the Triennial in Tallin, and in museums in Barcelona, The Hague, Madrid, Hertogenbosch, Paris, New York, Chicago, Miami, Formigine, London, Stockholm, Istanbul, Leipzig, Bucharest, Zagreb, Cali and Lima as well as various self-run social centres.

The Brecht Collective / 6:30 pm
«In the late twenties, when the concept of literary and theatrical ‘collectives’ became fashionable, especially in Berlin, I once said to him: ‘For you the collective is a group of intelligent people who contribute to what one person wants—that is, what you want.’ He admitted, with his peculiar sly smile, that I might not be so far wrong as that.» The testimony of the writer Carl Zuckmayer reveals the critical importance that the collective had in the work of Bertolt Brecht, who claimed that «the act of creation has become a collective creative process, a continuum of a dialectical sort in which the original invention, taken on its own, has lost much of its importance.» Nonetheless, Brecht’s authorship imposed itself over his collaborators, whose names are barely known if not completely forgotten. “The Brecht Collective» conference defends the people who worked on his projects, and questions the possibilities of the collective concept.

Chus Tudelilla
A doctor with a PhD in History of Art from the University of Zaragoza, Tudelilla is a freelance exhibition curator and art critic.
Research is her most effective tool in addressing 20th and 21st century Spanish art, focusing on artistic and visual expressions of the historical avant-gardes and the post-war period. Her doctoral dissertation was on the figure of Mathias Goeritz in Spain. She has curated many one-person and group exhibitions of contemporary artists, and has penned countless essays. At the current moment she is working on projects related with Bertolt Brecht and Walter Benjamin.

ENROLMENT
FEES: €20
FEES FOR MEMBERS OF AMICS DEL EACC: €14
PRE-INSCRIPTION: by email actividades@eacc.es
PAYMENT: to BANKIA, account number 2038 6452 83 6000022900. When making payment, please specify name and surname, as well as the title of the symposium.
DEADLINE FOR ENROLMENT: 23 October or until places are filled.
PLACES LIMITED
FOR MORE INFORMATION: actividades@eacc.es (tel. 964 72 35 40)

El Banquete abre la temporada

Colectivo El Banquete
Alejando Cinque
Raquel G. Ibáñez
Antonio Torres
Marta Van Tartwijk

Espacio Trapézio
C/ Augusto Figueroa, 24. Madrid
Del 4 de septiembre al 20 de octubre

Para la temporada 2013-1014 Espacio Trapézio propone una nueva línea de programación que tiene como objetivo explorar nuevos modos de producción de proyectos, a fin de potenciar el diálogo y la participación de colectivos artísticos y creativos con los usuarios del espacio. Además, se busca que tenga un gran componente experimental en lo que a metodología y proceso de investigación se refiere.

El primer colectivo invitado es El Banquete, que durante los meses de septiembre y octubre estará presente de forma estable en Espacio Trapézio. De este modo, se ofrecerán propuestas diversas desde la apropiación del local como estudio de trabajo, la exposición de su producción anterior o la realización de varios encuentros públicos de reflexión y discusión colectiva.

Ha sido escogido a El Banquete para el inicio de esta programación porque provienen de la universidad pública, son jóvenes que trabajan en equipo con una visión de lo ‘común’, tienen un alto grado de compromiso social y acreditan una importante vocación de emprendizaje en sus proyectos. Además, representa un conjunto de valores positivos para una generación que comienza y desarrolla su vida profesional en una situación tan complicada como la actual.

Con menos de dos años de vida, El Banquete ya ha afianzado sus proyectos mediante la confrontación de lo privado y lo público y el cuestionamiento de los diferentes sistemas de poderes. Además, la apropiación individual, liberación y distorsión de significado, es considerado por el colectivo un elemento clave para su trabajo ya que da lugar a la fractura donde se puede cultivar la crítica y desencadenar la reflexión.

El Banquete actuará en Espacio Trapézio mediante tres niveles: expo-lab, una exposición retrospectiva de una selección de proyectos del colectivo; las sesiones, que nacerán de la  visión de las obras como algo participativo y relacional organizando debates y encuentros públicos entorno a cuestiones tratadas en sus proyectos; todo esto compaginado con una práctica constante en la que se creará un espacio de trabajo propio, donde Espacio Trapézio servirá de laboratorio, estudio u oficina de trabajo diario.

Esta actividad cuenta con la colaboración de la Facultad de Bellas Artes de la UCM, Universidad Complutense de Madrid.

Obra de 'El Banquete'. Imagen cortesía de espacio trapézio

Obra de ‘El Banquete’. Imagen cortesía de Espacio Trapézio.