Mujeres empoderadas

Imágenes de(l) poder-Cartografía de lo invisible, de Carmela García
IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Hasta el 17 de septiembre de 2017

Ahí están, mirándonos de frente, interpelándonos. Carmela García (Lanzarote, 1964) fotografía a mujeres, tanto solas como juntas en carácter asociativo, para mostrar con rotundidad su presencia. “Es una forma de posicionarse muy clara, sin artificios; quería que fueran retratos muy limpios, interpelando al espectador, diciendo aquí estoy”. El resumen de esa explicación está contenido en la frase “lo que no se ve no se nombra y lo que no se nombra no existe”, que figura en el mapa o búsqueda de ideas inscrito a modo de prólogo del proyecto expositivo Imágenes de(l) poder. Cartografía de lo invisible, que acoge el IVAM hasta el 17 de septiembre.

En torno a ese poder que se critica, al tiempo que se demanda, gira la exposición de Carmela García, que lo completa una instalación de video. En esta pieza, un equipo de fútbol de mujeres lesbianas ocupa una sala de juntas, símbolo de cierto poder, con un balón que viene a quebrar la seriedad del espacio. Tres grandes pantallas van mostrando diferentes puntos de vista de esa apropiación del poder que atraviesa el conjunto expositivo. “Las coloqué ahí naturalizando esa ocupación”, señaló la artista canaria.

Una joven frente a una de las obras de la exposición de Carmela García 'Cartografías de lo invisible' en el IVAM.

Una joven frente a una de las obras de la exposición de Carmela García ‘Cartografías de lo invisible’ en el IVAM.

Las fotografías y el video están arropadas con un discurso desplegado en la pared de la Galería 6 del IVAM, a base de referencias a mujeres como Lucía Sánchez, Sara Berenguer, Manuela Ballester o Alejandra Soler, de quien García recuerda este consejo: “No mires para atrás; me pareció un consejo heroico”. Quizás por eso las mujeres que fotografía Carmela García van siempre de frente. Como la propia artista al interrogarse por ese poder tan presente en la muestra: “¿Qué es el poder? El poder reside en ellas mismas”.

Hay muchas representadas, como la librera especializada en feminismo Heide Braun, Mariló Rodríguez, antorcha en mano del colectivo Jóvenes Desobedientes, las Heidis de ese equipo femenino, o las que forman parte de asociaciones como Women in Black, Mujeres Libres o Dones Progresistes, además de las mencionadas con fuerte pasado combativo durante la República. De hecho, este fue el hilo conductor de la exposición, tal y como señaló García: “Aquellas mujeres fueron muy combativas, muy modernas y herederas de toda esta lucha y resistencia a favor de la libertad”.

Obra de Carmela García de la exposición 'Cartografías de lo invisible' en el IVAM.

Obra de Carmela García de la exposición ‘Cartografías de lo invisible’ en el IVAM.

Imágenes de(l) poder es un proyecto específico para Valencia, tal y como recordó José Miguel Cortés, director del IVAM. Un proyecto que permite cartografiar la ciudad mediante “mapas que no encontraremos en las oficinas de turismo”, y a través de un trabajo “serio y reflexivo sobre esa parte ninguneada de la sociedad como son las mujeres en el espacio público, y más todavía si son lesbianas”, subrayó Cortés.

Para interpretar cada una de las imágenes se hace necesario inscribirlas en el conjunto. “Toda fotografía por sí sola está sujeta a interpretación, al igual que la propia representación”, de ahí que la artista aconseje su inscripción en el discurso teórico que la sustenta. Cortés intervino para decir que el trabajo de García “tiene una concepción espacial”, de manera que el carácter relacional se impone sobre cada una de las obras por separado. En una de ellas, de las pocas sin mujeres ocupando su espacio, se puede ver un escenario vacío con el telón bajado que, en su día, acogió a un colectivo de mujeres antifascistas. Pura representación.

Carmela García junto a Jose  Miguel Cortés. Imagen cortesía del IVAM.

Carmela García junto a Jose Miguel Cortés. Imagen cortesía del IVAM.

Y como el poder es también representación, Carolina García juega en la exposición con ella, mostrando en diversos puntos de Valencia a esas mujeres empoderándose de la ciudad con su sola presencia. “Al visibilizarlas les dotas de un poder que no tenían antes de tomar esos espacios”, indicó la artista. Según Cortés, su reflexión gira en torno “al proceso subjetivo de lo que tiene que ver con las empatías, con las pasiones o las amistades que van dando sentido a los colectivos”. Empatías y pasiones, eso sí, tratadas con la sobriedad de quienes miran a cámara muy seriamente.

Vista de la exposición 'Cartografías de lo invisible' de Carmela García. Imagen cortesía del IVAM.

Vista de la exposición ‘Cartografías de lo invisible’ de Carmela García. Imagen cortesía del IVAM.

Salva Torres

Metrópoli, un instante solidificado

‘Con-vivencias urbanas’, de José Juan Gimeno
Galería Alba Cabrera
C / Felix Pizcueta, 20. Valencia
Inauguración 26 de enero de 2017 a las 20h

En un mundo tan convulso como apasionante, la coexistencia pacífica y armoniosa en las ciudades nos remite a los espacios de con-vivencia que propone José Juan Gimeno (Valencia, 1961) en esta exposición. La singularidad marca el límite entre lo público y lo privado; desdibuja la realidad de lo cotidiano en un envite anónimo que se resigna a interpretar aquellas curiosidades que esconde ante los ojos fascinados del espectador. Esto no es una ciudad, es la ciudad por donde el artista deambula observando cuando la ciudad enmudece y el ocaso asoma, y aguarda hasta que todo y el todo silencian su actividad para dejar la vida solidificada y captar ese instante. Gimeno, apuesta por una soñada quietud donde la linealidad del trazo ordenado del lienzo o soporte se yuxtapone y este ejercicio requiere que el artista agudice sus sentidos “en una búsqueda donde la poética de lo privado y el lugar de paso marca una sinfonía pictórica”, en sus palabras.

Lo primero que observamos es la intencionada ausencia humana, una acción inactiva que cubre de misterio su aguda mirada de la metrópoli. José Juan Gimeno intercala y superpone iconografías donde modula, por ejemplo, dos estaciones que indican la salida y la llegada con dos puntos geográficos distantes en más de 300 kilómetros de distancia. A nuestra imaginación se le otorga el encargo de realizar el recorrido que une a dos ciudades o a dos barrios, en segundos, facilitando en una misma instantánea esta quimera fantástica. Esta particular visión de congregar en una misma obra dos ubicaciones, como se señala, y proponer líneas como ‘excusas visuales’ es una realidad capaz de establecer vínculos cercanos al imaginario cubista.

Se nos descubren escenografías en un paseo que se detiene donde los espacios recobran el anonimato que el antropólogo francés Marc Augé (1935) denominó como “no-lugar”: esos lugares donde la transitoriedad carece de importancia para ser verdaderos “lugares”. José Juan Gimeno convierte lo urbano en un tema recurrente y coincide con Augé en fijar su foco en la configuración de los espacios, esos espacios donde se han definido sin duda por el transitar inexistente de individuos en el momento captado en una iconografía muy característica en su obra.

Una de las piezas de José Juan Gimeno. Imagen cortesía Alba Cabrebra.

Una de las piezas de José Juan Gimeno. Imagen cortesía Alba Cabrebra.

¿Cuál es el sentido de la persistencia de las ventanas que aparecen diseminadas a lo largo de estas pinturas? las ventanas son el elemento que Gimeno utiliza como verdadero ‘paréntesis’, moratorias de las conjeturadas cotidianas y, al mismo tiempo, una extensión de su vida interior recluida a un segundo plano y exponiendo la fachada como plano principal. El literato griego Constantino Kavafis (1863-1933), afirmaba: “Sin darme cuenta me encerraron fuera del mundo”, y es en su mundo donde José Juan nos muestra un mismo patrón que se repite en casi toda la obra de esta exposición: parte de una imagen de un lugar público (tienda, museo, aeropuerto, estación de trenes… ), y la fusiona con un edificio o vivienda particular pero con una forma de acción inactiva. En el cuadro en el que no aparece el espacio público, esa imagen está próxima a una estación o lugar de tránsito que busca sin duda esas Con-vivencias urbanas. La ventana es un motivo visual, es un instante, una escena o un momento significativo donde el tiempo es el comensal del espacio de arte.

Asoma una manifiesta coincidencia que recuerda a la codificada modernidad líquida que el sociólogo, filósofo y ensayista polaco de origen judío, Zygmunt Bauman (1925- 2017), acuñó en la década de los 90. La “modernidad líquida” describe un mundo contemporáneo en un flujo donde los individuos subsisten sin raíces y son despojados de cualquier signo de referencia imaginable e incluso son obviados hasta ser invisibles e inexistentes, como en el caso de las Con-Vivencias Urbanas que dan título a esta muestra. Tanto en las obras de Bauman como en la  obras de José Juan Gimeno, se explora la fragilidad de la conexión humana en su tiempo, sin importar a qué siglo referencia cada uno, poniendo de manifiesto la inseguridad que crea un mundo en constante cambio. La vida dentro del proceso por el cual el individuo pasa a integrarse en el engranaje de una sociedad cada vez más global /local/ glocal, turba la identidad fija y la hace maleable, indivisible este proceso que arrastra la vida. Se torna voluble inquietando hasta tal punto al artista que se cuestiona el desintegramiento de las sociedades colectivas.

En este espacio es donde la con-vivencia de cada día asoma por la ventana en una cambiante fisonomía que adecua a los tiempos y a los habitantes. En una quietud vertiginosa ubica una identidad escurridiza en donde esconde y replica su individual dependencia del otro, y es ahí donde se encuentra la esperanza de crear condiciones de crecimiento sostenible, aumentar la conciencia colectiva positiva por el bien individual a partir del común, en unos versos donde pinceles, materiales y pigmentos trazan y dibujan pura poesía. La técnica que utiliza el artista es acrílico sobre tabla y serigrafía sobre metacrilato, esto le permite crear estratos que integran la entidad del conjunto y fingen el nivel social. El pintor considerado italiano, aunque nacido en Grecia, Giorgio de Chirico (1888-1978), representa obras dentro de la propia obra, característica propia del surrealismo, y aquí podemos establecer un vinculo cercano a José Juan Gimeno, ya que ambos invitan al espectador a participar dando un sentido final de lo representado en cada obra.

Imagino al artista preocupado por la propuesta de una nueva ciudad, la Smart City – ciudad inteligente-  como resultado de la necesidad cada vez más imperiosa de orientar nuestra vida hacia la sostenibilidad. Tal vez esta nueva metrópoli necesite más que nunca humanizarse y convivir con sus ciudadanos digitales, una ciberciudadanía donde la comprensión de asuntos humanos, culturales y sociales relacionados con el uso de las tecnologías conquiste a los pinceles de Gimeno.

Chele Esteve Sendra

Festival 10 Sentidos se hace mayor

Festival 10 Sentidos
‘PorMayores’: lema de la edición de 2017
‘Modërna’, de Lola Cordón
Espai Mutant de Las Naves
C / Juan Verdeguer, 16. Valencia
Viernes 28 de octubre, 2016, a las 20.00h

El Festival 10 Sentidos se ha hecho mayor. Y no sólo lo asume, sino que lo celebra con alegría. ‘PorMayores’ será el lema de la sexta edición que ya está en marcha y que se desarrollará en mayo de 2017. En ella queremos fijar la mirada en el paso del tiempo y reflexionar sobre cómo cada ser humano se enfrenta a esta situación en su vida, asumiendo nuevos roles y nuevos escenarios, que no siempre son sencillos de encajar. Así mismo esta edición quiere rendir tributo a nuestros mayores, convertirlos en protagonistas, y demostrar la importancia y relevancia que siguen teniendo en cualquier comunidad, dejando atrás estigmas y ciertos tópicos, que pretendemos desmontar.

En este sentido, el espectáculo ‘MODëRNA’, que se podrá ver este viernes, 28 de octubre, en el Espai Mutant de Las Naves representa algunas de las ideas que guiarán la próxima convocatoria. Por ello hemos colaborado con este espacio en la programación de la pieza esta temporada. No podíamos contar con mejor anticipo que esta obra protagonizada por Lola Cordón, a la que nos gustaría que acudiese el mayor número de personas, para que comenzasen a contagiarse del espíritu de la próxima edición.

‘MODëRNA’ indaga en los tópicos de la escena contemporánea más vanguardista desde la singularísima mirada de Lola Cordón, actriz octogenaria con una sólida y reconocida trayectoria teatral a sus espaldas. Su experiencia, su visión ácida de la vida y del teatro, su humor y descaro constituyen el punto de partida de este trabajo.  La programación de esta obra en el Espai Mutant de Las Naves simboliza también la colaboración que mantienen este centro y el festival, que se traducirá en nuevas propuestas comunes en la sexta edición.

El Festival 10 Sentidos cuenta de nuevo con el apoyo de Caixa Popular, que se implica en esta edición desde su gestación para formar parte y colaborar mientras se pone en marcha toda la estructura y la programación. La entidad firmó este año un acuerdo de colaboración que se prolonga hasta el año 2018 para dar soporte a esta cita que aúna dos de los pilares fundamentales de su filosofía, la cultura y la solidaridad.

El festival volverá a proponer durante un mes actividades en torno a la danza, el teatro, la música y el arte por toda la ciudad y mantiene su propósito de servir de lugar de encuentro y de reflexión para artistas con distintas capacidades. Al Espai Mutant de Las Naves se irán uniendo otros de muchos espacios en Valencia en los que esperamos que se vayan contagiando de los 10 Sentidos.

Festival 10 Sentidos.

Modërna, de Lola Cordón, en Las Naves. Imagen cortesía de Festival 10 Sentidos.

La lectura como esperanza

Hablar de cultura en la ciudad implica integrar a muchas personas que la viven diariamente, aunque no aparezcan en el escaparate de los eventos. En la esquina de la avenida Fernando el Católico con Ángel Guimerá, en la puerta de una entidad bancaria, pasa las horas Luis. Sus circunstancias le obligaron forzosamente a cambiar de rumbo, dedica su tiempo a leer y duerme a la intemperie. Siempre que paso lo veo leyendo, su gesto concentrado transmite dignidad.

Hace unos años, me comentaba un voluntario de una ONG que atiende a las personas que duermen en los cajeros, que lo que más reclaman para esas horas de frío en la noche son sacos de dormir y libros. Luis lee libros de historia, sobre todo de Mika Waltari, donde viaja como Sinuhé El Egipcio o supera las mil y una pruebas que Afrodita pondrá en su camino, como Lario Turmo en la novela, El Etrusco. Empezó con los cómics de Marvel y actualmente la lectura se ha convertido en un refugio que le ayuda a soportar la vida en la calle.

Luis. Fotografía de Maite Ibáñez.

Luis. Fotografía de Maite Ibáñez.

El acceso a la información, a la literatura y las historias se ha hecho cada vez más necesario entre las personas que viven situaciones de excepcionalidad, fruto de tragedias humanas. Hace dos años leíamos que la Agencia de las Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR) junto con la organización Bibliotecas sin Fronteras, tratan de integrar en los campos de refugiados un conjunto de maletas que se transforman en estructuras para dispensar los servicios de una biblioteca.

Los diseños del francés Philippe Starck, fomentan además el desarrollo de la escritura y otras capacidades creativas como el dibujo o la fotografía. El autor de estas cajas compactas indica que “en el interior no hay juguetes, pero sus puertas llevan a abrir las mentes y a pasear por millones de universos diferentes”. Actualmente, el proyecto se encuentra en fase de ensayo en la región de Grandes Lagos. Existen otros ejemplos tan evocadores como las llamadas Bubisher, cuyo nombre remite al pájaro de la buena suerte en la tradición saharaui y que ofrecen lecturas dentro de los campos de refugiados de estos.

Respirar la libertad desde una situación que aprisiona es el objetivo común, y los libros se convierten en el camino para abrir una ventana a la vida. Algunas personas se detienen para hablar con Luis, sorprendidos por esa forma de mirar el mundo, desde uno de sus lados más duros y grises. Justo cuando me despedía de él, alguien apareció con la copia del artículo Leer alarga la vida de Berna González Harbour. “Veo humanidad todos los días. Llegará un momento mejor”, me dijo.

Luis. Fotografía de Maite Ibáñez.

Luis. Fotografía de Maite Ibáñez.

Maite Ibáñez

Fira Tàrrega. Ciudad y participación

36a edición de FiraTàrrega
Plaça de Sant Antoni, 1 Tàrrega. Lleida.
Del 8 al 11 de septiembre

La nueva edición de FiraTàrrega viene marcada por un eje conductor muy claro: la interculturalidad, la cualidad de las artes de calle que las hace capaces de dirigirse a personas y a contextos muy diferentes. Este año presenta los trabajos de 57 compañías, de 9 países, entre los que habrá 33 espectáculos de estreno.

El conjunto de la programación ofrece un cartel rico en formatos, géneros y estilos; una oferta para todo tipo de públicos y edades, donde participarán 30 compañías catalanas, 11 españolas y 16 internacionales. Un total de 60 propuestas, que tendrán lugar en diversos espacios públicos de la ciudad de Tàrrega (47 espectáculos) y en varias salas (13 montajes). Este año FiraTàrrega participa en la producción de 15 espectáculos, un 25% de la programación de esta edición.

El programa de la Fira se estructura en 5 secciones: Sección Oficial (selección de éxitos de la temporada y estrenos de ámbito internacional), Plataforma (espectáculos del Programa de Apoyo a la Creación y otros proyectos de coproducción), Ondara Park (proyectos centrados en la programación más festiva), Programa Abierto (espacio de colaboración entre el sector privado y FiraTàrrega) y Bonus tracks (con varias propuestas que complementan la programación de este año).

Para hacer más accesible toda la programación, la Fira vuelve a organizar los Itinerarios artísticos. Un total de 10 itinerarios con espectáculos para todos los gustos, que facilitarán la navegación del espectador por el programa de FiraTàrrega.

Sección Oficial. Ateneu Popular, Garbuix, 9 Barris, 20è Circ d'Hivern y V de Vavel. Imagen cortesía FiraTàrrega.

Sección Oficial. Ateneu Popular, Garbuix, 9 Barris, 20è Circ d’Hivern y V de Vavel. Imagen cortesía FiraTàrrega.

FiraTàrrega celebra su potencial intercultural

Este 2016 FiraTàrrega celebra uno de los valores más representativos de las artes de calle, su potencial intercultural. Es por ello que ofrecerá una selección de producciones que buscan superar contextos culturales concretos y dirigirse a públicos muy diversos. También contará con una selección de espectáculos centrados en la temática de la justicia social y en la construcción de ciudadanía en la Europa de hoy en día.

En esta línea, la compañía francesa Artonik, será la encargada de abrir esta edición con The Colour of Time, un ritual efímero que se origina con el fin de borrar las jerarquías y las diferencias entre las personas y de celebrar colectivamente la amistad, la interculturalidad y el mestizaje.

En la misma dirección, para celebrar el potencial intercultural de FiraTàrrega, esta edición contará con varias apuestas que giran en torno a esta cuestión. Coproducciones de gran formato como Manifesta, la última creación de los Obskené, un canto a la diferencia, festivo y lúdico; el estreno en España de Misa Fronteriza, de los mexicanos Universiteatro & Gorguz Teatro, una reflexión sobre la hibridación cultural; el estreno de Mulïer de Maduixa Teatre, un homenaje a todas las mujeres que, durante siglos de opresión, han luchado y siguen luchando por sus derechos; o el Cafe Europa de los italianos Ondadurto Teatro, una alegoría que retrata la hipocresía y los vicios de nuestra sociedad.

Novedades de FiraTàrrega 2016

Entre las novedades más importantes de este 2016, cabe destacar, dentro de la Sección Oficial, el nacimiento del #EspaiZebra, donde las compañías Baal y Les Impuxibles presentarán dos miradas sobre los lugares de paso entre sexualidades. También contaremos con la programación de #UrbanNation, un apartado dedicado a la cultura urbana que se expande para incluir los últimos trabajos de Montana Colors Cultura en colaboración con Tope, Iron Skulls Co., Get Bak, Arcopom, Ravid Goldschmidt & Quim Moya y los estadounidenses Ephrem Asherie Dance.

Este año FiraTàrrega presenta un foco artístico dedicado a Chile, una oportunidad para conocer la escena artística del país de la mano de propuestas como Fulgor, de Teatro Niño Proletario, que realizará una residencia creativa en la ciudad, dentro del Programa de Apoyo a la Creación. También se podrán ver los montajes Frames, de La Licuadora, Viaje no 9, de Teatro del Sonido y La cocina pública, de Teatro Container, esta última, ha implicado en su producción a varios vecinos de la ciudad de Tàrrega.

Sección Oficial. The Colour of Time. Compañía Artonik. Imagen Thierry Bonnet, cortesía FiraTàrrega.

Sección Oficial. The Colour of Time. Compañía Artonik. Imagen Thierry Bonnet, cortesía FiraTàrrega.

Mercado de artes escénicas y actividades profesionales

FiraTàrrega va mucho más allá de la exhibición teatral y año tras año trabaja para convertirse en un hub profesional de primer nivel, propiciando la relación entre compradores y vendedores, que contribuye a generar mercado y sinergias, posicionando el sector de las artes escénicas.

La Llotja, un pabellón ferial de 1.100 m2, es el espacio donde se producen las reuniones profesionales. Con stands, salas de actos, puntos de encuentro y los servicios necesarios, es el epicentro de las relaciones profesionales, ya que acoge presentaciones y conferencias. Los profesionales también cuentan con el Club Pro, el espacio de encuentro de tarde-noche más lúdico e informal, de conversación más distendida.

Este año FiraTàrrega ha renovado acuerdos profesionales nacionales e internacionales, que sirven como plataforma de promoción preferente, con la Associació d’Actors i Directors Professionals de Catalunya (AADPC), la Associació Professional d’Espectacles per a Tots els Públics (TTP), la Associació de Professionals de la Gestió Cultural de Catalunya (APGCC), la Xarxa Alcover de Teatres, la Asociación de Empresas de Distribución y Gestión de las Artes Escénicas (ADGAE), la Asociación de Circo de Andalucía (ACA), Xtrax (Reino Unido) y la Associazione Culturale C.L.A.P.S Spettacolo dal vivo (Italia).

Además, en la edición 2016 se incorporan dos asociaciones internacionales: Independent Street Arts Network, que aglutina a los profesionales de las artes de calle del Reino Unido, y ISACS Network, que agrupa a las entidades de la emergente escena de las artes de calle de Irlanda.

Por otra parte, cabe destacar el proyecto CASA – Circus and Street Arts Circuit, dentro del cual, del 5 al 11 de septiembre 10 profesionales de toda Europa visitarán Cataluña para explorar las artes de calle y circo, donde verán los principales espacios escénicos y de creación, además de participar activamente en la Fira, para conocer de primera mano nuestra realidad de las artes de calle y circo, con encuentros con las instituciones y entidades presentes en esta edición.

FiraTàrrega, ciudad y participación

FiraTàrrega entiende la participación de la ciudadanía como una parte clave en la gestación de las propuestas escénicas que se presentan. Y es que pretende acercar a la ciudadanía diversos proyectos de manera que no sólo se pueda ver su resultado, sino que se pueda participar activamente en el proceso. Implicar a las personas de forma activa, desde el minuto 0 del proceso de creación, proporciona una mirada diferente a los proyectos, democratizando la cultura. Por otra parte, las compañías tienen la oportunidad de interactuar con el público y de crear un diálogo con el paisaje humano y local de la localidad.

Muestra de ello, este año FiraTàrrega ha llevado a cabo una serie de talleres, castings, colaboraciones con asociaciones, escuelas y actores de la ciudad, con espectáculos que forman parte del Programa de Apoyo a la Creación. Destacan Algo de mí, algo de ti, de los mexicanos Carretera 45 Teatro; Massager, de la compañía coreana CCOT o El Diván de la peluquería de Sienta la Cabeza; y también con otros que forman parte de la programación general, como es el caso del espectáculo inaugural The Colour of Time, de la Cie. Artonik; la última creación de los valencianos El Pont Flotant; La cocina pública de los chilenos Teatro Container o #ciutatvisible los catalanes Colordellop.

Podéis consultar la programación de FiraTàrrega aquí

La Línea Clara del IVAM

Valencia Línea Clara
IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Hasta el 2 de octubre de 2016

Lo que ha hecho el IVAM, abriendo sus puertas de par en par al cómic, ya se ha realizado en otros museos: el MOMA de Nueva York, el Louvre de París. También la Fundación Telefónica o el Museo ABC, ambos en Madrid, han abierto su modesta brecha. “Faltaba que un gran museo como el IVAM diera ese paso”, subraya Álvaro Pons, comisario de la exposición Valencia Línea Clara, que reúne 200 cómics de ilustres autores valencianos de los 80.

No es un ejercicio de nostalgia, sino la manera de comenzar un proyecto de largo recorrido en torno a la importancia del cómic como noveno arte. “Que se acepte como una forma artística más dentro del IVAM”, señala el comisario. Porque si bien el cómic ya se reconoce como arte (“esa barrera ya se ha derrumbado”), lo que ahora toca “es seguir avanzando”, precisa Pons.

Valencia Línea Clara en el IVAM.

Valencia Línea Clara en el IVAM.

Y para ello nada mejor que empezar con los autores de la llamada Nueva Escuela Valenciana, en la que se integra a dibujantes como Miguel Calatayud, Sento Llobell, Mique Beltrán, Micharmut, Daniel Torres, Manel Gimeno y Mariscal. Autores “estilística y temáticamente muy diferentes, pero que tienen como punto de conexión la ciudad de Valencia, que está en todos ellos”. También el concepto de línea clara, que da título a la exposición, ”como filosofía de entender un tipo de dibujo”, explica el comisario.

Aquellos años 80 evocados en la muestra vienen a subrayar la importancia de todos ellos en la configuración de la imagen de Valencia. “Dieron forma artística a la ciudad, creando carteles, posters y diseños de bares, Luna de Valencia, Feria del Libro, Festivales de Jazz, en una relación profunda y estrecha que se perdió”. Álvaro Pons apunta cierta recuperación ahora “de toda esa filosofía gráfica” por parte del Ayuntamiento de Valencia. “Estaría bien que el espectacular volumen de originales de la editorial Maga, que perduró desde 1951 a 1986, en manos de la Biblioteca Valenciana estuviera al alcance de todo el mundo”.

Vista general de la exposición Valencia Línea Clara. Imagen cortesía del IVAM.

Vista general de la exposición Valencia Línea Clara. Imagen cortesía del IVAM.

Valencia Línea Clara va en esa dirección. “No es una sola exposición, sino un proyecto de largo recorrido que abarca muestras grandes como esta, pero también autorales o pequeños estudios”. También la compra de obra original para la colección del IVAM, lo cual implica tener en cuenta que el cómic “por su naturaleza fungible se está perdiendo”.  Pons, siguiendo en esto a Miguel Calatayud, no es partidario de un museo exclusivamente dedicado al cómic, “porque es un arte y tiene que estar en los museos de arte y no en un espacio propio”.

La Falla de 1987 Els Dalton de Marxalenes, realizada por Sento Llobell, Francis Montesinos y Manolo Martín abre el recorrido expositivo. Y es que las fallas “se fijaron mucho en el cómic”, subraya el comisario. De hecho, hay unas cuantas de Manolo Martín diseminadas por la sala 7 del IVAM, a modo de iconos representativos de la línea clara que atraviesa el conjunto. También ejemplos de publicaciones (El Capitán Trueno, Pumby, Jaimito, TBO…) que influyeron en las trayectorias de los autores de esa Nueva Escuela Valenciana, “etiqueta que esta generación no aceptó, pero que desde el punto de vista del marketing funcionó”.

Obra de Manel Gimeno en la exposición Valencia Línea Clara del IVAM.

Obra de Manel Gimeno en la exposición Valencia Línea Clara del IVAM.

“Hablamos de niños de los años 50 que crecieron leyendo tebeos, porque eran la gran forma contracultural de esos años”. Luego “se hicieron adultos y se vieron envueltos en las primeras vanguardias, Equipo Crónica, Equipo Realidad, mientras estudiaban en Bellas Artes”. En aquel contexto de “explosión de libertad”, muchos tendieron al “underground americano que metía el dedo en el ojo para provocar a la sociedad pacata, aquí provocar y fastidiar, mientras que curiosamente Mariscal hace algo radicalmente distinto, sus Garriris mediterráneos repletos de sutil ironía”.

Hay violencia, sexualidad y radicalismo social en la explosión creativa que va de la revista Cairo a Arrebato y  de Star a Bésame mucho, “rara avis en los estertores del franquismo”, como se recoge en la exposición. Cómic irreverente que luego se va suavizando mediante la reivindicación de cierto “género clásico, romántico y aventurero de relectura moderna”, sostiene Pons. Así, del trazo “limpio y espontáneo” de Mariscal, se pasa al “dibujo de trazo más radical y moderno” de Sento Llobell, sin olvidar “el lado oscuro de la línea clara” que personifica Manel Gimeno.  El recorrido concluye con una serie de documentales de Jesús Cuadrado, Llobell y Mariscal. Mirada al tebeo antiguo proyectada hacia el futuro.

Obra de Micharmut en la exposición Valencia Línea Clara del IVAM.

Obra de Micharmut en la exposición Valencia Línea Clara del IVAM.

Salva Torres

Tintes de ciudad

‘Tintes’ de Luis Lonjedo
Galería 9
C / Conde Salvatierra, 9. Valencia
Hasta el 3 de junio de 2016

Es el paisaje urbano, junto con todos sus protagonistas, la principal razón que aboca al artista Luis Lonjedo a la creación. Hace fotografía o toma apuntes del natural, combina, pasea por las calles, mercados, plazas… La ciudad como su fuente de alimento artístico. En esta ocasión, nos muestra sus piezas más recientes en la Galería 9, en pleno centro de la ciudad de Valencia.

En su proceso creativo todo empieza con poner la mirada sobre un personaje solitario, individual, pero enmarcado en un conjunto. Tras el paso del tiempo, un concepto derivado que también trata, ha extraído ese detalle que le ha hecho fijarse en el individuo y lo ha vuelto a encajar, transformándolo, en la misma situación en la que lo había encontrado. En esta suerte de juego que trata de enfatizar y al mismo tiempo esconder, Lonjedo solo quiere representar la realidad. Dicha observación de la realidad no implica que las pinturas se configuren como realistas, ni siquiera como reinterpretativas, sino como objetos que logran crear una nueva dimensión que se plasma en el lienzo, cartón o mural.

'Boceto niños', 2016. Luis Lonjedo. Imagen cortesía de la galería.

‘Boceto niños’, 2016. Luis Lonjedo. Imagen cortesía de la galería.

La técnica de la caña con la que crea las piezas ayuda al artista a alejarse, dotándole de una óptica diferente para establecer cierta distancia con los protagonistas de sus obras, al igual que cuando pasea por las calles. El color diluido es un referente que hace reconocibles sus obras, pero aún así los trazos sueltos se desatan en algunas piezas como en ‘Boceto niños’, en blanco y negro, y donde predomina el dibujo. Solo la línea ha sido la encargada de reconstruir ese momento. Podemos afirmar así que es la línea marcada, y no el color, la que cimienta las composiciones.

No presta atención a los formatos, aunque el mismo Lonjedo destaca de esta exposición dos de sus favoritos ‘Saldos’ e ‘Indicaciones’ que son de los más pequeños que se exponen. Parece rescatarlos de la misma forma en la que despuntan en sus cuadros esos individuos anónimos que quedan ahogados con la masa de alrededor. Destaca también otra pieza audiovisual realizada por Alfonso Calza en la que se pueden apreciar los distintos murales que Luis Lonjedo se ha llevado a cabo, dos de ellos en el barrio del Carmen en el marco del proyecto La Calle de los Colores, y otro en la Sala Ferreres del Centro del Carmen.

'Saldos', 2016, Luis Lonjedo. Imagen cortesía de la galería.

‘Saldos’, 2016, Luis Lonjedo. Imagen cortesía de la galería.

‘Tintes’ cuenta historias de individuos anónimos que pasean por la ciudad. Un gesto inocente puede ser el pretexto indicado que desencadene toda una serie de líneas desinhibidas, esas que Luis Lonjedo no puede dejar de inventar.

Ver la noticia en El Mundo Comunidad Valenciana

Video de presentación de la exposición en Galería 9:

María Ramis

‘Desgraciados’ muy a su pesar en Zircó

Desgraciados, de Fernando Ballesteros y Jesús Cristóbal
Teatro Zircó
C / Joaquín Navarro, 11. Valencia
Viernes 8 de abril, 2016, a las 20.30 y 22.45h

‘Desgraciados’ es un espectáculo creado e interpretado por Fernando Ballesteros y Jesús Cristóbal. La comedia es la clave fundamental del montaje protagonizado por dos mendigos que han hecho de un viejo muro de una ciudad cualquiera, su hogar. El tono, en ocasiones cercano a la farsa y a lo bufonesco, permite a los personajes opinar sobre temas universales; pero en otros momentos se aproxima más al mundo clown, desarrollando pequeños conflictos cotidianos con una intensa carga emocional. El espectáculo oscila entre lo exagerado y lo sutil, teniendo muy presente en su creación que la realidad supera siempre y con creces a la ficción.

Partiendo de unos personajes muy elaborados y habiendo generado una sólida relación entre ellos, los actores afrontan cada función sin un texto fijo. Serán los propios personajes los que resuelvan las situaciones teniendo a su disposición cualquier recurso y basándose, eso sí, en un argumento, un tiempo y un espacio concretos. El espectáculo está salpicado de pequeños números cerrados, que sirven de referencia a los actores. Este concepto, exige una alta concentración, buenos reflejos y una trabajada cartera de recursos.

Cartel de la obra 'Desgraciados'. Imagen cortesía de Teatro Zircó.

Cartel de la obra ‘Desgraciados’. Imagen cortesía de Teatro Zircó.

Antonio y Manuel, los personajes de ‘Desgraciados’, han sido puestos en juego en diversos formatos teatrales con estas mismas condiciones. El microteatro fue su origen y después han hecho incursiones en eventos, galas y presentaciones. La aceptación y el cariño del público fueron la clave decisiva para que Teatro Atópico decidiera crearles un espectáculo a su medida. Durante una hora y diez minutos aproximadamente, se enfrentan a la que según uno de ellos es la noche del fin del mundo.

Antonio y Manuel son en la obra dos mendigos que comparten cartones, cerveza e interminables horas de discusión sobre los temas más transcendentales de la existencia. Hace tanto tiempo que viven juntos cobijados únicamente por un viejo muro de una ciudad cualquiera, que la única desgracia que podría acabar con ellos sería la separación. Todo lo demás son simplemente las cosas de la vida. Y ellos han aprendido a vivir la suya sin poner los ojos en el mañana.

Escena de 'Desgraciados'. Imagen cortesía de Teatro Zircó.

Escena de ‘Desgraciados’. Imagen cortesía de Teatro Zircó.

Con el tiempo como única posesión, observan el mundo desde afuera, como meros espectadores de una sociedad que les rechaza. Nunca están de acuerdo en nada, sus jornadas se centran en profundas batallas dialécticas, se ladran constantemente mientras esperan nadie sabe qué… pero se necesitan, se apoyan incondicionalmente y no sabrían qué hacer con sus vidas el uno sin el otro.

Antonio terminó en la calle por no dar la talla, por ser bruto, impulsivo, derrochador y desafortunado en sus decisiones. Manuel por adelantarse a su tiempo, por ser demasiado observador, por ser un visionario incomprendido. Los años de calle les han curtido la piel y el carácter, pero también les han abierto las mentes y les han otorgado un particular punto de vista. Sin posesiones, sin esperanzas, sin futuro y cargados de sinsabores y desprecios, si les preguntas quienes son, ellos entre risitas cómplices, te dirán que solo son unos desgraciados.

Escena de 'Desgraciados'. Imagen cortesía de Teatro Zircó.

Escena de ‘Desgraciados’. Imagen cortesía de Teatro Zircó.

La calle se mete en la galería Luis Adelantado

Brea Flúor, de Carlos Maciá y Juan López
Galería Luis Adelantado
C / Bonaire, 6. Valencia
Inauguración: jueves 21 de enero, a las 20.00h
Hasta el 1 de abril de 2016

La galería Luis Adelantado Valencia presenta, por primera en esta ciudad, las exposiciones individuales de los artistas Juan López y Carlos Maciá bajo el título Brea Flúor. Un único título que enmarca deliberadamente ambas propuestas creadas específicamente para el espacio de la galería y que es consecuencia de un montaje que confronta los dos trabajos.

En ambos casos los artistas presentan sendas intervenciones espaciales que ponen el acento sobre ciertas singularidades del contexto urbano, traído contra la arquitectura de la propia galería. Juan López en esta ocasión prepara una intervención específica para la sala uno de la galería, donde lo urbano pasa a formar parte del interior del espacio expositivo.

Interesado en los trazos que delimitan y acotan los espacios de circulación en la ciudad, propone una deconstrucción de lo real para así crear nuevos puntos de vista sobre lo establecido. Este trabajo in situ se complementará con una serie de collages y elementos escultóricos en la sala cuatro de la galería, que funcionan como bocetos de intervenciones imposibles, o quizá no tanto.

Obra de Carlos Macíà en la exposición 'Bea Flúor'. Imagen cortesía de Galería Luis Adelantado.

Obra de Carlos Maciá en la exposición ‘Bea Flúor’. Imagen cortesía de Galería Luis Adelantado.

Carlos Maciá presenta tres intervenciones. Una primera que nos remite a su reciente aproximación a la Pichaçao. Manifestación original de la ciudad brasileña de Sao Paulo en donde el artista descubre esta drástica fagocitación del espacio urbano y que aquí acomoda para la sala dos.

Para la siguiente sala, propone un conjunto de piezas pertenecientes a su serie Markers que funcionan y se articulan a modo de una única gran pieza, consecuencia de la asociación que se produce entre ellas en su propio espacio de trabajo. Y por último realiza una intervención pictórica mínima sobre toda la barandilla que recorre las escaleras del edificio, acompañándonos y generando así un nexo de unión entre las diferentes propuestas.

Obra de Juan López. Imagen cortesía de Galería Luis Adelantado.

Obra de Juan López en la exposición ‘Bea Flúor’. Imagen cortesía de Galería Luis Adelantado.

 

200 rostros frente al espejo de Valencia

Qui És Qui, de Eva Máñez y Vicent Molins
Espai Rambleta
Bulevar Sur, esquina Pío IX. Valencia
Inauguración: jueves 19 de noviembre, a las 19.30h

Una ciudad expuesta ante la propia ciudad. Qui És Qui, el proyecto fotográfico de Eva Máñez y Vicent Molins nacido al calor online, toma esta vez formato físico. Para ello el próximo día 19 de noviembre a las 19.30 exponen 200 fotografías, 200 rostros de la Valencia del momento, en una celebración abierta que reunirá en La Rambleta a aquellos que protagonizan las imágenes, junto a pequeñas intervenciones musicales.

Imagen de la exposición Qui  És Qui. Cortesía de Espai Rambleta.

Imagen de la exposición Qui És Qui. Cortesía de Espai Rambleta.

Planteada como una fiesta, la muestra sintetizará un año de trabajo en el que se ha rastreado a personajes sobresalientes, algunos conocidos, otros muchos anónimos, de la urbe. “Una manera de poner a Valencia frente a su espejo”, según los autores de la propuesta, quienes además de capturar visualmente a sus fotografiados les tomaron una declaración con la que “definir la personalidad de cada uno de ellos y a la vez de todos nosotros”. Cada imagen va acompañada de un nombre sin apellido y la localización donde se tomó.

Qui És Qui. Espai Rambleta. Fotografía de Eva Máñez.

Qui És Qui. Espai Rambleta. Fotografía de Eva Máñez.

El viaje por Valencia ha comprendido gran parte de los barrios, “desde San Marcelino a la Malvarrosa pasando por Patraix o Ciutat Vella”, con el objetivo de tomar finalmente una imagen fija del momento y ser, aseguran, “una cápsula en el tiempo de nuestra ciudad”.

En la celebración también se presentará la nueva identidad gráfica del proyecto, obra del Premio Nacional de Diseño Daniel Nebot y que a través de siluetas describe la esencia callejera de Qui És Qui, jugando con el plano, la ubicación y el propio rostro de los personajes. Siluetas mirando a una ciudad… y viceversa.

Qui És Qui. Espai Rambleta. Fotografía de Eva Máñez.

Qui És Qui. Espai Rambleta. Fotografía de Eva Máñez.