Xu Bing presenta su libro escrito con emoticonos

Book from the Ground, de Xu Bing
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Miércoles 24 de abril de 2019

El artista chino Xu Bing presentará el 24 de abril su publicación ‘Book from the Ground’ escrita únicamente con emoticonos y que ha sido editada por el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, con motivo de la exposición ‘Art for the people’. Xu Bing ofrecerá en el Centre del Carme un workshop en el que invitará a personas de diferentes edades, incluyendo un niño o niña a interpretar su libro.

‘Book From The Ground’ (el ‘Libro de la Tierra’) es una historia sin palabras, compuesta por más de 8.000 iconos, un relato de 24 horas en la vida de Mr. Black. Con él el artista crea un lenguaje universal, sin letras ni caracteres, haciendo posible que su libro se pueda leer sin que los conocimientos idiomáticos del lector supongan un impedimento para su comprensión.

Exposición de Xu Bing. Imagen cortesía del Centre del Carme

Vista de la exposición de Xu Bing. Imagen cortesía del Centre del Carme

La problemática del lenguaje ocupa una parte importante en su trabajo y es el hilo conductor de su obra, donde el arte tradicional y el arte conceptual van intrínsecamente unidos. La publicación ‘Book From The Ground’ está en la línea de su exposición ‘Art for the people’ (‘Arte para el pueblo’) que presenta en el Centre del Carme, su primera gran exposición en España.

Una gigantesca banderola expuesta en el MoMA de Nueva York y en el Victoria & Albert Museum de Londres corona la sala Ferreres-Goerlich. Quien no conozca el sistema de escritura inventado por Xu Bing puede pensar que la bandera ‘Art for the people’ está escrita en chino, cuando en realidad cada grafía china es una palabra escrita en inglés con letras de nuestro alfabeto. La bandera dice: “Art for the people, dijo el Presidente Mao”. Xu Bing juega con el engaño, con lo que parece y no es para realizar una crítica en clave de humor, una crítica velada, a la política china y a sus tradiciones.

Vista de la exposición de Xu Bing. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Vista de la exposición de Xu Bing. Imagen cortesía del Centre del Carme.

El director del Centre del Carme, José Luis Pérez Pont, destacó  que “la lengua, seña de identidad de un pueblo, puede constituir también una frontera. La obra de Xu Bing es crítica, es humor pero también es, desde un profundo respecto a la tradición china, una invitación a descubrir su cultura, a través de su lengua”.

“Xu Bing convierte la Sala Ferreres en un templo de la cultura china, sin fronteras, con escrituras sagradas que no dicen nada y con dibujos que dicen mucho. En su búsqueda por hallar el lenguaje universal Xu Bing nos presenta el primer libro escrito única y exclusivamente por emoticonos que hoy en día todos podemos entender”, señaló Pérez Pont.

La comisaria de la muestra Marta Millet explicó que “hasta hoy, el artista ha seguido desarrollando la idea de un nuevo lenguaje, haciéndolo todavía más accesible a un mayor número de personas, independientemente de sus bagajes lingüísticos. Como continuación de su clásica obra ‘Book from the Sky’, el artista presenta, en esta exposición, una nueva novela gráfica, ‘Book From The Ground’, compuesta íntegramente de símbolos e iconos que se entienden universalmente, una historia legible sin palabras”.

Vista de la exposición de Xu Bing. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Vista de la exposición de Xu Bing. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Al igual que toda la producción de Xu Bing la exposición del Centre del Carme está montada de un modo muy didáctico, invitando al espectador a participar. De este modo, en medio de una recreación de lo que fue su estudio en el que escribió el libro, se han instalado dos ordenadores para que el público pueda escribir su propio relato transformándolo en emoticonos. Sus publicaciones quedarán grabadas de modo que el artista podrá después conocerlas.

En una de las subsalas de Ferreres se muestra su primera gran instalación Book From The Sky, (1987-1991). La instalación es como un templo dedicado a una lengua sin sentido. Libros, rollos y paneles, con miles de caracteres chinos grabados en papel, invitan a la lectura; la cual es imposible, ya que todos y cada uno han sido inventados por el artista. No hay significado alguno. Gran ironía, las apariencias y el descubrimiento de lo que, en realidad, es. Primero fue aclamada como una de las creaciones más significativas del llamado grupo New Wave o del Movimiento del ’85, pero después del incidente en la plaza Tiananmen fue percibida como una obra fútil y banal.

Vista de la exposición de Xu Bing. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Vista de la exposición de Xu Bing. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Después de mudarse a los Estados Unidos en los años 90, Xu Bing también creó un nuevo sistema de escritura: letras de nuestro abecedario combinadas de manera que parecen auténtica caligrafía china. El público puede aprender a leer y a escribir este nuevo sistema en la sala de exposiciones, en el aula de ‘Square Word Calligraphy’, una instalación que recrea un aula de un colegio chino y que permite al espectador sentarse a practicar con el pincel y la tinta sobre el cuaderno, cual niño en la escuela; como él mismo hizo a diario durante su infancia.

Con este mismo sistema de escritura el artista chino ha traducido para el Centre del Carme el poema de ‘El bon poble’ de Ausiàs March, al estilo Xu Bing. Se trata de una obra creada ex profeso para esta exposición, inspirándose en la cultura valenciana, en su tradición, en diálogo con la cultura china. El hecho de crear lo que parece y no es va más allá del lenguaje escrito, también trabaja con imágenes. Como en sus Background Story, grandes cajas de luz que enmarcan un dibujo clásico oriental, típico de los antiguos maestros de la pintura china. Lo que parece una gran tinta sobre papel resulta ser un embrollo de desechos que, jugando con la luz, proyectan su sombra sobre cristal translúcido engañando nuestra percepción. Plásticos, hojas secas, retales, ramas… en esta instalación no se han aplicado pigmentos con el pincel.

Obra de Xu Bing. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Obra de Xu Bing. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Viaje con Javier Reverte en #LetrasdelMediterráneo

Javier Reverte en #LetrasdelMediterráneo
Fundació Cañada Blanch y Casa Mediterráneo
Jorge Juan 4, València
Miércoles 17 de abril de 2019 a las 19:30

Fundación Cañada Blanch y Casa Mediterráneo prosiguen su programación conjunta #LetrasdelMediterráneo mediante un encuentro con el escritor y periodista Javier Reverte, que tendrá lugar el próximo miércoles 17 de abril, a las 19:30, en el Paraninfo del Centre Cultural La Nau. La actividad es gratuita con aforo limitado.

Javier Reverte es un conocido escritor, viajero y periodista, profesión que ha ejercido durante casi 30 años. Tres décadas de vivencias que acercará a los asistentes, dando unas pinceladas también sobre la propia evolución del periodismo. Moderará el encuentro la periodista Sonia Marco.

El autor hablará principalmente sobre sus viajes: “toda mi vida me ha gustado escaparme, ya en el colegio trataba de escaparme siempre”. Entre sus experiencias destaca su primer viaje, en el que “me impresionó mucho el mar, fui corriendo a ver si el agua era salada, a ver si no me habían engañado. Hoy todavía hay personas del interior de España que nunca han visto el mar”.

Portadas de algunos de los títulos más significativos del escritor y periodista Javier Reverte.

Portadas de algunos de los títulos más significativos del escritor y periodista Javier Reverte.

Estas y otras experiencias alrededor del mundo servirán para realizar un retrato personal sobre su enigmática trayectoria y por qué recomienda viajar solo para escribir y hablar con la gente de los pueblos que visita. Ejemplo del interés que suscita Reverte es el documental ‘Imprescindibles: Javier Reverte, el amigo de Ulises’, una producción de La 2 de RTVE que forma parte de una serie sobre personajes destacados de la cultura española del siglo XX.

Javier Reverte trabajó como corresponsal de prensa en Londres de 1971 a 1973, en París de 1973 a 1977, y en Lisboa en 1978. Articulista, cronista político y redactor jefe de prensa, Reverte fue enviado especial a numerosos países de todo el mundo, trabajando como reportero en el programa ‘En Portada’, de TVE, y subdirector del desaparecido diario Pueblo. En la última década ha publicado numerosos libros de viajes, como ‘El sueño de África’, ‘El corazón de Ulises’ y ‘Canta Irlanda’, donde recoge sus impresiones sobre el país y recorre la historia y leyendas de la isla.

Además, por todas sus aventuras en más de 70 países, la Sociedad Geográfica Española le ha nombrado miembro de honor; galardón que ha recibido recientemente de manos de Su Majestad el Rey Felipe VI.

Una personaje relevante de la cultura y sociedad que forma parte de la apuesta de Casa Mediterráneo y Fundación Cañada Blanch por auspiciar iniciativas para dar a conocer nuevas perspectivas a través del arte, la literatura y la música.

El pianista marroquí Marouam Benabdallh protagoniza el ciclo #Artesdelmediterráneo, que se celebrará el 22 de mayo en el Centre del Carme.

El pianista marroquí Marouam Benabdallh protagoniza el ciclo #Artesdelmediterráneo, que se celebrará el 22 de mayo en el Centre del Carme.

Actividades futuras

La programación de Fundación Cañada Blanch continuará en mayo con varias actividades, como el ciclo Conectalks, compuesto por cinco ponencias que comenzarán el martes 7 de mayo. La primera, bajo el título ‘El universo invisible: agujeros negros y el radiotelescopio ALMA’, estará a cargo de Rafael Bachiller, director del Observatorio Nacional.

Del 7 al 11 de mayo la Fundación invita al público a asistir al Festival Photon, evento que patrocina desde su primera edición y que por noveno año consecutivo continúa apostando por este proyecto que visibiliza y potencia a los fotógrafos.

La música será otra de las protagonistas dentro de la programación conjunta de Fundación Cañada Blanch y Casa Mediterráneo, con el concierto del pianista marroquí Marouam Benabdallh, dentro del ciclo #Artesdelmediterráneo, que se celebrará el 22 de mayo en el Centre del Carme.

Por último, continuando con la estela de Javier Reverte, en mayo estará en la sede de la Fundación la escritora Espido Freire dentro del ciclo #LetrasdelMediterráneo, el miércoles 29 a las 19:00.

Con esta fuerte apuesta, Fundación Cañada Blanch trabaja por incentivar el pensamiento crítico y profundizar en las experiencias del público programando una oferta cultural variada y diferente que pueda generar interés para la población.

El escritor y periodista Javier Reverte durante un instante del documental ‘Imprescindibles: Javier Reverte, el amigo de Ulises’, de RTVE.

El escritor y periodista Javier Reverte durante un instante del documental ‘Imprescindibles: Javier Reverte, el amigo de Ulises’, de RTVE.

En busca de la lucidez perdida

La desaparición de las luciérnagas, de Josep Tornero
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 19 de mayo de 2019

“La muerte realiza un rapidísimo montaje de nuestra vida: selecciona sus momentos verdaderamente significativos y los ordena sucesivamente, haciendo nuestro presente infinito, inestable e incierto, un pasado claro, estable, cierto y por lo tanto lingüísticamente bien descriptible. El montaje realiza sobre el material del film lo que la muerte realiza sobre la vida”. Lo dijo el cineasta Pier Paolo Pasolini, en quien se inspira Josep Tornero y al que sin duda evoca, proponiendo un montaje de su exposición La desaparición de las luciérnagas igualmente a caballo entre la vida y la muerte.

“El título hace referencia a un artículo de Pasolini, conocido por el de las luciérnagas, pero que en realidad se llama El vacío del poder, en el que alude a esas luces intermitentes y pequeñas de las luciérnagas, que desaparecen a medida que el poder amplía sus focos de luz”, explica Tornero de su proyecto, resultado de la convocatoria Escletxes de producción y apoyo a la investigación del Consorci de Museus de la Generalitat Valenciana. Un proyecto en el que ha trabajado alrededor de dos años, tomando como punto de partida ese texto del realizador de Teorema o Saló o los 120 días de Sodoma.

Vista de la exposición 'La desaparición de las luciérnagas', de Josep Tornero. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Vista de la exposición ‘La desaparición de las luciérnagas’, de Josep Tornero. Imagen cortesía del Centre del Carme.

La exposición, que permanecerá en el Centre del Carme hasta el 19 de mayo, se hace cargo de esa luz, sin duda mortecina por culpa de los violentos fogonazos del poder ejercido con una violencia inusitada durante el siglo XX, para mostrar las huellas siniestras de su arrasamiento. Tornero se refiere al “uso del miedo por parte del poder para limitar las libertades del ciudadano”, que viene a apagar el destello de esas luciérnagas como “metáfora de la luz de la cultura y la lucidez”. Por eso entiende que La desaparición de las luciérnagas “es un título poético”, revelador del contenido que el artista ofrece en su exposición.

Mediante una serie de pinturas (“intento dejarme los riñones para que sea pintura”), esculturas, fotografías y vinilos, el artista dibuja cierto panorama de la sociedad contemporánea, utilizando determinadas imágenes iconográficas de la historia del arte y del cine. “Busco imágenes que tengan viveza y remuevan la mirada del espectador, sin mensaje explícito, ni moraleja”. Imágenes que vengan a alterar la mirada complacida de la gente, en el mismo sentido en que lo hacía Pasolini en sus películas.

Josep Tornero en su exposición 'La desaparición de las luciérnagas'. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Josep Tornero en su exposición ‘La desaparición de las luciérnagas’. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Tornero asiente, pero con una salvedad: “No busco la transgresión, sino que utilizo imágenes que por sí mismas tengan esa fuerza”. La fuerza de una lucidez amenazada por un exceso de luz, de violencia, de poder destructivo. “Desde la convocatoria a la exposición he ido buscando más imágenes, que se sumaban a las que ya tenía yo archivadas, saliendo del contexto del artículo de Pasolini y de la iconografía de [Georges] Didi-Huberman, que es más onírica”, explica quien fue entre 2015 y 2016 artista residente en la Academia de España en Roma, donde vio por última vez in situ las luciérnagas aludidas en su proyecto. “Esas pequeñas luces, que vi en la subida donde está la Academia, van poco a poco desapareciendo”, subraya.

Pasolini, que además de cineasta fue un lúcido pensador de su propia obra y de la sociedad de su tiempo, advirtió de dos peligros: el integrismo moral y la cultura de masas como cultura de la transgresión rentabilizada, convertida en dinero. “El artículo en que me baso es muy visionario, escrito en 1975 poco antes de que lo asesinaran. Tiene la fuerza del último Pasolini, el decepcionado con todo”, señala Tornero, que utiliza referentes fotográficos de la primera mitad del siglo XX, del cine primitivo y del cine negro: “Toda esa imaginería ha ido construyendo mi trabajo”. También alude al cineasta David Lynch, a la pintura de Gerhard Richter, a las máscaras de gas, Halloween y el vintage.

'La desaparición de las luciérnagas', de Josep Tornero. Imagen cortesía del Centre del Carme.

‘La desaparición de las luciérnagas’, de Josep Tornero. Imagen cortesía del Centre del Carme.

“Llevo diez años pintando con ausencia de color, trabajando con grises que le dan ese carácter relacionado con el paso del tiempo y la memoria”. Un blanco y negro que viene a resaltar la crudeza de la luz mortecina, de donde emergen como fantasmas del pasado soldados del ejército nazi, el humo de las Torres Gemelas tras el ataque suicida, el anillo infernal de Sandro Botticelli o una de las Furias de Ribera. Una amalgama de imágenes en cruento montaje. “En Roma es cuando me empapé de las formas barrocas, a través de paredes llenas de cuadros diferentes”, que es lo que traslada al mural del Centre del Carme. “Imágenes que entre sí permiten construir una historia, más allá de su carácter seriado”.

Un historia marcada por esas diferentes visiones que del horror han ido dejando los artistas y de las que Tornero se sirve para motivar la reflexión. “No busco la provocación”, insiste, “no hay provocación alguna, porque las imágenes están ahí, aunque se traten de ocultar”. Por eso dice que más que provocar, intenta “remover la conciencia del espectador”, porque, “todo lo malo y también lo bueno de la vida permanecerá, pero nosotros no”. De nuevo el baile entre la vida y la muerte, que el artista recoge en las esculturas que complementan esa visión descarnada.

'La desaparición de las luciérnagas', de Josep Tornero. Imagen cortesía del Centre del Carme.

‘La desaparición de las luciérnagas’, de Josep Tornero. Imagen cortesía del Centre del Carme.

“Son máscaras antigás como símbolos que fusionan una alteridad y abre sus límites”, destaca quien realizó su tesis doctoral sobre el rostro y las máscaras, de las que también habla Pasolini. “El poder utiliza máscaras y si se las quitaran veríamos que detrás no hay nada”. Máscaras que introduce desde su definición griega, “desde el prósopon” que es “a la vez rostro, máscara, persona, personaje, lo que se muestra, lo que va por delante”.

La desaparición de las luciérnagas muestra el horror de la luz sometida a las tinieblas. “No abordo la idea del miedo como terror, sino como reflejo de los temores e inquietudes del ser humano”, precisa. Y lo hace de una forma poética: “La belleza artística no está reñida con la reflexión, después de todo yo soy un artista visual que trata de provocar esa reflexión mediante imágenes atractivas para la mirada”. Que aparezcan las luciérnagas, abatidas por el exceso de luz que arroja el poder, depende de cierta pausa: “Dedicarle dos minutos a la contemplación de cada imagen”. Por eso dice Tornero que la muestra “es una invitación a la pausa y al mirar sin prisas las cosas”.

'La desaparición de las luciérnagas', de Josep Tornero. Imagen cortesía del Centre del Carme.

‘La desaparición de las luciérnagas’, de Josep Tornero. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Salva Torres

Un silencio a gritos

Donde germinan los silencios, proyecto comisariado por Irene Ballester
Marie-Pierre Guiennot, Alejandro Mañas, Pepe Beas, Art al Quadrat, José Miguel Abril, Remedios Clérigues y Joan Tosca Cuquerella
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 5 de mayo de 2019

El Centre del Carme Cultura Contemporània de Valencia acoge la exposición ‘Donde germinan los silencios’, una propuesta comisariada por Irene Ballester que busca la recuperación de la memoria histórica desde una perspectiva de género. A partir de la obra de Marie-Pierre Guiennot, y de los valencianos Alejandro Mañas, Pepe Beas, Art al Quadrat, José Miguel Abril, Remedios Clérigues y Joan Tosca Cuquerella, ‘Donde germinan los silencios’ habla de sanación, reparación y construcción de la memoria.

Según Irene Ballester, “el arte es una herramienta de sensibilización frente a cualquier abuso. Un lenguaje que otorga palabra al silencio y presencia a lo extinguido, además de un instrumento de sensibilización en torno a la defensa de los derechos humanos de mujeres y hombres. Desde 1936 hasta la actualidad, una parte de la historia de España ha sido en primer lugar perseguida, para ser posteriormente silenciada y borrada de nuestra memoria”.

Donde germinan los silencios. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Donde germinan los silencios. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Desde un punto de vista poético, la exposición ofrece una deconstrucción de esos silencios a partir del arte. A través de diferentes herramientas artísticas, este proyecto quiere dar voz y poner luz sobre la memoria histórica que ha sido borrada y especialmente en el caso de la mujer.

“Esta exposición y este espacio evocador de silencios donde se lleva a cabo, tiene como objetivo mantener viva la memoria, y con ella, abrir políticas del perdón y de la reconciliación que nos permitirán trabajar por alcanzar una sociedad más justa e igualitaria”, explicó Ballester, quien añadió que ““ninguna obra nos dejará indiferente”.

El director del Centre del Carme, José Luis Pérez Pont, señaló que “en una semana en la que reivindicamos el papel de la mujer en la sociedad, esta exposición promueve la inquietud, el cuestionamiento del relato hegemónico, ofreciendo nuevos relatos para construir la historia y permitiendo la reflexión”. Las palabras de Svetlana Aleixévich inspiran este proyecto: “Todo lo que sabemos de la guerra, lo sabemos de la voz masculina. Todos somos prisioneros de las percepciones y sensaciones ‘masculinas’. Las mujeres, mientras tanto, guardan silencio”.

Donde germinan los silencios. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Donde germinan los silencios. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Mediante diferentes herramientas artísticas, Marie-Pierre Guiennot interpreta de una manera abstracta el dolor y el sufrimiento. Alejandro Mañas evoca los fusilamientos de una forma metafórica. El colectivo Art al Quadrat relata la historia de las mujeres represaliadas por el franquismo y los escarnios públicos a los que fueron sometidas por ser mujeres y por ser republicanas. Las esculturas de Remedios Clérigues están hechas con restos de metralla de la Guerra Civil, “con ello visibiliza los cuerpos de las mujeres convertidos en campos de batalla”, subrayó la comisaria.

Pepe Beas habla del fusilamiento de las personas amadas, mientras que los rostros esculpidos de José Miguel Abril identifican un lenguaje de sufrimiento y angustia, sinónimo de memoria dolorosa. Por último, Joan Tosca Cuquerella habla de cómo la memoria ha sido borrada con el paso del tiempo. “De una manera poética, pone el acento  en la mirada y en el paso del tiempo, donde el olvido y la memoria se reconcilian para que nuestros ojos puedan ver y entender lo que se vio y se llevó a cabo en tiempo convulsos llenos de represión”, precisó Ballester.

Donde germinan los silencios. Imagen cortesía del Centre del Carme

Donde germinan los silencios. Imagen cortesía del Centre del Carme

Pérez Pont recordó la implicación del Consorci de Museus por la igualdad de género y anunció que próximamente se pondrá en marcha la segunda edición de los proyectos de investigación resultantes de la convocatoria ‘Reset’ de relecturas de género y multiculturalidad. También apuntó que “si en su primera edición se revisaron las colecciones de los museos de Bellas Artes de Castellón y de Alicante, en esta ocasión los proyectos analizarán desde la perspectiva de género los fondos del Museo de Arte Contemporáneo Vicente Aguilera Cerní de Vilafamés y del Museo de Arte Contemporáneo de Alicante”.

El proyecto ‘Donde germinan los silencios’ nace en 2017 en Aragón, en colaboración con el Gobierno de Aragón, la Fundación Santa María de Albarracín, la galería Coll Blanc Espai d´Art y con la Asociación Pozos de Caudé. La Asociación Pozos de Caudé recuerda cada año a los 1.005 fusilados durante la Guerra Civil española y sepultados en fosas comunes en este paraje cercano a la ciudad de Teruel.

Donde germinan los silencios. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Donde germinan los silencios. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Jesús Madriñán explora la identidad juvenil

Mil noches y una noche, de Jesús Madriñán
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 30 de marzo de 2019

El Centre del Carme acoge la exposición ‘Mil noches y una noche’, de Jesús Madriñán, comisariada por Montserrat Pis, dentro de los proyectos resultantes de su convocatoria V.O. de comisariado. El trabajo de Madriñán explora los procesos de construcción de la identidad juvenil recurriendo a un formato clásico, el retrato, pero situándolo fuera de contexto. Armado con focos, trípode y una cámara analógica de gran formato, el artista improvisa un estudio fotográfico en locales de ocio nocturno.

Según el director del Centre del Carme, José Luis Pérez Pont, “esta exposición nos invita a reflexionar sobre el concepto de identidad en el siglo XXI, una muestra introspectiva ya que detrás de esos 37 rostros se encuentra el del artista, artífice de esta creación y de su propia búsqueda del yo”.

Mil noches y una noche, de Jesús Madriñán. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Mil noches y una noche, de Jesús Madriñán. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Haciendo una analogía con los cuentos de ‘Las mil y una noches’ las diferentes series fotográficas de Madriñán expuestas en Tabacalera de Madrid, en la Academia de España en Roma o en Paris Photo se reúnen por primera vez juntas en el Centre del Carme como un conjunto de relatos que se suceden en el tiempo, nutriéndose los unos a los otros de sus experiencias. “Cada noche lleva en sí el germen de la próxima”, explicó la comisaria Montserrat Pis, quien subrayó la coherencia de la trayectoria del artista.

“Cada fotografía puede entenderse como un capítulo autónomo, vinculado al resto en el acabado y la temática, pero sobre todo en su profunda humanidad. A través de sus retratos, Madriñán se cuestiona a sí mismo y nos expone a unas miradas directas, intrigantes e inquisitivas que jamás ofrecen respuestas definitivas. La exposición concluye del otro lado de las tinieblas, cuando la luz se perfila en el horizonte y la velada toca a su fin. Como en la ficción literaria, la llegada del amanecer determina la suspensión de la narración. Por ahora” explicó la comisaria.

Vista de la exposición 'Mil noches y una noche', de Jesús Madriñán. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Vista de la exposición ‘Mil noches y una noche’, de Jesús Madriñán. Imagen cortesía del Centre del Carme.

La obra de Jesús Madriñán está a medio caballo entre la fotografía documental y la escenificación. Según el artista “no hay nada amañado en las fotografías, es todo espontáneo”. La espontaneidad del momento de tomar las fotografías contrasta con la técnica depurada y minuciosa empleada por el artista, entre la fotografía narrativa y la comercial “de esa contradicción surge una fotografía que resulta onírica, casi poética”, explicó Madriñán quien define sus fotografías como un “choque de trenes, entre el siglo XIX, en cuanto a la técnica utilizada y el siglo XXI, por el contexto y la escenografía.

Esta serie surgió mientras el artista cursaba un Máster de Fotografía en Reino Unido. El concepto original está basado en sus vivencias y retrata a jóvenes londinenses que frecuentaban varias discotecas de la zona del East End. Pese a ser la serie más corta de las tres que integran esta muestra, ‘Good Night London’ marcó el camino que seguirían los dos proyectos posteriores. Sus imágenes rezuman cosmopolitismo, elegancia y sobriedad. La aparente simplicidad y la ausencia de anécdota otorgan a las fotografías una fuerza expresiva y una universalidad que permiten que funcionen en contextos y ante públicos muy diversos.

Obras de Jesús Madriñán. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Obras de Jesús Madriñán. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Al retorno a su Galicia natal, Madriñán emprendió un proyecto que pusiese de manifiesto el contraste entre la juventud urbana de Londres y la del ámbito rural gallego. Durante  un año el artista visitó una decena de discotecas alejadas de los principales núcleos de  población de la comunidad, incorporando imágenes de los parajes naturales en los que estas se encontraban.

La juventud de ‘Boas noites’ está dotada de una espontaneidad y una frescura casi ingenuas, al tiempo que las naturalezas imprimen un espíritu introspectivo y contemplativo. Estas últimas suponen una pausa visual para el espectador mientras establecen un vínculo entre los retratados y su entorno.

Su otro trabajo Dopo Roma’ es fruto de una estancia en la Real Academia de España en Roma. Supuso el  salto a un formato mayor (8 x 10 pulgadas, 20 x 24 cm.) con respecto al de las series  anteriores. Durante su estancia, Madriñán se percató de que la auténtica Roma se ocultaba en la  periferia, lejos de la superficialidad del turismo de masas. Los jóvenes que emergen de los after romanos son tan monumentales como su ciudad. En Roma amanece como no lo hacía en Londres o en Galicia, y cabe preguntarse qué traerá el azul tenue de ese nuevo día. Dopo significa después, pero también más allá.

Jesús Madriñán en su exposición 'Mil noches y una noche'. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Jesús Madriñán en su exposición ‘Mil noches y una noche’. Imagen cortesía del Centre del Carme.

La libertad de Cabanyal Íntim, según Elías Taño

Festival Cabanyal Íntim
Presentación del cartel realizado por Elías Taño
Centre del Carme
Jueves 7 de febrero de 2019

El Claustro Gótico del Centre del Carme Cultura Contemporània acogió el pasado jueves 7 de febrero la presentación del cartel de la novena edición del Festival Cabanyal Íntim. El ilustrador y diseñador Elías Taño, inspirándose en el lema de este año -La Libertad-, ha creado la imagen que acompañará a los diez días de programación escénica, del 9 al 19 de mayo de 2019: una mujer rompiendo los barrotes de una jaula, sonriendo victoriosa, con los puños en alto. A sus pies, las casas del Cabanyal. En la paleta de colores vivos destacan el verde lima, el magenta y el amarillo en contraste con el blanco y el negro.

Miembros del equipo de Cabanyal Íntim durante la presentación del cartel de la novena edición del festival, obra de Elías Taño. Imagen cortesía de la organización.

Miembros del equipo de Cabanyal Íntim durante la presentación del cartel de la novena edición del festival, obra de Elías Taño. Fotografía de José Marín Rodríguez (mementoNET) por cortesía de la organización.

En palabras del propio artista: “El Festival Cabanyal Íntim, como tantas otras iniciativas socioculturales, nace de las ruinas de un barrio que lleva muchos años luchando por su libertad. Este propósito solo es real cuando se demanda en colectividad, dejando de lado los intereses individuales”.

Isabel Caballero, directora artística, añadió que “la libertad será el eje vertebrador de todo el festival. Un lema que se verá acotado por los diferentes puntos de vista que los artistas nos ofrecerán con sus creaciones”.

Cabanyal Íntim. Fotografía de José Marín Rodríguez por cortesía de la organización.

El trío Salami Púrpura durante la fiesta de presentación del cartel de Cabanyal Íntim. Fotografía de José Marín Rodríguez por cortesía de la organización.

Las casi treinta propuestas seleccionadas para la presente edición -de diversas disciplinas como el teatro de texto y el físico, la danza, la performance, las marionetas, el cabaret o la música-, apuntarán hacia la reflexión en torno a la libertad. Un concepto amplio y universal que, en clave de comedia, drama social o poesía, abarcará cuestiones tan importantes como la violencia de género, el maltrato animal, el capitalismo, la libertad sexual, las convenciones sociales, la diversidad, las fronteras, la prostitución, los valores heredados o la autoafirmación, entre otras.

Para cerrar la fiesta de presentación, el trío de “microzarzuela contemporánea” Salami Púrpura -formado por Mónica Sarrión, Clara Camarena y Mono Sapiens- ofrecieron un concierto donde música en directo y teatro-cabaret se fusionaron de manera natural, al más puro estilo del festival Cabanyal Íntim.

Cartel de Elías Taño de la novena edición de Cabanyal Íntim, por cortesía del festival.

Cartel de Elías Taño de la novena edición de Cabanyal Íntim, por cortesía del festival.

Relatos fragmentados para entender el mundo

Fragmentos que representan al mundo
Intervenciones: Rosana Antolí (7 de febrero), Gerard Ortin y Rodríguez-Méndez (7 de marzo), Fran Meana (28 de marzo) y Julia Mariscal (4 de abril) de 2019
Centre del Carme Cultura Contemporània
C / Museo, 2. Valencia

El Centre del Carme Cultura Contemporània ha venido mostrando en los últimos meses distintas propuestas que tensan los límites de la creación contemporánea transgrediendo el concepto tradicional de una exposición de arte o invirtiendo el rol del espectador pasivo por el de actor del hecho cultural. Se están mostrando exposiciones con obras que se pueden tocar, oler o sentir, o laberintos que obligan al visitante a tomar sus propias decisiones frente a la creación artística y en definitiva a participar de ella.

Obra de Rosana Antoli. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Obra de Rosana Antolí. Imagen cortesía del Centre del Carme.

La exposición ‘Fragmentos que representan al mundo’, comisariada por Diana Guijarro, es una muestra que, como las series de televisión, actualmente tan en boga, se ofrecerá por capítulos, con personajes nuevos que van entrando de forma periódica a escena y cuyas aportaciones van nutriendo y transformando el espacio en conexión con el resto de artistas y con el público. ‘Fragmentos que representan al mundo’ es la segunda exposición del ciclo ‘Totalidad e Infinito (economías de la transferencia en otros tiempos para el arte)’

Este segundo momento expositivo se plantea como un ciclo de intervenciones progresivas en el espacio, donde cinco artistas construyen un relato fragmentado cargado de futuro y de presagios. El director del Centre del Carme, José Luis Pérez Pont, destacó que “cada uno de los elementos que componen esta exposición, desde su hoja de sala, compuesta por los poemas y relatos que han inspirado las obras, hasta la propia estructura de la muestra conforman un dispositivo artístico que acciona nuevos modos de aproximarnos a la creación contemporánea”.

Obra de Rosana Antoli. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Obra de Rosana Antolí. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Según Diana Guijarro, “en este relato los lugares se invaden y los residuos se asientan para abrirnos al desliz de lo imprevisto, aquel que fluye de toda acción comunicativa que se presta a la intercambiabilidad de roles entre emisor y receptor”. “Un territorio en el que configurar un gesto simbólico que profundiza en lo político, mágico, social y coreográfico que encierran nuestros cuerpos”, añadió la comisaria.

El reparto está encabezado por la artista alicantina, Rosana Antolí cuyas propuestas audiovisuales están ya a disposición del público en la Sala Carlos Pérez del centro de arte. Se trata de seis videocreaciones donde Antolí resalta la importancia del gesto en el arte, como espacio de resistencia: el gesto como una representación de la inscripción cultural en el cuerpo. Con ello, la artista alicantina invita a explorar nuestro comportamiento y nuestros gestos diarios a través de sus coreografías y performances. “Desde lo cotidiano a lo extraordinario, de lo político hacia el absurdo, como una resistencia contra nuestro paradigma”, señala Antolí.

Diana Guijarro, comisaria de la exposición, junto a José Luis Pérez Pont, director del Centre Carme. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Diana Guijarro, comisaria de la exposición, junto a José Luis Pérez Pont, director del Centre Carme. Imagen cortesía del Centre del Carme.

La propuesta que presenta Antolí para el Centre del Carme forma parte de su proyecto ‘Virtual Choreographies’ en el que se encuentra trabajando desde 2016, que consiste en un mapeo de gestos del mundo. En el centro de arte valenciano se muestran, en estos momentos, gestos que la artista ha recogido en Londres y en Madrid. El próximo 21 de febrero la artista invitará al público a participar en su proyecto grabando los gestos de València para la elaboración de una nueva pieza audiovisual que se incorporará a la exposición y al proyecto global. El proyecto ‘Virtual Choreographies’ cuenta con el apoyo de la Arebyte Gallery en Londres y el Arts Council England.

Tras las propuestas de Rosana Antolí, se sumarán a la muestra las intervenciones de Gerard Ortin, y Rodríguez-Méndez, el 7 de marzo, Fran Meana, el 28 de marzo y Julia Mariscal, el 4 de abril. La exposición resalta, al igual que el ciclo, la importancia de formar parte de un todo, en el que el artista realiza un gran acto de transferencia donde el mensaje sólo tiene sentido cuando lo decodifica el público.

Obra de Rosana Antolí, Imagen cortesía del Centre del Carme.

Obra de Rosana Antolí, Imagen cortesía del Centre del Carme.

‘Macho Man’ de Álex Rigola en Festival 10 Sentidos

Festival 10 Sentidos
Centre del Carme Cultura Contemporània
C / Museo, 2. Valencia
Mayo de 2019

El Centre del Carme Cultura Contemporània será de nuevo una de las sedes principales del Festival 10 Sentidos el próximo mes de mayo, que en su VIII edición pretende reflexionar acerca del concepto de violencia y generar un diálogo para desmantelar el sistema violento e injusto en el que vivimos. Bajo el lema ‘Bestias’ la cita con las artes vivas en València, impulsada y promovida por Caixa Popular, pretende aproximarse a todo tipo de contextos violentos, con el fin de destaparlos y denunciarlos.

En este contexto el Festival 10 Sentidos y el Centre del Carme se han involucrado como coproductores en el último trabajo del director Álex Rigola, ‘Macho Man’, un espectáculo-instalación de teatro documento sobre violencia machista. Este artefacto dramatúrgico se instalará en el centro de cultura contemporánea en mayo y tratará de despertar la conciencia del espectador sobre uno de los temas más preocupantes de la sociedad actual. Se trata de un viaje escénico y experimental en forma de instalación donde el público pasa a ser el protagonista, desplazándose por los distintos espacios como si fuera un laberinto. Mediante un sistema de audio sin hilos, una mujer que ha sufrido violencia de género hace de guía y de documentalista.

Macho Man. Fotografía de Marti Artalejo por cortesía de Festival 10 Sentidos.

Macho Man. Fotografía de Marti Artalejo por cortesía de Festival 10 Sentidos.

El Centre del Carme Cultura Contemporània vuelve a involucrarse en la gestación del Festival 10 Sentidos, aunando esfuerzos, filosofías y objetivos. Presentando, entre otras propuestas, ‘Macho Man’, que ya se pudo ver en el festival Temporada Alta de Girona y que pasará por los Teatros del Canal de Madrid antes de recalar en València.

‘Macho Man’ no muestra sangre, ni cadáveres, pero revuelve conciencias y estómagos. Ese es el objetivo de esta propuesta y de todas en las que ya trabaja el Festival 10 Sentidos que afronta su octava edición. “Tengo una hija y no quiero que viva en un mundo como éste”, ha afirmado Rigola para explicar las motivaciones que le llevaron a poner en marcha este proyecto que se fijará en València durante varios días para que todo tipo de públicos puedan acudir a él.

Macho Man. Fotografía de Marti Artalejo por cortesía de Festival 10 Sentidos.

Macho Man. Fotografía de Marti Artalejo por cortesía de Festival 10 Sentidos.

El Festival 10 Sentidos, además, concertará una serie de visitas escolares con el fin de informar a las nuevas generaciones sobre la violencia machista y de aproximarle con realidades tristemente frecuentes a nuestro alrededor. Para esta labor cuenta con la colaboración del Institut Valencià de la Joventut-IVAJ, que busca concienciar y educar a las generaciones más jóvenes. El equipo detrás de este montaje escénico se ha percatado de que muchas chicas muy jóvenes, tras asistir, saben ponerle nombre a cosas que les ocurren, que les han ocurrido o que podrían ocurrirles en el futuro. Esa es una de las motivaciones con esta pieza.

En ‘Macho Man’ se plantea un recorrido aproximado de unos 60 minutos. El público pasea en grupos de ocho personas por las once salas diferentes en las que los espectadores leerán, pasearán, escucharán, elegirán e interactuarán con los espacios y con otros participantes. En el laberinto se toparán con testimonios y conversaciones reales, así como con textos, sentencias, declaraciones, fotografías, libros y vídeos que sirven para aproximarse en primera persona a esta lacra. El Instituto de la Mujer cifró en 47 las víctimas asesinadas presuntamente por sus parejas o ex parejas en 2018. Si se contabilizasen otros casos en los que los asesinos no tienen o han tenido una relación sentimental con sus víctimas, se reconocería a otras 50 víctimas de violencia machista el año pasado, como sucedió con casos como los de Diana Quer o Laura Luelmo.

Macho Man. Fotografía de Marti Artalejo por cortesía de Festival 10 Sentidos.

Macho Man. Fotografía de Marti Artalejo por cortesía de Festival 10 Sentidos.

En el recorrido, en un espacio diseñado por Max Glanzel, se incluyen recovecos interactivos en los que el espectador ha de señalar qué sentencias judiciales son reales o no, y en los que se evalúa el nivel de machismo o la implicación de cada cual en la lucha contra la violencia a través de preguntas en una instalación similar a los vis a vis carcelarios.

Rigola ha precisado de 10 meses de exhaustiva documentación para levantar el proyecto y el asesoramiento de la psicóloga Alba Alfageme. El montaje corre a cargo de Heartbreak Hotel, una compañía de artes escénicas con el espíritu de investigación de nuevas formas de narración escénica pero también con el deseo de confrontar el público con los valores de nuestra sociedad contemporánea.

Macho Man, de Álex Rigola.  Fotografía de Marti Artalejo por cortesía de Festival 10 Sentidos.

Macho Man, de Álex Rigola. Fotografía de Marti Artalejo por cortesía de Festival 10 Sentidos.

Bonitas falsedades sonoras

‘Innovation ¡En Vivo! Boniques Falsedats’
Berklee College of Music
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Sábado 1 de diciembre de 2018

La Berklee College of Music presenta el sábado 1 de diciembre ‘Innovation ¡En Vivo! Boniques Falsedats’ por primera vez en el Centre del Carme Cultura Contemporània de València. Este evento, gratuito y caracterizado por su espíritu innovador, verá la puesta en escena de actuaciones de diversos estilos de música, sesiones de DJ, instalaciones audiovisuales y presentación de prototipos de gestión musical durante más de ocho horas.

El evento, que tendrá lugar en el claustro gótico, comenzará a las 14 horas, con la presentación de prototipos de proyectos que pretenden revolucionar la gestión de la industria musical. El concierto ‘Innovation ¡En Vivo! Boniques Falsedats’ comenzará con un primer pase de 15h a 18h con las bandas Cultura Nova, Shadows in the Fire, Celestine & Earlybird, Piece: 4 Miniatures, Xela, Voltage in the Wind y Mischievous, y de los DJs Marc de Mauve, Lady Blackice, y Ben Cantil Ensemble.

Ben Cantil. Imagen cortesía de Berklee College of Music

Ben Cantil. Imagen cortesía de Berklee College of Music

A ello le seguirá un interludio de 18h a 20.30h en la Sala Zero del centro de arte donde se presentarán las rompedoras instalaciones artísticas Floating Room, Reflections, SIDES y Miratge, pieza en la que colaboran alumnos de Berklee y el escultor valenciano Rafael Amorós. La cita finalizará con un segundo pase del concierto de 20.00h a 23.30h.

‘Innovation ¡En Vivo! Boniques Falsedats’ está inspirado en una cita escrita por Oscar Wilde en ‘La decadencia de la mentira – Una observación’: “Todo el mal arte proviene de copiar la naturaleza y ser realista, todo el gran arte proviene de mentir, engañar y contar hermosas falsedades”.

Mischievous. Imagen cortesía de Berklee College of Music.

Mischievous. Imagen cortesía de Berklee College of Music.

El director del Centre del Carme, José Luis Pérez Pont, señaló que “con esta propuesta la Berkee College of Music entra por primera vez en el Centre del Carme Cultura Contemporània abriendo una nueva línea de trabajo y de colaboración entre ambas instituciones. Este evento, que fusiona las nuevas tecnologías con el arte sonoro, encaja con la filosofía de este centro buscando un tipo de público interesado por la interrelación de las artes”.

Pérez Pont añadió que “la música ha ocupado un lugar destacado dentro de la programación del Centre del Carme a lo largo de este 2018, sirviendo las actuaciones de la Berklee como colofón a un año de apuesta por la innovación y la experimentación sonora y una declaración de intenciones para el próximo 2019”.

Con esta nueva edición de ‘Innovation ¡En Vivo! Boniques Falsedats’, Berklee ofrecerá un alucinante espectáculo multisensorial y gratuito con el que los asistentes experimentarán el futuro de la música en el histórico Centre del Carme. Las instalaciones audiovisuales se podrán ver en la Sala Zero hasta el 9 de diciembre.

Imagen cortesía de Berklee College of Music

‘Innovation. ¡En Vivo! Boniques Falsedats’. Imagen cortesía de Berklee College of Music.

Coreógrafos de vuelta a casa

Migrats (en breu)
Organizan Espacio Inestable y Centre del Carme Cultura Contemporània
Espacio Inestable
C / Aparisi i Guijarro, 7. València
Centre del Carme
C / Museu, 2. València
Del 14 al 25 de noviembre de 2018

Espacio Inestable y el Centre del Carme Cultura Contemporània organizan, por segundo año consecutivo, el ciclo de danza contemporánea ‘Migrats (en breu)’, que acoge a más de 20 creadores de danza contemporánea del territorio valenciano bajo la etiqueta de ‘migrados’. Tras el éxito de su primera edición, este año la organización de Migrats ha optado por aumentar el número de espectáculos hasta un total de 20, así como extender la programación en el Centre del Carme Cultura Contemporánea a dos fines de semana.

El objetivo del ciclo de danza de piezas breves es principalmente ser una plataforma que dé apoyo y visibilidad a coreógrafos del territorio que, bien por necesidad o por voluntad, han emigrado a otros países para desarrollar su actividad artística. En este sentido, la organización entiende el concepto de artistas migrados en dos sentidos: por un lado, artistas valencianos que desarrollan desde hace ya años su actividad principal en otros países sobre todo europeos; y por otro lado, artistas y compañías valencianas emergentes que aún no han tenido visibilidad en circuitos oficiales y que son susceptibles de migrar a otros países en los próximos años.

Cartel de 'Migrats'. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Cartel de ‘Migrats’. Imagen cortesía del Centre del Carme y Espacio Inestable.

Conforman la programación de las dos semanas, entre otros, artistas como Tina Forés y Juan Sánchez desde Austria; Noemí Jiménez y Néstor García desde Bélgica; Marta Reig Torres y Noberto Llopis desde Holanda; o Lucía Jaén desde Dinamarca; compartiendo escenario con valencianos emergentes como Inka Romaní, Mauricio Pérez, Les Juntes o alumnas del Conservatori Superior de Dansa.

La coordinación artística de este año se ha llevado a cabo desde Proyecto Inestable y el Centre del Carme Cultura Contemporània, contando como la edición anterior con el comisariado de Rocío Pérez, Tatiana Clavel y Santi de la Fuente, profesionales de la danza y profesores de los dos conservatorios de danza de València.

Éstos últimos apuntaron sobre Migrats que “supone una oportunidad excepcional de ver talentos emigrados y talentos locales que emigrarán a menos que las cosas cambien. Los participantes comparten escenario con piezas cortas en las que no aparece línea divisoria entre veteranos y aprendices. Migrats supone un encuentro, un intercambio, una puesta en común sobre el hecho de bailar perteneciendo a este lugar del mundo […] Es una palabra de aliento a los que se han ido (para que vuelvan cuanto antes) y a los que se irán (para que se acuerden de nosotros y vuelvan)”.

SEMF Inka Romani, en 'Migrats'. Imagen cortesía del Centre del Carme.

SEMF Inka Romani, en ‘Migrats’. Imagen cortesía del Centre del Carme y Espacio Inestable.

La compañía de reciente creación Col·lectiu Tal Vegada, con Emma Romeu y Núria Crespo, conforma el cartel e imagen del ciclo en esta segunda edición. La organización seleccionó su pieza de entre todas las presentadas en la anterior edición para residir en Espacio Inestable este año y presentar una pieza de formato largo, la única en esta edición de Migrats, que podrá verse los miércoles 14 y 21 de noviembre en Espacio Inestable.

El director del Centre del Carme, José Luis Pérez Pont, subrayó “la importancia de trabajar desde las instituciones públicas por impulsar el desarrollo de un sector artístico valenciano fuerte que evite la huida de sus profesionales”. Las actuaciones podrán verse de miércoles a domingo, del 14 al 25 de noviembre, a las 20.00 horas en Espacio Inestable; y los sábados y domingos a las 12.00 horas en el Centre del Carme Cultura Contemporània, estas últimas con acceso libre.

Joaquín Collado en 'Migrats'. Imagen cortesía del Centre del Carme y Espacio Inestable.

Joaquín Collado en ‘Migrats’. Imagen cortesía del Centre del Carme y Espacio Inestable.