Monterrosa abre los ‘Deseos’ de Russafa Escènica

Russafa Escènica. Festival de otoño
Diversos espacios de València
Del 23 de septiembre al 4 de octubre de 2020
Viernes 4 de septiembre

El festival de otoño Russafa Escènica acaba de publicar el contenido de sus actividades paralelas, cerrando así la programación de la X edición del festival. Se trata de un conjunto de propuestas, la mayor parte de ellas dirigidas a profesionales, que invitan a reflexionar sobre el lema de la edición, ‘Deseos’. En total son nueve las actividades paralelas que se desarrollarán dentro y fuera del barrio de Ruzafa entre el 23 de septiembre y el 4 de octubre. 

El dúo de technopop Monterrosa será el encargado de abrir Russafa Escènica 2020 en la fiesta de inauguración que acogerá el Centre del Carme Cultura Contemporània el miércoles 23 de septiembre, con la colaboración del Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana. El grupo, habitual en muchos festivales de música, transmiten un mensaje de diversidad y reivindican la diferencia a través de música bailable y pegadiza. 

Russafa Escènica
Celso Giménez (La Tristura), en las actividades paralelas de Russafa Escènica. Imagen cortesía del festival de otoño.

La formación para profesionales de las artes escénicas nunca falta en las actividades paralelas del festival. En este caso, destaca el curso de artes vivas del director y dramaturgo Celso Giménez (La Tristura) ‘Después de hacer el amor siempre pienso en el trabajo’. Las sesiones, del viernes 24 al sábado 26 de septiembre tendrán lugar en el Centre del Carme Cultura Contemporània. 

A este curso se le suman dos talleres: de escritura teatral con la autora, actriz y directora Begoña Tena, ‘Escribir desde el deseo’, y de interpretación conducido por el director, dramaturgo y guionista Víctor Sánchez, ‘El artificio de la verdad’. El primero se desarrollará en la Sala SGAE Centre Cultural de Valencia el lunes 28 y martes 29 de septiembre. El segundo se llevará a cabo en la Sala Matilde Salvador del Centro Cultural La Nau de la Universitat de València entre el jueves 1 y el sábado 3 de octubre. 

La actriz y directora Begoña Tena impartirá un curso de escritura teatral en Russafa Escènica. Imagen cortesía del festival de otoño.

También habrá espacio para debatir y tomar el pulso a la situación de las artes escénicas. En este sentido, Teresa de Juan, distribuidora y gestora cultural, propone una charla dirigida a jóvenes emprendedores culturales Venta y distribución de las artes escénicas’. Por su parte, el 4 de octubre se ha programado una mesa de debate y opinión con agentes y asociaciones del sector de las artes escénicas. Un encuentro abierto que lleva por título ‘Ayudas para el sector de las artes escénicas ¿un deseo imposible?’

Todos los años el festival Russafa Escènica invita a un grupo de programadores a nivel nacional y autonómico con el objetivo de presentarles las propuestas que componen la programación de cada edición. Este año, el equipo de a+ soluciones culturales coordina un encuentro entre compañías y programadores, ‘Deseo que me conozcas’ en formato de speed-dating en el que los primeros tendrás un espacio breve de tiempo para presentar sus proyectos.

Teresa de Juan, en las actividades paralelas de Russafa Escènica. Imagen cortesía del festival de otoño.

Como ya es habitual en el festival, por cuarto año consecutivo se convoca el IV Premio de Dramaturgia Russafa Escènica posible gracias a la colaboración de la Fundación SGAE a través de su Consejo Territorial de la Comunidad Valenciana. Se trata de un reconocimiento a una de las piezas cortas de teatro textual que forman parte de la programación de la edición 2020, con el objetivo de dotar de recursos al creador o creadora para que pueda transformarla en pieza larga. Para ello contará con la colaboración de Begoña Tena.

La edición ‘Deseos’ cerrará el 4 de octubre con una fiesta de clausura en la Sede de la Universitat Popular de València (Naus de Ribes) exactamente en la entrada del Parque Central de Valencia. En ella se hará entrega del Premio de Dramaturgia Russafa Escènica y se contará con la actuación de Roberto García, con su espectáculo ‘Roberberación’. 

El dúo Monterrosa. Imagen cortesía de Russafa Escènica.

MAKMA

Identidad, lustros y memoria. 20 años de La Nau

#MAKMAOpinión | MAKMA ISSUE #02
Jose Ramón Alarcón | Identidad, lustros y memoria. 20 años de La Nau
MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, 2019
Sábado 15 de agosto de 2020

Tomando como lema referente “Razón crítica, cultura científica”, en tanto que norte hacia el que orientar la materialización de sus fundamentos constitutivos, “de origen ciudadano no vinculado al poder religioso ni real”, la Universidat de València y el Centre Cultural La Nau transitan durante 2019 portando consigo la singular efeméride de su respectiva gestación.

Si la UV conmemora sus 520 años de historia, desde que, en 1499, Els Jurats, o representantes de la ciudad, redactaron los estatutos primigenios de la nueva institución –siendo inaugurada en 1500 y atesorando, definitivamente, el rango de universidad entre 1501 y 1502, previa bula papal y privilegio real–, La Nau, amén de sede institucional del Rectorado y del Vicerrectorado de Cultura y Deporte –que comandan, en la actualidad, María Vicenta Mestre y Antonio Ariño, respectivamente–, cumple su vigésimo aniversario como espacio y centro cultural, tras las remodelaciones implementadas en 1999.

La Nau,
Páginas iniciales del artículo publicado en MAKMA ISSUE #02.

Dos décadas que han permitido al Centre Cultural La Nau erigirse en ineludible referencia académica, argumental, didáctica y expositiva de la ciudad, acogiendo y desarrollando un henchido cronograma de contenidos emparentados con las artes visuales, literarias, musicales, escénicas y cinematográficas, emprendidos desde la propia universidad o acogiendo iniciativas y proyectos de otras instituciones con las que mantiene una fértil relación –como el Ayuntamiento de València, el Instituto Valenciano de la Música o el Liceu de Barcelona, entre otras–, asociaciones –Capella de Ministrers, Victoria Musicae, la Sociedad Filarmónica de València, la Societat Coral El Micalet o el Cor de Cambra Lluís Vich, verbigracia–, así como empresas y gestores culturales independientes, que completan, de este modo, su ubérrimo calendario de contenidos.

Y debe ser sobre los vestigios de su devenir histórico y argumental sobre los que proseguir edificando el horizonte de sus propuestas. Por ello, el actual edificio neoclásico de Joaquín Martínez acoge la apertura de la Sala de Vigas, un nuevo espacio expositivo permanente en el ático de La Nau, erigido en Centro de la Memoria Arqueológica y Artística, en el que, además de exhibir una parte inédita de las colecciones de la Universitat de València, mostrar al público visitante ingente material recuperado y procedente de diversas excavaciones acometidas en su claustro de columnatas de orden toscano, así como piezas arqueológicas cedidas por el Ayuntamiento de València.

Un significativo aditamento morfológico que viene a sumarse a las novedades que rubrican y consagran el itinerario de sus cuatro lustros de existencia, partiendo de la identidad gráfica, dinámica y visual –con trazo manual, azules corporativos y magentas–, realizada por el ubicuo diseñador Boke Bazán, con la que afrontar estilísticamente sus “500+20 Anys” de historia.

Portada de MAKMA ISSUE #02, a partir de una de las obras del proyecto ‘Autocines’ (2019), de la fotógrafa Gala Font de Mora.

De este modo, el pasado mes de marzo tres inaguraciones simultáneas incoaban los actos conmemorativos, como fueron ‘Idea. Imagen-Universidad Reloaded’, una instalación interactiva del Laboratorio de Luz de la Universidad Politécnica de València, y ‘Lejos del canon. Veintitrés obras del Museo de Vilafamés’, comisariada por Rosalía Torrent y José Miguel Molines en la Sala Academia –que supone una celebración conjunta del medio siglo de existencia de ambas instituciones–, así como ‘Self made woman’, de la artista Concha Ros, con motivo del Día Internacional de la Mujer.

A ello deben sumarse algunas novedades, de entre las que destacan la creación de una plataforma propia que facilita la visualización online de sus colección cultural y científica (https://colecciones.uv.es), a modo de museo virtual, y la reciente creación del Aula de Còmic de la Universitat de València, dirigida por el profesor de la UV Álvaro Pons Moreno, cuyos contenidos pretenden reflexionar y divulgar el denominado noveno arte, mediante el desarrollo de actividades, encuentros con autores y mesas redondas, en colaboración con la Cátedra de Estudios del Cómic Fundación SM-Universitat de València, y erigiéndose en el segundo espacio universitario del país destinado al cómic.

Igualmente, deben sumarse a las actividades del presente año otras efemérides de relevancia, como la que deviene cardinalmente por parte de Mètode, Revista de Difusió de La Investigació de la UV, y que cobra forma en la muestra ‘Mètode: 100 números de ciencia’; y, sin duda, la colaboración de La Nau en el trigésimo aniversario del Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), cuya exposición ‘Gentes y lugares. Gabriel Cualladó en la colección del IVAM’ (del 3 de octubre al 8 de dicimebre de 2019), comisariada por Álvaro de los Ángeles, se centra en la mirada pausada del fotógrafo oriundo de Massanassa.

‘Dona calidoscòpica’, de Concha Ros. ‘Self made woman’ (Centre Cultural La Nau, 2019).

Jose Ramón Alarcón

3.000 horas de cultura digital en el Centre Cultural La Nau

Cuatro meses de digitalización de los contenidos culturales
Centre Cultural La Nau de la Universitat de València
Tiempo de pandemia por la Covid-19
Martes 28 de julio de 2020

Más de 42.000 visualizaciones, más de 160 vídeos, el equivalente a casi 3.000 horas de cultura digital. Este es el balance de los últimos cuatro meses en los que, por la situación provocada por la Covid-19, el Vicerrectorado de Cultura y Deporte de la Universitat de València ha digitalizado todos los contenidos culturales que ha producido.

“Desde el primer día, la consigna y apuesta clara del vicerrector de Cultura, Antonio Ariño, fue la de que habría que adaptarse a la situación, y que la Universitat debía volcar su cultura al formato digital y comenzar a crear ya directamente cultura digital. Esta ha sido una medida no solo destinada a salvar a uno de los sectores más afectados por la pandemia, como es el de la cultura, sino también dirigida a concienciar a la ciudadanía sobre una cuestión esencial: “quedarse en casa, con lo que nosotros sabemos hacer: cultura universitaria”, explica la periodista cultural de la Universitat de València, Magda R. Brox.

Cartel de DocuVir.20, laboratorio de cortos de La Nau.

Ahora todos los contenidos culturales están disponibles en el Canal YouTube del Centre Cultural La Nau de la Universitat de València, que se ha convertido en un repositorio de cultura digital con centenares de horas de programación muy variada para ser “consumida” en cualquier momento y desde cualquier lugar. En cuatro meses se han suscrito cerca de 1.000 personas.

“Aprovechando las vacaciones de agosto, queremos invitar a la sociedad a consumir estos contenidos culturales que se caracterizan por la diversidad: debates, música, literatura, danza, teatro, cómic, exposiciones, talleres para los más pequeños…, todo organizado en listas de reproducción específicas, con formatos nacidos durante el coronavirus y otros ya existentes, que han adaptado su programación”, puntualiza la periodista de la institución.

El Canal YouTube del Centre Cultural La Nau de la Universitat de València, en el marco de La Nau Digital, recoge un curso de literatura gratuito en cuatro sesiones; recomendaciones de lecturas donde escritoras y escritores, poetas o docentes comentan y aconsejan novelas, ensayos o libros de poesía; talleres creativos para menores; propuestas escénicas a cargo de estudiantes de la Universitat; presentaciones de películas del ciclo ‘Nits de Cinema’; conciertos de distintas formaciones; charlas del Aula de Còmic; conferencias y debates, entre otras propuestas.

Fotograma de ‘¿Quién puede matar a un niño?, de Narciso Ibáñez Serrador, en Nits de Cinema de La Nau.

Durante el estado de alarma y por la imposibilidad de realizar actividades presenciales en el Centre Cultural La Nau de la Universitat, el Vicerrectorado de Cultura y Deporte ha adaptado la programación al formato digital, y en lo que concierne a debates, conferencias y seminarios, además de digitalizar los ya existentes, ha lanzado varios programas online como ‘VALÈNCIA THINKS GLOBAL. Imaginem el futur’, ‘WebinarsLANAU’ y ‘Las personas mayores ante la Covid-19’. Entre los participantes a estas sesiones figuran fotoperiodistas, artistas, periodistas, políticos y profesores, como la Premio Nacional de Sociología y doctora ‘honoris causa’ por la Universitat de València, María Ángeles Durán.

En el ámbito audiovisual se ha creado ‘DocuVir.20’, un festival de cortometrajes online centrado en las nuevas formas de sociabilidad y solidaridad en tiempos de la Covid-19, con la colaboración de la Generalitat Valenciana y el Ayuntamiento de València, y que permite visualizar en el YouTube de La Nau más de medio centenar de microrrelatos audiovisuales, entre ellos los dos premiados: Paréntesis (Premio al Mejor Cortometraje) y Galletas (Premio del Público).

En cuanto a las exposiciones, además de crear visitas virtuales por la obligación de cerrar los espacios, se han puesto en marcha nuevos proyectos como ‘Coronacrisis y cultura: Propuestas de creadores valencianos’, con una fase online (ya accesible) en el Canal Instagram del Centre Cultural La Nau de la Universitat de València, en la que los 50 creadores participantes llevan semanas trabajando y están realizando grabaciones en vídeo a través de las que exponen sus propuestas en tres momentos de la fase de creación, por lo que en total se emitirán 150 píldoras audiovisuales. La exposición física (fase offline), en la Sala Acadèmia del Centre Cultural La Nau de la Universitat de València, se abrirá previsiblemente el 29 de septiembre, siempre que la situación sanitaria lo permita.

Por último, y después de más de 30 años del festival ‘Serenates’, en esta edición las noches de música en el histórico claustro universitario, se han transformado en grabaciones en formato digital con un récord de participación con respecto a las anteriores ediciones: los 10 conciertos han registrado más de 6.000 visualizaciones.

Concierto de La Remembrança en Serenates. Imagen cortesía de La Nau.

Un ‘Paréntesis’ en nuestras vidas

DocuVir.20
Certamen de cortometrajes online
Centre Cultural La Nau de la Universitat de València
Jueves 23 de julio de 2020

Cómo contar lo máximo sobre la situación de obligado enclaustramieno con los mínimos medios. Era el desafío que planteaba el proyecto DocuVir.20, un certamen de cortometrajes online que el Centre Cultural La Nau de la Universitat de València y la Fundación General de la Universitat lanzaron el pasado mes de abril sobre la COVID-19 y las nuevas formas de sociabilidad y solidaridad desarrolladas durante la pandemia.

Con gran éxito de participación se seleccionaron un total de 54 obras, muestra de la gran diversidad de trabajos presentados, entre los que se encuentran cortos documentales, de ficción, experimentales y de animación, algunos firmados por destacados autores del cortometraje español.

Tras un proceso de unos cuatro meses llega la hora de conocer a los ganadores del Premio al Mejor Cortometraje y Premio del Público. ‘Paréntesis’, dirigido por la argentina Samira Karki y el colombiano Sebastián Londoño, se ha llevado el galardón a Mejor Corto premiado con 350 euros, mientras que la pieza más votada por el público ha sido ‘Galletas’, del sevillano Julio Casielles.

‘Paréntesis’, de Samira Karki y Sebastián Londoño. Imagen cortesía de La Nau.

Samira Karki y Sebastián Londoño trabajaron a distancia con la ayuda de varios compañeros que les enviaron imágenes y reflexiones desde diferentes partes del mundo.»El corto surgió de la imperiosa necesidad de relatar este momento que atravesamos», dice Karki. «Me parecía increíble pensar que la ficción queda pequeña muchas veces frente a estos sucesos de la vida real. Entonces se nos ocurrió empezar a hablar a nuestras amistades que estaban viviendo esto en distintas partes del mundo y que cada uno, en sus salidas permitidas o incluso desde sus propias casas, filmasen con sus celulares imágenes que para ellos representasen este momento tan particular”.

La cineasta ganadora detalla que “fue un proceso creativo interesante y nuevo. Entendimos que mucha gente ajena al cine y sin conocimientos previos es capaz de generar planos hermosos y transmitir mucho con las imágenes. Comprendimos que lo que estábamos viviendo era interesante y urgente para documentar. Por último, entendimos que este sentimiento era universal, que estábamos en la misma sintonía: vulnerables e interpelados por este momento de ‘paréntesis’ en nuestras vidas”.

‘Galletas’, de Julio Casielles. Imagen cortesía de La Nau.

El Premio del Público, dotado con 150 euros, es para ‘Galletas’, que recibió casi 400 votos de los cerca de 3.500 emitidos en total. Se trata de un corto de ficción dirigido por Julio Casielles y producido por Nucelar Films, que ahonda en la virtualización de las relaciones personales a consecuencia de la pandemia y da cuenta, en clave de comedia, de la capacidad de adaptación del ser humano y su empeño en seguir demostrando amor y aprecio hacia sus seres queridos pese a la distancia y la soledad impuestas por el confinamiento.

Además, se ha concecido un Accésit a ‘Metros/horas’, de la estudiante valenciana de Comunicación Audiovisual Ángela Sanz, una original propuesta de indudable calidad técnica en la que la protagonista, atrapada entre las paredes de su casa en el día 50 de cuarentena, sufre una distorsión de la percepción espacio-temporal, rodeada de sonidos cotidianos que se entremezclan en unos cuantos metros cuadrados en los que cualquier objeto se convierte en la puerta que abre la anhelada salida.

Imagen gráfica del cartel de DocuVir.20, obra de Patricia Bolinches.

De los más de 50 cortos seleccionados en esta primera edición de DocuVir.20, disponibles en el Canal de YouTube del Centre Cultural La Nau, 11 son los finalistas. Además de ‘Paréntesis’ y ‘Metros/Horas’, han sido escogidos por el Jurado Oficial: ‘Los días que pasan’ (Antonio Savinelli), ‘Al otro lado del charco’ (Borja Barroso), ‘Robot delivery’ (Ferran Carbonell), ‘A phone story’ (Nacho Errando), ‘Energía positiva’ (Nacho López Murria), ‘Resiliencia-19’ (Laura Cuenca), ‘Solo’ (Sendoa Cardoso), ‘Triaje’ (Teresa Barberena) y ‘Pánico en la habitación’ (Manuel Collado). 

DocuVir.20, cuya imagen es creación de la ilustradora y diseñadora gráfica valenciana Patricia Bolinches, es un proyecto del Vicerrectorado de Cultura y Deporte de la Universitat de València a través del Aula de Cine y el Observatorio Cultural. Se plantea como un laboratorio de cortometrajes para la innovación sociocultural con vocación de continuidad, y prevé celebrar su segunda edición en 2021.

‘Paréntesis’, de Samira Karki y Sebastián Londoño. Imagen cortesía de La Nau.

“La fanatización provoca la apolitización ciudadana”

‘La pandemia del neoliberalismo y Europa’ (9 de junio)
‘València Thinks Global. Imaginem el futur’
Encuentro online con los filósofos José Luis Villacañas, Nuria Sánchez y Luis Alegre. Moderado por Antonio Ariño
Centre Cultural La Nau Digital
Lunes 15 de junio de 2020

El sociólogo Jesús Ibáñez supo ver, a finales de los 70, la diferencia que había entre el capitalismo de producción, en el que el sujeto y las huellas que imprime a las cosas son barridos, con el fin de que los trabajos y los productos sean meramente intercambiables, y otro capitalismo de consumo, en el que “los hombres y las cosas son átomos insignificantes que se acoplan a los terminales del capital”, valiendo precisamente por esa “disponibilidad y capacidad de acoplamiento”. El neoliberalismo vendría a ser una vuelta de tuerca más a ese acoplamiento, con el beneplácito de un sujeto consumidor que olvida su inalienable libertad para caer en brazos de Morfeo, por simplificar, el dios del sueño.

No es que el capitalismo, y su neoliberalismo posmoderno, sea pernicioso por ese carácter alienante, que ya se dio, y de qué manera, en los regímenes comunistas, sino por su capacidad para llevar al extremo la deshumanización del sujeto, convertido en un objeto más de tan vasta maquinaria industrial y tecnológica. Para hablar de sus peligros y de sus grietas, quién sabe si abiertas de par en par como consecuencia de la pandemia por el coronavirus, La Nau de la Universitat de Valéncia reunió en un encuentro online a los filósofos José Luis Villacañas, cuyo último libro ‘Neoliberalismo como teología política’ (Ned Ediciones) sirvió de telón de fondo de la conversación, Nuria Sánchez y Luis Alegre, bajo el sugerente título de ‘La pandemia del neoliberalismo y Europa’.

José Luis Villacañas, en un momento de su intervención en el encuentro online de La Nau.

¿Por qué el neoliberalismo es una teología política? Porque, empezó diciendo Villacañas, “ofrece a los gobernados una gama de valores que es estrictamente idéntica a los valores de los gobernantes, ofreciendo una estructura de legitimidad. Como toda teología política tiene que estar en condiciones de interiorizar en el seno de los ciudadanos un esquema existencial que podamos considerar como comunidad de salvación”. Lo cual asoció con cierta conciencia de culpa que hace que quien no se adapte a este sistema neoliberal “no es por ningún tipo de razón que pudiera ser superada, sino exclusivamente por su culpabilidad, de manera que las vidas desdichadas o frustradas aparecen como un hecho originario, que no tiene que ser explicado adicionalmente, sino que depende de la propia mala gestión de la vida de quien ha fracasado”.

Como toda teología política, prosiguió Villacañas, “el neoliberalismo tiene necesidad de un otro trascendente, una dimensión sacrificial”, siendo ese otro trascendente “el proceso de acumulación capitalista”. ¿Cuál es la novedad de este sistema?, se preguntó el también autor de ‘Populismo’: “Que no tiene fisura, de manera que la razón instrumental de la economía, que hasta ahora era un simple medio, se convierte en un fin absoluto. Y esto condiciona la vida social de dos maneras: si no te has capitalizado, no puedes entrar en las esferas de acción, y si algo no puede favorecer la acumulación, deja de existir. Por ejemplo: si la sanidad no puede ser atendida por procesos de capitalización, no tienes derecho a la sanidad. Esto significa un estrechamiento de la vida social de índole extraordinariamente novedosa”.

Nuria Sánchez, en un momento de su intervención online en La Nau.

Nuria Sánchez señaló una de las grandes características de este neoliberalismo asimilado por el sujeto como parte natural de su psique: “La ética sacrificial se ha transformado en la ética del sujeto empresario de sí mismo”. Luis Alegre fue un poco más lejos: “El neoliberalismo nos ha robado el alma y lo ha sustituido por una especie de motor mecánico del homo economicus. Y una vez operada esta transformación no se aviene a diálogo”, porque “allí donde cada uno de los individuos nos hemos convertido en una especie de computadora de cálculo maximizador del propio beneficio, ya no hay propiamente diálogo en una dimensión política”.

Según Villacañas, “los límites del neoliberalismo no van a ser automáticos, porque la reactivación del mundo de la vida por la técnica nos puede llevar a mundos virtuales, que pueden evadir los límites medioambientales y, sin embargo, dar lugar a transformaciones ingentes del mundo de la vida que sigan manteniendo las premisas neoliberales, en tanto favorecen el aislamiento, los modos de vida mediados por la técnica, y el principio del placer. O hay militancia contra el liberalismo o los límites de éste pueden ir ampliándose indefinidamente”.

De izda a dcha y de arriba abajo, Alegre, Ariño, Villacañas y Sánchez, en el encuentro online de La Nau.

El neoliberalismo, explicó Sánchez, genera crisis de manera regular y cíclica: “Y la crisis es ese momento de verdad en el que la población se filtra a sí misma: miras en tu interior y te culpabilizas, y consideras que algo has hecho mal en tu plan vital. Pero el neoliberalismo ante la pandemia, cuando la alternativa es la vida o la muerte, recibe una conmoción importante, para la que parece que no tiene cobertura”.

Un mundo de la vida que está bien ordenado desde el punto de vista de la libertad, aseguró Villacañas, genera intensidad de experiencia y variaciones no programadas. Pero esa intensidad de la experiencia, subrayó, “se queda opacada cuando tu forma convencional de relacionarte con el mundo es a través de las dimensiones virtuales”. “Cualquiera que haya estado viviendo bajo el supuesto de que los cuerpos están gozando o están sufriendo, para él es imprescindible regresar al mundo de la presencialidad, sobre todo cuando vemos que solo sobre una vida construida, sobre una práctica de virtualidad, de distanciamiento, de inhibición del cuerpo, cabe pensar que un policía puede tener la rodilla en el cuello de alguien durante nueve minutos. Esta dimensión de insensibilidad del cuerpo, solo se explica desde esta dimensión de virtualidad”, agregó.

Luis Alegre, durante su intervención en el encuentro online de La Nau.

Alegre citó al escritor Oscar Wilde, para referirse a la vida como una obra de arte, lo cual “es, obviamente, todo lo contrario de vivirla como un libro de contabilidad”.

“El espectáculo al que hemos asistido, de abandono de tantas personas en residencias, va introduciendo en el psiquismo social el hecho de que tú te puedes permitir tener un padre o una madre de 80 o 90 años, cuando lo puedes pagar o cuando la Consejería de Sanidad lo puede pagar, y cuando no, pues te quedas sin ellos. Y ese mensaje lo han recibido muchas familias. Y están reaccionando tardíamente, después de que se haya producido el golpe”, resaltó Sánchez.

Portada del libro ‘Neoliberalismo como teología política’, de José Luis Villacañas.

Villacañas se refirió a la sociedad civil que en el fondo, subrayó, “sigue siendo una estructura afín al neoliberalismo, porque es el momento en que unos pierden y otros ganan y eso siempre ha sido la sociedad civil, incluso para Marx. Pero tenemos que encontrar un principio económico que no implique que unos pierden y otros ganan. Lo que ha demostrado la pandemia es que la vida no es así, sino que cuanto más vida pones en algo, más vida produces, más vidas salvas”. Alegre aludió a ese carácter mercantil de la democracia como una de sus principales amenazas. “Al ciudadano le corresponde un concepto de libertad que no es el mismo que el que le corresponde al de consumidor. La ciudadanía ha quedado disuelta a favor de la condición de consumidor, incluso de opciones políticas. También se han roto las relaciones intergeneracionales.

“Se participa en el consumo cuando se entra en un mundo de la vida tecnificado y se entra sin darse cuenta, por eso es tan peligroso. Cuando ves a chicos muy pequeños con su ipad, entran en eso con la vida y depende mucho de los padres que se haga de un modo controlado. Tenemos la sospecha de que la relación del neoliberalismo con la democracia era meramente instrumental y en cierto modo cínica”, señaló Villacañas, “La fanatización de la vida política lleva consigo la apolitización de la inmensa mayoría de los ciudadanos, esto es, lleva consigo una concentración del interés político en los fanáticos. Y la gente medianamente bien dispuesta a una vida común normalizada sale y abandona la escena. Y esto es algo que no debemos permitir; debemos disputarle el espacio político al neoliberalismo”, concluyó.

José Luis Villacañas presentando su libro, por cortesía de Ned Ediciones.

Salva Torres

45 expositores y 25 actividades en SINDOKMA

IV SINDOKMA Festival del Libro
Centre Cultural La Nau
Universitat 2, València
Del 24 al 27 de octubre de 2019

El Festival del Libro SINDOKMA –coorganizado por MAKMA, la Asociación de Profesionales para la Acción Cultural Contemporánea (APACC), el Centre Cultural La Nau y la Conselleria d’ Educació, Investigació, Cultura i Esport– destaca, con entidad propia, de entre las diversas acciones emprendidas por MAKMA durante los últimos seis años, consolidándose, en esta cuarta edición, como un encuentro de referencia para el sector del libro, mediante la presencia de editoriales independientes, sellos de edición contemporánea y libro de artista del mapa cultural nacional e internacional.

La IV edición de SINDOKMA tendrá lugar del 24 al 27 de octubre de 2019, en el Centre Cultural La Nau de la Universitat de València, y su imagen creativa ha sido realizada por Ana R. Leiva (València, 1969), en calidad de artista invitada. De este modo, el festival pretende seguir refrendando la labor y el talento artístico radicado y solidificado en la Comunidad Valenciana, tal y como hubo procurado en su edición de 2018 –que contó con la autoría del diseñador y artista Fernando García del Real–.

Cartel de SINDOKMA Festival del Libro 2019.

45 EXPOSITORES

SINDOKMA Festival del Libro contará con la participación de 45 expositores de la Comunidad Valencia y de ciudades como Madrid, Bilbao, Cuenca, Albacete, Gijón, Oviedo o Toledo, así como sellos italianos y eslovenos, a través de dos secciones: Específicos y Heterodoxos y VABOOK. La primera agrupa a editoriales independientes, y contará con la presencia de Aurora Dorada Ediciones, Barlin Libros, Canibaal, Concreta, Contrabando, Colección Científicos, DXI Publications, Editorial Pez de Plata, El Doctor Sax, Ediciones Intrépidas, El Nadir, Huso Editorial, JPM, Es Pop, Huerga y Fierro, Lastura Ediciones, MAKMA Ediciones, Malinc, Reediciones Anómalas, Trama y Fondo, Vaso Roto y Versos y Trazos.

Por su parte, en la sección VABOOK, que concita la presencia de sellos de edición contemporánea y libro de artista, participan artistas como Ángel Cajal, Arze&De la Cage, Endika Basaguren, Francesca Ricci, Iván Araujo y Vicotoria Santesmases; al igual que sellos, colectivos, museos e instituciones como la EASD y la UPV, Edición Ilimitada, Edit&Co., El Caballero de la Blanca Luna, El Museo del Ruso de Alarcón, Doce Islas, Falla Corona, Handshake, Tapas Duras, Lumen, Lalata, Papel Engomado, Per(r)ucho y el Sporting Club de les Lletres.

Organigrama y nómina de expositores de SINDOKMA 2019.

25 ACTIVIDADES

SINDOKMA contará con una amplia programación de presentaciones, mesas redondas, actividades y talleres infantiles que serán implementados en el Claustro y el Aula Magna. El cronograma del festival comienza el jueves 24 de octubre, a las 19:30 en el Aula Magna, con el encuentro entre los guionistas, escritores y cineastas valencianos Rafael Calatayud Cano y Rafael Maluenda, quienes reflexionarán sobre ‘El narrador y sus sendas: literatura y cine’.

SINDOKMA acogerá, de este modo, 25 propuestas, que transitan desde la ‘Política de adquisiciones de la Biblioteca Valenciana Nicolau Primitiu’ –con la presencia de su jefa de servicios Eva Ferriols–; el proyecto ‘Biblioteca en paral·lel’ de Engomado Editoras y Papel Engomado; la iniciativa sin ánimo de lucro VALENCIA LEE; o los #DesayunosMAKMA sobre ‘Libros que se escuchan’, con la presencia del editor Alberto Haller, cuya editorial Barlin Libros ha sido recientemente premiada por la Generalitat Valenciana al Libro Mejor Editado de 2018 (‘Electroshock. Edició Integral’) –una publicación sobre la que se reflexionará en el festival–.

Asimismo, el sábado 26 de octubre a las 20:15, el director de cine asturiano Ramón Lluís Bande presentará el libro ‘Cuaderno de la Revolución’ (Editorial Pez de Plata’), una aproximación y adaptación de su más reciende película ‘Cantares de la Revolución’ –premiado documental musical sobre la Revolución de Asturias de 1934, protagonizado por el músico Nacho Vegas–.

Programa de actividades de SINDOKMA 2019.

MiniSINDOKMA

El programa de actividades se completa con la sección miniSINDOKMA, en la que, durante el fin de semana, la academia de pintura Pinta València desarrollará el taller continuo ‘Dibujos y letras’, al igual que, el domingo 27 a las 12:00, la escritora y editora eslovena Barbara Pregelj se encargará de realiza el cuentacuentos ‘El anillo mágico’ (Editorial Malinc), de Peter Sventina.

EXPOSCIÓN ‘Llibres objecte eines d’art’

Igualmente, la Associacó Nous Comportaments Artistics (ANCA) expondrá en el claustro y el deambulatorio de La Nau ‘Llibres objecte eines d’art’, una muestra de piezas originales de carácter escultórico, comisariada por el artista Francesc González, en la que, desde diversas maneras de concebirse, el libro se convierte en el principal protagonista.

SINDOKMA Festival del Libro es un proyecto coorganizado por MAKMA Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea; la Asociación de Profesionales para la Acción Cultural Contemporánea (APACC); la Conselleria d’Educació, Cultura i Esport de la Generalitat Valenciana –a través de la Dirección General de Cultura y Patrimonio–; y el Centre Cultural La Nau de la Universitat de València; Cuenta con el con el patrocinio del Ajuntament de València y la Fundación Cañada Blanch, y la colaboración de #Ecomunicam, El Caballero de la Blanca Luna, Pinta, la Universitat Politècnica de València y la Cafetería de La Nau.

Un instante de la tercera edición de SINDOKMA Festival del Libro, celebrada en octubre de 2018 en el Centre Cultural La Nau.

MAKMA

La Nau exhibe la mirada polisémica de Cualladó

‘Gente y lugares. Gabriel Cualladó en la colección del IVAM’
Sala Acadèmia
Centre Cultural La Nau
Universitat 2, València
Hasta el 8 de diciembre de 2019

El Centre Cultural La Nau de la Universitat de València acoge la exposición ‘Gente y lugares. Gabriel Cualladó en la colección del IVAM’. A través de esta muestra, que se podrá ver en la Sala Acadèmia hasta el próximo 8 de diciembre de 2019, se conmemora el 30 aniversario de la creación del IVAM y el 20 aniversario de la restauración del edificio histórico de la Universitat y su transformación en el actual Centre Cultural La Nau.

La exposición ha sido presentada el pasado miércoles 2 de octubre en La Nau, en una rueda de prensa que ha contado con las intervenciones del vicerrector de Cultura y Deporte de la Universitat de València, Antonio Ariño; el director del IVAM, José Miguel Cortés y el comisario de la exposición, Álvaro de los Ángeles.

Tanto el vicerrector de Cultura como el director del IVAM han manifestado su satisfacción por esta gran muestra organizada conjuntamente por ambas instituciones. Además, José Miguel Cortes ha subrayado tres aspectos: “la calidad” de las obras expuestas, “la colaboración con una institución, la Universitat de València, que está desarrollando un trabajo fundamental en la cultura” y el volumen de las colecciones del IVAM, puesto que en esta exposición se muestra cerca de la mitad de las 474 que el museo conserva de Cualladó.

Detalle general de ‘Gente y lugares. Gabriel Cualladó en la colección del IVAM’. Fotografía cortesía del Centre Cultural La Nau.

La exposición, que reúne cerca de 200 instantáneas, supone una de las más amplias y completas muestras del artista valenciano. En 2019 se cumplen 30 años de la inauguración del IVAM y 30 años también desde que el IVAM organizara una gran muestra de Cualladó en sus salas.

Gabriel Cualladó (Massanassa, 1925 – Madrid, 2003) es un fotógrafo decisivo que documentó su tiempo de manera reposada y con él se entiende la revolución de España entre mediados de los años cincuenta y el final del siglo XX.

Su producción fotográfica se mueve entre los retratos de proximidad de familiares, allegados y vecinos (no hay fotografías de estudio con fondos blancos), los lugares por donde pasó su vida, y los hitos de algunos de estos espacios, como los transeúntes de París o los vendedores del rastro de Madrid, en contraste con las escenas rurales de Asturias y los habitantes de la Albufera o Massanassa.

Su importancia radica en la no urgencia de su trabajo fotográfico, aspecto que lo convierte en un fotógrafo importante y necesario. La pausa de su mirada queda reflejada en unos cientos de fotografías que evocan un tiempo perdido y una transición de la dictadura a la democracia y desde un pueblo de provincias a la capital de España, en un periodo trascendental de nuestro país.

De acuerdo con el comisario de la exposición, “la gente y los lugares aparecen como grandes temas en una muestra en la que intentamos anteponer lo temático, por eso no hemos seguido una línea cronológica. Mostramos la obra de Cualladó, el contenido poético y polisémico de sus imágenes, la estructura formal que las componen, las miradas directas de un fotógrafo que se definía a sí mismo como un aficionado”, señala.

De los Ángeles subraya que “es una exposición fotográfica” en la que se refleja los casi cincuenta años de actividad de Gabriel Cualladó, aunque la selección de fotografías también permite ver la evolución de una época y por eso se ha vinculado las imágenes con filmes, documentos y libros coetáneos. Así, hay cuatro películas que acompañan las imágenes expuestas: ‘Muerte de un ciclista’ (1955), de Juan Antonio Bardem; ‘Cléo de 5 à 7’ (1962), de Agnès Varda; ‘Amator’ (‘El aficionado’, 1979), de Krzysztof Kieślowski, y ‘Veinte años no es nada’ (2004), de Joaquim Jordà, y cada una de ellas se relaciona con fotografías. La exposición se acompaña de un cuidado catálogo que también intenta hacer una relectura de Cualladó desde el presente.

Imagen de una de las instantáneas de la serie ‘Real Sociedad Fotográfica’ (Madrid, ca. 1979-1982), de Gabriel Cualladó. Fotografía cortesía del Centre Cultural La Nau.

Gabriel Cualladó fue un fotógrafo español que formó parte del Grupo AFAL y del movimiento de renovación de la fotografía en España en la segunda mitad del siglo XX. Nació en Massanassa, en la provincia de Valencia donde estuvo viviendo durante su infancia. De adolescente iba a clases a una academia nocturna, ya que durante el día hacia las labores del campo. Esto fue solo hasta 1941 porque ese año viajó a Madrid para trabajar en el negocio de su tío Alfonso: una empresa de transportes, la cual llegó a dirigir en 1949.

Realizó sus primeras fotografías a su primer hijo junto a sus amigos con una cámara Capta. Desde allí se inició su interés por la fotografía y realizó un aprendizaje autodidacta para el que se asesoraba con revistas como Arte Fotográfico. En 1955 se compró una cámara Retina, pero pronto la cambió por una Rolleiflex. En 1956 entró en la Real Sociedad Fotográfica y un año después en el Grupo AFAL. En 1957 organiza en la sala de la librería Abril, la que puede ser la primera exposición de la renovación fotográfica, con Paco Gómez, Rafael Romero y José Aguilar. En 1958 conoce a los fotógrafos Cantero, Gómez, Vielba, Masats y Ontañón. Con ellos forma parte del grupo La Palangana y, posteriormente, de la denominada Escuela de Madrid. Un año más tarde, la revista norteamericana Popular Photography lo premia. Luego de esto expone en países como Francia e Italia.

En 1980 formó parte del grupo de fotógrafos españoles seleccionados por la revista Nueva Lente para participar en los Encuentros de Arlés. La obra que mostró fue un reportaje sobre el Rastro de Madrid.

Entre los premios que ha recibido se encuentran el Galardón Salón del Retrato de la Biblioteca Nacional de París, el Trofeo Luis Navarro de fotografía de la vanguardia, la Medalla de oro en la exposición del Museo Fodor de Ámsterdam, el Premio Europa de Fotografía, el Premio Alfons Roig de la Diputación de Valencia, el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura en 1994 y la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid en 1998.

Imagen de una de las instantáneas de la serie ‘Cervecería Alemana’ (Madrid, 1960), de Gabriel Cualladó. Fotografía cortesía del Centre Cultural La Nau.

MAKMA

Síntesis de Amores Grup de Percussió en ‘Serenates’

Treinta años de historia de la percusión en Valencia
Amores Grup de Percussió
Festival Serenates
Centre Cultural La Nau
C / Universitat, 2. Valencia
Martes 25 de junio de 2019

El ciclo de conciertos Serenates 2019, que organiza la Universitat de València y el Institut Valencià de Cultura, continúa con la actuación de Amores Grup de Percussió el martes 25 en el claustro del Centro Cultural La Nau. Con el título ‘Treinta años de historia de la percusión en Valencia’ el grupo de percusión Amores presenta un breve resumen de las obras más representativas del repertorio que han interpretado a lo largo de sus treinta años de historia.

Amores, fundado en 1989, está integrado por Pau Ballester, Ángel Garcia i Jesús Salvador Chapi, toma el nombre de la obra homónima de John Cage, compositor que ha ejercido una fuerte influencia en el grupo. En su dilatada trayectoria Amores ha representado un papel decisivo en la evolución de la música para percusión en España con la colaboración de importantes solistas internacionales. Además su trayectoria profesional siempre ha sido unida a la tarea de investigación, docente y educativa.

Amores Grup de Percussió ha actuado en numerosas ciudades españolas y europeas dentro de los más importantes Festivales de Percusión y Música Contemporánea. Ha realizado espectáculos que fusionan la percusión contemporánea y las artes escénicas: Fénix (2000),Tinajas(2002), Drumcuts (2005), Cosmogonía (2007), Callejón sinsalida (2008), AmoresXXs del compositor Andrés Valero (2009), la ópera Lo mal vino (2014), de Paco Zarzoso y JSChapi … con los cuales han estado de gira por todo el territorio estatal. 

Han sido galardonados con: el premio de las Artes Escénicas de la Generalitat Valenciana a la mejor música 2001 por Fénix (con la compañía de danza de Vicente Sáez), el premio de las Artes Escénicas 2003 a la mejor composición musical para Tinajas (música original de Jesús Salvador Chapi), el premio de las Artes Escénicas de la Generalitat Valenciana por Ubú (producción de Teatros de la Generalitat Valenciana) y lo premio al mejor disco de repertorio en los primeros premios Carles Santos de la Música Valenciana 2018.

El festival continuará con la actuación el miércoles de Capella de Ministrers, puesto que Serenates es un festival que ofrece una programación ecléctica que aborda varios estilos musicales desde la música del Renacimiento hasta el estreno de obras contemporáneas, pasando por la música de autor, música popular y todo tipo de agrupaciones musicales.

Amores Grup de Percussió. Imagen cortesía de Serenates.

El Certamen Coreográfico 10 Sentidos cobra escena

Certamen Coreográfico 10 Sentidos
‘Bestias’. Festival 10 Sentidos
Centre Cultural La Nau
Universitat 2, València
Sábado 18 de mayo de 2019

¡Danzad, bestias, danzad! El placer del baile en todas sus vertientes, de experimentar con el cuerpo al ritmo de la música es un anhelo que habita en todo tipo de culturas y civilizaciones. Se trata de una constante casi universal, uno de esos rasgos que definen a la humanidad. Bailo, luego existo. En este contexto se enmarca el Certamen Coreográfico 10 Sentidos, la muestra que reúne a los grandes talentos emergentes de la danza internacional y que se celebrará el 18 de mayo en el Centre Cultural La Nau. La competición forma parte de la VIII edición del Festival 10 Sentidos, que en 2019 lleva por lema ‘Bestias’ y plantea una reflexión sobre la violencia enquistada en nuestra sociedad y el papel del arte para canalizar las pulsiones más brutales del individuo.

La VIII entrega del Festival 10 Sentidos cuenta, una vez más, con la colaboración de Caixa Popular, entidad que reafirma su compromiso con este encuentro que aúna dos de los pilares fundamentales de su filosofía: por un lado, la cultura y, por el otro, la implicación social y la solidaridad.

Con ocasión del Certamen, nueve creadores provenientes de todos los rincones del globo terráqueo han sido seleccionados por la dirección artística del festival con el objetivo de destacar nuevos formatos y ofrecer nuevas perspectivas en el campo de la danza contemporánea. Tres han sido los criterios empleados en esta edición a la hora de elegir las diferentes propuestas de entre las más de 300 candidaturas recibidas: la calidad, la innovación y la relación de los trabajos coreográficos con el lema de esta edición, ‘Bestias’. El resultado de esta criba son un total de nueve de piezas de baile cuyos creadores provienen de coordenadas tan dispares como India, Israel, Estados Unidos, Hungría, Reino Unido o Francia. Además, Budapest Dance Theatre actuará como compañía invitada al término del encuentro. Danza sin fronteras.

Imagen de la obra ‘Coming Home’, de Abarukas / Yoshito Sakuraba. Fotografía cortesía de 10 Sentidos.

Desde su estreno en 2015, el Certamen Coreográfico 10 Sentidos se ha convertido en uno de los ejes esenciales del programa del festival, que considera esta reunión de talentos emergentes una plataforma de referencia para impulsar y proyectar el trabajo de profesionales emergentes de todos los continentes. Por ello, cada año se invita a profesionales del universo escénico, programadores de festivales y teatros, tanto del panorama nacional como internacional, para poder conocer el trabajo de estos talentos emergentes de la danza actual. Para esta edición, la audiencia profesional estará compuesta por Ana Díaz, Leo Santos y Sabela Mendoza.

Además, este certamen cuenta con el apoyo de Acción Cultural Española (AC/E), a través de su Programa para la Internacionalización de la Cultura Española (PICE) en la modalidad de Visitantes.

9 propuestas, 10 sentidos y una jornada de danza internacional

El Certamen Coreográfico 10 Sentidos 2019 tendrá lugar en el Centre Cultural La Nau con un jurado internacional compuesto por Valentina Marini, de Spellbound Contemporary Ballet (Italia); Marie Brolin-Tani, del Black Box Dance Company (Dinamarca); Claudio Kogon, del Centro Suzanne Dellal de Israel; Maria Carmela Mini, Directora Artística de Festival Latitudes Contemporaines; Roberto Fratini, dramaturgo y docente en Institut del Teatre; Cristina Alonso, responsable artística del centro de creación de Danza Graner – Mercat de les Flors; y Mar Jiménez, directora de Dansa València. Ellos serán los responsables de elegir la pieza ganadora, que recibirá un premio dotado con 2.000 euros y un trofeo Lladró. Además, los espectadores concederán el Premio del Público al montaje resultante de la votación, y que será premiado con otro trofeo de la firma valenciana.

Entre los espectáculos seleccionados en 2019 se encuentran ‘Volumen 1’, de las madrileñas Mucha Muchacha; ‘Works on Julius Caesar’, pieza de Marina Miguelez y Dance Craft inspirada en el monólogo de Marco Antonio escrito por Shakespeare; ‘2 men’, de Purnendra Meshram (India); o ‘Comin Home’, pieza de la compañía neoyorquina Abarukas / Yoshito Sakuraba que surge del poema Thomas Dylan ‘No entres dócilmente en esa buena noche’. Además, el certamen también contará con el solo de Attila Andrasi ‘Once Upon a time’; ‘Family honour’, de los londinenses Spoken Movement; y el proyecto israelí Roni Chadash y su espectáculo ‘ANI-MA’, que tiene a Pessoa como gran referencia. También desde Tel Aviv aterriza la compañía Roni Rotem, que presentará el trío ‘Men to be’, en el que se exploran los estereotipos del hombre en el mundo actual y la pieza ‘H H H’, a cargo del parisino Thibaut Eiferman.

Un instante de la pieza ‘Boundless’, de Budapest Dance Theatre. Fotografía cortesía de 10 Sentidos.

Sueños y fronteras de Budapest a València

La compañía húngara Budapest Dance Theatre, una de las más relevantes de su país en el terreno de la danza contemporánea, actuará como formación invitada durante el Certamen con su pieza ‘Doze’ (‘Dormitar’). La obra –ideada por el coreógrafo Jiří Pokorny y que pondrá el colofón final a la jornada– aborda la frontera entre sueño y realidad y muestra un mundo que se mueve en los matices entre la experiencia onírica y el despertar. Además, el 19 de mayo, última jornada del Festival, Budapest Dance Theatre representará en el MuVIM su producción ‘Boundless’. Esta obra surge a partir de dos líneas de investigación: el estudio sobre las fronteras y sus implicaciones y la exploración de aquellas herramientas no verbales que ayudan al desarrollo del carácter individual. “Para algunos vivir sin límites es lo correcto; para otros es inseguro; para otros, una posibilidad; y hay quienes no quieren ni planteárselo”, apuntan sobre este trabajo los integrantes de la compañía.

A propósito del Día Internacional de los Museos

El Centre del Carme y el Festival 10 Sentidos vuelven a programar juntos y será el sábado cuando, a partir de las 20:00, se celebre ‘Carme Diem’. La cita arrancará con la instalación ‘Spiders Salvajes’, de Groupe LAPS, un circo al aire libre único, cuyos artistas son arañas. Se trata de una instalación plástica de luz y sonido en el claustro renacentista, una animación viva y dramática acompañada por sonidos de la selva y música de una orquesta que complementan las escenas.

Al mismo tiempo, en el claustro gótico, el conjunto ‘Los Voluble’ irá calentando motores con su música y proyecciones para presentar, a partir de las 21.30 horas, su proyecto ‘Flamenco is not a crime’, el set audiovisual más flamenco y más bailable del dúo sevillano.

Imagen de la pieza ‘HHH’, de Thibaut Eiferman. Fotografía cortesía de 10 Sentidos.

MAKMA

Arte y percepción visual

Antes del Arte – 50 anys després
Sala Martínez Guerricabeitia del Centre Cultural La Nau
C / Universitat, 2. Valencia
Hasta el 9 de junio 2019

Corrían los últimos años de los sesenta, la llamada década prodigiosa, y el ensayista, crítico y fundador del Grupo Parpalló, Aguilera Cerni, ejercía en Valencia de gurú de las artes plásticas. Tras culminar distintas etapas, pasando por el informalismo, el arte normativo y la figuración crítica, acuñando el término de Crónica de la Realidad para este último estadio, se decidió a promover el colectivo artístico Antes del Arte, con el que pretendía abrir una nueva fase en su búsqueda de innovación y análisis de las expresiones artísticas, conectándolas esta vez de alguna forma con la ciencia.

Antes del Arte – 50 anys després, en la Sala Martínez Guerricabeitia de La Nau hasta el 9 de junio, recupera los trabajos de este grupo de artistas que plasmaron en sus obras los planteamientos de Aguilera Cerni en esa fase de su trayectoria a modo de laboratorio experimental. Incluye unos 40 objetos plásticos en total, firmados por artistas de distintas edades y estilos: Michavila, Sanz, Sempere, Sobrino, De Soto, Teixidor e Yturralde. Además, la muestra se ambienta sonoramente mediante composiciones de los músicos Marco y Llàcer.

De Soto. Imagen cortesía de Santiago Pastor.

De Soto, ‘La estructura metálica’. Imagen cortesía de Santiago Pastor.

“El objetivo era crear diversos artefactos, en muchas ocasiones dispositivos móviles o lumínicos, que proporcionaran al espectador determinadas experiencias ópticas, perceptivas o estructurales”, explica Santiago Pastor Vila, comisario de la exposición. “Si bien se ha dicho que se trataba de tender puentes entre el arte y la ciencia, lo que se buscaba realmente era hacer avanzar el arte, intentando superar el desfase que existía entre esta disciplina y la ciencia, mucho más desarrollada”. Pastor destaca cómo se procuraba “recurrir, en el campo artístico, a determinadas tácticas de sugestión usadas por la publicidad, el cine  y los medios de comunicación, utilizando determinados efectos ópticos, que debían ser detectados, aislados y ejemplarizados”.

El colectivo Antes del Arte nació después de una serie de reuniones celebradas a casa del crítico Aguilera Cerni, con el propósito de revitalizar el arte geométrico por el cual ya se había interesado el Grupo Parpalló, creado a finales de 1956. La trayectoria histórica del grupo, de una singular importancia en el arte contemporáneo español, transcurrió entre 1968 y 1969, dejando muestra de sus principios artísticos en tres exposiciones celebradas, respectivamente en Valencia, Madrid y Barcelona.

Michavila, 'Helicoidal'. Imagen cortesía de Santiago Pastor.

Michavila, ‘Helicoidal’. Imagen cortesía de Santiago Pastor.

Producida por el Vicerrectorado de Cultura i Esport y la Fundació General de la Universitat de València, a través de la Col·lecció Martínez Guerricabeitia, con la colaboración de Banco Santander y Heineken, Antes del arte – 50 anys després propone pues una mirada científica al mundo del arte, o más exactamente considerar las posibilidades de acción comunes entre ambos campos del conocimiento.

La filosofía del grupo estaba enmarcada por los giros geométricos del arte, interesado en el campo de la psicología perceptiva y trataba de promover encuentros entre la actividad artística y los métodos empíricos de las ciencias. “Realizaban trabajos y pruebas sobre teorías ópticas que se están descubriendo y difundiendo en ese momento, como las teorías de Penrose; trabajan con un profesor de óptica, Mariano Aguilar, comparten lecturas con Aguilera Cerni, etcétera,” explica José Pedro Martínez, director de actividades de la Col.lecció Martínez Guerricabeitia.

Yturralde, 'Primera figura imposible (falso tridente)'. Imagen cortesía de Santiago Pastor.

Yturralde, ‘Primera figura imposible (falso tridente)’. Imagen cortesía de Santiago Pastor.

La muestra ha supuesto un importante esfuerzo de búsqueda y recopilación de las piezas, en algunos casos también de restauración, pues al tratarse de obras de carácter experimental solían usarse materiales endebles. Ha sido decisiva la colaboración de entidades y organismos, como l’IVAM, el MACA de Alicante, la Fundació Bancaixa o la Fundación Juan March y el Museo Francisco Sobrino entre otros. La coordinadora técnica es Lydia Frasquet Bellver

La exposición está dividida en tres espacios. En primer lugar, las diferentes obras previas de Michavila, Sanz, Sempere, Sobrino, Teixidor e Yturralde, antes de 1968 y 1969. La segunda parte de la muestra se centra en la producción de Antes del Arte, una concepción de la creación artística desde una perspectiva experimental, donde la óptica, la geometría o la cinética toman parte. En el tercer espacio, las obras de los autores una vez concluida la experimentación con el arte y sus variaciones. Yturralde, por ejemplo, continuó en la misma línea de sus trabajos previos en Antes del Arte; otros, como De Soto, siguieron caminos bien distintos.

Sempere, 'Ley de la buena forma'. Imagen cortesía de Santiago Pastor.

Sempere, ‘Ley de la buena forma’. Imagen cortesía de Santiago Pastor.

Bel Carrasco