‘El último chiste del Gran Jacobi’ en la Librería Leo

Presentación de ‘El último chiste del Gran Jacobi’, Eduardo Goldman
Huso Editorial, 2018
Librería Leo
Rinconada Federico García Sanchìz 1, Valencia
Lunes 26 de marzo de 2018 a las 19:00

La Librería Leo acoge la presentación de la novela ‘El último chiste del Gran Jacobi’ (Huso Editorial, 2018), del escritor argentino Eduardo Goldman, que se llevará a cabo el próximo lunes 26 de marzo, a  las 19:00, y contará con la presencia del autor, en un acto que será conducido por el escritor y miembro de MAKMA Jose Ramón Alarcón.

‘El último chiste del Gran Jacobi’ narra la apasionada vida de Paul Jacobi, el comediante judío berlinés que alcanzó la fama con su espectáculo de humor político en el cabaret Barbarroja, durante la República de Weimar, su ocaso por el ascenso del nazismo, su internación en el campo de concentración de Auschwitz y, posteriormente, sus años en Buenos Aires durante la dictadura militar, entre 1976 y 1983.

Eduardo Goldman. Makma

Se trata de una novela histórica que refleja en detalle la vida cotidiana de los ciudadanos alemanes tanto en el Weimar como en el nefasto Tercer Reich. Siendo además una referencia insoslayable para temas poco divulgados como la Jüdischer Kulturbund (el teatro judío permitido y alentado por Goebbels para refutar las críticas al reich por su antisemitismo), la actuación de Hans Hinkel (presidente de la Cámara Nacional de Cultura del Reich), la película Fronttheater (una comedia auspiciada por el ministerio de Propaganda nazi), la actitud de algunos SS que intentaron salva a prisioneros judíos en el infierno de Auschwitz (como el doctor Hans Münch).

‘El ultimo chiste del Gran Jacobi’ es una novela de creciente acción, desde la primera a la última página. Una historia con grandes dosis de humor, muchas veces negro. La epopeya de una época y, a la vez, un fuerte triángulo amoroso que envuelve al protagonista, Paul Jacobi, una muchacha aria y el capitán de las SS Erich von Thaler, el mejor amigo de Jacobi. Quizás, no tan amigo como para dejar de aprovechar la desgracia del humorista judío y quedarse con su mujer. Pero lo suficiente como para arriesgar su vida en las sombras de Auschwitz para salvarlo de las cámaras de gas.

Eduardo Goldman. Makma

Paul Jacobi ignora que su amigo lo ha venido protegiendo, y que, con la ayuda de Hans Münch, lo “sustrajo” de la marcha de la muerte en la retirada de los alemanes hacia Berlín. Finalmente, Jacobi logra escapar hasta llegar a la Argentina, donde años después deberá enfrentar el mismo horror encarnado en la sanguinaria dictadura militar que enlutará al país sudamericano.

Erich von Thaler sobrevivió a la guerra, internado, luego de un bombardeo a Auschwitz 3, en el hospital de las SS en Lieftherderle. Muchos años después, gracias a una carta que recibe de Ana Sefeld, hija del fallecido periodista que ha investigado esa historia, von Thaler es anoticiado de que Jacobi no ha muerto y reside en la Argentina. Ana ha venido siguiendo la investigación de su padre para filmar un documental sobre la vida de Paul Jacobi. Esto moviliza al ya anciano ex SS a viajar a Buenos Aires, acompañado de su hija, Helga, y buscar allí un perdón que jamás pudo hallar en sí mismo.

La primera edición de este libro fue declarada “de público interés” por el Departamento de Derechos Humanos de la Provincia de Neuquén (Argentina).

Eduardo Goldman (Buenos Aires, 1950) es licenciado en psicología, escritor, guionista. Colaboró en medios gráficos como Diario Popular, La Nación, La Gaceta de Hoy, Humor, Sex Humor Ilustrado, El Gráfico, Feriado Nacional y otros. Ha colaborado en diversos programas de televisión, y sus canciones infantiles han sido grabadas en Argentina, México y España.

Ha publicado cuatro novelas: ‘Como perro que aúlla en la oscuridad’, ‘Ni siquiera nos queda París’, ‘El último chiste del Gran Jacobi’ y ’Adiós héroe americano’. También libros de humor: ‘Diccionario Sendra-Goldman de psicología cotidiana’, ‘Todo lo que usted siempre creyó saber acerca del sexo (y en realidad no sabía ni medio)’, ‘Cómo ser intendente y no morirse de angustia’, ’Ni loco vuelvo a ser presidente’, y otros. Además, dos libros de autoayuda: ‘El hombre superior’ y ‘El cine: una terapia al alcance de todos’.

Su comedia dramática ‘El patio de mi vecino’ obtuvo el primer premio de la Fundación Banco Caseros.

 

Óbitos y variedades nocturnas para el noveno Canibaal

‘Muerte y Cabaret’, 9º número de la revista Canibaal
Sporting Club Russafa
Sevilla 5, Valencia
Presentación: jueves 28 de diciembre de 2017, a las 20h

La revista valenciana Canibaal (Revista de Arte, Literatura y Filosofía del colmillo) presenta su noveno número el jueves 28 de diciembre de 2017, dedicado, en esta ocasión, a una sugerente doble temática: ‘Muerte y Cabaret’. La presentación tendrá lugar en el Sporting Club Russafa de Valencia (calle Sevilla, 5), situado en el barrio de Ruzafa. El acto dará comienzo a las 20h y contará con la actuación del trío musical Salami Púrpura, quienes ofrecerán una singular aproximación a la heterodoxa noción de “micro-zazuela-contemporánea”.

Ouka Leele (imagen de cubierta), Aldo Alcota, Curro Canavese, Enfero Carulo, Ana Elena Pena o Julio Soler son solo algunos de los 30 colaboradores (artistas plásticos, fotógrafos, pensadores, poetas y escritores) que han participado en un número en papel que consta de 88 páginas y que, como resulta habitual en la idiosincrasia morfológica de Canibaal, ofrece un nuevo formato.

Canibaal. Makma

En ‘Muerte y Cabaret’ se ha reflexionado de forma interdisciplinar sobre conceptos  como vanguardia, cabaret, literatura y arte, abordando contenidos que tienen la muerte como principal motivo y, finalmente, sobre algunas de las inquietantes intersecciones clásicas entre ambos temas: Cabaret Voltaire, Olga Poliakoff, las Ramblas de Ocaña, Camilo y Nazario, el necroturismo literario, etc.

Se consagra la polémica sección de crítica del delegado en España de FIPRESCI, Oscar Peyrou, sobre películas que no ha visto, el ensayo, la poesía y los ecos que el doble leitmotiv del número suscita en los ámbitos artístico, literario, musical y cinematográfico, así como la sección de pensamiento, con reflexiones sobre el suicidio.

Ocaña, Camilo y Nazario transitan por las Ramblas canibaales en un fotograma de 'Ocaña, retrato intermitente' (Ventura Pons, 1978). Fotografía cortesía de la revista.

Ocaña, Camilo y Nazario transitan por las Ramblas canibaales en un fotograma de ‘Ocaña, retrato intermitente’ (Ventura Pons, 1978). Fotografía cortesía de la revista.

 

 

 

Estuvimos dentro del Cabaret

Cabaret, de Jaime Azpilicueta
Teatro Olympia
C / San Vicente Mártir, 44. Valencia
Del 4 de marzo al 9 de abril de 2017

Una vez más el mejor musical de Broadway llega a Valencia, un espectáculo sin parangón, estrenado en 1966 y dirigido por Harold Prince. El musical tuvo entonces tamaña repercusión que a los pocos años, en 1972, se decidió adaptarlo al cine. El resultado fue ‘Cabaret’, dirigida por Bob Fosse, el cual ganó el Oscar al mejor director, aunque no fue el único, ya que también se alzaron con las estatuillas Liza Minnelli y Joel Grey como protagonistas, pero, hablando de un musical, no podemos olvidarnos que el Oscar a la banda sonora adaptada fue para el compositor Ralph Burns. En total 8 premios que coronaron a la película como una joya del género. Y después de este repaso, un poco sucinto, por la historia del musical, nos vamos a detener en lo que vimos en el Teatro Olympia de Valencia.

Estamos ante la versión del director Jaime Azpilicueta, que estrenó la obra en Madrid (Teatro Rialto) en 2015 con un presupuesto de dos millones de euros, gran parte para acondicionar el teatro para el musical. Hasta Valencia no llegaban algunos de los mismos actores que en su primer año en la capital: el personaje de Emcee pasaba de las manos de Edu Soto a las de Armando Pita o Clifford, interpretado por Daniel Muriel, aquí con la maestría de Alejandro Tous. Como actriz principal seguía siendo Cristina Castaño.

Escena de Cabaret en el Teatro Olympia. Fotografía: Malva.

Escena de Cabaret en el Teatro Olympia. Fotografía: Malva.

Un cartel circular enorme cubría todo el escenario con un luminoso rojo, muy cercano al Molino Rojo, donde se podía leer Kit Kat Klub. Un fantástico Armando Pita, prácticamente irreconocible en su papel de maestro de ceremonias, nos introduce en el Cabaret berlinés al son de ‘Wilkomen, Cabaret’, canción que se repetiría en varias ocasiones en la función.

Dos escaleras de caracol doradas, situadas en las esquinas del escenario, servían para que aparecieran los protagonistas para cantar sus partes. Un joven Cliff Bradshaw, escritor norteamericano, llega a Berlín en busca de tan ansiadas musas para escribir una nueva novela; en el tren se encuentra a Ernst, un hombre alemán que le recomienda una pensión para su estancia. Una vez en Berlín descubrirá el Kit Kat Klub, donde su mayor figura, Sally Bowles, le hechizará y sus vidas cambiarán.  Ambos disfrutarán de un amor que se trunca por los primeros tambores del nazismo. En realidad el amor queda roto por el contexto histórico en el que se desenvuelve la trama.

Escena de Cabaret en el Teatro Olympia. Fotografía: Malva.

Escena de Cabaret en el Teatro Olympia. Fotografía: Malva.

Con una puesta en escena increíble, unos decorados que te transportan hasta 1931, y una canciones tan efectistas como ‘Money, Money’, es difícil que la obra no encantara a todos los asistentes. Sin duda, la elasticidad que demuestra Armando Pita (Emcee) cantando canciones, bailando, interactuando con el público de las primeras filas o dando paso a la función, engancha, haciendo que todo en su conjunto rebose de un halo de credibilidad.

Cristina Castaño (Sally) se desdobla en un alarde de ejercicio interpretativo: por una parte, la alocada bailarina y amante y, por el otro, la cantante, que demuestra sus dotes en cualquier canción.  Una Sally que eriza la piel en los momentos dramáticos y que te emociona cuando sus cuerdas vocales se ponen en marcha. La escenografía nazi está resuelta con brillantez para que el miedo se te pegue al cuerpo y para que te enojes con lo que estaba a punto de suceder.

Un espectáculo que merece la pena verlo: en Madrid arrasaron con todo, trayendo el espíritu de Broadway a España, sin dejarse llevar por el miedo, ni sufrir de mal de altura propio de la adaptación de un clásico.

Entrada al musical Cabaret en el Teatro Olympia. Fotografia: Malva.

Entrada al musical Cabaret en el Teatro Olympia. Fotografia: Malva.

Javier Caro

Ximo Berenguer, fotógrafo de la intimidad noctámbula

A chupar del bote 1974-1976, de Ximo Berenguer
Espai Visor
C / Carrasquer, 2. Valencia
Hasta el 18 de noviembre de 2016

La historia de la fotografía sigue deparando sorpresas. Cuando creemos tenerlo todo bien cuadrado surge el archivo de un humilde jardinero (Charles Jones) que demostró su amor a las flores que cultivaba para un lord inglés en magníficas e ignoradas fotografías, o el descubrimiento de una niñera excéntrica (Vivian Maier) que expandió calladamente nuestra noción de street photography. Sin pretender cotejarlo a esos casos célebres, toca ahora recabar el reconocimiento que merece la figura de Ximo Berenguer (1946–1978), prácticamente olvidada desde su temprana desaparición y solo recuperada recientemente merced a azarosas circunstancias.

Fotografía de Ximo Berenguer. Imagen cortesía de Espai Visor.

Fotografía de Ximo Berenguer. Imagen cortesía de Espai Visor.

Joven fotógrafo valenciano que frecuentó los cenáculos amateurs locales de su época, el talento soterrado de Ximo Berenguer empezó a despuntar al instalarse en Barcelona en 1966 a fin de iniciar estudios de fotografía en la Escuela Industrial. Abandonó entonces la estética del salonismo para adoptar un reportaje directo y descarnado. Admirador tanto de Cartier-Bresson y Brassaï, cuya obra descubrió en la biblioteca de la Agrupación Fotográfica de Cataluña, como de algunos heterodoxos surgidos de esa entidad como Miserachs, Maspons o Colom, Berenguer se propuso erigirse en testigo gráfico de la conflictiva efervescencia social que agitaba el país.

Sus imágenes pasaron entonces a “rehuir todo sentimentalismo superfluo para atrapar el alma fugaz de la historia”, según palabras de Josep Mª Casademont, director de la revista “Imagen y Sonido” y uno de sus más incondicionales mentores. El grupo AFAL y sobre todo Leopoldo Pomés –cuyo libro Les fenêtresactuó de revulsivo– constituyeron otras referencias claves: tanto fue así que a principios de 1973 el joven Berenguer se armó de valor, reunió un puñado de sus fotografías que consideraba “modernas” y fue a enseñárselas a su ídolo con ánimo de ganarse una plaza en su estudio como aprendiz. Con su primer sueldo se compraría la cámara Pentax SL que utilizó hasta el final de su vida.

Fotografía de Ximo Berenguer. Imagen cortesía de Espai Visor.

Fotografía de Ximo Berenguer. Imagen cortesía de Espai Visor.

En esa época se vinculó a los activos ambientes noctámbulos y contraculturales de la ciudad. Su espíritu contestatario y su condición homosexual le llevaron a congeniar con el grupo de los Ocaña, Nazario, Picarol, Mariscal, los hermanos Farriol y tantos otros protagonistas del underground barcelonés. Berenguer no vivió esa adscripción como una “militancia” sino como una relación de camaradería espontánea al compartir tugurios y marginalidad, que sin duda propulsaría la radicalidad de sus propuestas. El espíritu lumpen y libertario del grupo contrastaría con el glamour burgués de la gauche divine, hegemónica entonces como inteligencia local: sin ningún tipo de amarras, Berenguer y sus amigos solo aspiraban a la supervivencia y a la libertad.

Fotografía de Ximo Berenguer. Imagen cortesía de Espai Visor.

Fotografía de Ximo Berenguer. Imagen cortesía de Espai Visor.

El corpus del legado fotográfico de Berenguer que se ha recuperado es reducido, unos quince mil negativos y trescientos tirajes de época en diferentes formatos. Aquí se presenta una selección del trabajo realizado en el famoso music hall “El Molino” a mitad de los 70’s. En 1975 Berenguer inició una relación con el bailarín cubano Negrito Poli, que había sido contratado como coreógrafo de “El Molino”. Por medio de ese contacto Berenguer pudo realizar una inmersión fotográfica en el universo particular de ese teatro de variedades, gozando de total acceso al local y de la intimidad con sus protagonistas. Casademont le alentó a acometer un reportaje en profundidad que le permitiera presentar una maqueta de libro para la colección “Palabra e Imagen” de Lumen, por la que ya habían transitado Masats, Ontañón, Maspons+Ubiña, Colita, etc.

Las fotografías fueron realizadas mientras la compañía representaba la obra ‘A chupar del bote’ y efectuaba los ensayos del que sería el siguiente espectáculo, ‘Taxi al Molino’. Como era preceptivo en el teatro de variedades, el espectáculo se componía de una sucesión de números que indefectiblemente hacia desfilar a cantantes folclóricas, ilusionistas, cómicos, bailarinas burlesque, striptease, etc. aunque siempre el plato fuerte lo constituía la interacción entre los actores y el público, que se deleitaban enzarzándose en diálogos picantes. Muchas representaciones satirizaban situaciones de la actualidad y el espectáculo terminaba con el apoteosis de toda la compañía sobre el escenario rindiendo pleitesía a las vedettes ataviadas con sus plumas y trajes de lentejuelas, y todos cantando “A chupar del bote / hasta que se agote / a chupar del bote / es lo mejor…” Una alusión a la corrupción que sigue bien vigente hoy en la letra de esa canción.

Fotografía de Ximo Berenguer. Imagen cortesía de Espai Visor.

Fotografía de Ximo Berenguer. Imagen cortesía de Espai Visor.

De hecho, lo que interesaba a Berenguer era que El Molino debía verse, por un lado, como un espejo de la transición política: en los palcos departían empresarios e intelectuales, hombres del régimen y líderes obreros, agentes de paisano y universitarios, y todos ellos se burlaban juntos de esto y de lo otro, como de los males de la burocracia o de la incompetencia de la Administración. Por otro lado, El Molino constituía un refugio de seguridad en el que la vida exterior se concedía una tregua: a menudo mientras la platea estallaba en risas resonaban no muy lejos las consignas coreadas por los manifestantes o las sirenas de los furgones policiales que evidenciaban el cambio que se estaba precipitando.

Las fotografías de Berenguer devienen así rebanadas de vida, retratos de personajes entrañables como Johnson, La Maña, Christa Leem, Piper o Yvette René, salpicados con graffitis políticos reivindicando amnistía y estatuto de autonomía; instantáneas de una alegría contagiosa tamizada de humo y alcohol pero que vislumbran en el horizonte avisos de tragedia. Este proyecto documental es penetrante, intenso, visceral, no sale de los ojos sino de las entrañas. Se podría hablar de las composiciones y del tratamiento de la luz, del sentido de la oportunidad, de la capacidad para describir una atmósfera o captar un clímax… pero por encima de todo la obra de Ximo Berenguer nos remite a  la lucidez de Alfred Stieglitz cuando tuvo que explicar lo obvio y consignar que por encima de todo “cuando hago una fotografía, es como si hiciera el amor”. Por imperativo del destino Berenguer lo hizo en un tiempo breve y lo hizo dos veces bueno.

Fotografía de Ximo Berenguer. Imagen cortesía de Espai Visor.

Fotografía de Ximo Berenguer. Imagen cortesía de Espai Visor.

Rafa Levenfeld

Rambova/Rampova o el furor exótico de ‘Las ahijadas’

‘Las ahijadas’, de William James
Observatori
Es Baluard, Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Palma
Plaza de la Puerta de Santa Catalina 10, Palma
Hasta el 20 de noviembre de 2016

El Observatori de Es Baluard presenta el proyecto ‘Las ahijadas’, un trabajo en proceso del investigador y artista William James, que se vehicula en primera instancia en forma de instalación audiovisual, basada en una amplia búsqueda documental donde se confrontan dos historias apenas registradas. Para ello, se utilizan la grabación en vídeo, los testimonios orales y de archivos a partir de los lugares que sirvieron de referencia y escenario para el tránsito de dos seres excepcionales: Natacha Rambova y Natacha Rampova.

Natacha Rambova nació en 1897 en Salt Lake City (Utah) y murió en Pasadena (California), en 1966. Fue bailarina de ballet, diseñadora de vestuario y decorados en el Hollywood de los años 20, segunda esposa de Rudolph Valentino y, más tarde, testigo observador del estallido de la Guerra Civil en Mallorca, donde vivió entre los años 1931 y 1936.

Natacha Rambova, en una instantánea de su archivo personal.

Natacha Rambova, en una instantánea de su archivo personal.

Natacha Rampova nació en Valencia en 1956. Artista de cabaret transgénero y activista pre-queer, tomó su alias de Natacha Rambova, imitando el estilo exótico de sus diseños para el espectáculo. Encarcelada bajo la ley de peligrosidad social tres veces, entre 1971 y 1974, su lucha política y social forma parte de la historia de la transición a la democracia, cuando los abanderados de los estilos de vida y las sexualidades alternativos, previamente marginados, lucharon para encontrar sus múltiples voces y sus formas de auto-expresión, y, así, consolidar su presencia como parte de la nueva sociedad española. Una lucha que aún prosigue. El proyecto ‘Las ahijadas’ las vincula a través de una simetría histórica –el antes y el después de la dictadura franquista– y la mitificación de la original Rambova por parte de su álter ego.

Natacha Rampova, en una imagen perteneciente al proyecto 'Las ahijadas', de William James. Fotografía: Almudena Soullard.

Natacha Rampova, en una imagen perteneciente al proyecto ‘Las ahijadas’, de William James. Fotografía: Almudena Soullard.

A propósito de William James, creador británico afincado en Valencia, cabe reseñar su trabajo basado en la investigación documental, cuyo resultado se plasma en instalaciones concebidas para contextos y espacios específicos, con las cuales se plantea a menudo una reflexión sobre las relaciones complejas entre la construcción del género y la construcción del espacio urbano  (véase The Gendered City).

De esta manera, James contempla nuestras relaciones con el entorno (socio-político, espacial y de género), aseverando que, en parte, lo construimos nosotros y, en parte, nos construye. Algo esencial en épocas de cambio drástico –como afirma “Las ahijadas”–, cuando lo personal no puede ser otra cosa que político.

‘Las ahijadas’ es un proyecto en Es Baluard que se presentará igualmente en Valencia, del 28 de octubre al 11 de diciembre, en colaboración con el Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana (Centro del Carmen), fructificando, de este modo, la primera colaboración entre ambas instituciones.

Natacha Rampova y Natacha Rambova en una imagen promocional del proyecto 'Las ahijadas'. Fotografía cortesía de los organizadores.

Natacha Rampova y Natacha Rambova en una imagen promocional del proyecto ‘Las ahijadas’. Fotografía cortesía de los organizadores.

 

Sagunt a Escena amplía programación y presupuesto

Festival Sagunt a Escena Edición 2016
XXXIII Edición
Sagunto. Diversos espacios
Del 21 de julio al 10 de septiembre

En la presentación del festival el secretari autonòmic de Cultura i Esport, Albert Girona quiso destacar que “con esta XXXIII edición el festival emprende un nuevo rumbo, no sólo por contar con una dirección artística como la de Juan Vicente Martínez Luciano, sino también porque se inicia una colaboración interinstitucional que no se daba desde hacía décadas, gracias a la participación activa en la organización del festival tanto del Ayuntamiento de Sagunto como de la Diputación de València “

La programación de Sagunt a Escena 2016 supone un considerable aumento de la oferta frente al festival del año pasado, si en 2015 hubieron 11 funciones en el Teatro Romano y cuatro en el Off Romà, este año pasamos a 21 funciones en el Teatro Romano y 11 funciones en el Off Romà.

Esta edición frente a contenidos más eclécticos de ediciones anteriores ha optado por construir una línea argumental, se trata de un festival “en femenino” con un hilo conductor que es el de la reflexión sobre los personajes femeninos no solo de la tradición clásica , como Fedra o Medea, sino también de nuestra propia historia como la ‘Reina Juana’ protagonizada por Concha Velasco y dirigida por Gerardo Vera.

Este festival ha sido el primero en sumarse en la Comunidad Valenciana a las temporadas por la igualdad impulsadas por la asociación Clásicas y modernas que velan por los criterios de igualdad en todas las manifestaciones artísticas.

Sonia y Acteón. Compañía Passió per Sagunt. Imagen cortesía de la organización.

Sónnica y Acteón. Compañía Passió per Sagunt. Imagen cortesía de la organización.

En el Teatro Romano habrá cinco espectáculos musicales, la actuación de la Jove Orquestra de la Generalitat Valenciana, que abrirá el día 22 las actuaciones en el Romano, el espectáculo ‘Innerland. La isla interior’; Maria de Mar Bonet que actuará el 25 de agosto, el grupo ‘Jerez-Texas’ que actuará el 31 de agosto y la actuación de la ‘Valencia Big Band’ con Pedro Iturralde que el 10 de septiembre cerrará el festival.

También en el Romano cuatro espectáculos de danza, la ‘Juana’ de OtraDanza, ‘La Guerra de las mujeres (Lisistrata)’ con Estrella Morente y Antonio Canales, entre otros, la ‘Medea’ de Thomas Noone Dance, Premio al Mejor Espectáculo de danza en Cataluña, y el espectáculo flamenco ‘Libertino’ de Marco Vargas y Chloé Brûle, a lo que habría que añadir el espectáculo ‘Només són dones’ un montaje que reúne teatro danza y música, dirigido por Carme Portaceli y con coreografía de Sol Picó que en Sagunto inicia su gira por toda España tras su éxito en el Teatre Nacional de Catalunya.

Los espectáculos teatrales del Romano serán ‘Madre Coraje’ de la compañía Atalaya, la producción de l’Institut Valencià de Cultura ‘L’Hostalera’. ‘La última función’ de Carlo Goldoni, dirigida por Vicente Genovés, ‘Sónnica y Acteón’ de la compañía Passió per Sagunt, ‘Las bacantes’ de Sennsa Teatro Laboratorio, ‘Reina Juana’ con Concha Velasco y ‘Fedra’ de la compañía valenciana Perros Daneses.

El Off romà y sus espectáculos para todos los públicos nos traerán diversos espectáculos de circo, música, teatro y cabaret.

Las bacantes. El grito de la libertad de Sennsa Teatro. Imagen cortesía de la organización.

Las bacantes. El grito de la libertad de Sennsa Teatro. Imagen cortesía de la organización.

La Jaula de Grillos, a los sanfermines

La Jaula de Grillos, de José Saiz
Teatro Gayarre
Avda. Carlos III, 1. Pamplona
Del 8 al 12 de julio de 2016

El escenario del Teatro Gayarre acoge este año durante las fiestas de San Fermín (desde el día 8 al 12 de julio) la puesta en escena de ‘La Jaula de Grillos’, el cabaret más alocado de la temporada. Se trata de la obra de Jean Poiret ’La Cage Aux Folles’, adaptada como ’La Jaula de Grillos’, protagonizada por Alberto Vázquez y José Saiz, acompañados de un gran elenco de artistas.

La Jaula de Grillos, de José Sáiz. Imagen cortesía de Teatre Flumen.

La Jaula de Grillos, de José Sáiz. Imagen cortesía de Teatre Flumen.

El teatro apuesta por un espectáculo musical de gran formato, dirigido por José Saiz con música, voces en directo y un cuerpo de baile espectacular. La comedia cuenta cómo la tranquila vida de Alvin y César, una pareja dueña de un cabaret, se ve totalmente alterada ante la inminente boda de Josean, el hijo de César, con la hija de un senador ultraconservador. El político, que desea promocionar los valores tradicionales de la familia, decide visitar a la familia del novio, sin saber lo que se va a encontrar.

Esta comedia musical se representará del  8 al 12 de julio en el Teatro Gayarre. Todas las sesiones serán a las 21h. En esta versión, al cabaret se le da una gran visibilidad, con más de una hora de actuaciones propias de este tipo de locales. El cabaret se agrupa en cuatro bloques, cada uno de ellos compuesto de cuatro números.

La Jaula de Grillos, de José Sáiz. Imagen cortesía de Teatre Flumen.

La Jaula de Grillos, de José Sáiz. Imagen cortesía de Teatre Flumen.

 

Todo “en un entorno drag” de gran vistosidad. Y es que la riqueza de vestuario es otro de los ingredientes que sorprenden en ‘La Jaula de Grillos’. Cada uno de los cuatro números tiene su propia indumentaria. Un dato ilustrativo: en el espectáculo se utilizan más de 100 trajes y más de 60 pelucas.

El otro pilar del espectáculo son las coreografías y se confían a una profesional reconocida como Lina Martínez. La dirección musical corre a cargo de Fernando Barber y Paco Iváñez. ¡Quienes deseen saber qué va a suceder, no debe perderse este espectáculo que no dejará indiferente a nadie!

La Jaula de Grillos, de José Sáiz. Imagen cortesía de Teatre Flumen.

La Jaula de Grillos, de José Sáiz. Imagen cortesía de Teatre Flumen.

 

Tres flamencas en New York

Gipsy Cabaret
Sala Russafa
C / Denia, 55. Valencia
Del 4 al 6 de marzo de 2016

Cuando algunos esgrimen una incipiente recuperación económica, España sigue sufriendo una  sangrante fuga de talentos. Sin embargo, aunque podemos encontrar algunos paralelismos, es algo distinta de la que vivió el país cuando, tras la guerra civil, se produjo un éxodo de artistas no sólo por cuestiones ideológicas, también puramente alimenticias.

Sala Russafa acoge del 4 al 6 de marzo Gipsy Cabaret, una divertida propuesta que recrea el viaje a Nueva York de tres flamencas que huyen de la miseria y la incultura. En la gran manzana les espera una prima que se abrió camino en ‘las Américas’, montando su propio cabaret.

Gipsy Cabaret. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Gipsy Cabaret. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Un espacio de mentalidad abierta, donde se fusionan culturas y ritmos. Sobre aquellas tablas, su duende y su gracia les llevarán a conseguir el éxito, con contratos millonarios para dar la vuelta al mundo. Y años más tarde volverán al mismo escenario cargadas de recuerdos, de vivencias y de experiencia.

Dentro del ‘Ciclo de compañías Valencianas’, regresa al teatro de Ruzafa Xhido Teatro-Danza, una formación que ya lo visitó en 2012 con la propuesta multidisciplinar Pretextos. En marzo regresa con esta divertida pieza, que ha pasado por el café teatro y que ahora llega a las tablas en un formato ampliado, que permite profundizar en la entrañable historia de estas buscavidas, contada en clave de swing, mezclando la interpretación y la improvisación, el canto, la danza, el flamenco y hasta el claqué.

Escena de Gypsi Cabaret.

Escena de Gipsy Cabaret. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Dos damas ¿o no? en el Teatre Micalet

Two ladies or not two ladies
Noèlia Pérez y Josep Zapater
Teatre Micalet
C / Mestre Palau, 3. Valencia
Del 23 de diciembre al 8 de enero de 2016

Noèlia Pérez y Josep Zapater son dos damas, o quizá no. Pero lo que es seguro es que van a transformar el Teatro Micalet en un cabaret desde el 23 de diciembre hasta el 8 de enero con su espectáculo Two ladies or not two ladies y harán del fin de año la fiesta más divertida con una función especial por darle la bienvenida al 2016.

Con muchísimas canciones, humor y nostalgia esta extraña pareja hace un recorrido por décadas de música cantada y tocada en directo. Noèlia Pérez y Josep Zapater son los creadores, cantantes y actores de este espectáculo, que incluye canciones originales de ellos para este sorprendente cabaret.

Escena de Two ladies or not two ladies. Imagen cortesía de Teatre Micalet.

Escena de Two ladies or not two ladies. Imagen cortesía de Teatre Micalet.

Un concierto único donde caben la canción francesa, el jazz, el pop e incluso algún villancico. Temas clásicos como Moon river, With or without you, Je ne regrette rian, Over the Rainbow o Bésame Mucho llegan a escena en la versión de estas damas.

Noélia Pérez es la First Lady, la diva que prepara una gira mundial, y Josep Zapater, la Second Lady, una pianista que esconde algún secreto. Su relación irá evolucionando al compás de la música, entre emociones y canciones. ¿Hacia dónde? Esa es la cuestión. Two ladies or not two ladies lo contestarán en el escenario del Teatro Micalet esta Navidad.

Two ladies or not two ladies. Imagen cortesía de Teatre Micalet.

Two ladies or not two ladies, con Noèlia Pérez y Josep Zapater. Imagen cortesía de Teatre Micalet.

Fracasadas, entre bambalinas y postizos

Fracasadas, de La Calva Producciones
Autor: Nacho de Diego
Dirección: Amparo Ferrer Báguena
Sala Russafa
C / Dènia, 55. Valencia
Del 27 de febrero al 1 de marzo, 2015

Sala Russafa estrena la versión renovada de ‘Fracasadas’, un espectáculo que participó en la última edición de Russafa Escénica con gran acogida del público. Del 27 de febrero al 1 de marzo regresa a la cartelera dentro del ciclo ‘Nueva Escena Valenciana’, extendido y adaptado para la representación en una sala, pasando de los treinta minutos que originalmente duraba la pieza a setenta.

Nuevas tramas y escenas completan esta primera propuesta de la compañía La Calva Producciones, una formación cuyos tres miembros fundadores suman una gran experiencia y más de 120 años en escena, demostrando que la inquietud no es patrimonio exclusivo de las nuevas generaciones.

Escena de 'Fracasadas', de La Calva Producciones dirigida por Amparo Ferrer Báguena. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena de ‘Fracasadas’, de La Calva Producciones dirigida por Amparo Ferrer Báguena. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Sobre el escenario, el público descubrirá la historia de Paco y Mariló, dos actores de cabaret que, a pesar de disfrutar de la gloria de la fama, decidieron separarse a causa de un trágico suceso. Varios años después, se reencuentran en un camerino, preparándose para salir a escena y recaudar fondos para el entierro de ‘La Salfumán’. Entre kilos de maquillaje, boas de plumas, postizos y redecillas, saldrán a relucir los celos, envidias, cariños y secretos que se esconden en las bambalinas de cualquier historia.

Amparo Ferrer Báguena, inolvidable protagonista de ‘Hedda Gabbler’ (nominada como mejor actriz en los Premis de les Arts Escèniques de la Generalitat Valenciana y en los premios Teatro Rojas de la Ciudad de Toledo), dirige esta pieza humorística en la que los actores Manuel Puchades y Marina Vinyals muestran su gran capacidad interpretativa.

Ambos cuentan con una extensa carrera profesional. Puchades ha trabajado con directores como Dario Fo, Carles Alfaro o Antonio Tordera en el teatro y Álex de la Iglesia o Sáenz de Heredia en el cine, además de participar en series televisivas como Águila Roja, El secreto de Puente Viejo o La que se avecina. Y Vinyals ha formado parte del elenco de montajes dirigidos por Rafael Calatayud, Antonio Valero, José Sancho o Manuel Molins y se ha especializado en el doblaje cinematográfico,.

En esta  aventura se les ha unido el dramaturgo valenciano Nacho de Diego, autor de ‘Fracasadas’, una divertida y descarada propuesta, con un punto canalla, que alterna el brillo de los focos con la sórdida realidad para mostrar la vida de muchos (artistas o no) que, pese a no haber triunfado, se niegan a sentirse fracasados.

VÍDEO: https://www.youtube.com/watch?v=njWIRofQqZA

Fracasadas, de La Calva Producciones. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Fracasadas, de La Calva Producciones. Imagen cortesía de Sala Russafa.