Zoológicos humanos

‘Zoos humanos, ethnic freaks y exhibiciones etnológicas: una aproximación desde la antropología, la estética y la creación artística contemporánea’, de Hasan G. López
Concreta textos, València, 2017
Exposición con motivo del libro
Biblioteca del Museu Valencià d’Etnologia
C/ Corona, 36. Valencia

La existencia de zoológicos humanos es un fenómeno escasamente conocido en el contexto español. La fórmula general, según el modelo introducido por el promotor Carl Hagenbeck en el Jardín de Aclimatación de París durante la segunda mitad del siglo XIX, resulta aparentemente sencilla. Si cogemos a un grupo humano perteneciente a una sociedad exótica, lo llevamos a Europa –voluntariamente o por la fuerza– y lo colocamos en un recinto cerrado recreando el entorno natural en el que vive como se hace en los zoológicos de animales salvajes, podremos conocer de primera mano su aspecto y costumbres sin alejarnos del calor del hogar ni poner en peligro nuestras vidas. ¿Cómo no sorprendernos ante este espectáculo de la diferencia que reproduce una clara relación de poder y sumisión del hombre por el hombre?

Jardin de Aclimatación de París. Los ashanti. La comida. Imagen cortesía del Museu Valencià d'Etnologia.

Jardin de Aclimatación de París. Los ashanti. La comida. Imagen cortesía del Museu Valencià d’Etnologia.

Esta modalidad de exhibición que podemos calificar de zooantropológica, sin embargo, no estuvo la única, sino una más dentro del espectro de las exhibiciones y formas de mostración de la alteridad cultural que podemos rastrear a lo largo de la historia y a los dos lados del Atlántico.

Ahora, la Biblioteca del Museu Valencià d’Etnologia alberga una muestra que pretende ofrecer al público una aproximación al fenómeno de las exhibiciones humanas en su contexto y en la contemporaneidad, y plantear la pregunta de en qué medida este tipo de espectáculos de la diferencia han contribuido a forjar nuestros esquemas de percepción de las sociedades extraeuropeas y los estereotipos culturales en general.

Esta muestra se ha organizado con motivo de la publicación y presentación del libro de Hasan G. López, ‘Zoos humanos, ethnic freaks y exhibiciones etnológicas: una aproximación desde la antropología, la estética y la creación artística contemporánea’ (Concreta textos, València, 2017).

Jardín de Aclimatación de París. Mujer ashanti y su hijo. Imagen cortesía del Museu Valencià d'Etnologia.

Jardín de Aclimatación de París. Mujer ashanti y su hijo. Imagen cortesía del Museu Valencià d’Etnologia.

Esta retrospectiva ha sido coordinada por la Biblioteca del Museu Valencià d’Etnologia y el propio Hasan G. López, con la colaboración de Ali Atrees y Julia Castelló, dos alumnos del Máster en Fotografía, Arte y Técnica de la Universitat Politècnica de València. En la misma se podrán visitar una buena representación de fotografías, postales, grabados y publicaciones sobre las exhibiciones humanas de finales del siglo XIX y principios del XX.
Asimismo, el público asistente tendrá acceso a lecturas sobre este tema que forman parte de los fondos de la Biblioteca del Museu Valencià d’Etnologia.

El horario de visita entre semana coincide con la apertura de la Biblioteca, de lunes a jueves de 8:30 a 14:30 horas, martes y jueves hasta las 18:00 horas y los viernes hasta las 14:00 horas. Los fines de semana en idéntico horario que el resto del museo, de 10:00 a 20:00 horas.

Exposición colonial de Estrasburgo. Poblado africano. La piscina. Imagen cortesía del Museu Valencià d'Etnologia.

Exposición colonial de Estrasburgo. Poblado africano. La piscina. Imagen cortesía del Museu Valencià d’Etnologia.

Las Naves se llena de InCultura Fest

InCultura Fest
Las Naves
C / Joan Verdeguer, 16. Valencia
Sábado 9 de abril, 2016, de 10.00 a 23.00h

La revista cultural Verlanga siempre ha tenido como objetivo, desde que nació, la defensa de la cultura lejos de propuestas elitistas o plomizas, porque entiende que dicha cultura “puede (y debe) ser divertida”. Así que a punto de cumplir el tercer aniversario no ha tenido mejor idea que predicar con el ejemplo, salir del parapeto digital y montar un festival con el que pasarlo bien con los lectores y conciudadanos.

Eso es el InCultura Fest, que se celebrará el próximo sábado 9 de abril, en Las Naves desde las 10.00 de la mañana hasta las 23.00h. Un festival en el que se mezclarán todo tipo de formatos y disciplinas artísticas para que la sombra del tedio no se atreva a aparecer. Habrá comida y bebida para no tener que salir del recinto para nada, porque en ‘Verlanguistán’ tendrán de todo.

Inma Pérez, responsable de Librería Dadá, en InCultura Fest. Fotografía: José García Poveda.

Inma Pérez, responsable de Librería Dadá, en InCultura Fest. Fotografía: José García Poveda.

Cuatro serán los espacios que se habilitarán en Las Naves para el InCultura Fest: la Biblioteca, el Espai Mutant, su sala de exposiciones y el patio abierto. La Biblioteca acogerá todas las actividades de la mañana, de manera que el festival se abrirá con una mesa redonda que, bajo el título ‘Los oficios de la cultura’, reunirá al ilustrador Luis Demano, a la librera Inma Pérez (Librería Dadá) y a Meritxell Barberà, de Taiat Dansa, hablando sobre lo lícito de vivir de su trabajo, las dificultades para hacerlo y el mal que ha hecho que se relacionen sus oficios con el romanticismo aficionado.
Después, la poesía escénica de Jesús Ge (nada que ver con la típica imagen de alguien recitando unos versos) tomará el relevo. Ge es uno de los nombres de referencia, a nivel nacional, en esta disciplina y recientemente estuvo en México participando en el Festival Altavoz.

Helena Miquel, en InCultura Fest. Fotografía: Sandra Gross.

Helena Miquel, en InCultura Fest. Fotografía: Sandra Gross.

La mañana concluirá con uno de los platos fuertes del festival. Agrupados bajo el nombre ‘Singulares’, tres destacados profesionales compartirán con el público, de manera individual y en primera persona, aspectos relacionados con su trabajo y trayectoria. Serán: Manuel Jabois, ganador del Premio Nacional de Periodismo Julio Camba en 2003, Laura Fernández, una de las voces más personales de la literatura española, de clara influencia pop, y Helena Miquel, cantante y actriz, que formó parte de Facto Delafé y las Flores Azules (después Delafé y las Flores Azules) y sigue haciéndolo en el grupo Élena.
LN3 Espai Mutant

Esa joya de teatro multiusos que es Espai Mutant y que cumplió un año hace muy poco, será el protagonista de la tarde. Allí empezará la programación vespertina con una entrevista en directo. El periodista cultural Eduardo Guillot hará las preguntas y el actor y humorista Carlos Areces las responderá.  Una vez concluida la charla, se abrirá un turno de preguntas para el público.

Darío Adanti y Edu, de la revista Mongolia, en InCultura Fest. Fotografía: Nadia Tosi.

Darío Adanti y Edu Galán, de la revista Mongolia, en InCultura Fest. Fotografía: Nadia Tosi.

Lanuca serán los encargados de la primera actuación musical del día. Dúo valenciano con dos discos y una propuesta inclasificable en la que confluyen influencias de todo tipo y versiones muy sui generis de Bruno Lomas o Marisol.

El humor no podría faltar en un evento organizado por Verlanga. Y nada mejor que contar con dos especialistas para hablar sobre él. Darío Adanti y Edu Galán de la revista satírica Mongolia, reflexionarán, en voz alta, sobre sus límites, un tema de candente actualidad por increíble que parezca. Y a partir de aquí, la música, con Betacam, Las Kasettes y El Coleta. Los tres será la primera vez que se suben a un escenario en Valencia.

Chloes Clue. Generación Las Naves de Verlanga. Fotografía: Eva M. Rosúa.

Chlöe’s Clue. Generación Las Naves, de Verlanga. Fotografía: Eva M. Rosúa.

Sala de exposiciones

Será el tercero de los espacios del InCultura Fest. Allí se podrá visitar la muestra ‘Generación Las Naves’, que se inaugurará un día antes (viernes, 8 de abril) y estará abierta hasta el 1 de mayo. ‘Generación Las Naves’ es una sección de Verlanga, patrocinada por el centro del mismo nombre, por la que han pasado, y pasan, un buen número de creadores a los que les une su talento y el desarrollar su trabajo en Valencia.

La exposición recogerá a aquellos que desfilaron por la revista durante el año 2015. Son, por orden alfabético, Acapvlco, Sara Aloy, Chairyourlife, Chlöe’s Clue, Elena Cuadrado, Paula G. Furió, Nelo Gómez, María Gómez-Senent, David Gonher, Sara Luz, Marcos Martínez, Alba Prado, Cristina Reolid, Gloria Román, Guadalupe Sáez, Mamba Sansano, Antoni Sendra, Alberto Silla, Alex Tarazón, Anaïs Vauxcelles, Dolores Villar y Alejandro Zahínos. En total, más de veinte participantes que exhibirán sus obras. Música, ilustración, moda, fotografía, escultura, diseño, periodismo, cine, teatro, audiovisual, guión, dramaturgia, pintura…
Por último, en el patio descubierto de Las Naves, se instalará la oferta gastronómica, con opción vegetariana para quien así lo desee. El InCultura Fest cuenta con la colaboración de Cervezas Ambar, así que la buena cerveza también estará asegurada.

Lanuca. Imagen cortesía de InCultura Fest.

Lanuca. Imagen cortesía de InCultura Fest.

La mirada despierta de Sergio Larraín

Sergio Larraín: Vagabundeos
Organizada por el Centro José Guerrero de la Diputación de Granada y producida por
Magnum Photos
Centro José Guerrero
C / Oficios, 8. Granada
Hasta el 27 de marzo de 2016

El fotógrafo chileno Sergio Larraín (1931-2012) atravesó el universo de la fotografía como un meteorito. Su preocupación por la pureza y su atracción por la meditación lo llevaron, después de muchos viajes, a retirarse al campo chileno, donde enseñó yoga para vivir en autarquía. Desde allí escribió mucho, preocupado por la necesidad de transformar la humanidad.

La exposición abarca toda su trayectoria, desde los primeros años de aprendizaje hasta su período Magnum, de las imágenes documentales a aquellas más libres de sus dibujos y los satori. Sergio Larraín tenía un ojo muy vivo, desligado de toda convención. Este enfoque a la vez social y poético hace de Larraín un fotógrafo brillante y un modelo que han seguido las nuevas generaciones.

Fotografía de Sergio Larraín. Imagen cortesía de Centro José Guerrero.

Fotografía de Sergio Larraín. Imagen cortesía de Centro José Guerrero.

La del vagabundeo es quizá la poética con la que el arte entró en la modernidad. Baudelaire y Benjamin valoraron en ella la observación atenta y cabal de la ciudad, la confluencia de los ritmos urbanos y el cuerpo del paseante (la mirada alerta, la escucha). También Sergio Larrain elogió (y eligió) esa actitud. Fue fotógrafo por el placer del vagabundeo, por el deseo profundo de estar en el mundo y por la pureza del gesto. Y sin embargo, pasó gran parte de su vida retirado, practicando yoga y meditación, escribiendo y dibujando. Entre esos dos extremos brilla la estela de su paso por el mundo, intensa como la de una estrella fugaz.

Hijo de una familia de la alta burguesía chilena, Sergio Larrain (1931-2012) se alejó muy pronto del ambiente mundano que se respiraba en casa de su padre, conocido arquitecto y coleccionista de arte. A pesar de las difíciles relaciones que mantuvo con él, llegó a reconocer que gracias a la nutrida biblioteca familiar pudo educar su mirada y acceder a la fotografía.

Tras comenzar los estudios en Estados Unidos, viajó por Europa con su familia. A su regreso a Chile en 1951, se aisló durante una temporada y se inició en la meditación. En Norteamérica había comprado una Leica, y comenzó a hacer fotografías al tiempo que frecuentaba asiduamente el animado ambiente artístico de Santiago. En 1954, deseoso de obtener una opinión sobre su trabajo, envió un portfolio al MoMA de Nueva York y Steichen le compró algunas fotografías, lo que le reafirmó en su deseo de ser fotógrafo.

Fotografía de Sergio Larraín. Centro José Guerrero.

Fotografía de Sergio Larraín. Centro José Guerrero.

Trabajó como free-lance para la revista brasileña O Cruzeiro, viajó por América del Sur y más tarde recibió una beca del British Council para hacer fotografías en Londres, donde residió durante el invierno de 1958-1959. Con ocasión de este viaje a Europa se hizo realidad su deseo de entrar en Magnum: mostró a Henri Cartier-Bresson su trabajo sobre los niños abandonados de Santiago y fue aceptado en la prestigiosa agencia. Se instaló, pues, en París durante una temporada, lugar desde donde partiría para realizar numerosos reportajes de prensa.

Muy pronto comprendió que ese mundo apresurado no era para él y volvió a Chile. Allí culminó su principal trabajo, sobre Valparaíso, junto a Pablo Neruda, antes de volver a la meditación, al yoga y al dibujo. A partir de entonces vivió en un aislamiento voluntario, durante el que mantuvo correspondencia con numerosos amigos, obsesionado con la idea de salvar al planeta de los estragos causados por el hombre. Pasó los últimos treinta años de su vida en Tulahuén, en el norte de Chile.

Fotografía de Sergio Larraín. Centro José Guerrero.

Fotografía de Sergio Larraín. Centro José Guerrero.

Esta exposición, comisariada por Agnès Sire, abarca toda la trayectoria de Sergio Larraín, fotógrafo cuya mirada despierta, desligada de toda convención, y cuyo enfoque a la vez social y poético hicieron de él un brillante referente para generaciones posteriores. En las salas del Centro José Guerrero se distribuye su obra en distintas secciones, con un arco cronológico que va de 1954 a 1977, desde los primeros años de aprendizaje hasta su período Magnum, de las imágenes documentales a aquellas más libres de sus dibujos y los satori.

En la planta baja se muestran las series Isla de Chiloé (1954-1963) y Niños abandonados (1955-1963), a la que acompaña el corto Niños del río Mapocho. La primera planta acoge las series tituladas Bolivia, Perú, Buenos Aires, París y Londres (1958-1975). En la segunda planta se exhiben las obras de las series Italia, Valparaíso y Santiago (1959-1977), además de una muestra de los satori y dibujos de su última época y libros, catálogos y revistas que recogen su obra, así como algunos tirajes originales.

Fotografía de Sergio Larraín. Imagen cortesía de Centro José Guerrero.

Fotografía de Sergio Larraín. Imagen cortesía de Centro José Guerrero.

 

Los Libros de Valdés en el hall del IVAM

En singular: la colección del IVAM en el hall
Libros, de Manuel Valdés

Bajo el título En singular: la colección del IVAM en el hall, una obra perteneciente a los fondos del museo se exhibirá desde mañana, y durante los próximos meses, en el vestíbulo principal del Centre Julio González.

Libros, de Manuel Valdés (Valencia, 1942), es la escultura elegida para iniciar esta nueva línea de actuación, que pretende dar mayor visibilidad a determinados trabajos de la colección que tienen un marcado interés artístico.

La obra del artista valenciano será la primera propuesta de una selección de los trabajos más singulares que conforman los fondos del museo, que el visitante encontrará en este espacio de acogida y bienvenida.

Libros condensa una visión particular del lenguaje escultórico donde se entremezclan varias de las investigaciones formales llevadas a cabo por Valdés. Pertenece a la serie ’Biblioteca’, que este artista comienza en los años 90 con la intención de mostrar algo desvencijado o deteriorado, y en la que emplea maderas duras.

Busca de manera intencionada la policromía natural de la madera intentando obtener una taracea tridimensional, que acaba consiguiendo a través de los accidentes naturales del material y del uso de las herramientas, que genera nuevas texturas y sensaciones.

 

Libros. Imagen cortesía del IVAM.

Libros, de Manuel Valdés. Imagen cortesía del IVAM.

IVAM, lo pequeño es grande

Sala de exposiciones de la biblioteca. Inauguración
Institut Valencià d’Art Modern (IVAM)
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Jueves 5 de octubre de 2015

El IVAM se amplía. José Miguel Cortés, director del museo valenciano, no se refería al solar ubicado junto a la fachada trasera del edificio. La ampliación era de puertas adentro. Y sabedor de que la noticia podía ser objeto de menor atención, que si se hubiera tratado del agrandamiento hacia el exterior, destacó: “Cuando todo se mide por miles de metros cuadrados y espectáculo, hay pequeños actos que parecen no tener importancia pero que encierran un gran contenido simbólico”. Hablaba de la inauguración de la sala de exposiciones de la biblioteca, “un pequeño rincón oscuro” abierto para mostrar los sobresalientes fondos impresos de su colección.

Algunos de los libros expuestos en la nueva sala de la biblioteca del IVAM.

Algunos de los libros expuestos en la nueva sala de la biblioteca del IVAM.

Tan sobresalientes que Eloísa García, responsable de la biblioteca del IVAM, no dudó en calificar de “gran prestigio a nivel del Estado español” la posesión de esos más de 47.000 volúmenes de su colección. Volúmenes, entre libros, revistas y documentos, que irán viendo la luz en sucesivas exposiciones, a razón de tres por año. Con ‘Arte moderno en la España franquista’ arranca esa nueva línea abierta en la biblioteca del museo. Cortés insistió en la importancia de ese acto aparentemente pequeño: “Nace con el objetivo de impulsar el conocimiento, la investigación y la educación”.

Frente al chaparrón de lluvia que parece llevárselo todo para que después salga el sol como si no hubiera pasado nada (“algo muy valenciano”), José Miguel Cortés apeló a la “gota malaya”, al “sirimiri” que representa esa apuesta por la reflexión y el conocimiento. Conocimiento encerrado en unos libros “frágiles en su contenido, pero que son parte fundamental del museo”, subrayó el director del IVAM. Una primera selección de esos libros, revistas y documentos, en torno al arte moderno durante el franquismo, revela el potencial atesorado en la biblioteca que ahora ve la luz.

Fotografías del Grupo Afal en uno de los libros expuestos en la nueva sala de la biblioteca del IVAM.

Fotografías del Grupo Afal en uno de los libros expuestos en la nueva sala de la biblioteca del IVAM.

Irene Bonilla, conservadora del museo valenciano y comisaria de la exposición, desgranó sus contenidos. Libros, catálogos, revistas y documentos relacionados con la actividad artística de cuantos se esforzaron por esa investigación del arte contemporáneo en los duros años del franquismo. Bonilla recordó el dilema entre quienes optaron por el exilio y quienes se quedaron, a pesar de las adversas condiciones, y fraguaron algunas de las obras expuestas. Entre ellos, Vicente Aguilera Cerni, “cabeza pensante del Grupo Parpalló” (Bonilla), además de otros colectivos surgidos en la Valencia de la década de los 60.

‘Arte moderno en la España franquista’ sirve a su vez de complemento a la exposición ‘Colectivos artísticos en Valencia bajo el franquismo’ que acoge el museo hasta el 3 de enero. Entre los documentos mostrados destacan las revistas Dau al Set y Arte Vivo, el cartel de la primera exposición de arte normativo español en 1960, que contó con la participación de Monjalés, Eusebio Sempere, Isidoro Balaguer o Equipo 57, y originales del propio Grupo Parpalló. El bloque ‘Citas colectivas 1951-1960’ reúne muestras impresas de la internacionalización del arte español mediante su participación en las principales bienales, como Venecia, París o Sao Paulo.

La labor arqueológica que supone la muestra de todo ese material impreso sobre el arte durante el franquismo, gracias también a los archivos de Josep Renau, Jacinta Gil y Manolo Gil, revela, según Bonilla, el grado de “aceptación del arte moderno y abstracto por parte del Gobierno” en los años 60 de la dictadura. La sala recién abierta pretende ser, en este sentido, “lugar de reflexión en torno a todos estos materiales”, concluyó Eloísa García.

Imagen de la presentación del nuevo espacio expositivo de la Biblioteca del IVAM. Cortesía del Instituto valenciano.

Imagen de la presentación del nuevo espacio expositivo de la Biblioteca del IVAM. Cortesía del Instituto valenciano.

Salva Torres

MUA: residencias formativas en arte contemporáneo

Programa de residencias formativas de creación e investigación en arte contemporáneo “PLUS”
Museo de la Universidad de Alicante. MUA
Del 13 al 25 de julio de 2015

La Universidad de Alicante y su Fundación General convocaron a través del Museo de la Universidad de Alicante (MUA) un programa de residencias formativas de creación e investigación en arte contemporáneo. “PLUS” se lleva  a cabo del 13 al 25 de julio de 2015 y tiene como objetivo  fomentar la creación, aumentar la formación, promover la investigación y generar contactos entre profesionales del sector.

Cinco propuestas de artistas individuales o colectivos (en distintas disciplinas como pintura, dibujo, escultura, fotografía, videoarte, instalación, etc.) han sido elegidas por una comisión de expertos y técnicos de arte del MUA. Durante dos semanas, de lunes a viernes y de 9:00h a 20:00h, los seleccionados realizarán su proyecto artístico en las instalaciones del MUA: sala Naias, sala Àgora, biblioteca, anfiteatro y exteriores. Las residencias se complementan con una formación que propone talleres de diferentes agentes culturales con los artistas para potenciar la profesionalización y la proyección de los creadores.

Los artistas seleccionados son: María Ortega Estepa, Ángel Masip, Pablo Bellot, Juan F. Navarro y Alexandra Rodes. Cada artista recibe una bolsa de 300€ para la producción de su proyecto. Además se ofertó una bolsa de alojamiento de 600€ para un solo artista no residente en el contexto local. Los proyectos deberán estar acabados al final de la residencia y el MUA los expondrá en octubre de 2015 en una muestra colectiva.

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Desde el martes 14 de julio y hasta el miércoles día 22, el Museo de la Universidad de Alicante, acogerá seis conferencias formativas en el marco del programa de residencias formativas de creación e investigación en arte contemporáneo “PLUS”. De 12 a 13 h. serán sesiones abiertas al público y entre las 13 y las 14 h. se celebrarán los encuentros de los profesionales con los residentes.

Las charlas contarán con especialistas en diversas áreas de conocimiento y abordarán temas como:

14 de julio:  la Galería de arte como proyecto work  in progress, impartida por Begoña Martínez Deltell, directora de la Galería Aural.

15 de julio:  Arte y comunicación. Comunicación del arte, a cargo por Raúl Rodríguez, coordinador del Máster Oficial en Comunicación e Industrias Creativas.

16 de julio: Hacer, deshacer, rehacer. El sistema del arte y las buenas prácticas, por José Luis Pérez Pont, crítico de arte, comisario y codirector de www.makma.net.

20 de julio: + – 1961 La Eclosión  de un arte expandido, impartido por José Maldonado, doctor en Bellas Artes y profesor de la Universidad Miguel Hernández de Elche.

21 de julio: Valor social del arte, a cargo de Isaac Montoya, artista y presidente de la Asociación de Artistas Contemporáneos de Alicante (ACOA).

22 de julio: Tiempos y procesos en el desarrollo de proyectos artísticos, por Teresa Marín, doctora en Bellas Artes y profesora de profesor de la Universidad Miguel Hernández de Elche.

El programa de residencias formativas de creación e investigación en arte contemporáneo “PLUS”, impulsado por la Universidad de Alicante y su Fundación General, tiene como objetivo  fomentar la creación, aumentar la formación, promover la investigación y generar contactos entre profesionales del sector.

Las jornadas son de acceso  libre hasta completar el aforo.

El-Sherbini: ¿Deberíamos reírnos de esto?

No sé si debería reírme de esto…
Yara El-Sherbini
Galería pazYcomedias
Plaza Colegio del Patriarca, 5. Valencia
Hasta el 18 de abril, 2015

Es de padre egipcio y de madre caribeña. Y se nota. Se nota esa mezcla de tensión vivida en el país de Tutankamón y de alegría antillana. De manera que Yara El-Sherbini (Inglaterra, 1978) se toma las cosas en serio para reírse de ellas. Que es lo que hace en la galería pazYcomedias, donde muestra una selección de su obra comisariada por José Luis Pérez Pont, estrenando en Valencia una pieza jamás vista: ‘End of Conflict in the Middle East’.

Obra de Yara El-Sherbini en la exposición 'No sé si debería reírme de esto'. Imagen cortesía de Galería pazYcomedias.

Obra de Yara El-Sherbini en la exposición ‘No sé si debería reírme de esto’. Imagen cortesía de Galería pazYcomedias.

Está considerada como una de las principales exponentes de la nueva generación de artistas británicos y una de las más destacadas protagonistas del movimiento Live Art. Arte vivo por oposición a ese otro que los artistas de esta (in)disciplina artística consideran, si no muerto, obsoleto. ‘No sé si debería reírme de esto…’, tal es el título de la exposición en pazYcomedias, va en esa dirección: la del “tono desafiante e inconformista” de una obra repleta de “humor ácido y rebelde”, según palabras de su comisario.

Y lo cierto es que Yara El-Sherbini se ríe de unas cuantas cosas, todas ellas relacionados con algunos de los clichés de la sociedad contemporánea. Por ejemplo, las relaciones entre Oriente y Occidente. La mayoría de trabajos que muestra en Valencia tiene que ver con ello. ¿Debería reírse del velo que portan las mujeres árabes? ¿O de las bombas caídas en Oriente Próximo? Deba o no, El-Sherbini no se muerde la lengua y lo hace: se ríe con sus propuestas críticas y obliga al espectador a cuestionarse los límites de esa sonrisa.

Obra de Yara El-Sherbini en la exposición 'No sé si debería reírme de esto'. Imagen cortesía de Galería pazYcomedias.

Obra de Yara El-Sherbini en la exposición ‘No sé si debería reírme de esto’. Imagen cortesía de Galería pazYcomedias.

La pieza ‘A Carpet Bomb (Persian)’ es eso: una alfombra bomba creada como si fuera una lámpara granada, con su mecha y todo. La instalación ‘Tipping Point’ está hecha con bolos cubiertos de velos, quién sabe si esperando que alguna mano los derribe lanzando contra ellos su agresiva bola. También hay un alfabeto magnético que actúa a modo de chiste, en el que se lee: “Una mujer con velo fue arrestada sospechosa de atentar contra la seguridad nacional. Ella señaló que estaba trabajando bajo cubierto”. El título de la pieza lo aclara todo: ‘Jokes from the dark side’ (bromas desde el lado oscuro).

Obra de Yara El-Sherbini en la exposición 'No sé si debería reírme de esto'. Imagen cortesía de Galería pazYcomedias.

Obra de Yara El-Sherbini en la exposición ‘No sé si debería reírme de esto’. Imagen cortesía de Galería pazYcomedias.

Yara El-Sherbini utiliza ese lado oscuro de la práctica artística para revelar cierto inconsciente, al que apela como motor de una creatividad entre siniestra y juguetona. El estreno absoluto en Valencia de ‘End of Conflict in the Middle East’ se nutre de esa mezcla de oscuridad y chispeante ingenio. Pérez Pont lo explica así: “Es el resultado de una performance en una biblioteca, donde hace desaparecer todo el interior del libro ‘Conflict in the Middle East’ a base de perforar todas sus páginas con una taladradora de papel, acabando simbólicamente con el ‘conflicto’”.

Es la manera que tiene El-Sherbini de enfrentarse a la conflictiva realidad, haciendo uso de los clichés para zarandearlos mediante sus acciones terapéuticas. De hecho, como bien explicaba Freud en ‘El chiste y su relación con el inconsciente’, el desconcierto figura entre las premisas de lo cómico. Desconcierto al que sigue cierto esclarecimiento posterior fruto de la descarga emotiva. ¿Deberíamos reírnos entonces de la propuesta que acoge pazYcomedias? Hay tiempo hasta el 18 de abril de responder a una pregunta que requiere, eso sí, ponerse a prueba.

Conflict in the Middle East, de Yara El-Sherbini. Imagen cortesía de Galería pazYcomedias.

Conflict in the Middle East, de Yara El-Sherbini. Imagen cortesía de Galería pazYcomedias.

Salva Torres

Güler Ates en la Kubikgallery

Whispers of Colour de Güler Ates
En Kubikgallery
Rua da Restauração 2, Porto, Portugal.
Desde el 25 de Enero
Hasta el 1 de Marzo

Kubikgallery proudly presents Whispers of Colour, a solo exhibition featuring a series of photographs by London-based Turkish artist Güler Ates. These photographs are created in the Royal Academy of Arts Research Library in the United Kingdom, serving the needs of Royal Academicians, students and scholars for over two centuries. In her work we would like to highlight the unusual crossing between an occidental and an oriental vision that approaches the mechanisms of power, the weight of culture and the physicality of bodies, as well as all the problematics or instigated questions that arrive from this confrontation. For this first solo exhibition at Kubikgallery, we selected a group of works that place the veiled female figure, which is often at the centre of Ates’ work, in the context of a library. These images have an enormous symbolic, architectonic and representational character, making us wonder about gender and identity matters but at the same time, placing the spectator in tension and fascinated doubt. Ates work suggests a synthesis of the curiosity of the occidental vision and the oriental paradigm, requestioning the definition of the exotic, and the boundaries between public and private, thus offering a complex challenge to fixed identity.

Obra de Güler Ates.

Obra de Güler Ates.

Imágenes para la eternidad

Cine XXI. Directores y direcciones

Hilario J. Rodríguez y Carlos Tejeda

Colección Signo e Imagen. Editorial Cátedra

No hace falta ser crítico de cine para elaborar el top ten de las películas que más te han impresionado, conmovido o divertido a lo largo de la vida, dejando en la memoria una huella imborrable. Una lista cuyo orden y contenido cambia según épocas y estados de ánimo. Desbrozar el inmenso campo audiovisual y rotular las plantas que han dado los mejores y más persistentes frutos es harina de otro costal. Una  labor maratoniana es la que a lo largo de varios años ha realizado una treintena de expertos en el séptimo arte, coordinados por Hilario Rodríguez y Carlos Tejeda.

El resultado es CINE XXI. Directores y direcciones, más de 600 páginas que incluyen por riguroso orden alfabético a los cineastas  más destacados de nuestro tiempo, además de algunos recientemente fallecidos o inactivos cuyas obras ofrezcan interés. Cada entrada reúne una serie de reflexiones sobre el autor en cuestión, su filmografía escogida y un enlace web para ampliar información. En suma, una pieza indispensable en la biblioteca de todo cinéfilo que se precie, presentada la pasada semana en la librería Railowsky.

Origen, de Christopher Nolan, en Cine XXI. Directores y direcciones, de Hilario Rodríguez y Carlos Tejeda

Origen, de Christopher Nolan, en Cine XXI. Directores y direcciones, de Hilario Rodríguez y Carlos Tejeda

El proyecto arrancó tras la primera década del  nuevo siglo, “un periodo de tiempo que nos permitía la posibilidad de esbozar una radiografía sobre el cine actual, de dónde venía y hacia dónde va”, dice Tejeda. “En este punto se cruzan grandes maestros como Jean–Luc Godard o Shohei Imamura, cineastas ya consagrados como Tim Burton o David Cronenberg, y se consolidan otros como Wong Kar–Wai o Richard Linklater, y empiezan a despuntar nuevos nombres, como Lisandro Alonso o Rodrigo García por citar algunos.  Toda una confluencia de modos de entender y hacer cine, de tendencias, influencias y búsquedas, y no sólo en los cinco continentes, sino también en todos los géneros, desde la ficción misma hasta el cine documental, el cine experimental, el cine de animación, el videoarte, etcétera”.

La selección del material no fue cosa fácil. Respecto a algunos nombres la unanimidad era total, otros “crearon bastantes dudas”, indica Rodríguez. “Se partió de una lista inicial que se fue perfilando, poco a poco, y con las aportaciones de los colaboradores. Uno de los criterios fue que debían ser cineastas que tuviesen, al menos, un título relevante, sea por su influencia, su repercusión, su impacto comercial y su estética”. 

De la experiencia compartida en la oscuridad de la sala a la interacción solitaria con múltiples y omnipresentes pantallas, el consumo de imágenes ha dado un giro radical en los últimos años. ¿Hacia dónde nos encaminamos? ¿Cuál es el futuro del séptimo arte?

“Antes el cine era una experiencia aparte, maravillosa, mágica”, comentan Rodríguez y Tejeda. “Hoy día está tan presente en la realidad que casi se confunde con ella. Eso hace más accesible el medio, de modo que hay más gente que rueda sus propias películas, pero todo esto también lo convierte en una experiencia menos determinante en la vida de las personas. Lo que está claro es que el mapa del mundo es más preciso que nunca gracias al cine y además hay cada vez una mayor interacción entre cineastas y países, algo que promoverá nuevas fusiones y con ellas nuevas formas”.

Elephant, de Gus Van Sant, en Cine XXI. Directores y direcciones, de Hilario Rodríguez y Carlos Tejeda

Elephant, de Gus Van Sant, en Cine XXI. Directores y direcciones, de Hilario Rodríguez y Carlos Tejeda

 Bel Carrasco