Las cenizas de Fallas como obra artística

El peso de las cenizas, de Anna Malagrida
IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Hasta el 24 de febrero de 2019

Del poliestireno, que sirve para fabricar los monumentos falleros, a sus cenizas hay todo un ciclo de vida y muerte alegórico de nuestra propia existencia. Frente a la belleza del carácter inmaterial que ha convertido a las fallas en Patrimonio de la Humanidad, se esconde un aspecto más sombrío y telúrico del que Anna Malagrida se hace cargo en su exposición El peso de las cenizas, que acoge el IVAM en su Galería 6 hasta el 24 de febrero. “¿Podría ser la alta entropía en el proceso de transformación de la materia una imagen premonitoria, una alegoría de un colapso o de una agonía de nuestro mundo?”, se pregunta la artista.

Se trata de una cuestión que Malagrida recoge plásticamente mediante una sucesión de videos, en los que se muestran el proceso de transformación de los ninots en ceniza. Un proceso, subraya la propia artista, “que se desvela con momentos que resultan ser de alta entropía, especialmente durante la Cremà y la gestión de los residuos y de las cenizas”. Entropía que viene a amenazar el orden de la significación, pasando así del trabajo de las máquinas, pesado y rutinario, a la cosa singular, vacía de sentido, de los restos en su más pura brutalidad. La fiesta, luminosa y cargada de sonrisas, dejando entrever su faz más áspera y amarga.

Anna Malagrida, delante de su obra. Imagen cortesía del IVAM

Anna Malagrida, delante de su obra. Imagen cortesía del IVAM

Son esas huellas, que Malagrida ya ha explorado en otros trabajos fotográficos, las que movilizan su atención, plásticamente recogida en los diez videos que integran su instalación. Huellas de lo real, de lo que se encuentra en los pliegues y hendiduras de la realidad, que desconciertan nuestra percepción de las cosas, al igual que la abstracción lo hace una vez conmovidos los cimientos de la figuración. De hecho, los videos contienen imágenes fácilmente reconocibles de las máquinas trabajando y de los espacios plagados de residuos, junto a otras donde las cenizas y el polvo van dificultando la percepción de las formas. Por eso hay referencias a Marcel Duchamp o Man Ray.

“Marcel Duchamp inventó el concepto de infraleve que le servía para medir esa energía apenas perceptible (lo inmaterial) y que se desperdiciaba en pequeñas situaciones y acciones cotidianas, como el calor de un asiento que se acaba de dejar”, subraya la artista. De manera que frente a lo claro, lo difuso, y junto a la terca pesadez de las máquinas, la liviana orfandad de la materia desprovista de vida. Como señaló José Miguel Cortés, director del IVAM, la artista trabaja sobre ese “aspecto desapercibido, leve, infravalorado, sucio, pero que contiene la fiesta de las fallas: del despilfarro y de lo que nada permanece”.

Video de Anna Malagrida. Imagen cortesía del IVAM

Video de Anna Malagrida. Imagen cortesía del IVAM

“No es una crítica medioambiental. Yo simplemente constato”, indicó la artista. Y lo que constata es, apoyándose en el concepto de entropía, “el desequilibrio de un sistema”, refiriéndose “a aquella energía que no puede ser utilizada como trabajo”. Cortés aludió al “carácter metafórico” de la exposición, sin duda apropiado para describir precisamente aquello que, como el propio arte, posee cierto aire de inutilidad, aquello que escapa al más estricto pragmatismo. “El trabajo de Anna Malagrida tiene la importancia de fijarse en las pequeñas cosas que transforman el mundo, lo leve, lo frágil, todo aquello a lo que no le damos valor y ella se lo da”, destacó el director del IVAM.

El peso de las cenizas, como se encargaron de subrayar tanto Cortés como la propia artista, se sitúa en los márgenes de la fiesta fallera, para alterar el relato habitual y centrarse en lo que viene después del fuego y la algarabía. Fuego recogido en los videos de la planta inferior de la Galería 6, para luego ascender hasta sus cenizas de la planta superior. Cuestiones como la memoria y la identidad cultural también están presentes en el proyecto videográfico. Por eso se refirió a las tensiones vividas en Cataluña el 1 de octubre y a las propiamente migratorias como reflejo de su proyecto, mediante el cual se podían explorar las posibilidades de integración derivadas de la fiesta fallera. “Había personas de diferentes lugares con un trabajo digno y que no les generaba tensiones, que es lo que pensaba encontrar”.

Se trata de la primera exposición de Malagrida realizada íntegramente con videos, tal y como reconoció la propia artista: “Es algo que se ha impuesto de modo natural”. Como natural “y no circunstancial” es que ahora mismo coincidan en el IVAM tres artistas como Anette Messager, Ángeles Marco y Anna Malagrida. “Lo que sí es azaroso es que las iniciales de las tres empiecen por A y M”, señaló en tono jocoso Cortés. La artista, más seria, evalúa la fiesta de las fallas desde el lado de la integración y la belleza, “beneficios que son patrimonio inmaterial de la humanidad”, mostrando su envés del derroche, la fragilidad y las cenizas que sin duda pesan. Un peso no exento de liviandad y sutileza plástica.

Ver la noticia en El Mundo Comunidad Valenciana

Video de Anna Malagrida en el IVAM.

Video de Anna Malagrida en el IVAM.

Salva Torres

VI Visiones Contemporáneas en el Domus Artium 2002

VI Visiones Contemporáneas, de Playtime Audiovisuales
DA2 – Domus Artium 2002
Av. de la Aldehuela, s/n, Salamanca
Del 15 de febrero al 17 de mayo de 2018

El jueves 15 de febrero comienza la sexta temporada de Visiones Contemporáneas, últimas tendencias en el cine y vídeo en España, un proyecto comisariado por Playtime Audiovisuales (Enrique Piñuel y Natalia Piñuel) que tiene su espacio de exhibición en DA2 – Domus Artium 2002, en la ciudad de Salamanca, cuyos contenidos se desarrollarán hasta el 17 de mayo de 2018.

La nueva temporada se inicia con el decimosexto ciclo, que estará dedicado a la artista visual, Rosana Antolí, a la que seguirán los ciclos que  se dedicarán a la cineasta Diana Toucedo y terminará el año con Dora García, quien, además, dará una master class en el museo.

Visiones Contemporáneas. Makma

Durante esta andadura comenzada en 2013, el proyecto se ha convertido en un referente dentro de la exhibición audiovisual en España, apostando siempre por artistas comprometidos con su tiempo, que se arriesgan tanto formal como conceptualmente. Hasta la fecha, son 15 los artistas que han tenido su Visiones Contemporáneas, ofreciendo un amplio espectro del panorama audiovisual contemporáneo español: Félix Fernández, Alex Reynolds, Chus Domínguez, Albert Alcoz, Arrieta y Vázquez, Laida Lertxundi, Left Hand Rotation, Eli Cortiñas, Víctor Iriarte, Regina de Miguel, Lois Patiño, Momu & No Es, Eloy Domínguez Serén, Las Chicas de Pasaik y María Ruido.

Rosana Antolí cuenta con una producción multidisciplinar que abarca dibujo, pintura, escultura, vídeo, performance y media art. Para la presente edición, Visiones Contemporáneas se ha centrado en sus últimos trabajos en vídeo relacionados con el movimiento de los cuerpos.

En estas obras la artista trabaja en torno del concepto de loop, de repetición, interrelacionando la danza y la performance con la imagen, transitando entre las acciones del día a día y las preguntas clave de la humanidad. Preguntas acerca de nuestra existencia y nuestros anhelos y preocupaciones.

Imagen perteneciente a 'Instrucciones para besar', de Rosa Antolí, que formará parte de los contenidos de Visiones Contemporáneas. Fotografía cortesía de Playtime Audiovisuales.

Imagen perteneciente a ‘Instrucciones para besar’, de Rosa Antolí, que formará parte de los contenidos de Visiones Contemporáneas. Fotografía cortesía de Playtime Audiovisuales.

En su obra se encuentra un equilibrio entre lo conceptual y la proximidad de lo emocional y sensorial. Antolí cuenta historias y se interesa por el relato, pero no de una forma tradicional, sino haciendo hincapié en los grupos, los comportamientos y en la sociedad como generadora de “comunidades del gesto” a través de los cuerpos.

Rosana Antolí se perfila como una de las artistas españolas con mayor proyección internacional. En 2015 es galardonada con la beca Multiverso, concedida por la Fundación BBVA y el año pasado, fue premiada con la beca para jóvenes creadores, Generación 2017 de Fundación Monte Madrid, y el premio del Festival Loop, afianzándola como una de las mejores artistas visuales de la actualidad.

Más información en www.playtimeaudiovisuales.com

Imagen perteneciente a 'Instrucciones para besar', de Rosa Antolí, que formará parte de los contenidos de Visiones Contemporáneas. Fotografía cortesía de Playtime Audiovisuales.

Imagen perteneciente a ‘Instrucciones para besar’, de Rosa Antolí, que formará parte de los contenidos de Visiones Contemporáneas. Fotografía cortesía de Playtime Audiovisuales.

 

Justicia y Arte en Movimiento en la Contour Biennale de Malinas

‘Polyphonic Worlds: Justice as Medium’
Contour Biennale 8
Diversas sedes
Malinas (Bélgica)
Hasta el 21 de mayo de 2017

La ciudad belga de Malinas acoge, hasta el 21 de mayo, la octava edición de Contour Biennale, cuya presente propuesta de contenidos culturales se polariza en torno del polisémico concepto de Justicia, bajo el título ‘Polyphonic Worlds: Justice as Medium’ (‘Mundos polifónicos. La Justicia como Medio’) y la dirección curatorial de la comisaria de origen indio Natasha Ginwala.

Enclavada en la región flamenca de la provincia de Amberes, la histórica y renovada urbe de Malinas uniforma una relevante extremidad de su arquitectura con el fin de procurar refrendo institucional a este proyecto artístico, que ha logrado consumar sus principios desde aquellas primeras incursiones en el videoarte que perfilaron la génesis de Contour Biennale, en 2003.

Desde entonces, esta cita ineludible en el cronograma septentrional del país ha procurado nutrirse de múltiples dispciplinas emparentadas con el Arte en Movimiento, es decir, aquellos léxicos que encaminan sus postulados hacia el universo de la imagen en curso, el audiovisual, el arte de acción o las instalaciones cinéticas.

‘Polyphonic Worlds: Justice as Medium’ no solo asienta sus principios en un territorio de longeva historiae iudicialibus –no en vano, en Mechelen (denominación neerlandesa de Malinas) se encuentra el gótico Palacio del Gran Consejo, otrora corte suprema de los Países Bajos borgoñones, cuya edificación se remonta al ocaso del siglo XV–, sino que procura concitar la aproximación de más de una veintena de artistas internacionales a los turbios lindes semióticos contemporáneos de la Justicia –cuyas intricadas y dispares morfologías terminan por someter al individuo–, con el fin de poner en cuestión la inextricable y desequilibrada semántica de los poderes legislativos.

De este modo, en el proemio curatorial ‘Bodies Before the Law’, Natasha Ginwala apunta que “con los límites de la justicia ahora desenmarañándose en una crisis volátil de ética en el presente global, Contour Biennale 8 se involucra en una visión polifónica que recuerda la historia acústica de las Tierras Bajas, al tiempo que presenta un paisaje notacional que es multifónico, con connotaciones que se escuchan como una conciencia plural y, en ocasiones, como estados de discordia. Esta edición se propone cuestionar los límites preconcebidos entre la percepción de legalidad e ilegalidad dentro de la experiencia actual de la estadidad”.

La bienal parte del centro de arte contemporáneo The Garage –próximo a la catedral gótica brabantina de San Rumoldo–, sede en la que se formulan nueve propuestas, de entre las que debe destacarse el video ‘Black Beach / Horse / Camp / The Dead / Forces’ (2016), de la puertorriqueña Beatriz Santiago Muñoz, filmada en la isla de Vieques (Puerto Rico), campo de tiro de la Armada de Estados Unidos durante más de medio siglo, actualmente en arduo proceso de descontaminación; igualmente reseñables el trabajo de la belga Ana Torfs y sus veinticico versiones del concepto de verdad o los límites de la visibilidad postulados por el norteamericano Trevor Paglen en su instalación ‘Code Names’.

Otros cinco emplazamientos citadinos vertebran ‘Polyphonic Worlds: Justice as Medium’: el Aldermen’s House o Casa del Concejal –el más antiguo testimonio arquitectónico (s. XIII) de cuantos primigenias sedes de los ayuntamientos se conservan en el país–; la Court of Savoy (Tribunal de Saboya) –reconstruido como el Palacio de Margarita de Austria (insigne archiduquesa de Austria y princesa consorte de Asturias)–, sede actual del Tribunal de Primera Instancia; la House De Clippel (popularmente, ‘La Emperatriz’) –una renombrada casa solariega del siglo XV–; la House of the Great Salmon, situada junto al muelle y paradigma de la arquitectura renacentista de los Países Bajos; y el Warehouse and Co-working Space, un almacén industrial destinado, en otro tiempo, a la fábrica de muebles y que en la actualidad se erige en galpón colectivo para el teatro experimental, amén de otras dedidaciones.

Sobresalen del croquis programático tres proyectos de heterodoxos acentos. El colombiano Pedro Gómez-Egaña, de excelsa trayectoria internacional, reporta una exquisita y compleja morfología a su instalación móvil ‘The Moon Will Teach You’ –planteada ex profeso para la buhardilla de la Casa del Gran Salmón–, que el artista formula como “un estudio que va desde lo acústico hasta lo cinético, para aprender de las características mínimas y las crónicas incrustadas de un sitio”, a partir de las que “empiezo a considerar cómo escenificar el trabajo de modo tal que existe tanto un aparato mecanicista como una participación humana en la composición de una escena. La audiencia a menudo es guiada a presenciar una sensación de transporte en el proceso de convertirse en parte del trabajo. El trabajo implica el trazado de la proximidad y la distancia, donde las construcciones hechas a mano y automatizadas se contrapesan como un entorno inmersivo y la percepción del tiempo se recompone continuamente”.

Por su parte, el jordano Lawrence Abu Hamdan interviene con sutileza acústica los jardines del Palacio de Margarita, mediante ‘The recovered manifesto of Wissam (inaudible)’, una instalación sonora vertebrada por la ubicación de altavoces de pétrea morfología, distribuidos entre las plantas, de cuyo interior emana una repetitiva y contumaz lectura en torno de la taqiyya –un arraigado concepto islámico relacionado con la ocultación o disimulo de las creencias religiosas cuando estas pudieran ser motivo de persecución– por parte de un hombre llamado Wissam, cuya grabación hubo sido fortuitamente hallada y recuperada por Abu Hamdan de entre cuantas viejas cintas de cassette suelen emplearse en las montañas del Líbano para envolver y proteger los frutales de las aves e insectos.

Y por último, Basir Mahmood, artista pakistaní que proyecta, en el Warehouse and Co-working Space, el proyecto ‘Monument of Arrival and Return’, un audiovisual de nueve minutos protagonizado por un grupo de guardas del ferrocarril y portaequipajes (“conocidos localmente como coolies, de acuerdo con la expresión colonial británica), quienes son exhortados por Mahmood a improvar con diversos utensilios y objetos domésticos, con el fin de reflexionar a través de su determinación como “un iniciador que pone en movimiento colisiones de personas y escenarios improvisados para crear historias originales; como un observador que se teletransporta dentro o fuera de las situaciones cotidianas que está observando, para ver íntimamente: desde dentro y desde fuera”; y sentencia que “mi propio viaje como cineasta se inscribe, así, en la larga historia del movimiento de los coolies (‘”Kuli”) que fueron transportados como mano de obra contratada durante el Imperio Británico a través de plantaciones, unidades industriales, astilleros y plataformas ferroviarias”.

Ocasión decisiva, por tanto, para aventurarse por el mapa artístico, diegético e histórico de una ciudad, Malinas, erigida en hallazgo polisémico.

Más información en VISITFLANDERS.COM

Contour Biennale 8 tiene lugar en la ciudad de Malinas (Bélgica) hasta el 21 de mayo de 2017. Fotografía: Merche Medina.

Contour Biennale 8 tiene lugar en la ciudad de Malinas (Bélgica) hasta el 21 de mayo de 2017. Fotografía: Merche Medina.

J.R. Alarcón y M. Medina

 

MediArte o la creatividad fin de grado

IV Muestra Creativa de Estudiantes – MediArte
Palacio de Colomina
Carrer l’Almodí, 1. Valencia
Inauguración: viernes 15 de julio, a las 19.30h
Hasta septiembre de 2016

El Palacio de Colomina abre sus puertas para acoger algunos de los trabajos que los alumnos de Comunicación Audiovisual han ido realizando durante el curso 2015-2016 en la Universidad CEU Cardenal Herrera, en la IV Muestra Creativa de Estudiantes –MediArte, que se inaugura el viernes 15 de julio a las 19.30 horas, y que permanecerá expuesta hasta septiembre.

Fotografía de Virginia Jareño. Imagen cortesía de MediArte.

Fotografía de Virginia Jareño. Imagen cortesía de MediArte.

La muestra incluye en su interior creaciones fotográficas, audiovisuales, musicales y sonoras que los alumnos han ido realizando, bien en alguna materia a lo largo del curso, bien como Trabajo Final de Grado.

El perfil práctico de los estudios de Comunicación Audiovisual, así como de Periodismo y Publicidad y RRPP, y el Máster Universitario en Diseño y comunicación gráfica, hace que a lo largo de un curso académico se creen gran cantidad de obras creativas de las cuales se ha realizado una selección para formar parte de esta muestra.

Fotografía de Francesc Planes. Imagen cortesía de MediArte.

Fotografía de Francesc Planes. Imagen cortesía de MediArte.

En esta IV Muestra Creativa de Estudiantes-MediArte los trabajos han girado en torno a temáticas como el futuro y la tecnología, la situación de los refugiados que llegan a Europa, los trastornos de personalidad, las discapacidades, la problemática relacionada con el tabaquismo y las centradas más estrictamente con la propia creación experimental: videocreaciones, fotografía pixelada, videoclips, creación sonora y producción musical.

MediArte tiene como objetivo mostrar a la ciudadanía la visión que de la sociedad actual tienen los alumnos mediante su obra creativa, al tiempo que sirve para incentivar su propio desarrollo personal en el transcurso de su aprendizaje educativo.

Fotografía de Andrea Savall. Imagen cortesía de MediArte.

Fotografía de Andrea Savall. Imagen cortesía de MediArte.

Fotografía de Andrea Savall. Imagen cortesía de MediArte.

Fotografía de Andrea Savall. Imagen cortesía de MediArte.

 

Alumnos de ESAT se visten de ‘corto’

Ciclo de cortometrajes
Alumnos de 1º de Art & Design, dirigidos por Alberto Adsuara, de la Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT)
Bar Red Cup
C / Cádiz, 70. Valencia
Jueves 30 de junio, 2016, a las 19.00h

El bar Red Cup, de la Calle Cádiz 70 en Ruzafa, acoge este jueves 30 de junio, a partir de las 19.00 horas, los cortometrajes realizados por los alumnos de Alberto Adsuara en la asignatura que imparte en la carrera de Arte & Diseño de la Escuela Superior de Arte y Tecnología ESAT.

Los cortometrajes han sido realizados en el curso 2015-2016 en el módulo audiovisual de la asignatura. Los trabajos audiovisuales están compuestos por cuatro cortometrajes sobre distintas temáticas y llevan por título: ‘Ángelus’, ‘Shut Up and Work Hard’, ‘Like’ y ‘Me cago en la puta’.

En el evento habrá una breve presentación y luego del visionado de los cortometrajes habrá un turno de preguntas por parte del público asistente. Está previsto que el acto dure una hora, por lo que se ruega puntualidad.

Ciclo de cortometrajes. Imagen cortesía de ESAT.

Ciclo de cortometrajes. Imagen cortesía de ESAT.

Saber pero no querer creer

‘Aquello que no sabéis de mi’ de Rafael Tormo i Cuenca
Comisariada por Izaskun Etxebarria
Galería Rosa Santos
Calle Bolsería 21, Valencia
Hasta el 8 de julio de 2016

Atreviéndome a definir en breves esbozos el trabajo presentado para ‘Aquello que no sabéis de mi’, de Rafael Tormo i Cuenta, parece simplificarse en la premisa de que el arte, o por lo menos ese que el susodicho artista crea, actúa como agente amplificador de la acción social. Nada más y nada menos. Todo un reto que ha conseguido, como Etxebarria ya anuncia en la hoja de sala, “(…) rememorar aquello que quedó vacío. Un vacío social, emocional,vital.” Estos tres últimos adjetivos pudieran ser tomados a la ligera, pero realmente actúan como fundamentaciones sintéticas de todo un discurso que el artista viene encajando dentro del mundo profesional del arte desde los años 80.

Con Rafael Tormo i Cuenca ocurre, como no podría ser de otra forma, que esta concepción social del arte le ha llevado hacia otras disciplinas no tan ligadas a las artes plásticas y visuales como tal, y se ha convertido en un auténtico generador de proyectos multidisciplinares versados sobre educación, danza, poesía, crítica, etc. Es quizá por esa mirada periférica que su obra resulta complicada de describir.

‘Aquello que no sabéis de mi’ la componen tres conversaciones en forma de video entorno a tres piezas clave que tratan de rememorar partes de la microhistoria que nos ha rodeado en las últimas décadas. Estos vídeos son una conversación del autor con distintos pensadores, en concreto, Miguel Ángel Martínez, José Luis Clemente, y Mijo Miquel. En primer lugar nos encontramos con ‘Implosió Impugnada 23. Batallar, batallem’, creada en 2012 a raíz del singular acontecimiento acaecido en la celebración del primer aniversario desde la famosa ocupación de la Plaza del Ayuntamiento de Valencia.

Cuando, tras un año de convulsiones, dicha manifestación terminó en la Plaza del Ayuntamiento, los participantes se encontraron de pleno con que la plaza había sido “ocupada” en esta ocasión, por una mascletà. Ocurrió un 12 de mayo. Este hecho se narra de manera secuencial a través de la técnica fotográfica. Seis libros enganchados cual masclets, una mesa de madera como contenedor formal y una intervención sobre los registros del Ayuntamiento sobre el hecho. Algo simple pero efectivo. El video reflexivo que acompaña a esta pieza es una conversación con Mijo Miquel, donde Rafael Tormo y ella reflexionan entorno a la idea de como el gobierno de entonces utilizó, como si de un arma se tratara, la propia cultura popular en contra de los manifestantes… Miquel apunta tajantemente que “siempre se utilizó”.

Implosió Impugnada 23. Batallar, batallarem. Fotografía: María Ramis.

Implosió Impugnada 23. Batallar, batallarem. Fotografía: María Ramis.

En la siguiente planta de la galería de Rosa Santos, podemos ver ‘Implosió Impugnada 21. Èxode ultralocal’ una propuesta entorno a la ocupación del espacio público, diferenciándose de la ocupación de la que hablábamos anteriormente, más allá de lo político y a través la fiesta, de lo folclórico… La carroza, ese elemento que, extraído de su entorno, nos resulta extraño, es el hilo conductor de la conversación entre Rafael Tormo y José Luis Clemente donde reflexionan acerca de los cambios que ha sufrido en la reciente historia y la manera en que se ha establecido como un elemento de empoderamiento de ciertas partes de la sociedad. La carroza engloba, en su propia concepción, lo popular y la ocupación del espacio, lo que le sirve al artista para reflexionar y ampliar su discurso.

Por último, ‘Implosió Impugnada 16. Rescat d’un relat’ es una ilustración sobre la catástrofe del pantano de Tous cuando, en octubre de 1982, la gota fría se hizo eco en la localidad de la Ribera de tal manera que acabó por desbordar la presa asolando todo a su paso. Tormo crea una pieza en la que nos muestra la cara directa de las personas afectadas, a raíz de un mural donde pueden verse sus documentos identificativos, acompaña la instalación de sonidos de voces, ininteligibles, que quizá cuenten la historia de esas personas o quizá no. La pieza audiovisual, esta vez con Miguel Ángel Martínez, cavila sobre lo intrínseco de la narración y de lo que implica el hecho narrativo, casi el recordar sin querer y cómo eso mismo, ya se configura como el rescate de un relato.

Nos encontramos al final del todo con sentimientos encontrados, prácticamente incómodos y, haciendo balance, nos damos cuenta de que el título de la exposición, ‘Aquello que no sabéis de mi’, no es una referencia autobiográfica a si mismo, sino más bien un guiño, un modo de sacar a la luz de manera reluciente aquello que como ciudadanos, por ende sociales, no sabíamos, o mejor, sí sabíamos pero no queríamos creer.

Implosió Impugnada 21. Èxode ultralocal. Fotografía: María Ramis.

Implosió Impugnada 21. Èxode ultralocal. Fotografía: María Ramis.

María Ramis

De niños y para niños

I edición Festival Totó
Colegio Ntra. Sra. de los Desamparados
C / Alta del Mar. Valencia
22 de mayo de 2016

La primera edición de ‘Totò. Festival de Cine Itinerante’ se celebrará el domingo 22 de mayo en el barrio de Nazaret, en el patio del Colegio Ntra. Sra. de los Desamparados. El evento está dirigido a un público infantil y familiar y a todo aquel interesado en el cine como herramienta educativa y artística.

El Festival comenzará a las 10.00 de la mañana con un ‘Desayuno Compartido’ abierto a todas las edades, en el que los asistentes pueden traer su taza del desayuno y algo para compartir.

A partir de las 11:00 horas, los más pequeños podrán convertirse en cineastas y participar en distintos talleres audiovisuales, total- mente gratuitos de temática variada, como un taller de cine negro a cargo de Luminaria, un taller de remakes de la mano de Miquel Tello, un taller de reportaje con Cinesin o un taller de precines con Nautilus Audiovisual, entre otros. Paralelamente, se organizará una ruta guiada por Nazaret, para conocer la historia del barrio.

A las 16:30 horas se celebrará el Encuentro Audiovisual: un diálogo compartido sobre Cine, Educación e integración social, en la que hablaremos con personas y colectivos de Valencia que utilizan el audiovisual como recurso pedagógico. A las 17:30 horas comenzará la Muestra de Cortometrajes: una selección de trabajos realizados por niños y jóvenes de distintas nacionalidades, divididos en tres secciones: Totò Documenta, Totò Experimenta y Totò en Valencia. Por último, a las 19:00 horas se proyectará ‘La planta despetrificadora’, cortometraje realizado por los niños del Taller de cine Totò, entre febrero y abril de 2016 en el barrio de Nazaret.

Imagen cortesía del Festival.

Imagen cortesía del Festival.

Totò es un proyecto audiovisual para niños y jóvenes, desarrollado bajo la convocatoria de ayudas Emergents de la Universitat de Valencia. La actividad comenzó en el mes de febrero con un taller de cine en el participaron 17 niños de entre 8 y 12 años de distintos colegios y colectivos de Nazaret. El objetivo era realizar un cortometraje en el que el barrio, su vida cotidiana y sus habitantes fueran los protagonistas. De este taller surge ‘La planta despetrificadora’, un cortometraje de aventuras en el que un grupo de niños tiene que ingeniárselas para salvar a su amigo Fernando, que ha quedado petrificado, víctima de una broma. El cortometraje es una idea original de Melchor Carmona y Antonio Flores (11 años) y está protagonizado por Rocío Martínez, Aarón Planells, Paola Balaguer, Wisdom Bright, Melchor Carmona, Antonio Flores, Jennifer Álvarez, Cristina Fernández, María, Mari, Erik Olivares, Ramiro, Denisa, Fernando Falcó, Merche Guerrero, Maleni Guerrero y Cristóbal Pérez. El gran estreno será el día 22 de mayo en el festival Totò.

El Festival, que recibe su nombre del pequeño protagonista de Cinema Paradiso, en honor a su fascinación por el cine, será de carácter itinerante, de modo que las siguientes ediciones se trasladarán a otras zonas de Valencia donde la oferta cultural sea escasa y el cine apenas tenga presencia en la vida pública. En esta ocasión, el festival es una excelente oportunidad para conocer Nazaret, uno de los barrios más desconocidos y mágicos de Valencia.

Performance musical de Agustí Fernández en Ensems

Frec, de Agustí Fernández y Hèctor Parra
Ensems
Palau de la Música
Passeig de l’Albereda, 30. Valencia
Miércoles 4 de mayo, 2016, a las 20.00h

El pianista mallorquín Agustí Fernández actúa por primera vez en Ensems este miércoles 4 de mayo en el Palau de la Música (20.00h), donde interpretará la obra “Frec”, concebida especialmente para él por Hèctor Parra, fruto de un trabajo conjunto desarrollado por ambos en 2013 a raíz de un encargo del Huddersfield Contemporary Music Festival.

Descrita como “performance-experiencia musical para un pianista equipado de un micrófono de proximidad, piano amplificado y luces”, la obra dura en torno a 50 minutos. En palabras del compositor Hèctor Parra, plantea la posibilidad de “crear una estructura pianística a gran escala que transgreda las fronteras que se han erigido entre la cultura pianística proveniente de la vanguardia contemporánea europea y el mundo de la música improvisada y de raíces en el free jazz o en otras culturas no occidentales”.

“Agustí y yo”, continúa Parra, “nos dimos cuenta de que nuestros estilos musicales tenían mucho en común, y de que podría surgir un paisaje sonoro no explorado de la fusión de su mundo pianístico y del proteico mundo sonoro que se deriva de él con mi estilo musical, que explora la reacción emocional provocada por la percepción del componente tímbrico del gesto como elemento arquitectónico”.

El concierto constituye a su vez un espectáculo audiovisual en vivo, mediante su retransmisión en directo sobre una gran pantalla ubicada al lado mismo del intérprete-creador. A lo largo de la obra el pianista no solo tocará el piano, sino que explorará las posibilidades gestuales y sonoras que le ofrece la combinación del teclado con objetos diversos. Y en ciertos pasajes donde la actividad física del intérprete es frenética, su propia voz también entra en juego. Concluye el compositor: “En este vasto y extremo fresco pianístico se hará difícil distinguir entre la persona y el instrumento, entre la forma viva y la materia inerte, todo se convertirá en un cuerpo sonoro”.

Agustí Fernández. Imagen cortesía del Palau de la Música de Valencia.

Agustí Fernández. Imagen cortesía del Palau de la Música de Valencia.

Agustí Fernández (Palma de Mallorca, 1954) es una referencia mundial en el mundo de la música improvisada y el free jazz, que ha colaborado con grandes artistas como Peter Kowald, Derek Bailey, Laurence D Butch Morris, Evan Parker, Barry Guy, Mats Gustafsson, Joel Ryan, Joe Morris y Peter Evans entre muchos otros. Fue el primer músico español en grabar para el legendario sello ECM.

Por su parte, Hèctor Parra (Barcelona, 1976) se formó en Barcelona, en Ginebra y en el IRCAM de París, donde trabaja. Posee el premio de Composición Musical del INAEM (2002), el Tremplin del Ensemble InterContemporain (2005), el Donald Aird Memorial Prize de San Francisco y el premio Impulso de Graz (2007) y el Ernst von Siemens de Composición (2011).

Ensems es un festival de CulturArts Música-Generalitat Valenciana, con la colaboración del Palau de Les Arts Reina Sofia, el Consorci de Museus, el Palau de la Música (Ajuntament de València), la Fundación SGAE, el Institut Français y el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte (Inaem). Este año la programación del festival se caracteriza por el eclecticismo, la pluralidad y el espaciamiento temporal a lo largo de más de tres meses, en diferentes sedes, con el fin de llegar al público mayor y más diverso posible.

Pérez Pont se estrena en Las Cigarreras

Proyecto 3CMCV ‘Arte y Metamorfosis’
Centro Cultural Las Cigarreras
C / San Carlos, 78. Alicante
Hasta el 22 de mayo de 2016

El nuevo director del Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana, José Luis Pérez Pont, ha presentado la exposición del Proyecto 3 CMCV ‘Arte y Metamorfosis’, en el Centro Cultural Las Cigarreras de Alicante, donde podrá verse hasta el 22 de mayo.

Se trata de la tercera convocatoria del programa Proyecto 3 CMCV que publica el Consorcio de Museos anualmente. En ella, se seleccionan tres proyectos expositivos dotados cada uno con una ayuda a la producción de 5.000 €. Una vez realizados, los tres proyectos conforman una exposición que viaja por las tres provincias de la Comunitat. Con su exposición en Alicante, ‘Arte y Metamorfosis’ termina su recorrido.

Es la primera exposición que inaugura Pérez Pont como director del Consorcio de Museos de la Comunitat Valenciana. En su discurso, el nuevo director ha explicado que “el Proyecto 3 CMCV se va a mantener revisando algunos aspectos, manteniendo siempre el contacto con los artistas y con la Asociación de Artistas Visuales de Valencia, Alicante y Castellón (AVVAC)”.

Pérez Pont señaló que “estos proyectos sirven para dar apoyo al sector productivo que son los artistas. Vamos a trabajar en iniciativas que den un servicio a la ciudadanía culturalmente pero también apoyo a los artistas que son el segmento más importante y a la vez el más frágil”.

Pérez Pont, que hizo hincapié en la profesionalización de los artistas y en su participación en los concursos públicos, estuvo acompañado durante la inauguración de la muestra, por el concejal de Cultura del Ayuntamiento de Alicante, Daniel Simón, la coordinadora de las Cigarreras, Miriam Gilabert además de por los artistas, Daniel Jordán y Alejandra de la Torre.

The Fool Show, de Daniel Jordan.

The Fool Show, de Daniel Jordán. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

A partir de la novela de Franz Kafka ‘La Metamorfosis’, de la que se cumplió en 2015 su centenario, los tres artistas presentan en esta exposición una obra de gran carga simbólica trabajando en diferentes disciplinas tales como pintura, escultura, instalación audiovisual o fotografía. Formalmente la exposición presenta una obra por cada artista que no se centra en una única pieza, sino en un conjunto de ellas con el objetivo tanto de transmitir su mensaje como de conocer la personalidad artística del creador.

En el caso de Hugo Martínez-Tormo, éste centra la mirada sobre el proceso de creación de la obra de arte mostrando cada fase de transformación de la misma, pasando de la pintura a la escultura a través del audiovisual. Su obra titulada ‘Tríptico’ consiste en una instalación audiovisual compuesta por tres fotografías, tres vídeos y tres volúmenes geométricos, que a su vez recuerdan a tres crisálidas.

En su obra ‘The Fool Show’ (instalación a partir de esculturas y pinturas), Daniel Jordán hace una interpretación de la novela basándose en su carácter autobiográfico. Jordán se identifica como artista con la pasión que sentía Kafka por la escritura. La transformación muestra la situación en la que se encuentra el creador, quien se siente un bicho raro por querer dedicarse a su pasión, la cual es entendida de forma cuanto menos sospechosa a ojos de la sociedad mercantil moderna.

Alejandra de la Torre.

‘El estigma del parado’, de Alejandra de la Torre. Imagen cortesía del Consorcio de Museos.

La artista Alejandra de la Torre, en su obra ‘El estigma del Parado’ hace una crítica social de la situación del parado en España. A modo autobiográfico describe el proceso transformador del ser humano, del artista, con sus ilusiones, su formación y su proyección profesional, en un objeto, en un parásito de la sociedad, en definitiva en un bicho, con las esperanzas ya mermadas por el fracaso ante la falta de apoyo y de salida laboral.

De izquierda a derecha, José Luis Pérez Pont, nuevo director del Consorcio de Museos, Daniel Simón, Daniel Jordán, Alejandra de la Torre y Mariam Gilabert.

De izquierda a derecha, José Luis Pérez Pont, nuevo director del Consorcio de Museos, Daniel Simón, Daniel Jordán, Alejandra de la Torre y Miriam Gilabert.

Error fatal en el Octubre

Error fatal, de Alberto Adsuara
Octubre Centre de Cultura Contemporània
C / San Fernando, 12. Valencia
Viernes 26 de febrero, 2016, a las 19.30h

Error fatal, de Alberto Adsuara, se presenta en el OCCC, como una mezcla de audiovisual, musical y texto dramático, interpretado por Candela Vera, Andrea Jara e Iván Cervera, con los guitarristas Jordi Císcar y Juan Fernández. El video es obra del propio Adsuara, en el que interviene la actriz Elena Climent, con música de Victoria Contreras y montaje de Manuel Ibáñez y Samuel Navarro.

Error fatal, de Alberto Adsuara. Imagen cortesía del autor.

Error fatal, de Alberto Adsuara. Imagen cortesía del autor.

Error fatal narra cómo a partir de la letra de una canción dos hermanas siamesas entablan una conversación inesperada. A una de ellas le sobrevienen ciertas dudas que comienzan a atormentar a las dos. Los principios éticos que dieron lugar a la clandestina organización que ellas dirigen empiezan a tambalearse cuando descubren la posible traición de una de sus empleadas.

Error fatal, de Alberto Adsuara. Imagen cortesía del autor.

Error fatal, de Alberto Adsuara. Imagen cortesía del autor.

Con un solo error puede desmoronarse todo el Sistema. Mientras, un pobre hombre nos cuenta perplejo la desgracia que le acaba de suceder. Alguien se ha cebado con él como si de una venganza se tratara, pero todos sabemos que en realidad él no ha hecho nada… malo.

Error fatal, de Alberto Adsuara. Imagen cortesía del autor.

Error fatal, de Alberto Adsuara. Imagen cortesía del autor.