Plaza pública, Plaza 10 Sentidos

‘Bestias’. Festival 10 Sentidos
Plaza del Ayuntamiento de València
Sábado 11 de mayo de 2019 de 11:00 a 22:00

La Plaza del Ayuntamiento de València vuelve a convertirse en la Plaza 10 Sentidos al ser invadida por una jauría de bestias salvajes… y creativas. El enclave acoge una de las grandes citas del Festival 10 Sentidos, el encuentro con las artes vivas que, bajo el patrocinio de Caixa Popular, se celebra en València durante el mes de mayo y que lleva este año por lema, precisamente, ‘Bestias’.

Con la jornada del día 11 se aspira, además, a sacar las artes vivas a la calle y a que quien pasee por ella se encuentre con una multitud de propuestas programadas a lo largo del día. De esta manera, la zona acogerá una selección de actuaciones musicales, intervenciones artísticas, danza, performances y piezas dirigidas a todo tipo de públicos. Dentro de las propuestas destinadas al público infantil, destaca el taller ‘Deja tu huella’, a cargo de RIMA, con el que se plasmarán las distintas reflexiones que los más pequeños extraen de los contextos más violentos o, ya por la tarde, a las 18:00, la compañía Ángeles de Trapo representará su pieza teatral ‘Error 404’, sobre Steve, un joven sumergido en un mundo plagado de aparatos tecnológicos.

Imagen de la pieza ‘La Oscilante’, de Pol Jiménez. Fotografía cortesía del Festival 10 Sentidos.

Con el ánimo de alentar a la participación de los transeúntes, durante la jornada tendrá lugar una masterclass abierta de artes marciales impartida por Borja Lull, y los protagonistas de la danza comunitaria ‘Beast Dance’, impulsada por el coreógrafo neoyorquino Shamel Pitts, tendrán oportunidad de mostrarla de nuevo en horario de mañana y tarde.

Entre las citas musicales se encuentran el recital de la valenciana Elma Sambeat y los conciertos de Antonio Galera y TIPEX, quienes harán sonar la plaza a lo largo del día con ritmos mediterráneos, punk y hasta con notas goyescas. Por su parte, el programa escénico de la Plaza 10 Sentidos reunirá a las 12:00 a DOOs Colectivo, que con su pieza ‘El fin de las cosas’ hará una llamada a la reflexión individual. Otra compañía también dispuesta a hacernos pensar, y que fue premiada en el Certamen Coreográfico 10 Sentidos de 2016, es Colectivo El Brote. Esta ocasión vuelven a València con ‘Sin·Vergüenzas’, con la que trabajan en la visibilización y normalización de los cuerpos no normativos. Su actuación está programada a las 12:30, pero antes será el turno de Camille Voyenne, quien tiene preparada una performance que promete no dejar al público indiferente. La idea del otro y la vibración constante de lo binario corre a cargo de Pol Jiménez. A las 13:00 interpretará una de sus piezas, ‘La Oscilante’, que investiga las posibilidades de una danza agénero.

La programación se retomará por la tarde a las 18:30 con el recital poético ‘Quieroynopuedo’, de CANTATATICÓ. Liderados por Jesús Ge, estos cinco intérpretes buscarán la provocación a través de la poesía sonora. A las 19:30, el flamenco inclusivo llegará con José Galán y ‘Sueños reales de cuerpos posibles’, pieza que hace un llamamiento a la libertad creadora y a la diversidad revalorizando otros cánones alejados de prejuicios y tópicos.

Imagen del grupo TIPEX. Fotografía cortesía del Festival 10 Sentidos.

Otras propuestas que también se sucederán a lo largo del día en la Plaza 10 Sentidos son las de Gerardo Esteve, Grup BYE y M.ª Jesús González y Patricia Gómez. Esteve desarrollará una acción participativa, que lleva por título ‘Más Despacio’, y en la que su objetivo es contrarrestar el arrollador ajetreo urbano de la ciudad de València. Por su parte Grup BYE, que ya formaron parte de la inauguración del Festival, traen de nuevo la iniciativa ‘¿Quién mató a las ardillas?’, en la que el público podrá contribuir a finalizar la obra aportando su Confesiones Bestias. Completa la programación el proyecto documental ‘À tous les clandestins’, de M.ª Jesús González y Patricia Gómez, que recoge los testimonios dejados por migrantes retenidos en los CIES y que utilizará como soporte las marquesinas de las paradas de autobús que rodean la plaza.

Otras actividades en el fin de semana


Greta Alfaro encuentra refugio en 10 Sentidos para exhibir su último trabajo, ‘Fall on us and hide us’, en el que se sirve de elementos iconográficos revisitados para aunar actualidad y cultura barroca. Estas son las señas de identidad que definen el último proyecto que la artista navarra expone hasta el próximo 19 de mayo. Así como su título remite al sexto capítulo del Apocalipsis, el lugar en el que se ubica esta muestra va en consonancia: el refugio antiaéreo de Serranos.

Imagen de una de las piezas de ‘Fall on us and hide us’, de Greta Alfaro. Fotografía cortesía del Festival 10 Sentidos.

Si lo que antes era lienzo ahora es pantalla, la exposición abre un camino en el que es posible encontrarnos con un barroco latente en nuestra vida diaria y lo demuestra a través de la puesta en imágenes en movimiento. El público asistente se encontrará con una videoinstalación que comienza en penumbra y que se va configurando a medida que un ballet de luces estroboscópicas ilumina la escena al ritmo de una melodía electrónica. En sintonía con trabajos anteriores, Alfaro concentra su propuesta en escenarios inusuales en los que se hace valer de vídeos para el registro de imágenes basadas en hechos reales. Los horarios de visita son de miércoles a sábado de 18:00 a 20:00 y el domingo de 11:00 a 13:00.

El compromiso social de 10 Sentidos y su firme voluntad de invitar a un replanteamiento de ciertas creencias y convenciones, quedan reflejados en proyectos como el que representará Doris Uhlich en el Palau de les Arts el domingo 12 de mayo a las 19:00. En ‘Every Body Electric’ renueva su trabajo con personas con discapacidad física y reitera su concepción cuerpo como el eje sobre cuya fuerza cada individuo se conecta con el mundo, como un organismo dinámico “repleto de capas e historias dormidas”.

De esta manera, la pieza constituye una propuesta tan sencilla como radical para explorar el potencial del cuerpo a través de la danza, a hacerlo visible. Así, sillas de ruedas, prótesis y muletas salen a escena como extensiones del cuerpo del cuerpo humano, creando estilos de baile únicos y personales. El poder explosivo, pero también la poesía suave o contundente de ‘Every Body Electric’, reside en última instancia en la forma en la que los intérpretes perciben sus cuerpos y cómo estos son percibidos. No es casualidad, pues a menudo, las obras de Uhlich muestran la danza como un medio de liberación que aleja al cuerpo de la duda y de las tendencias regresivas.

Imagen de ‘Gospel por the Present Time’, de Camille Voyenne’. Fotografía cortesía del Festival 10 Sentidos.

MAKMA

Carlos Maciá, premio mardel de artes visuales

Markers, de Carlos Maciá
Premio mardel de artes visuales 2018
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 4 de noviembre de 2018

El artista gallego Carlos Maciá (Lugo, 1977) obtiene el premio mardel de artes visuales 2018 con una instalación pictórica de su serie ‘Markers’. Su obra se exhibe en el Centre del Carme Cultura Contemporània junto al resto de piezas seleccionadas en una muestra que se podrá ver hasta el próximo 4 de noviembre.

En su sexta edición, el premio mardel de artes visuales sigue creciendo y ha logrado reunir más de 350 obras presentadas, procedentes de distintos puntos de la geografía española, convirtiéndose en una de las convocatorias de esta índole con más participación. El director del Centre del Carme, José Luis Pérez Pont, acompañado por los fundadores del proyecto mardel, Amparo Martínez y Juan Manuel del Pino, presentaron la exposición de las obras seleccionas compuesta por un total de 26 piezas. A la presentación asistieron asimismo Bea Espejo, crítica de arte, Iñaki Martínez Antelo, comisario independiente, miembros del jurado de mardel.

Vista de la exposición del Premio mardel. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Vista de la exposición del Premio mardel. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Pérez Pont ha destacó la evolución de este premio que “en seis años ha pasado de ser un premio de pintura a constituirse en un reconocimiento que abarque a todas las artes visuales y sin límite de edad de forma que cualquier creador nacido o residente en el Estado español pueda participar”. También subrayó la importancia de “respaldar estos proyectos de mecenazgo que surgen de la iniciativa privada para impulsar la creación actual y en este sentido exponer en el Centre del Carme ha sido también, en los últimos tres años, un aliciente que ha animado a los artistas a presentar sus propuestas”.

Mardel es un proyecto sin ánimo de lucro, cuyo objetivo es promocionar el arte contemporáneo como signo de compromiso desde la iniciativa privada. Conscientes de las dificultades que actualmente se presentan para trazar nuevas trayectorias artísticas, con este premio se pretende brindar apoyo y oportunidades a creadores actuales. Mardel concede un premio dotado con 6.000 euros y tres accésits. Los accésits de este año han recaído en las obras de Irma Álvarez-Laviada, Itziar Barrio y Ernesto Casero.

Obras de la exposición del Premio mardel. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Obras de la exposición del Premio mardel. Imagen cortesía del Centre del Carme.

El jurado compuesto por Bea Espejo, Iñaki Martínez Antelo y José Luis Pérez Pont destacó el alto nivel de las propuestas presentadas, obra de artistas con una trayectoria ya formada y con proyectos que han sido reconocidos tanto dentro como fuera del país, así como la diversidad de lenguajes empleados: instalación, pintura, escultura, videoarte, dibujo… etc. Precisamente entre las obras premiadas hay una instalación pictórica, un libro/objeto, un proyecto multimedia y un trabajo sobre papel.

El resto de piezas seleccionadas y que se pueden visitar en la exposición son obra de Marla Jacarilla, Antònia del Rio, Llorenç Ugas, Gabriela Bettini, Rosendo Cid, Almalé y Bondía, Diana Larrea, Saskia Rodríguez, Marta Pujades, Rosell Meseguer, Pablo Barreiro, Begoña Zubero, Carlos Rodríguez-Méndez, Ana H. del Amo, Mercedes Mangrané, Nicolas Combarro, Enric Fort, Aurelio Ayela, Christian García, David Trujillo, Fernando Romero y Jorge Yeregui.

Obra de la serie 'Markers', de Carlos Maciá. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Obra de la serie ‘Markers’, de Carlos Maciá. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Premio mardel 2018

Carlos Maciá (Lugo, 1977). ‘Sin título’ (n.114) Serie ‘Markers’Sus últimas exposiciones individuales, A necesidade da cor. Fundación Luis Seoane. A Coruña (2017), Brea Flúor. Galería Luis Adelantado. Valencia (2016), muestras que tienen su eco en la obra presentada para mardel, de la misma serie ‘Markers’. El trabajo de Carlos Maciá se mueve entre la pintura, la fotografía y la instalación como soportes usados para indagar en el campo de la experiencia.

Arrepentimientos, de Irma Álvarez-Laviada. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Arrepentimientos, de Irma Álvarez-Laviada. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Accésit
Irma Álvarez-Laviada (Gijón, 1978). Arrepentimientos (libro/objeto)

La pieza que se presenta forma parte de su proyecto ‘Reversibilidad y Utopía’. La publicación consiste en un inventario de todas las obras pictóricas de la historia del arte que ha ido encontrando en las que consta algún tipo de «arrepentimiento». Dado que sus autores han decidido dejar tapada, mediante sucesivas capas de pintura, dicha enmienda en la composición, la propuesta juega conscientemente a ocultar, a no mostrar ni el arrepentimiento ni la obra en su estado final.

There is nothing to be scared of, de Itziar Barrio. Imagen cortesía del Centre del Carme.

There is nothing to be scared of, de Itziar Barrio. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Accésit
Itziar Barrio (Bilbao, 1976). ‘There is Nothing to Be Scared of. They are Crazy about Each Other’. Vídeo de 3 canales Este vídeo de tres canales forma parte del proyecto The Perils of Obedience, una exploración en curso sobre la mecánica del poder.

Un equipo actoral interpreta y trabaja una escena de ‘Un tranvía llamado Deseo’ (Tenesse Williams, 1947) bajo la dirección de Charlotte Brathwaite. Esta escena icónica en la que Stanley grita ´Stella´ como fórmula para que ella vuelva después de una disputa, se entremezcla con otras de películas así como las descripciones históricas del Astor Place Riot, revuelta que ocurrió en NYC en 1849. En este transcurso de textos y gestos se van haciendo visibles las dinámicas envueltas en el proceso laboral a la vez que van mostrando narrativas personales de las actrices y actores.

Obra de Ernesto Casero. Imagen cortesía de Centre del Carme.

The posthuman protests, de Ernesto Casero. Imagen cortesía de Centre del Carme.

Accésit
Ernesto Casero (València, 1976). The posthuman protests (conjunto de dibujos)

La pieza se enmarca dentro del proyecto ‘The posthuman protests’, que gira en torno al concepto de posthumanismo, que considera que el paradigma del Humanismo conlleva implícitos ciertos valores eurocentristas, colonialistas y especistas, de modo que lo que se propone es un desplazamiento del ser humano desde el centro de la naturaleza a una posición de verdadera igualdad con el resto de seres vivos. Para hacer referencia a estas ideas se propone una serie de piezas basadas en protestas fake, mediante dibujos, stencils o pancartas, apropiándose de la estética de la protesta y generando así una ficción especulativa desde la que reflexionar sobre la posición del ser humano en un momento de crisis ecológica sin precedentes, aunque sin renunciar al humor.

La sensualidad plástica de Cristina Bolborea

Cristina Bolborea. Lugares donde estaré
Museo Nacional de Cerámica González Martí
C / Poeta Querol, 2. Valencia
Hasta el 18 de septiembre de 2016

El Museo Nacional de Cerámica presenta, junto con el Instituto Cultural Rumano de Madrid, la exposición Cristina Bolborea. Lugares donde estaré. Reúne un total de más de 110 piezas de cerámica esmaltada, gres y porcelana, organizadas en varias series de evocadores títulos: ‘El ojo de la tormenta’, ‘Las alfombras de los maestros’, ‘Lugares donde estaré’, ‘Llámame turquesa’, ‘Joyas de la caja negra’, ‘Agujas de ciprés’ y ‘Descanso’. La muestra estará abierta al público del 22 de junio al 18 de septiembre de 2016 en las salas de la exposición permanente (planta noble y segunda planta).

Cristina Bolborea es profesora de la Universidad Nacional de Arte de Bucarest en la especialidad de Cerámica, poseedora de una larga trayectoria como artista, después de formarse en el Instituto de Arte Plástico “N. Grigorescu” y de recibir su doctorado en Artes Visuales en la Universidad Nacional de Bucarest. Tras numerosas exposiciones, recibió el Premio Nacional de Cerámica “Costel Badea” en el año 2011.

Obra de la serie 'Joyas de la caja negra', de Cristina Bolborea. Imagen cortesía del Museo Nacional de Cerámica González Martí.

Obra de la serie ‘Joyas de la caja negra’, de Cristina Bolborea. Imagen cortesía del Museo Nacional de Cerámica González Martí.

En las piezas seleccionadas para esta exposición, Cristina Bolborea destaca por un lenguaje plástico de gran sensualidad, evocador de riquezas orientales. Riquezas que sugieren hallazgos de oscuros y escondidos rincones de un mercado persa, sin recuerdo de cuando fueron olvidadas y, por tanto, de aire atemporal.

En ellas, el material cerámico, sea gres, terracota o porcelana, huye de rigideces y se adapta a superficies de madera o metal simulando ser añejas sedas, laboriosos tapices y alfombras o elementos de marroquinería en cuero, que rezuman valores de manifiesta perfección técnica y refinado gusto. Sus estudiados relieves y texturas, reforzados con el solo uso de engobes y óxidos metálicos, dotan a las obras de una gran expresividad.

Obra de la serie 'Descanso', de Cristina Bolborea. Imagen cortesía del Museo Nacional de Cerámica González Martí.

Obra de la serie ‘Descanso’, de Cristina Bolborea. Imagen cortesía del Museo Nacional de Cerámica González Martí.

Resultan también interesantes las propiedades matéricas de las obras presentadas, en las que los complementos no cerámicos, a veces reales y a veces simulados, juegan un papel relevante al reforzar su mensaje. Finalmente, la estudiada instalación con agrupaciones intencionales en localizaciones concretas, buscando formar también contextos y espacios evocadores, permite conseguir una atmósfera especial que esperamos contribuya al goce estético y a la reflexión artística de nuestro público visitante.

Obra de la serie 'Lugares donde estaré', de Cristina Bolborea. Imagen cortesía del Museo Nacional de Cerámica González Martí.

Obra de la serie ‘Lugares donde estaré’, de Cristina Bolborea. Imagen cortesía del Museo Nacional de Cerámica González Martí.

Varvara & Mar, arte electrónico en Rambleta

Camaleón, de Varvara & Mar
Ganadores de la III Beca Espai Rambleta

Camaleón, de Varvara & Mar, son los ganadores de la III Beca Espai Rambleta. La estonia y el catalán son un referente mundial del arte electrónico. La tercera edición de la Beca de Investigación y Producción Artística de Espai Rambleta se consolida como convocatoria artística. El jurado, compuesto por refutados expertos del sector, ha tenido que decidir entre las 138 propuestas llegadas desde todas partes del mundo.

El programa de artes visuales de Espai Rambleta, en su propósito de impulsar la creación y difusión artística, creó en 2013 esta beca. Un galardón que tiene como objeto la concesión de diferentes ayudas materiales y económicas para la realización de proyectos artísticos. La convocatoria está abierta a cualquier disciplina artística, individual o colectiva, así como a proyectos de producción, investigación y comisariado. Varvara & Mar recogen el testigo de Santiago Morilla y Avelino Sala, ganadores del certamen en las dos ediciones anteriores.

Varvara Guljajeva y Mar Canet, ganadores de la III Beca Espai Rambleta. Imagen cortesa de La Rambleta.

Varvara Guljajeva y Mar Canet, ganadores de la III Beca Espai Rambleta. Imagen cortesa de La Rambleta.

El proyecto consiste en una bandera que hibrida de una a otra como un camaleón. Las banderas son símbolos muy fuertes que transportan muchos significados con ellas. Significados que han ido añadiendo y transformando a través de su contexto histórico. “En España, por ejemplo, la bandera nacional genera diferentes sentimientos según quién y cómo la interprete”, señalan Varvara & Mar. El significado de una bandera no está determinado definitivamente y puede cambiar con el tiempo. “El significado de las banderas es vástago de la historia de la que el trapo colorido es bandera”, añaden los propios artistas.

Varvara Guljajeva es una artista de Estonia, que trabaja con el arte, la gente, la tecnología y los materiales. Su experimentación se centra en el arte participativo, instalaciones interactivas y esculturas cinéticas. El catalán Mar Canet centra su actividad en la visualización artística de diferentes tipos de datos con base tecnológica.

El trabajo conjunto de Varvara y Mar se articula alrededor de la sobre-saturación de información de la actualidad, tratando los datos de diferentes tipologías para dar nuevas visualizaciones de éstos a nivel de luz, sonido o instalaciones de muy diversa índole. Pretenden presentar la realidad que nos rodea con un aspecto y sentido diferente apoyándose en datos concretos y releyéndolos de manera inusual con herramientas nuevas o readaptadas. El dúo desafía la tecnología con el fin de explorar nuevos conceptos en el mundo del arte y del diseño. Por lo cual, la investigación es una de las partes fundamentales de su práctica artística.

Varvara & Mar. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

Varvara & Mar. Imagen cortesía de Espai Rambleta.

La belleza revulsiva de Liliana Maresca

Liliana Maresca
Galería Espaivisor
C / Carrasquer, 2. Valencia
Inauguración: viernes 29 de enero, a las 20.00h
Hasta el 15 de abril de 2016

La obra de Liliana Maresca, que incluye esculturas, objetos, instalaciones, dibujos, pinturas, montajes gráficos, y que se exhibe en la galería Espaivisor, se desarrolló y brilló principalmente durante buena parte del período de la postdictadura argentina, desde mediados de los años ochenta hasta la muerte de la artista, a fines de 1994, víctima del sida.

Su poética se alimentó y configuró a caballo de las décadas de los ochenta y de los noventa, entrelazándolas. Liliana también fue una influyente gestora de exposiciones que llevaron su sello personal, alrededor de las cuales supo articular a distintas generaciones de artistas, embarcados en estilos y tendencias que en aquellos años se veían como antitéticos y en tensión, pero que ella supo amalgamar. Y este poético encabalgamiento de tendencias y generaciones lo produjo tanto a partir de la mirada abierta de propia obra múltiple, como a través de su enorme capacidad organizadora. Las exposiciones temáticas grupales y colectivas que gestó hicieron historia.

Entre aquellas movidas puede citarse la muestra ‘Lavarte’ -en octubre de 1985- en una lavandería automática en pleno centro de Buenos Aires, por la que pasaban miles de personas al mes: allí la artista cruzó artes visuales, teatro y música.

Un año después organizó ‘La Kermesse’, una suerte de feria artístico circense, en el Centro Cultural Recoleta (entonces denominado Ciudad de Buenos Aires) en la que tomaron parte artistas plásticos, actores, músicos, vestuaristas, sonidistas, escenógrafos, directores, etc. Arte, juego y participación popular, al modo de las ferias barriales, que incluyó, por ejemplo, una rueda de la fortuna, un túnel del amor y un tren fantasma.

Liliana Maresca en la galería Espaivisor.

Liliana Maresca en la galería Espaivisor.

Desde 1989, junto a un grupo de artistas -y junto, también, con quien firma estas líneas-, Liliana organizó ‘La Conquista’, una gran exposición que fue montada y exhibida entre fines de 1991 y los primeros meses de 1992, para dar puntos de vista artísticos contra el proceso del “Descubrimiento” de América del cual se conmemoraban cinco siglos y que, por esos años, comenzaba a adquirir el nombre políticamente correcto de “Encuentro de culturas”. El subtítulo de aquella gran exposición que ocupó la totalidad del Centro Cultural Recoleta fue “500 años, 40 artistas”.

En ‘La Conquista’, Liliana presentó una gran instalación con la que evocaba duramente el nacimiento del mercado en América del Sur Latina, la época en que los conquistadores buscaban futuros destinos para ubicar sus productos y para extraer materias primas. Ella comparaba la sangre derramada mediante el exterminio de los aborígenes, con los lingotes de oro -los bienes obtenidos-. Una asociación plástica entre mercado, dinero y violencia.

Hacia fines de los ochenta su obra había comenzado a hacerse más política y a volverse anticipatoria respecto de ciertas consecuencias que se avecinaban, cuando la era menemista (por el gobierno del ex presidente Menem, que ocupó el cargo durante dos presidencias, entre 1989 y 1999) entregó el manejo del Estado al neoliberalismo, esto es: a los intereses privados, a la lógica bancaria, al capital concentrado, a las corporaciones y a las “leyes” del mercado.

En 1990 presentó una muestra crucial en el Centro Cultural Recoleta, en la que la artista exhibió un verdadero carro de cartonero lleno de deshechos, y tres réplicas, una en tamaño real, pintada de blanco; y dos en pequeña escala, objetos de bronce, uno plateado y otro dorado, como si fueran joyas.

Con aquella muestra la artista vislumbró antes que nadie uno de los oficios que mayor cantidad de personas excluidas reclutaría durante los años siguientes: el de los miles y miles de marginados del sistema, que poco a poco, por el efecto deletéreo de la economía menemista se fueron transformando en legión de familias cirujas (vagabundos), cartoneras y recicladoras de basura.

Liliana Maresca. Galería Espaivisor.

Liliana Maresca. Galería Espaivisor.

La politización en la obra de Liliana también supuso al propio cuerpo, en una oscilación que iba del erotismo (sus desnudos fotográficos y sus piezas eróticas como los exhibidos en la presente exposición en Espaivisor dan cuenta de este aspecto), a la provocación ideológica, en obras conceptuales como aquella en la que la artista se ofreció al público “para todo destino”, relacionando cuerpo y mercado. Esto sucedió a fines de 1992, en la muestra que presentó en el Casal de Catalunya, ubicado en el porteño barrio de San Telmo.

En otro de los núcleos de la obra de Maresca se evoca la ide’a de juego, como sucede tanto en Patín, como en los múltiples ‘No todo lo que brilla es oro’ y Caja chica’, que se exponen en la presente muestra valenciana. Los elementos, en estos dos últimos casos, parecen invitar al espectador a un juego de esos que orientan los destinos o deciden la suerte de los participantes, a través de las posibilidades combinatorias, metafóricas y simbólicas.

La última exposición que Liliana realizó en los instantes finales de su vida fue una retrospectiva en el Centro Cultural Recoleta, en noviembre de 1994, a la que dedicó la energía que le quedaba. El título que eligió para la exposición resulta demostrativo de su actitud frente al arte y la vida: ‘Frenesí’. Fue emblemática una de las obras que la artista había hecho especialmente para la exposición y que daba nombre a la muestra. Se trataba de un objeto encontrado por la artista, en sus recurrentes búsquedas callejeras: una raíz que lucía como un cuerpo femenino retorcido y consumido, en relación de tensión, y también de amor, con los cánones de la belleza tradicional, como sucede, en cierto grado, con la pieza ‘Cíclope’, de 1991, exhibida en Espaivisor.

Toda categorización del trabajo de Liliana es sólo aproximada porque su obra siempre se resistió al disciplinamiento y especialmente a ser clásica, porque lo clásico muchas veces gusta pero no incomoda el presente de quien observa, como le gustaba a la artista.

La primera incomodidad de su producción, en el sentido de interrogarse a sí misma y de cuestionar al espectador, viene de la propia construcción de cada obra. Su trabajo evidencia a una artista con talento para crear obras bellas, que al mismo tiempo se resistía a la belleza fácil, esa que deja al espectador en un lugar pasivo por su efecto tranquilizador. Maresca siempre buscaba otra belleza, extraña y reflexiva, muchas veces revulsiva.

Liliana Maresca. Galería Espaivisor.

Liliana Maresca. Galería Espaivisor.

Fabián Lebenglik

Editor de la sección de artes visuales del periódico Página/12 y director editorial de Adriana Hidalgo Editora

 

Casa Bardín: cambiar para que nada cambie

Con fecha de 22/12/2015 se han hecho públicas, a través del Boletín Oficial de la Provincia de Alicante, las bases reguladoras para la selección de propuestas que darán cobertura al programa expositivo 2016-17 de la Casa Bardín, sede del Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil Albert, organismo autónomo de la Diputación de Alicante.

Tras analizar dicha convocatoria consideramos que sería conveniente que una propuesta que empezó a andar a mediados de 2012, y cuya selección se ha venido realizando hasta ahora por medio de una comisión de dudosa imparcialidad (además de serios problemas de coordinación), pudiese comenzar a organizarse en base a códigos de trasparencia y corrección, tal y como exigen los nuevos tiempos.

Entre los parámetros de profesionalidad y responsabilidad que deben regir a los organismos públicos y por tanto a sus convocatorias, está el de dotar a las mismas de unas bases en consonancia con las Buenas Prácticas. Se hace indispensable por tanto, el que sus responsables sean conocedores de estas prácticas, su defensa y su aplicación. Y para que esto sea demostrable es necesario que la configuración de los jurados se establezca en base a códigos profesionales, parámetros que se demandan desde la sociedad, prueba de que los organismos financiados con fondos públicos responden a una realidad social y cultural nueva, que requiere de bases sólidas para que no caigan en entredicho los compromisos que desde Conselleria y Ayuntamiento se han asumido.

Desde AVVAC y AVCA defendemos que la puesta en práctica de procedimientos serios y rigurosos, es la única vía para que se asegure una selección y una difusión de aquellas propuestas merecedoras de interés cultural y social. Además de una manera eficaz de abolir las detestables prácticas de nepotismo y endogamia que impiden la configuración de un tejido profesional en las Artes Visuales en la provincia de Alicante.

Creemos que, desde la Institución en cuestión, no se ha valorado con la suficiente importancia el hecho de que no regular la selección de los miembros de este comité pone en entredicho su imagen, al tiempo que parece consolidar ciertas prácticas dudosas, en las que es muy fácil que se siga censurando a determinadas voces en desacuerdo con el amiguismo y las metodologías difusas.

Como indicamos, para garantizar unos términos de imparcialidad deseables, la designación de un jurado debe recaer en una comisión de expertos profesionales en la que exista representantes tanto de la sociedad civil (Asociaciones Profesionales de las Artes Visuales) como de la Administración, y que deberá tener carácter rotatorio y renovado en cada edición.

Esta comisión tendrá la siguiente arquitectura:

  • Un miembro (que en ningún caso será miembro de su Asociación) designado por la Asociación Valenciana de Críticos de Arte Contemporáneo (AVCA)
  • Un miembro (que en ningún caso será miembro de su Asociación) designado por la Asociación de Artistas Visuales de Valencia, Alicante y Castellón (AVVAC)
  • Un miembro designado por la Administración pública que será un/a profesor/a de universidad, un/a director/a de museo o centro de arte contemporáneo o un/a gestor/a cultural.

Esta comisión se encargará de seleccionar a los jurados, los cuales se deben de componer por profesionales de reconocido prestigio que tengan un contacto profesional directo y conocimiento profundo de los lenguajes de las artes visuales contemporáneas. Estos profesionales pueden ser críticos/as de arte, artistas visuales, profesores/as de universidad, gestores/as culturales y/o directores/as de museos o centros de arte contemporáneos.

Su composición se distribuirá de la siguiente manera:

  • 33,3 % crítico de arte contemporáneo
  • 33,3 % artista visual contemporáneo
  • 33,3 % profesor/a de universidad o director/a de museo o centro de arte contemporáneos. 2/3 de los miembros del jurado no deben tener ninguna relación con el ámbito territorial de la Comunidad Valenciana, con objeto de garantizar la mayor independencia e imparcialidad con respecto a los participantes.

Es importante recalcar la necesidad de una baremación de los contenidos que se pidan al participante (puntuación por cada uno de los ítems que se requieran en la documentación del concurso o beca), haciéndose obligatorio el trabajo de lectura y debate de toda la documentación proporcionada por los participantes.

Otra cuestión que requiere ser resaltada en un análisis crítico de las bases de la convocatoria, es la falta de concreción en los datos que se aportan. Se apela a la adecuación (del proyecto) al espacio expositivo, pero en ningún momento se facilita información sobre el espacio en cuestión ni acerca de las condiciones que lo rodean (duración de la exposición, horario de apertura al público, medidas de seguridad de la sala, etc.) Por lo que sería conveniente adjuntar tanto planos del espacio expositivo y sus dimensiones, así como una mayor profundización en lo relativo a las actividades de difusión anexas a la exposición, puesto que todas ellas se circunscriben a un ámbito genérico denominado “actos”. En el que se habla de actividades de naturaleza didáctica y otras relativas a jornadas críticas, sin precisar a qué tipo de trabajos se refiere. Consideramos pues necesario fijar funciones y actividades concretas, con el objetivo de facilitar la presentación de los trabajos.

Desde AVVAC y AVCA creemos que se hace una discriminación económica en perjuicio de las funciones y compromisos que el artista debe afrontar, al no contemplar el aporte económico que éste debe sufragar derivado de la adecuación de la obra al espacio expositivo y de su trasporte (la Diputación dispone de un servicio que realiza para otros centros expositivos de la ciudad el traslado de obra).

Por último, apelamos a la necesidad de establecer unos pactos ecuánimes y consensuados a través de un contrato entre institución y artista y crítico/comisario, con el fin de formalizar la actividad bajo unos mínimos de respeto mutuo, en lugar del documento unilateral que hasta ahora facilitaba la institución y que vulneraba en algunos puntos el Documento de Buenas Prácticas Profesionales en las Artes Visuales -en cuanto a las relaciones entre artista e institución se refiere- mediante la inclusión de cláusulas abusivas.

Sería deseable que estas apreciaciones sean tenidas en consideración, y que entre todos podamos contribuir a la mejora de las condiciones que se ofertan en beneficio de una consolidación del tejido profesional de nuestra provincia. Se hace exigible a las instituciones la puesta en marcha de procedimientos responsables frente a la inversión que la sociedad realiza a través de ellas.

Cornelles y Uyá ganan el Latino Book Awards

Mariama, diferente pero igual, de Jerónimo Cornelles y Nívola Uyá
Editorial Cuento de Luz
Primer Premio en los International Latino Book Awards 2015

El álbum Mariama, diferente pero igual, escrito por Jerónimo Cornelles e ilustrado por Nívola Uyá, ha recibido el primer premio en los International Latino Book Awards 2015 (EEUU) en la categoría Mejor Libro Infantil ilustrado en español.

Un jurado formado por más de 192 personalidades de las letras, las artes visuales y la edición reconoció el trabajo de los mejores libros editados este año. Los ganadores fueron anunciados en una ceremonia celebrada en San Francisco la noche del pasado 27 de junio.

La obra, que fue creada de forma singular entre Valencia y Mallorca, ha sido editada por la editorial Cuento de Luz para aportar a la literatura infantil una mirada luminosa en los temas de interculturalidad en nuestras sociedades cambiantes.

Los International Latino Book Awards son uno de los certámenes más relevantes de Literatura Latina en EEUU y que cada año adquieren más prestigio internacional, reconociendo la calidad y la excelencia de forma independiente y objetiva. Entre las premiadas hay obras de ficción y no ficción, escritas para adultos, jóvenes o niños. El certamen cuenta con una andadura de 17 años, premiando a autores de la talla de Isabel Allende, Rudy Anaya, F. Isabel Campoy, Edna Iturralde.

Mariama, de Jerónimo Cornelles y Nivola Uyá.

Mariama, diferente pero igual, de Jerónimo Cornelles y Nivola Uyá en editorial Cuento de Luz. Imagen cortesía de los autores.

El álbum Mariama, diferente pero igual ha sido distinguido en una de las principales categorías de literatura infantil ‘Best Children’s Fiction Picture Book in Spanish’. Se trata de una historia sobre la identidad, el proceso de integración y la solidaridad. Para Mariama, la protagonista de esta historia, después de un largo viaje en automóvil, tren, barco y avión desde África, todo es nuevo. Va a descubrir un mundo donde las calles, la escuela y la comida son diferentes, pero ¿y las personas?

Compartía nominación con La Pequeña Amelia se Hace Mayor de Elisenda Roca e ilustrado por Paula Bonet de la editorial Combel, y con Cipariso de Marta Sanmamed, ilustrador por Sonja Wimmer.

Nívola Uyá y Jerónimo Cornelles durante la presentación del libro en la FNAC. Imagen cortesía de los autores.

Nívola Uyá y Jerónimo Cornelles durante la presentación del libro en la FNAC. Imagen cortesía de los autores.

El proceso de elaboración de este álbum es diferente a lo habitual. El proyecto se inicia a partir de cinco ilustraciones de Nívola Uyá sobre África que inspiran la historia, ilustraciones realizadas después de uno de sus viajes al continente. Con esas ilustraciones Jerónimo Cornelles se pone a escribir y partiendo de esa base, escritor e ilustradora van intercambiando textos e ilustraciones, en un proceso vivo, muy fresco y rico para dibujar una historia de identidad, de raíces culturales, trasladando al lector la reflexión sobre el equilibrio entre integración y la conservación de los lazos culturales.

Para Cornelles, el libro Mariama es un álbum muy significativo, puesto que es el primer cuento que escribe y lo hace por “la voluntad de realizar un proyecto con su amiga de la infancia”. Así pues, para Cornelles, “Mariama es un cuento que nace desde el amor” y que “sólo le ha dado alegrías. Primero con la decisión de realizar este trabajo sin ningún objetivo excepto el de trabajar junto a su amiga ilustradora, luego con publicación por parte de la editorial Cuento de luz en donde Uyá ya había ilustrado más cuentos, después con la nominación, y ahora con este primer premio”.

Ilustración de Nívola Uyá para el libro 'Mariama, diferente pero igual', de Jerónimo Cornelles y la propia Uyá. Imagen cortesía de los autores.

Ilustración de Nívola Uyá para el libro ‘Mariama, diferente pero igual’, de Jerónimo Cornelles y la propia Uyá. Imagen cortesía de los autores.

 

II Congreso de Investigación en Artes Visuales

Fechas: 8, 9 y 10 de julio de 2015
Lugar: Facultad de Bellas Artes de San Carlos. Universitat Politécnica de València

Segundo congreso organizado por ANIAV (Asociación Nacional de Investigadores en Artes Visuales), subvencionado por la Generalitat Valenciana, con la colaboración de la Facultad de Bellas Artes de San Carlos, los Departamentos de Escultura, Pintura, Dibujo, DCADHA y Restauración de la Universitat Politècnica de València.

Director del congreso: Elías M. Pérez García. Profesor Titular Departamento de Escultura UPV.
Presidente de ANIAV: Emilio Martinez Arroyo. Catedrático Departamento de Escultura UPV

El comité de investigación internacional ha aceptado más de 150 trabajos. Estimamos una asistencia de entre 150 – 180 personas.
La gestión y revisión por pares de trabajos se ha realizado gracias a la plataforma OCS de la Editorial de la UPV.

PROGRAMA.
Miércoles 8 julio.
18 h. Asamblea general de socios ANIAV. Auditori Alfons Roig.
18,30 h. Mesa redonda internacional sobre investigación en artes visuales.
Gerard Vilar Roca, Daniel Manzano Águila, Lilian Amaral, María José Martínez de Pisón. Modera Emilio Martínez
21,30 h. Cena socios ANIAV

Jueves 9 Julio.
9-10 h. Acreditaciones Hall de entrada BBAA
10-11 h. Acto inaugural. Auditori Alfons Roig.
D. Francisco José Mora Más/ Sr. Rector Magnífico U.P.V.
D. José E Capilla Romá / Sr. Vicerrector de Investigación, Innovación y Transferencia.
D. José Luis Cueto Lominchar / Sr. Decano Facultad de Bellas Artes
D. Emilio Martínez Arroyo / Sr. Presidente de ANIAV
D. Elías M. Pérez García / Sr. Director del Congreso
Dña. Amparo Carbonell Tatay. Catedrática Departamento de Escultura UPV. Charla 25 años de investigación en BBAA: 25 Aniversario Laboluz, grupos, asociaciones, iniciativas de investigación en Artes Visuales.
11-11,30 h. Pausa café (incluida)/ Cafetería Bellas Artes
11,30-14,30 h. Comunicaciones B-0-1/2/5/6
14,30-16 h. Comida (no incluida)
16-17 h. Conferencia inaugural. Kenneth Goldsmith ( artísta, profesor de la University of Pennsylvania y fundador y editor de UbuWeb). Auditori Alfons Roig. Presenta José Maldonado
17 – 19, 30 h. Comunicaciones B-0-1/2/5/6
19, 30 h. Inauguración exposición Proyecto Arte y Matemáticas.
Sala exposiciones ETSA. Proyecto financiado nuevas líneas de investigación multidisciplinares del Programa de Apoyo a la investigación y desarrollo de la U.P.V

Viernes 10 julio.
10h. Comunicaciones
10-12 h. Comunicaciones B-0-1/2/5/6
12-12,30 h. Pausa café (incluida)/ Cafetería Bellas Artes
12,30 h. Mesa debate sobre investigación artística. Auditori Alfons Roig.
Fernando Hernández, Isidro López-Aparicio, Selina Blasco, Virginia Villaplana. Modera Teresa Marín.
14,30-16 h. Comida (no incluida)
16-19,30 h. Comunicaciones B-0-1/2/5/6
20 h. Cena clausura. (previo pago)/ Cafetería Bellas Artes

1ºcongreso
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ANIAV es una asociación de investigadores en artes visuales creada en 2012, promovida por profesores de la Universitat Politécnica de València, cuenta en la actualidad con centena y media de socios de todo el territorio español. Entre sus actividades figura la difusión de actividades de investigación, la puesta en común de proyectos y especialmente la organización de un congreso bianual que recoje el pulso de la investigación en artes visuales. Ha sido invitada a participar en simposios de investigación en diferentes universidades españolas y mantiene contacto con otras asociaciones internacionales.
Su presidente es Emilio Martínez y vicepresidente Elías M. Pérez. Ambos profesores de la UPV.

El II CONGRESO INTERNACIONAL DE INVESTIGACIÓN EN ARTE VISUALES.

I‹ real I virtual ›I organizado por ANIAV, tiene como objetivo crear un foro que permita facilitar la visibilidad de la producción de los investigadores en arte a nivel nacional e internacional y el conocimiento mutuo. El eje temático propuesto en esta ocasión es lo suficiente abierto e inclusivo para abarcar en lo posible las distintas manifestaciones, las preocupaciones actuales y modos de la investigación artística.
La relación entre lo real y lo virtual ha sido esencial en el desarrollo de las manifestaciones artísticas. Las transformaciones producidas por la inclusión de las tecnologías a lo largo del tiempo producen un continuo campo de interacción y experimentación que nos obligan a reexaminar buena parte de nuestras prácticas y conceptos. La irrupción en la actualidad de los medios electrónicos y digitales, es muy significativa en este sentido, introduciendo nuevos paradigmas, ideas y conceptos o bien transformando los existentes -desmaterialización, nueva relación en el entorno, con el territorio y con la propia fisicidad de los objetos, entre otros- e interesantes transformaciones en los modos de hacer propios de las prácticas artísticas.

Esta situación es común para todas las prácticas artísticas, personales y colectivas, actuales y todas ellas se posicionan de forma más o menos significativa en este nuevo paradigma de manera entusiasta, crítica, instrumental, etc. Planteamos el congreso como un foro de encuentro y conocimiento de la situación artística actual a partir del subtema real I virtual con todas sus posibles matizaciones -físico, tangible, inmaterial…- en un sentido abierto, como un continuo de conceptos íntimamente ligados y desjerarquizados por una ecuación en la que cada participante define sus términos.

El II congreso ANIAV se estructura en torno a tres grandes ámbitos de investigación que recogen la producción artística, la estética y teoría del arte y la gestión, conservación y comunicación.

1- Producción artística
Proyectos, propuestas y estrategias en los diferentes ámbitos en los que se desarrolla la práctica artística actual: producción artística, diseño, animación, nuevos medios, estrategias, mercado, sociedad.

2- Estética y teoría del arte
Trabajos de reflexión teórica en las diferentes disciplinas y tendencias acerca de las prácticas, sus resultados y la inserción social en al contexto contemporáneo: teoría, crítica, historia. Naturaleza, impulso y reconocimiento de la investigación artística: grupos, redes, líneas, proyectos de investigación, plataformas de publicación, criterios de valoración y reconocimiento, estudios de doctorado, tesis, bases de datos.

3- Gestión, conservación y comunicación
Gestión y conservación del legado cultural y de la producción artística contemporánea: comisariado, museología, gestión cultural, promoción y difusión, educación artística, conservación y restauración.

1ºcongreso_ 2

Nadine Byrne en ‘The Ritual Box’

The Ritual Box
Performance ‘Merge’, de Nadine Byrne
Espai Rambleta
Bulebar Sur. Valencia
Sábado 2 de mayo (2015), a las 20.30h

‘The Ritual Box’ o caja de rituales (sala de exposiciones) donde vivir experiencias en torno a la idea de ritual postmoderno, acoge el sábado 2 de mayo en Espai Rambleta la performance ‘Merge’ de las artista Nadine Byrne. El proyecto comisariato por Johanna Caplliure y José Luis Giner  tendrá con posterioridad otras citas similares dedicadas al artista estadounidense Ben Russell.

BlackWhite Trypps, de Ben Russell, artista participante en The Ritual Box. Espai Rambleta.

BlackWhite Trypps, de Ben Russell, artista participante en ‘The Ritual Box’. Espai Rambleta. Cortesía de los comisarios Johanna Caplliure y José Luis Giner.

Hace un par de años, cuando ambos comisarios empezaron su investigación, descubrieron que había una importante tendencia en la moda, diseño de objeto y en la música (principalmente en los videoclips de Lady Gaga, Beyonce o Madonna) en los que la profusión de símbolos de distintos cultos se mostraban desactivados de su poder ritual. Esta primera evidencia les sugirió la idea de ahondar en la investigación de las artes visuales y en la creación de artistas contemporáneos en torno a la pervivencia de los rituales.

De ahí nació ‘The Ritual Box’ en la que cada semana la experiencia es distinta y gira sobre las figuras de los artistas Javi Moreno (España), Pil&Galia (Israel/Londres), Nadine Byrne (Suecia) y Ben Russell (USA). Una experiencia nunca presentada en ningún ámbito artístico por su formato, duración y muestra.

Proyección de la obra de Pil&Galia en The Ritual Box. Cortesía de Espai Rambleta.

Proyección de la obra de Pil&Galia Kollectiv en ‘The Ritual Box’. Espai Rambleta. Cortesía de los comisarios Johanna Caplliure y José Luis Giner.

Algunas semanas proyectan trabajos de los artistas y presentan algunas de sus piezas musicales o audiovisuales. Y el resto son los artistas los que proceden a actuar. Mediante performance, videodjaying, coreografía, sesiones de música experimental… avanzan sobre las formas del ritual postmoderno.

Finalmente la sala está albergando algunos de los objetos utilizados en las performances por los artistas.

Performance de Nadine Byrne.

Performance de Nadine Byrne, artista participante en ‘The Ritual Box’. Espai Rambleta. Cortesía de los comisarios Johanna Caplliure y José Luis Giner.

 

España reclama buenas prácticas al IVAM

El sector del arte español ha realizado un movimiento conjunto de posicionamiento acerca del Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), lanzando un comunicado en el que se reivindica la necesidad de que el nuevo director aplique el Manual de Buenas Prácticas al funcionamiento integral de la institución, a la vez que se defiende su independencia, se reclama la despolitización del Consejo Rector y la auditoría externa de las cuentas de la etapa de Consuelo Ciscar.

Este es el contenido íntegro del comunicado, suscrito por diecisiete de las principales asociaciones estatales y autonómicas de las artes visuales en España, que representa a la práctica totalidad del sector:

«Ya son muchos los años que los profesionales de las artes visuales en la Comunidad Valenciana y del Estado español, tanto desde las asociaciones como fuera de ellas, vienen advirtiendo sobre la deriva del IVAM, que pese a haber comenzado su andadura como un  centro museístico de referencia a nivel nacional e internacional, con una cuidada atención a sus políticas expositivas y líneas de investigación, pasó a ser el ejemplo que todos conocemos de incoherencia museológica, nepotismo administrativo y opacidad contable.

La situación en la que nos encontramos en este momento merece una especial atención, puesto que se percibe una cierta voluntad de regeneración institucional que parece estar introduciendo aires de cambio en el IVAM. Sin embargo, para que toda esta serie de movimientos no quede únicamente en una puesta en escena sin trascendencia efectiva, las asociaciones representativas del sector que suscriben este comunicado entendemos que hay tres puntos básicos que en este momento deben ser atendidos, para que podamos hablar de una verdadera voluntad de cambio.

En primer lugar, como ya se ha hecho mención en anteriores ocasiones, la composición del Consejo Rector está lejos de ser la deseable en una Institución museística que pretenda actuar con rigor teórico-práctico, articulando un proyecto de una cierta continuidad temporal, ya que la gran mayoría de sus integrantes son políticos profesionales, miembros del actual partido en el poder. Esto supone una clara merma no sólo de las potencialidades museológicas y museográficas del IVAM (al no tratarse de expertos en la materia), sino también del carácter democrático de un museo que es público (al no existir representantes de la sociedad civil), sufragado con el dinero de todos, y que debe permanecer ajeno a los intereses de cualquier partido. El documento 0 del sector de las artes sobre Buenas Prácticas en Museos y Centros de Arte estipula que la composición del patronato de un museo debe ser de entre un 20% y un 33% de representantes de la administración titular, entre un 20% y un 33% de representantes de la sociedad civil (asociaciones, colectivos, etc.) y entre un 33% y un 50% de científicos y expertos en arte. A día de hoy este balance de porcentajes se incumple de manera desproporcionada.

Este proceso de despolitización tiene que ser inminente, y puede realizarse sin otro mecanismo que la pura voluntad política, puesto que el año pasado vimos cómo el Consejo Rector era transformado de plano para asumir la forma actual, sin que ello haya generado ningún impedimento administrativo. Entendemos, por tanto, que con la misma celeridad que se llevó a cabo ese proceso, puede ser revertido, por lo que los representantes del sector exigimos una inmediata reformulación del Consejo Rector, para que los miembros no pertenezcan en su mayoría a la Administración titular, sino que esta mayoría la constituyan los expertos en Arte o en gestión de museos de reconocida trayectoria, y haya una igual proporción de los representantes de la Administración titular y de los de la sociedad civil.

En segundo lugar, la independencia del director del IVAM es una cuestión que se ha puesto de relieve en los últimos días, con las polémicas levantadas a tenor de las injerencias del Consejo Rector en las decisiones del nuevo director del IVAM, José Miguel García Cortés. La independencia del director, “que se plasma en la programación de exposiciones y actividades culturales, atendiendo a criterios estrictos de profesionalidad” según una carta que el pasado día 27 de noviembre enviaron los propios trabajadores del IVAM a la Consejera de Cultura, es una demanda conjunta del sector de las artes visuales, que debe ser respetada para garantizar la coherencia en la propuesta museística de la dirección del IVAM. El Consejo Rector debe ser un órgano con el cual la dirección del IVAM trabaje conjuntamente, en un proceso de mutuo entendimiento, en base a ofertar una programación que cumpla no sólo con unos elevados estándares de calidad sino también con la función pública de incidir en la calidad de vida de los ciudadanos, a través de las capacidades expresivas de la práctica o consumo cultural y de la vertebración simbólica del territorio en el que se inserta el museo.

Recordamos aquí que es finalidad primera del IVAM “desarrollar la política cultural de la Generalitat en cuanto concierne al conocimiento, tutela, fomento y difusión del arte moderno”. Ello implica la generación de instrumentos y el desarrollo de programas que incentiven estos fines en todos los niveles de la estructura social. El IVAM es un Instituto, no un museo, y la dirección del mismo debe de ser permeable a la participación, diálogo y comunicación con la ciudadanía y los profesionales. Es necesario que la dirección del IVAM asuma los postulados de las buenas prácticas profesionales que en su día acordó el sector junto al Ministerio de Cultura como garantía de buen funcionamiento del mismo.

En tercer lugar, debido a los antecedentes de la anterior directora del IVAM, que salió de la dirección de Consorcio de Museos dejando un déficit de aproximadamente 14 millones de euros, y debido a que los informes aportados por el IVAM son insuficientes, se impone con urgencia una auditoría externa de las cuentas del IVAM cuyo resultado se haga público sin maquillajes, para saber en qué estado se encuentran actualmente y, si procede, que la justicia actúe como corresponda. Es de crucial importancia someter las cuentas del IVAM a una auditoría externa para que la actual dirección no se vea entorpecida por las consecuencias de una mala gestión anterior. La opacidad del IVAM en estas cuestiones llama la atención cuando se compara con regiones como el País Vasco, donde ya en 2003 se aprobó una Ley de Museos en la que se obliga a informar anualmente del precio de las obras adquiridas con dinero público.

Debido a lo anteriormente expuesto, entendemos que estas tres demandas deben ser atendidas, no sólo por constituir una reclamación conjunta del grueso de la sociedad civil, representada por diversas asociaciones y colectivos profesionales, sino por la necesidad de entender lo público únicamente desde la perspectiva de transparencia, participación y responsabilidad política que caracteriza a la auténtica democracia. La sociedad reclama un IVAM en el que el cambio no se limite a una serie de declaraciones bienintencionadas, sino que cumpla con rigor las funciones públicas para las que fue creado.»

SUSCRIBEN:

Arte Madrid. Asociación de Galerías de Arte Madrileñas

Art Barcelona. Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de Barcelona

Associació d’Artistes Visuals de Catalunya (AAVC)

Associació d’Artistes Visuals de les Illes Balears (AAVIB)

Associació Catalana de Crítics d’Art (ACCA)

Asociación de Directores de Arte Contemporáneo de España (ADACE)

Asociación Nacional de Investigadores en Artes Visuales (ANIAV)

Artistas Visuales Asociados de Madrid (AVAM)

Associació Valenciana de Crítics d’Art (AVCA)

Artistes Visuals de València, Alacant i Castelló (AVVAC)

Consejo de Críticos y Comisarios de Artes Visuales (CCCAV)

Consorcio de Galerías Españolas de Arte Contemporáneo (CGEAC)

Instituto de Arte Contemporáneo (IAC)

Mujeres en las Artes Visuales (MAV)

Sociedad Española de Estética y Teoría de las Artes (SEyTA)

Unión de Asociaciones de Artistas Visuales (UAAV)

Unión de Artistas Visuales de Andalucía (uavA)