Lo Pati acollirà el concert d’Albert Pla

Cauty said to Franco: What time is love?
Lo Pati Centre d’Art – Terres de l’Ebre
C/ Gran Capità, 38-40. Amposta
11 de març a les 20:00, tindrà lloc la inauguració de Strobe amb el concert d’Albert Pla

Els artistes, Alán Carrasco, Laura Llaneli, Joan Bennassar, Miquel Cañellas i María García reflexionen sobre el monument franquista de Tortosa. Cinc artistes residents a Barcelona, nascuts anys després de la mort de Franco, són convidats a participar en una exposició col·lectiva al voltant de la memòria històrica i el franquisme. Quan busquen “monument franquista barcelona” a Google imatges, los dirigix contínuament a Tortosa: un monument emplaçat per celebrar els “25 años de paz”, quan Less McCann interpretava “Spanish onions”, i que 50 anys després roman encara enmig del riu Ebre, imbatible als canvis polítics. Lo comissari de l’exposició els hi proposa als cinc artistes de realitzar un viatge a la capital de les Terres de l’Ebre per comprovar, in situ, que el monument franquista que surt a Google realment “està allí” i viure, així, l’experiència “en directe”.

Lopati

L’artista Jimmy Cauty era membre de The JAMs quan, lo 1987 i després d’una visita a Suècia per intentar convèncer els integrants d’Abba, que es negaren a rebre’ls, van cremar les còpies que els hi quedaven del seu disc “1987 (What the Fuck is Going On?)”, ja que contenia samples més aviat, fragments sencers d’una de les famoses composicions d’Andersson i Ulvaeus. Lo 1994, com a K Foundation, van cremar un mil·lió de lliures en metàl·lic, fruit dels beneficis dels èxits musicals de The KLF: documentat en vídeo, un gest conceptual que avui en dia és encara un gest incomprès per una part de la població que, molt probablement, havien ballat los hits a les discoteques de l’època.

Cauty said to Franco: What time is Love? partix de la proposta i les reflexions, en forma de preguntes obertes i subjectives, que reben los cinc artistes convidats a aquesta exposició mentre realitzen un viatje a Tortosa. Conceptes com representació i realitat, allò pretesament autèntic o real o experiencial i discursiu se creuen amb política, memòria històrica, l’esbiaix al que es sotmet a la cultura i el concepte de la icona pop. Parafrasejant lo títol de la cançó de The KLF, Kylie said to Jason, on Cauty i Drummond fabulaven sobre una conversa impossible entre dos estrelles de la factoria Stock Aitken Waterman entre backyards i paisatges australians, Cauty said to Franco: What time is Love? suposa un improbable diàleg entre el dictador i l’artista britànic; entre este i el comissari; i entre estos dos últims, lo dictador i els cinc artistes convidats. Guionitzant la història o ficcionant la realitat; buscant espais de legitimació ideològica o els serrells d’estos en la societat contemporània; o investigant les pràctiques polítiques en la territorialitat i els processos històrics (o en la nostra pròpia territorialitat com a individus i els processos íntims que se’n deriven), los cinc artistes confabulen entre temps verbals.

Albert Pla, fotografía de Jesús Aparicio. Cortesía de la galería.

Albert Pla, fotografía de Jesús Aparicio. Cortesía de la galería.

D´altra banda, l’11 de març a les 20:00, tindrà lloc la inauguració de Strobe amb el concert d’Albert Pla. L’irreverent cantautor obrirà la desena edició d´aquest esdeveniment, que enguany aborda humor i desinhibició.

El polifacètic artista Albert Pla obrirà enguany la desena edició del Festival Trans.New.Media Strobe, un projecte de vídeo i art digital dirigit pel comissari i gestor cultural Blai Mesa. Pla portarà a Amposta el seu espectacle A pleno pulmón, una proposta amb una poètica inusual “devastadora” i “electritzant” on les cançons s’emmarquen en històries que poden ser tràgiques i delirants, quotidianes i sorprenents, delicades i brutals, crues i a l’hora surrealistes, on lo botxí pot ser també víctima, la calma s’acaba convertint en tempesta o la comèdia en tragèdia. I és que la línia que separa el bé del mal, lo blanc del negre o allò que és positiu d’allò que és negatiu és molt fina.

L’obra de Pla encaixa molt bé en la temàtica de Strobe que enguany, per tercer any consecutiu i tancant la trilogia iniciada el 2014, aborda el tema de l’humor. Així, si en les dos edicions passades se tractaca des del punt de vista de la sàtira i el de la incongruència, ara ho fa des del punt de vista de la desinhibició. L’humor negre com una mena d’alliberament de la censura i l’autocensura: un estat que lliga molt bé amb lo propi tarannà i irreverència d’Albert Pla.

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Manel Margalef. Subversión en Lo Pati

Subversión de Manel Margalef
Lo Pati. Centre d’Art Terres de l’Ebre
Amposta, Tarragona
Hasta el 9 de enero de 2016

Manel Margalef es uno de los artistas con más reconocimiento y trayectoria, nacido en Amposta en 1963, ha dado un impulso desde siempre a las iniciativas culturales de su tierra.

Es director de la BIAM – Bienal d’Art Ciudad d’Amposta siendo premiado en el año 1991, concretamente en la segunda edición, además de artista y profesor de l’Escola d’Art de Tarragona y profesor asociado del departamento de Pedagogía de la URV. Licenciado en Bellas Artes y en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona y doctor en Bellas Artes por la misma Universidad, desde sus inicios en 1990 ha expuesto individual o collectivamente en espacios como Tinglado 2 o el Museo de Arte Moderno de Tarragona; las galerías Cánem, Forvm, Fúcares o Senda; el Museo de Arte de Girona, MAC Mataró o Reina Sofía, y ha estado presente en varias ediciones de ARCO, Arte Foro Berlín o Arte Lisboa.

El hábitat como espacio doméstico que el individuo ocupa desde el conflicto es un tema recurrente en Manel Margalef y ahora lo recupera mediante una instalación de gran formato.

Manel Margalef. Cortesía Lo Pati.

Manel Margalef. Cortesía Lo Pati.

Nos remite de forma clara a una instalación de este autor, En Venta, también de gran formato y expuesta en 2007 en la ciudad de Tarragona. En esta ocasión, el artista consigue constituir una nueva realidad, la deriva de la opulencia urbanística, que ya había representado mediante un hábitat en estado de abandono, pudiendo apreciar la pervivencia de elementos de ostentación que refuerzan la imagen de decadencia.

En palabras del artista, «subversión se quiere hacer eco de la interrogación contemporánea actual que deriva hacia la búsqueda de «la casa», de este espacio doméstico estanco donde el hombre habita desde el conflicto. El objetivo es intentar captar la búsqueda de nuestra propia identidad como individuos perdida en espacios mutables, reflejo de una época sin ideologías ni objetivos compartidos. Hoy más que nunca el construir y habitar se manifiestan desde un posicionamiento subjetivo alejado de la colectividad, por lo cual este proyecto quiere ser, desde la distancia, una reflexión sobre las carencias y los conflictos que generan nuestro arquetipo de casa».

Manel Margalef. Cortesía Lo Pati.

Manel Margalef. Cortesía Lo Pati.

En definitiva, en Subversión, Margalef avanza en su trabajo sobre el espacio doméstico, lo «vedado íntimo» al que también dedicó su tesis doctoral. Su reflexión comprende nuestra sociedad y, a su vez, los objetos que nos rodean y consolidan nuestras ideologías y nuestra historia. Los conceptos de identidad y memoria son empleados como canales de comunicación entre el yo y la arquitectura, y con todo esto cierra la temporada de 2015.

Manel Margalef. Sub-versió en Lo Pati

Manel Margalef: sub-versió
Lo Pati. Centre d’Art Terres de l’Ebre
Amposta, Tarragona
Fins al 9 de gener del 2016

Manel Margalef és un dels artistes amb més reconeixement i trajectòria, nascut a Amposta el 1963, ha estat donant un impuls des de sempre en les iniciatives culturals de la seua terra.

És director de la BIAM – Biennal d’Art Ciutat d’Amposta -sent premiat en l’any 1991, concretament en la segona edició-, a més d’artista i professor a l’Escola d’Art de Tarragona i professor associat al departament de Pedagogia de la URV. Llicenciat en Belles Arts i en Història de l’Art per la Universitat de Barcelona i doctor en Belles Arts per la mateixa Universitat, des dels seus inicis el 1990 ha exposat individual o col.lectivament en espais com Tinglado 2 o el Museu d’Art Modern de Tarragona; les galeries Cánem, Forvm, Fúcares o Senda; el Museu d’Art de Girona, MAC Mataró o Reina Sofía, i ha estat present en diverses edicions d’ARCO, Art Forum Berlin o Arte Lisboa.

L’habitatge com espai domèstic que l’individu habita des del conflicte és un tema recurrent en Manel Margalef i ara el recupera mitjançant una instal·lació de gran format.

Fotografía cortesía de Manel Margalef

Manel Margalef. Cortesía Lo Pati.

Ens remet de forma clara a la una instal·lació d’aquest autor, En Venta, també de gran format i exposada al 2007 a la ciutat de Tarragona. En aquesta ocasió, l’artista aconsegueix constituir una nova realitat, la deriva de l’opulència urbanística, que ja havia representat mitjançant un habitat en estat d’abandó, podent apreciar la pervivència d’elements d’ostentació que reforcen la imatge de decadència.

En paraules de l’artista, «sub-versió es vol fer ressò de la interrogació contemporània actual que deriva cap a la recerca de “la casa”, d’aquest espai domèstic estanc on l’home habita des del conflicte. L’objectiu és intentar captar la recerca de la nostra pròpia identitat com a individus perduda en espais mutables, reflex d’una època sense ideologies ni objectius compartits. Avui més que mai el construir i habitar es manifesten des d’un posicionament subjectiu allunyat de la col·lectivitat, per la qual cosa aquest projecte vol ser, des de la distància, una reflexió sobre les mancances i conflictes que genera el nostre arquetip casa».

Fotografía cortesía de Manel Margalef

Manel Margalef. Cortesía Lo Pati.

En definitiva, Sub-versió, Margalef avança en el seu treball sobre l’espai domèstic, el “vedat íntim” al qual també va dedicar la seua tesi doctoral. La seua reflexió, comprén la nostra societat i al seu torn, els objectes que ens envolten i consoliden les nostres ideologies i la nostra història. Els conceptes d’identitat i memòria són emprants com a canals de comunicació entre el jo i l’arquitectura, i amb tot açò tanca la temporada de 2015.

 

Movimientos complejos en lugares híbridos

BIAM 2014
Premi 13ena Biennal d’Art Ciutat d’Amposta
Centre d’Art Lo Pati
Hasta el 30 de agosto de 2014

Una característica ya previsible del arte contemporáneo es la contaminación entre prácticas en su búsqueda, siquiera formalmente, de la novedad y como material necesario para adecuarse a la sociedad cambiante. Como dice una frase célebre que tiene algo de mágica, “la novedad es vieja como el mundo”, y aún así, en el presente debe prevalecer la opción de permitirnos caer de nuevo en la trampa más dulce: responder con frases ya dichas a las preguntas tantas veces planteadas. Una mirada mínimamente distinta al motivo de análisis puede conseguir un cambio notable en el modo como enfrentamos nuestros grandes temas y deseos, y ese pequeño gesto vale su peso en oro dentro del sistema artístico, ávido y necesitado de estímulos constantes.

Vista de sala con obras de Joan Morey y Marc Larré. BIAM 2014.

Vista de sala con obras de Joan Morey y Marc Larré. BIAM 2014.

La emergencia es consustancial al arte contemporáneo. Es un recurso que ha aceptado con resignación o incluso promovido con naturalidad, reflejo de un mundo cambiante, pero seguramente también de un ámbito profesional dado a la inestabilidad y la búsqueda sin tregua de lo novedoso. La última entrada de la magna obra Arte desde 1900 (Akal, 2006) orquestada por H. Foster, R. Krauss, Y-A. Bois y B. Buchloh corresponde al año 2003 y en ella se nombra la exposición Zona de emergencia, comisariada por Francesco Bonami para la 50ª Bienal de Venecia, como ejemplo de la “naturaleza informal y discursiva de gran parte del arte y el comisariado recientes”. Los teóricos de October resumen eficazmente una serie de prácticas que pare ellos “se inspiran en una amplia lista de precedentes como los objetos preformativos de Fluxus, los materiales humildes del Arte Povera y las estrategias específicas para el sitio de artistas críticos con las instituciones”. Estas tres características, a las que se suman los procedimientos archivísticos de índole y condición muy variadas, marcan la mayoría de los proyectos que se han realizado en el ámbito del arte contemporáneo de las últimas décadas. Y todo indica que sigue siendo así.

La posible confusión entre las nomenclaturas arte contemporáneo o arte actual (un modo de ir más allá de la historia en un momento en que el presente parece estirarse sin fin) la resuelve Giorgio Agamben sin hablar de arte, pero sí de un genérico lo contemporáneo que fácilmente puede asumirlo dentro de su definición. Regresa a Nietzsche para indicar que éste “sitúa su pretensión de ‘actualidad’, su ‘contemporaneidad’ respecto del presente, en una desconexión y en un desfase”. Y continúa explicando Agamben que “pertenece en verdad a su tiempo, es en verdad contemporáneo, aquel que no coincide a la perfección con éste ni se adecua a sus pretensiones, y entonces, en este sentido, es inactual; pero, justamente por esto, a partir de ese alejamiento y ese anacronismo, es más capaz que los otros de percibir y aferrar su tiempo.”[1]

El alejamiento es también la distancia crítica óptima para realizar un análisis ajustado de una situación concreta; y el anacronismo no es tanto la voluntad expresa de vivir en otras épocas pasadas, como la necesidad de no aceptar todo lo que el presente ofrece y con lo que apabulla y aturde. Es en esos matices donde sí parece posible encontrar vías de definición de lo contemporáneo en contraste con las propias de lo actual. Aferrarse a su tiempo, entendido éste con una cierta perspectiva histórica y complejidad, es lo que la actualidad no puede hacer, pues precisamente por su carácter actual, debe ir adecuándose a las variaciones ad infinitum que las tendencias marcan.

Vista de sala con obra de Mariona Moncunill. BIAM 2014.

Vista de sala con obra de Mariona Moncunill. BIAM 2014.

Los movimientos complejos en espacios híbridos bien podría entenderse asimismo como movimientos híbridos en espacios complejos. Entendiendo por movimiento una acción al respecto de un deseo social, personal o político que acontece en un espacio no tanto real, aunque también, como imaginado. La hibridación implica complejidad, y ésta a su vez no puede siquiera definirse sin la mezcolanza y la transversalidad de varios agentes que actúan inequívocamente sobre una cuestión precisa. Las prácticas artísticas lo son especialmente por el contexto donde se ofrecen y por la actitud de quien lo lleva a término.

Al hablar de la fotografía dentro del ámbito del arte contemporáneo, Peter Osborne indica que ésta “pasó a formar parte del ‘arte’ en el momento en que el ‘arte’ pasó a ser post-conceptual. (…) Podría decirse (…) que la fotografía es arte en la medida en que es una práctica post-conceptual.”[2] Del mismo modo, determinadas prácticas y dispositivos, no vinculados directamente al arte, lo son en la medida en que representan una práctica post-conceptual. La 12ª edición de BIAM tiene la cualidad, tal vez única en su historia, de aunar el trabajo emergente de artistas jóvenes o muy jóvenes que presentan obras llamadas a inscribirse en el panorama de la contemporaneidad artística, junto con el trabajo de artistas pertenecientes a una generación consolidada, incluso podría decirse de media carrera, que tal vez participen de esa señal de emergencia que sigue emitiendo el sistema artístico dentro del Estado español, inoperante para establecer unos mínimos que permitan extender la profesionalización artística. Es también esta particularidad híbrida, intergeneracional, polivalente en los trabajos y compleja en los dispositivos y los temas tratados una característica del momento presente, donde el medio artístico es cuestionado bien desde la técnica, bien desde la credibilidad de su alcance real; tanto desde su autonomía tendente al ensimismamiento como desde la funcionalidad social y política de sus planteamientos. Unas cuestiones aferradas a su tiempo, y que aquí emergen para definirlo.

Vista de sala con obras de David Mutiloa y Olalla Castro. BIAM 2014.

Vista de sala con obras de David Mutiloa y Olalla Castro. BIAM 2014.

Álvaro de los Ángeles


[1] Giorgio Agambem, “¿Qué es lo contemporáneo?”, en Desnudez, Anagrama, Barcelona, 2011, p. 18.
[2] Peter Osborne, “Filosofía y fotografía: La ontología social de la imagen”, en Instantáneas de la fotografía, Arola Editors, SCAN 2009, Tarragona, p. 119.