Cristina Alabau. Abstracción y equilibrio

Cristina Alabau
Galería Alba Cabrera
Art Madrid’19
Del 27 de febrero al 3 de marzo de 2019

Es 29 de enero de 2019, la tarde es oscura y ventosa en València. En el barrio de Ruzafa llego a un callejón sin salida que reconozco, me detengo buscando el número del portal y, antes de verlo, una luz tenue a través de una ventana me hace sentir que ya estoy.

Mientras subo por la pequeña escalera de acceso noto cómo el frío va quedando atrás. La calidez, la calma, te invaden de golpe cuando entras en el estudio, en el refugio donde Cristina Alabau trabaja desde hace más de tres décadas. Todo allí parece pararse en el tiempo: el aire molesto del exterior –cuyo murmullo hace olvidar ahora una música suave–, las urgencias, las prisas. Es un espacio acogedor, de altos techos de madera y cubierta a dos aguas. Ella transmite también esa sensación plácida, que invita a compartir un momento de charla sosegada, aunque su ritmo de trabajo sea estos días acelerado, ya que se encuentra inmersa en plena vorágine productiva (en breve presenta su último trabajo en Art Madrid’19, feria internacional de arte contemporáneo donde acude con la Galería Alba Cabrera).

Imagen de la obra 'Espacio interior', de Cristina Alabau, que podrá contemplarse en el stand de la Galería Alba Cabrera durante Art Madrid'19. Fotografía cortesía de la galería.

Imagen de la obra ‘Espacio interior’, de Cristina Alabau, que podrá contemplarse en el stand de la Galería Alba Cabrera durante Art Madrid’19. Fotografía cortesía de la galería.

Observar así su obra, detenerte en los nuevos trabajos y adivinar antiguas series que se asoman, apoyadas unas sobre otras en las paredes, es también admirar un ejercicio de coherencia y perseverancia, un estilo defendido y reafirmado a lo largo de su extensa trayectoria, que comenzó a mediados de los ochenta y que hoy sigue consolidando exposición a exposición.

Sus cuadros elegantes, poéticos y sugerentes, encierran íntimas iconografías, enigmáticas formas que son ya reconocibles en su pintura y que definen universos propios, intransferibles, construidos con elementos simbólicos que nunca abandona y que dispone a través de resortes intuitivos.

Figuras esenciales, sutiles, que el color refuerza y que parecen latir bajo una musicalidad que se percibe cercana. Alabau une a su sensibilidad, a su gusto por lo bello, sus férreas referencias intelectuales. Admiradora y estudiosa de Paul Klee y Vassily Kandinsky, se reconoce tocada por el influjo que alentó a los maestros en el camino hacia la abstracción geométrica, y su imaginación vuela lejos, surcando los mismos cielos.

La artista Cristina Alabau en su estudio de Ruzafa. Fotografía: Juan Peiró.

La artista Cristina Alabau en su estudio de Ruzafa. Fotografía: Juan Peiró.

Cuando el sentimiento y el deseo marcan el objetivo, cuando la búsqueda del equilibrio supera fisuras, aúna energías, esquiva lo superfluo, prioriza la luz ante el tenebrismo y esquiva recovecos imposibles, el proceso lleva implícito el pausado ejercicio de distinguir y valorar lo esencial, lo que prevalece. Las figuras que aparecen en sus grandes lienzos, casi siempre cuadrados, de fondos limpios y claros, obedecen a tres conceptos que se repiten de manera hipnótica una y otra vez: el hombre, la naturaleza y el tiempo.

Al hombre, situado en el centro de la composición, siempre lo representan formas geométricas de tonos cálidos: rojos, anaranjados… que remiten al color de la sangre, del cuerpo, de la piel. En algunos de sus cuadros, la pintura acrílica aparece rayada, arañada, creando texturas llenas de experiencia, de vida. La noción de naturaleza se cuela en sus obras a través del verde, el gris… pero también lo hace de la mano de fotografías o de elementos orgánicos sacados del paisaje; fósiles, musgos, hongos, líquenes, flores… que durante el proceso creativo se revisten de cera, papel o capas de resina. Las formas blancas, a veces casi transparentes, son espacios que irradian luz, fulgor y que contagian, unen y difuminan las otras figuras que parecen dejar estelas, áureas que insinúan leves movimientos, etéreos balanceos.

La gestualidad manda, impulsada por la repetición de esquemas en una constante búsqueda de matices y ritmos para sublimar escenarios y plasmar visiones de vida. A veces, la representación se expande, parece dispersarse, pero la artista de nuevo la envuelve, encaja las piezas que une con líneas casi imperceptibles y regresa al todo. Y en ese todo huye de estridencias, lima aristas, oculta evidencias y se acerca a la forma redonda de la vida, porque es así como Cristina Alabau visualiza la existencia, al igual que Van Gogh –“La vida es probablemente redonda”– o que el poeta francés Joë Bousquet, quien recitaba “Le han dicho que la vida es hermosa. No, la vida es redonda”.

Imagen de la obra 'Espacio sensible', de Cristina Alabau, que podrá contemplarse en el stand de la Galería Alba Cabrera durante Art Madrid'19. Fotografía cortesía de la galería.

Imagen de la obra ‘Espacio sensible’, de Cristina Alabau, que podrá contemplarse en el stand de la Galería Alba Cabrera durante Art Madrid’19. Fotografía cortesía de la galería.

Las teorías de Gaston Bachelard, filósofo y amante de las ciencias, son otras de las influencias que han marcado su discurso. En su libro ‘La poética del espacio’ el autor se refiere también a esta idea, escribiendo que “lo que se aísla, se redondea, adquiere la figura del ser que se concentra sobre sí mismo” y remite al lector a los poemas franceses de Rilke:

“Árbol, siempre en medio
De todo lo que te rodea
Árbol que saborea
La bóveda entera del cielo […]”

El impulso creativo que guía a la artista se nutre de materiales y técnicas distintas. La pintura, el collage, la acuarela, el dibujo o la escultura tienen cabida en la evolución de su trabajo, aportando y enriqueciéndose entre sí. En la acuarela, sus formas se hacen más ágiles, se desdibujan y superponen; el papel, los trazos, la plumilla… plasman perspectivas fluidas y libres. Aunque ella se define como pintora, la escultura se ha convertido en compañera de viaje y aliada en sus últimas exposiciones. Tras una estancia en Italia, encontró en el cristal de Murano el material perfecto para desarrollar las piezas soñadas durante años. Blancas, translúcidas y frágiles, contienen colores y materiales en su esencia, que parecen reivindicar la importancia de lo sutil.

La artista Cristina Alabau en su estudio de Ruzafa. Fotografía: Juan Peiró.

La artista Cristina Alabau en su estudio de Ruzafa. Fotografía: Juan Peiró.

Marisa Giménez Soler

“Los artistas en ARCO pintamos poco”

Desayunos Makma en Lotelito
Con Antonio Alcaraz, Carmen Calvo, Inma Femenía y Chema López, artistas valencianos presentes en la 34ª edición de ARCO, entre el 25 de febrero y el 1 de marzo de 2015
Entrevista realizada por el equipo de dirección de Makma: Vicente Chambó, José Luis Pérez Pont y Salva Torres

Cada año, el mes de febrero tiene fecha reservada para el arte contemporáneo en Madrid. Hablamos de ferias nacidas para satisfacer la necesidad comercial de las industrias culturales y, especialmente, de las galerías. La cita es del 25 de febrero al 1 de marzo, días en los que se reúnen en torno a ARCO, Just Madrid y Art Madrid  las galerías más destacadas a nivel nacional y algunas de las más representativas del panorama internacional. Pero, sobre todo, y sin duda lo principal, cientos de artistas que deberían ser el centro de tamaña concentración de arte. Como por ejemplo, los cuatro artistas valencianos reunidos por MAKMA en torno a un café en Lotelito.

De izquierda a derecha, Inma Femenía, Chema López, Carmen Calvo y Antonio Alcaraz, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

De izquierda a derecha, Inma Femenía, Chema López, Carmen Calvo y Antonio Alcaraz, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Salvo Inma Femenía, la más joven, al igual que la galería con la que va a JustMad, Área 72, el resto lleva años acudiendo a ARCO. “Yo he llegado a ir hasta con diez galerías”, dice Carmen Calvo, que el pasado lunes recibió de manos de los Reyes el Premio Nacional de Artes Plásticas correspondiente a 2013. Chema López, que acudirá con Rosa Santos, y Antonio Alcaraz, que lo hará con Múltiplos tras quedarse fuera la veterana Cànem de Castellón, son igualmente asiduos a la feria madrileña, que en esta edición únicamente contará con tres salas valencianas: Luis Adelantado, Espai Visor y la citada Rosa Santos, de un total de 212. “Es totalmente insuficiente”, señala Alcaraz.

Carmen Calvo y Antonio Alcaraz, durante los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

Carmen Calvo y Antonio Alcaraz, durante los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

«ARCO es un producto más, como la moda»

Insuficiente para una feria que, a juicio de Chema López, está pensada para ellas: “Los artistas en ARCO pintamos poco”. Y añade: “Los artistas estamos si las galerías quieren, por eso digo que es una feria para las galerías”. Aún así, ellos están ahí, en representación de otros muchos, camino de la 34ª edición de la feria de arte contemporáneo más importante de España. Y nos hablan de las virtudes y vicios de tamaña concentración de galerías, artistas y coleccionistas en el recinto de IFEMA en Madrid. “ARCO es un producto más, como la moda”, apunta Carmen Calvo, que asume su papel crítico: “Yo, Pepito Grillo”.

Inma Femenía y Chema López, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Inma Femenía y Chema López, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

«Las ferias de arte sirven para hacer caja, no nos engañemos»

“El nombre lo dice todo: feria”, indica Inma Femenía, presente en JustMad, feria satélite junto a Art Madrid del astro solar que supone ARCO. “A mí me parece una gran feria”, apunta Antonio Alcaraz, que después de muchos años acudirá sin pinturas, ni dibujos, sino con Libro de Artista. En todo caso, como pasa con la publicidad, “parece que el que no está en ARCO no existe”, reconoce Chema López. Lo mismo les pasa a las galerías, que últimamente se quejan de que a veces no cubren ni los gastos, pero ahí están. De hecho, los cuatro coinciden a la hora de apuntar que, en la mayoría de los casos, “las galerías se mantienen porque van a ferias”, puesto que en la ciudad de origen “no se vende nada, salvo Madrid o Barcelona”. Carmen Calvo tiene muy claro que las ferias de arte “sirven para hacer caja, no nos engañemos”.

Antonio Alcaraz en los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Antonio Alcaraz en los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

«Las galerías deberían intercambiar cromos, darnos a conocer fuera»

No entienden el criterio de selección de galerías. “Han penalizado a aquellas galerías que no tuvieran en su nómina artistas extranjeros, lo cual me parece injusto porque no se valora el esfuerzo de muchas de ellas por poner en valor a gente del propio territorio”, critica Alcaraz. “No sé qué pasa, pero lo extranjero parece siempre más atractivo”, apostilla Femenía. Y, de ser así, ¿por qué no se apuesta por artistas españoles en galerías extranjeras? Quid pro quo. “Las galerías de aquí deberían hacer esa labor de establecer contactos, intercambiar cromos y darnos a conocer fuera”, sostiene Calvo. “Antes era muy habitual que las galerías intercambiaran artistas, pero ahora por lo que yo sé no se hace”, esgrime López. “Seguimos con el complejo de Bienvenido Mr. Marshall”, resalta con ironía Carmen Calvo, que acude a ARCO con la galería Fernández-Braso.

Carmen Calvo en los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

Carmen Calvo en los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

«El 21% de IVA es la muerte de la cultura»

Y cuando nos quitamos los complejos de encima, va el Gobierno español y sube el  IVA hasta el 21%. “Eso es la muerte de la cultura”, subraya Carmen Calvo después de arremeter contra el ministro de Educación, Cultura y Deporte, José Ignacio Wert, al que tuvo bien cerca durante la entrega de los Premios Nacionales. “No es cuestión de personalizar, sino de criticar una decisión que ha sido un palo y una ruina para el país a nivel de literatura, de arte…”. Y agrega: “Si acercar a la gente a la cultura cuesta, acercarla al arte contemporáneo todavía más, y con el IVA que tenemos ya ni te cuento. Porque detrás del artista, hay un transportista, un carpintero, el de las telas… hay un tejido social que depende de esto”.

Inma Femenía en los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Inma Femenía en los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Chema López dice sin acritud (“tampoco pasa nada”) que a él en las 15 ediciones en las que ha participado en ARCO “nunca me ha comprado nada ninguna institución”. “Nosotros los artistas de las ayudas no nos enteramos, pero a las galerías con alguna ayuda les es más fácil ir a ferias”, destaca Alcaraz, quien delega precisamente su trabajo de promoción a esas galerías: “Prefiero que ellas se encarguen de mover y vender mi obra”.

Chema López, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Chema López, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

También señalan que ARCO “se sobrevalora como acto cultural”, al ser la “única feria de relieve a nivel nacional” (López). Así como se alegran que haya “bajado el sensacionalismo” de antaño, con aquellos “artefactos espectaculares”, a favor de propuestas más sensatas. “Creo que ha bajado para que la venta sea más fácil; las galerías llevan piezas más seguras de vender”, remacha Femenía. De la relación entre galerías y artistas, Calvo asegura que se trata de “un matrimonio bien avenido”, aunque “a veces no”, y entonces “cambias, te vuelves promiscuo”. Asimismo, diferencia entre galeristas y galeros, “que son los que han robado”. Eso sí, a pesar de los pesares, a los cuatro artistas les une lo que la propia Carmen Calvo llamó “estar envenenado”: esa pasión por el arte que todos ellos comparten camino de ARCO.

De izquierda a derecha, Vicente Chambó, Salva Torres, José Luis Pérez Pont, Inma Femenía, Chema López, Carmen Calvo y Antonio Alcaraz. Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

De izquierda a derecha, Vicente Chambó, Salva Torres, José Luis Pérez Pont, Inma Femenía, Chema López, Carmen Calvo y Antonio Alcaraz. Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Vicente Chambó, Salva Torres, José Luis Pérez Pont, Inma Femenía, Chema Lopez, Carmen Calvo y Antonio Alcaraz. Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Vicente Chambó, Salva Torres, José Luis Pérez Pont, Inma Femenía, Chema Lopez, Carmen Calvo y Antonio Alcaraz. Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

De izquierda a derecha, Antonio Alcaraz, Carmen Calvo, Chema López e Inma Femenía. Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

De izquierda a derecha, Antonio Alcaraz, Carmen Calvo, Chema López e Inma Femenía. Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Vicente Chambó y Salva Torres

Fuentes Fuertes con Alba Cabrera en Art Madrid

Rubén Fuentes Fuertes
Galería Alba Cabrera
Art Madrid’ 14 One Project
Galería de Cristal de Cibeles
C/ Montalbán, 1 Junto a Plaza de Cibeles. Madrid
Del 19 al 23 de febrero

Es la estética de la sinceridad y el desenfado de la que acaso fuera precursor Andrés Nagel en aquella caótica primera posmodernidad que vivió la España postfranquista, vacía de poder y ávida de alegría y transgresión: el arte como juego, como máxima expresión del triunfo de lo imaginativo y lúdico -e incluso de la cotidianidad como comedia, en el Almodóvar de aquellos años-, se impone sin dificultad sobre el arte riguroso y árido de la generación conceptual, como si no fuera el tiempo de pensar, sino el de lo impulsivo e irreflexivo.

Obra de Rubén Fuentes Fuertes. Imagen cortesía de la galería Alba Cabrera.

Obra de Rubén Fuentes Fuertes. Imagen cortesía de la galería Alba Cabrera.

También se ha relacionado a Rubén Fuentes Fuertes (Valencia, 1979) con otros artistas expresionistas post-brut como Leiro o David Lechuga, amantes ambos de la talla directa, de los ecos primitivistas, del policromado, de lo figurativo y totémico, y en su obra pueden buscarse influencias de Baselitz, Richard Deacon o el mismo Arroyo quien, como Fuentes, cultiva un Pop peculiar e inconfundible.

Obra de Rubén Fuentes Fuertes. Imagen cortesía de alba Cabrera.

Obra de Rubén Fuentes Fuertes. Imagen cortesía de alba Cabrera.

En el proyecto que ha preparado para el programa One Project de Art Madrid’ 14, muestra su faceta más analítica y deconstructivista: si bien toda su producción se fundamenta en la reutilización de materiales desechados -en consonancia con lo que podríamos definir, en sentido Kraussiano, como una poética póvera impura- que en cierto modo afirman su condición de desechos desde las entrañas de la forma pura y sensual de la escultura, en esta instalación se lleva a cabo una separación radical de las diversas capas de realidad o de sentido, como diría Hoffmann, de suerte que los distintos componentes conceptuales, formales y matéricos de la escultura aparecen fragmentados, compartimentados, dispuestos incluso (materiales exhibidos en urnas, dibujos explicativos…) para la reconstrucción de un análisis museológico ficticio, irónico y poético.

Obra de Rubén Fuentes Fuertes. Imagen cortesía de la galería Alba Cabrera.

Obra de Rubén Fuentes Fuertes. Imagen cortesía de la galería Alba Cabrera.

 

Art Madrid14 inicia la cuenta atrás

Art Madrid14
Galería de Cristal del Palacio de Cibeles.
C/ Montalbán 1, junto a Plaza de Cibeles 1, Madrid.
Inauguración: 19 de febrero.
Hasta el 23 de febrero de 2014.

Nos encontramos a pocos días de la 9ª edición de la Feria de Arte Contemporáneo Art Madrid, que se presenta más dinámica y renovadora que nunca, con una trayectoria dedicada a la promoción y difusión del arte contemporáneo nacional e internacional, que prestará mayor atención al arte emergente.

Art Madrid14 mantiene la firme propuesta de aportar novedades para impulsar el coleccionismo y dinamizar el mercado del arte actual, a través de profesionales del sector y del público. Parece ser que en esta ocasión se inicia la edición con el propósito de ser un referente expositivo, convirtiéndose en un “escaparate atractivo” para galeristas, coleccionistas y público.

Con una nueva filosofía, Art Madrid14 es la colaboración e intercambio de ideas y actividades con otros agentes culturales. La feria ha apostado en esta edición por la alianza y sinergia con instituciones culturales ajenas a la feria, dando lugar a actividades que reforzarán la cultura en general y el arte en particular.

Dentro del programa ONE PROJECT de Art Madrid14, comisariado por Javier Rubio Nomblot y Carlos Delgado Mayordomo, se expondrán los proyectos de ocho artistas en formato “Solo Show”, que pide una “mirada atenta” para ampliar los límites del concepto “arte emergente”, sin olvidar las vanguardias históricas.

José Luis Serzo, The grear narrator, 2013 (óleo sobre lienzo, 100 x 100 cm). Galería Moproo Shangai. Imagen cortesía de la Galería.

José Luis Serzo, The grear narrator, 2013 (óleo sobre lienzo, 100 x 100 cm). Galería Moproo Shangai. Imagen cortesía de la Galería.

Las nuevas incorporaciones a Art Madrid14 son las galerías: N2 (Barcelona), Art4Plus (Madrid), Cervantes6 (Oviedo), Materna y Herencia (Madrid), Odalys (Venezuela-Miami-Madrid), La Zúa (Madrid), Kreisler (Madrid), Propuestas Van Dyck (Gijón) y Marc Decoene (Alemania).

Estas galerías se unen a la lista de fieles a la feria, formada por las madrileñas BAT Alberto Cornejo, Flecha, Lorenart, Marita Segovia, Del Cisne, Ansorena, Fernando Latorre, Obra Gráfica Original; las galerías Principal Art, El Quatre Barcelona, Miquel Alzueta, A. Cortina, Jordi Pascual, Joan Gaspar, 3 Punts y Marc Calzada de Barcelona; la galería Moret Art de A Coruña, la galería Pilares de Cuenca, Rodrigo Juarranz de Aranda de Duero, las galerías Vanrell y Joan Oliver “Maneu” Galería D´Art de Palma de Mallorca, la galería Espiral de Cantabria; las valencianas Val i 30, Del Palau, Galería Punto y Benlliure; la galería alemana Schmalfuss de Berlín y la lisboeta Art Lounge.

Héctor Velázquez, Retratos de Toumani Camara y Héctor Velázquez. Galería N2. Imagen cortesía de la Galería.

Héctor Velázquez, Retratos de Toumani Camara y Héctor Velázquez. Galería N2. Imagen cortesía de la Galería.

Los artistas presentes en ONE PROJECT son Manuel Barbero de la Galería Blanca Soto Arte (Madrid) en colaboración con Intermón Oxfam, la artista Curra Rueda de la galería Materna y Herencia (Madrid), Yolanda Tabanera de la galería Fernando Latorre (Madrid), José Luís Serzo de la mano de la galería Moproo de Shangai, la artista Laura Ramis de la galería D´Art (Madrid), Javier Ayarza de la galería Fontanar (Segovia), Anna Taratiel de CIS Art y Rubén Fuertes Fuentes de la galería Alba Cabrera de Valencia.

Carmen Calvo. Galería Art Lounge. Imagen cortesía de la Galería.

Carmen Calvo. Galería Art Lounge. Imagen cortesía de la Galería.

Ramón Surinyac, Blue Light, 2013 (óleo sobre madera, 70 x 210 cm). 3 Punts Galería. Imagen cortesía de la Galería.

Ramón Surinyac, Blue Light, 2013 (óleo sobre madera, 70 x 210 cm). 3 Punts Galería. Imagen cortesía de la Galería.