Un Chéjov del siglo XXI

Posted on 19 noviembre, 2018 por Bel Carrasco

El jardí de les cireres, de Antón Chéjov, adaptación de Manuel Molins dirigida por Joan Peris
Teatre El Micalet
Guillen de Castro, 73. València
Del 7 de noviembre al 2 de diciembre de 2018

La compañía Teatre Micalet estrenó el 7 de noviembre El jardí de les cireres (El jardín de los cerezos) obra póstuma de Antón Chéjov escrita en 1903, un año antes de su muerte, que sintetiza las inquietudes y temáticas de este autor universal. Adaptada por el dramaturgo Manuel Molins, Premio de Honor de las Artes Escénicas de la Generalitat, y dirigida por Joan Peris, forman parte del reparto: Pilar Almeria, Josep Manel Casany, Cristina García, Berna Llobell, Laura Romero, Ximo Solano y Guille Zabala.

No es la primera vez que el público puede ver esta obra en valenciano. Juli Leal, en 1974 y 1984, hizo sendos montajes con la compañía Carnestoltes. Pero esta primera versión de Chéjov para el sigo XXI es una aportación muy personal de la compañía Teatre Micalet que bajo la dirección de Peris ha reducido el elenco a siete personajes enfatizando las similitudes entre los albores del siglo XX y la actualidad como dos momentos claves de cambios de ciclo histórico. “Teníamos este título en cartera hace mucho tiempo pero El Jardí... requiere madurez tanto de edad como profesional”, dice Pilar Almeria. Una madurez que tras 23 años de vida y una veintena de producciones la compañía ha alcanzado plenamente.

El jardí de les cireres. Imagen cortesía de Teatre Micalet.

A través de las vicisitudes de una familia de la aristocracia obligada a desprenderse de un precioso jardín improductivo, símbolo de su status, Chéjov retrata la encrucijada entre la agonía del zarismo y la revolución soviética. Describe la transición desde el protagonismo absoluto de la aristocracia al nacimiento de una nueva casta formada por los descendientes de los antiguos siervos liberados que se han enriquecido, a costa muchas veces de la debilidad de sus antiguos amos ociosos.

Nobles decadentes, los nuevos arribistas y los que sueñan con el cambio social. “Los personajes de la obra representan estos tres prototipos sociales que coinciden en un tiempo y espacio”, comenta Almeria. Gran conocedor del alma humana y compasivo siempre con sus personajes, Chéjov presenta una galería de seres humanos que asisten al destino que les ha tocado vivir. “Lo que les ocurre, salvando las distancias, es parecido a la situación actual”, señala la actriz. “Se percibe una sensación de derrota y la gente anda desorientada porque se producen cambios muy rápidos y el futuro se vislumbra incierto”.

Una de las dificultades que encuentran los intérpretes en este texto es ser capaces de expresar lo que se lee entre líneas, lo que subyace en los diálogos. “Los personajes parecen personas vulgares y da la impresión de que en sus vidas no pasa nada interesante pero por debajo palpitan intensos sentimientos y grandes cambios que en este caso giran en torno al amor y el dinero”, añade Almeria.

Aunque ha pasado más de un siglo desde que Chéjov escribió este texto, “hoy se empiezan a ver síntomas de un mundo en descomposición”, dice Molins. “Un ultraliberalismo que hace peligrar las conquistas sociales conseguidas con tanto esfuerzo e incluso se habla de un retorno a la esclavitud por las reformas laborales de la derecha en complicidad con el FMI. Crecen los partidos xenófobos y homófobos, mientras el electorado mayoritario se distrae con pantallas, móviles, tabletas y la televisión. Estamos en un cambio de época y eso es también lo que presenta nuestra versión de Chéjov”, concluye Molins.

La puesta en escena refleja el carácter simbólico presente en la obra de autor ruso. El vestuario recuerda al de principios del pasado siglo pero sin rigor histórico. Aprovechando las posibilidades de la sala, se ha creado un espacio trasversal que sumerge al espectador en la casa donde ocurren los hechos y en los laterales se insinúan unas sombras que recuerdan las ramas de los árboles. Tras dos meses de ensayos la veterana compañía cumple el sueño de sumar a su repertorio este gran clásico universal.

El jardi de les cireres. Imagen cortesía de Teatre Micalet

Bel Carrasco

Novembre Jazz en el 50 aniversario de la UPV

Posted on 19 noviembre, 2018 por MAKMA

XXV Festival Novembre Jazz
Campus de Valencia, Alcoi y Gandia
Del 20 al 23 de noviembre de 2018

La UPV celebra este año la XXV edición de su Festival Novembre Jazz coincidiendo con el 50 aniversario de la Universitat Politècnica de València. Los conciertos tendrán lugar entre el martes 20 y el viernes 23 de noviembre en los campus de Valencia, Alcoi y Gandia con un programa que vuelve a fijarse en formaciones jazzísticas del panorama valenciano, nacional e internacional como muestra de la pluralidad estilística del mejor jazz contemporáneo.

Organizado por el Vicerectorat d’Alumnat, Cultura i Esports de la UPV con la colaboración del IVC (Institut Valenciá de Cultura) y el Ajuntament d’Alcoi, el festival cuenta con el apoyo de la Conselleria d’Educació, Investigació, Cultura i Esport de la Generalitat Valenciana.

Naima. Imagen cortesía de la UPV.

La apertura de Novembre en Valencia el martes 20, en el Auditori Alfons Roig de la Facultat de Belles Arts de la UPV, tendrá como protagonista al trío valenciano Naima que presentará su cuarto disco Bye (2016). Naima, integrado por Enrique Ruiz al piano y teclados, Rafael Ramos al contrabajo y Luis Torregrosa a la batería, lleva rodando por los escenarios nacionales e internacionales más de una década, explorando a través de su repertorio la fusión de distintas fuentes jazzísticas, la sensualidad del Mediterráneo y las músicas populares contemporáneas.

Naima es uno de nuestros grupos jóvenes más inconformistas, con una gran energía en los directos y una cuidada imagen. Además de su importante ascenso en el mundo del jazz, se da la feliz circunstancia de que dos de sus integrantes son titulados por la UPV: Luis Torregrosa, licenciado en Bellas Artes, y Enrique Ruiz, licenciado en Informática. La UPV reconoce así su trayectoria musical y se felicita porque sus antiguos estudiantes perfilen carreras profesionales excelentes, incluso más allá de sus estudios.

Ballester, Biel -Trio & Rosenberg, Stochelo. Imagen cortesía de la UPV.

El miércoles 21, el Campus de Vera recibirá a Stochelo Rosenberg & Biel Ballester Trio que interpretarán ‘Melodium Melodynamic’ (2016), presentado con gran éxito en el Festival de Jazz de Marciac (Francia). El guitarrista Stochelo Rosenberg está considerado como una de las principales estrellas internacionales del gypsy jazz o jazz manouche. Dotado de una técnica extraordinaria, es asimismo un brillante compositor en la línea del mítico Django Reinhardt. Rosenberg se presenta por primera vez en Valencia acompañado por el trío capitaneado por Biel Ballester, guitarrista y compositor mallorquín con una amplia trayectoria internacional que incluye su participación en la banda sonora de la película de Woody Allen ‘Vicky Cristina Barcelona’ (2008). El grupo homenajeará a Django Reinhardt y repartirá entre el público swing a raudales, ahora que vuelve a estar de moda.

Víctor Jiménez and Friends. Imagen cortesía de la UPV.

El jueves 22 será el turno de una nueva versión de Víctor Jiménez & Friends con su Tribute to Yellowjackets, un proyecto de fusión del extraordinario saxofonista valenciano que aborda un repertorio muy interesante que se abre desde las tradiciones del jazz a los sonidos groove y funk. Víctor Jiménez es uno de los jóvenes talentos que están dando forma a la nueva generación de músicos de la escena jazz española. Víctor Jiménez & Friends suma inquietudes manteniendo abiertas las opciones de los músicos que toman parte en un proyecto que deja espacio para que otras voces, como la del trombón o las congas, cobren presencia en una bomba de tremendo énfasis. El grupo de este saxofonista alto subirá al escenario de la UPV para presentar su último proyecto, un homenaje a la banda de fusión Yellowjackets que va a ser grabado y que posteriormente se editará como disco en directo.

Viktorija Pilatovic. Foto de Cveti Zabiela por cortesía de la UPV.

Y el Novembre cerrará su etapa en Valencia con la actuación el viernes 23 de la cantante lituana Viktorija Pilatovic, estrella emergente formada en la escuela de Berklee, que presentará temas propios y standards recogidos en sus dos primeros discos -el segundo de los cuales, Stories (2017), fue compuesto entre Lituania, Holanda, España y Ecuador- y un avance de su próximo disco, que lanzará en 2019. Cantante, compositora y profesora de canto en Berklee College of Music Valencia (centro adscrito a la UPV), Pilatovic es una gran promesa a nivel internacional en la escena jazzística que destaca por la interpretación de sus propias composiciones, por sus arreglos originales de standards del jazz y por las improvisaciones en las que comparte su preciosa voz alrededor del mundo.

En colaboración con el Ajuntament d’Alcoi, Novembre traslada su sede en el municipio de la EPSA al auditorio del reabierto Centre d’Art d’Alcoi (CADA), donde Naima hará doblete actuando también el miércoles 21 y el teclista y arreglista Santi Navalón presentará el jueves 22 su esperado debut discográfico, Elektrik Jazz Mantra: Silent Songs, grabado después de años colaborando con otros artistas de jazz y pop.

Santi Navalón, en el centro. Imagen cortesía de la UPV.

Navalón ha sido además productor del disco, donde participan importantes músicos valencianos y colaboradores. En sus propias palabras, “Silent Songs es básicamente mi homenaje a Miles Davis y Joe Zawinul, dos figuras que fueron esenciales para mi llegada al jazz en la adolescencia, cuando el rock progresivo y la búsqueda de las fuentes de la música de nuestro tiempo me fueron acercando a ese mundo ingrávido y espiritual que emanaba de esa música tan furiosamente contemporánea que era el jazz fusión o jazz rock que reinaba en los setenta”.

Y la prolongación del Novembre en el Campus UPV de Gandia cuenta esta edición con la presencia de Vicente Espí Cuarteto, que presenta el nuevo disco de este baterista, ‘Espiral’ (2018), confirmación de su buen momento de forma y su asimilación de las tendencias del jazz contemporáneo junto a su cómplice habitual, el saxofonista Jesús Santandreu.

Seis años después de su célebre ‘Dog Sounds’, el conocido baterista valenciano vuelve a sorprender con un trabajo hecho con la pasión que le caracteriza. Perico Sambeat escribía estas palabras acerca del disco: “Espiral es un disco fabuloso. Vicente Espí, Jesús Santandreu, Masa Kamaguchi e Ivan Cebrián, antiguos conocidos míos, compañeros en mil proyectos, se cuentan entre mis músicos favoritos. Los temas son todos de Vicente Espí y son una muestra de su madurez y buen hacer. Todos ellos despiden una sana irreverencia, gracias a la continua interacción de los cuatro músicos y a un perfecto balance entre tradición y modernidad”.

Viktorija Pilatovic. Imagen cortesía de la UIV.

Sempere inaugura el IVAM de Alcoy

Posted on 18 noviembre, 2018 por MAKMA

Retrospectiva de Eusebio Sempere
IVAM
Centre d’Art d’Alcoi (CADA)
C / Rigobert Albors, 8. Alcoi (Alicante)
Inauguración: Viernes 16 de noviembre de 2018

El Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) ha inaugurado su nueva sede en Alcoy con la retrospectiva dedicada a la figura de Eusebio Sempere (Onil, Alicante, 1923-1985), organizada junto con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, donde se ha exhibido entre abril y septiembre de 2018.

Vista de la retrospectiva de Eusebio Sempere en el CADA de Alcoy. Imagen cortesía del IVAM.

La exposición revisa las aportaciones estéticas más personales de este artista al arte español e internacional del siglo XX. En ella se destaca su papel fundamental en el desarrollo y evolución de la abstracción geométrica y las tendencias ópticas y cinéticas.

Se trata de un recorrido por tres décadas de trabajo de Sempere, desde 1949 hasta 1981, con una selección de 145 obras, que incluye acuarelas, gouaches, relieves luminosos, collages, pinturas, móviles, esculturas y proyectos interdisciplinares, y se completa con un apartado documental formado por fotografías, libretas y cuadernos, recortes de prensa, catálogos, almanaques y diversas publicaciones, que ayuda a comprender y contextualizar su trayectoria artística.

Fachada del CADA de Alcoy. Imagen cortesía del IVAM.

Las piezas proceden de numerosas colecciones particulares, de fondos públicos y centros de arte que conservan conjuntos muy significativos de obras de Sempere, como el Museo Reina Sofía de Madrid, la Fundación Juan March, el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante, la Fundación Caja Mediterráneo y el propio IVAM.

Vista de la retrospectiva de Eusebio Sempere en el CADA de Alcoy. Imagen cortesía del IVAM.

El fulgor de la palabra de Juan Diego en el FICX

Posted on 17 noviembre, 2018 por Jose Ramón Alarcón

Encuentro con Juan Diego
Premio Nacho Martínez 2018
56 Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón (FICX)
16 de noviembre de 2018

El 56 Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón (FICX) ha incoado su cronograma de la mano y la palabra de Juan Diego (Sevilla, 1942), con motivo de la concesión del Premio Nacho Martínez 2018 al actor bormujero, en cuyo encuentro con prensa y público ha procurado, en compañía de Alejandro Díaz Castaño –director del festival–, focalizar la atención en algunos de los principales acentos que han singularizado su dilatada trayectoria biográfica y profesional.

“En Sevilla, cuando yo no era”

Tal y como ha recordado, desde una sobresaliente pronta edad, Juan Diego hubo descubierto “el poder de la palabra”, fruto de la tercerita de Pemán y las crónicas taurinas del diario ABC que aventuraba a leer a uno de sus tíos, afectado de cataratas; “sentía que crecía a medida que leía”, eclosionando, de este modo, el fértil fulgor de la oralidad, fuente de poder y de impostura, “principio y forma esencial de comunicar” a través “del silencio de los demás que se produce al escuchar”.

El director el FICX, Alejandro Díaz Castaño, y Juan Diego, durante el encuentro con prensa y público, con motivo del Premio Nacho Martínez 2018. Fotografía: Merche Medina.

De este modo, el Sergio Maldonado de ‘El viaje a ninguna parte’ (Fernando Fernán Gómez, 1986), o el Saturnino de ‘Jarrapellejos’ (Antonio Giménez-Rico, 1988), orientaba el horizonte de sus primeras y trémulas inquietudes hacia el territorio de la escena: “en teatro, el público y la crítica te examinan, te evalúan. Eso te obliga a estar muy pendiente del trabajo que realizas”. Un oficio refrendado a través del teatro universitario sevillano, que le brinda la oportunidad de adentrase en los overoles vagabundos y existencialistas de Vladimir y Estragon en ‘Esperando a Godot’, de Samuel Beckett.

De un modo ineludible, abandona provincias y recala en los estudios diurnos de Televisión Española y merodea la estival academia vespertina y nocturna del Gijón: “a finales de agosto íbamos al Café Gijón, porque era cuando solían hacerse las contrataciones para las compañías de teatro”, tal vez en perpetua y estocástica búsqueda, en tanto que “la suerte es un elemento fundamental. La suerte es un aliado”, que determina para Juan Diego, aséptica e implacablemente, el devenir profesional, cuya melanítica periferia conduce al actor a plantearse “¿por qué unos triunfan y otros no?”.

Tal vez deba tratarse de una suerte sustentada por una primera y ortodoxa metodología de trabajo, fundamentada en la lectura y memorización de aquellas representaciones a las que acudía como avezado espectador, en tanto que “seguía las funciones como si fueran un máster de interpretación. Más allá de concentrarme en entender lo que decían, que ya no necesitaba, me fijaba en la técnica interpretativa”.

Repaso audiovisual de la trayectoria de Juan Diego durante la gala inaugural del 56 FICX. Fotografía: Merche Medina.

“El conocimiento de la sonoridad interna del castellano”

Y, de nuevo, “en Sevilla, cuando yo no era”, las lecturas y revelaciones metafóricas, la desolación mística, crítica y poética de ‘Noche oscura del alma’, “leída entre naranjos”, la lacerante prosodia interna de Juan de la Cruz, que rubrica su trayectoria académica y retorna, décadas ulteriores, a las celdas toledanas y cinematográficas, refrendado por la determinación del cineasta Carlos Saura: “vuelve a ti un golpe tan determinante en tu existencia”.

Hitos y líricos destellos de un laureado itinerario profesional que ha transitado por diversos latifundios, como el turbio y excelso cortijo fílmico de ‘Los santos inocentes’ (Mario Camus, 1984) o el pregolpista protectorado magrebí descarnado por un aflautado Francisco Franco en ‘Dragon Rapide’ (Jaime Camino, 1986).

Merecido reconocimiento holístico para un abanderado, entre otras lides, de la determinante huelga de actores de 1975 (que logró dignificar la jornada laboral del colectivo), cuya voz, perfumada de magisterio, nicotina y salbutamol, prosigue adherida, contumaz y diligente, a la raíces de la escena y las diversas ramificaciones de la interpretación.

Juan Diego, durante un instante del encuentro con la prensa y público en el 56 FICX. Fotografía: Merche Medina.

Jose Ramón Alarcón

‘El desentierro’ triunfa en los Premis de l’Audiovisual

Posted on 17 noviembre, 2018 por MAKMA

Premis de l’Audiovisual Valencià
Teatro Principal de Alicante
Viernes 16 de noviembre de 2018

La Conselleria de Educación, Investigación, Cultura y Deporte, a través de l’Institut Valencià de Cultura, ha organizado los primeros Premis de l’Audiovisual Valencià, unos galardones de nueva creación en el ámbito autonómico que se han entregado en el Teatro Principal de Alicante. Al acto asistió el conseller de Educación, Investigación, Cultura y Deporte, Vicent Marzà, que entregó el premio de honor a los familiares del cineasta Toni Canet por su defensa de nuestra cultura y por su trayectoria pionera dentro de la industria audiovisual y el cine valencianos.

El desentierro, de Nacho Ruipérez, Mejor Película de los Premis de l’Audiovisual Valencià.

‘El desentierro’ ha sido la gran triunfadora de la noche al obtener el premio a la mejor película, mejor director (Nacho Ruipérez) y mejor guión (Nacho Ruipérez y Mario Fernández Alonso). También ha obtenido premios en las categorías técnicas: mejor montaje (Teresa Font), mejor dirección artística (Abdón Alcañiz) y mejor dirección de producción (Marifé Rueda).

En las categorías interpretativas, el premio al mejor actor ha sido para José Sacristán por ‘Formentera Lady’; mejor actriz protagonista para Saida Benzal por ‘Fishbone’; mejor actor de reparto para Álvaro Baguena por ‘Inocente’, y mejor actriz de reparto para Pepa Juan por ‘Formentera Lady’.

‘En las estrellas’, de Zoe Berriatua.

‘En las estrellas’ ha sido la segunda película con más distinciones al obtener el premio a la mejor banda sonora (Iván Palomares), mejor vestuario (Clara Bilbao) y mejor maquillaje y peluquería (Lola Gómez Castro). Las categorías técnicas se completan con el premio a la mejor fotografía para Gabo Guerra por ‘La família (Dementia)’ y mejor sonido para José Manuel Sospedra e Iván Martínez- Rufat por ‘Fishbone’.

‘Experimento Stuka’, de Pepe Andreu y Rafael Molés.

El premio al mejor largometraje documental ha sido para ‘Experimento Stuka’ y el mejor cortometraje documental para ‘The Fourth Kingdom’. ‘Scratch’ ha obtenido el premio al mejor cortometraje de ficción y ‘El ermitaño’ ha obtenido el premio al mejor cortometraje de animación. El premio especial a la trayectoria ha sido entregado a la cineasta alicantina Cecilia Bartolomé por el presidente de l’Acadèmia Valenciana de l’Audiovisual, Pep Llopis. La ceremonia de entrega de los premios se ha retransmitido en directo por À Punt, la ha presentado la actriz Ana Juan y ha sido dirigida por el cineasta Juan Luis Iborra.

Fotograma de ‘El desentierro’, de Nacho Ruipérez, Mejor película en los Premis de l’Audiovisual Valencià.

Dos mundos, dos géneros

Posted on 16 noviembre, 2018 por Begoña Siles

Cuando se extinga la luz, de Dioni Arroyo
Editorial Huso
Madrid, 2018

Imagina una novela donde la Revolución Rusa es ganada por los mencheviques y se expande por todo el planeta. Imagina una novela donde Trotski lidera la implantación del proyecto revolucionario ruso por toda la tierra, tras la muerte de Lenin y el asesinato de Stalin en manos de unos sicarios anarquistas bajo las órdenes del propio Trotski.

Imagina una novela donde el proyecto de revolución soviética ha liberado a todos los pueblos de las huestes capitalistas y ha abolido todo régimen burgués. Imagina una novela donde la supresión de la propiedad privada tiene como consecuencia el fin del patriarcado y la instauración de una sociedad ginocéntrica. Pues esa novela es ‘Cuando se extinga la luz’, escrita por Dioni Arroyo y publicada por Huso.

Cuando se extinga la luz, de Dioni Arroyo.

La historia de ‘Cuando se extinga la luz’ tiene su origen en una especulación ucrónica de los hechos históricos de la Revolución Rusa. Y desde esa especulación ucrónica, Dioni Arroyo crea una sociedad ginocéntrica, antiburguesa, anticapitalista, militarizada, con una férrea estructura burocrática y cuyo progreso tecno-científico está sustentado en máquinas de vapor que contaminan el aire, hasta hacerlo irrespirable. La sociedad que Arroyo imagina es la realidad frustrada de la utopía revolucionaria marxista, pero también feminista. Y es por ello, al mostrar que toda utopía realizada engendra la cara siniestra de la distopía, que la novela adquiere toda la fuerza narrativa de una obra de ciencia-ficción.

La sociedad creada por Arroyo en ‘Cuando la luz se extinga’ no muestra un pasado abortado, ni un futuro posible. Muestra la realidad presente desde una perspectiva ucrónica y distópica. La interesante ciencia-ficción, como es esta novela de Arroyo, observa el presente con una mirada crítica; constituye, como señala el sociólogo Jesús Ibáñez, “la avanzadilla del pensamiento crítico”. Arroyo escribe con “total libertad discursiva”, sin restricciones ideológicas, ni coacciones morales, como caracteriza a los autores de la ciencia ficción, según subraya Ibáñez.

Dioni Arroyo, durante la presentación de su libro, y Begoña Siles. Festival Sindokma.

Del vértigo racional a la irracionalidad

‘Cuando la luz se extinga’ narra la historia de Milena: una teniente y antropóloga del ejercito de Infantería -y, por ser mujer, perteneciente al género superior en esta imaginada sociedad ginocéntrica-, que debe llevar a cabo una misión etnográfica en otro planeta. Para contar su historia, Arroyo divide la novela en dos partes: la primera se titula ‘El mundo mecánico de Milena”, y la segunda ‘El inhóspito mundo de los Aflueiis’.

Cada parte narra dos mundos opuestos: por un lado, el mundo de Milena, el del planeta tierra, mecánico, militarizado, industrializado, gris y oscuro debido a la contaminación, laico, un progreso tecno-científíco sustentado en la energía del vapor, y, por otro, el de los Aflueiis, un mundo prehistórico, preindustrializado, arcaico, tribal, nómada, religioso -adoran a diosas ancestrales-, matriarcal, luminoso, verde.

Dos mundos opuestos que nos sumergen en dos universos narrativos diferentes. En ‘el mundo mecánico de Milena’, Arroyo introduce a los lectores, y a los personajes, en el vértigo de la racionalidad propia de la literatura de ciencia-ficción. Los acontecimientos narrados adquieren toda su verosimilitud desde la triada razón, ciencia y técnica, propia del pensamiento de la modernidad que da origen al género de la ciencia ficción. En ‘el inhóspito mundo de los Aflueiis’, Arroyo abisma a los lectores, al igual que a los protagonistas, en el vértigo de la irracionalidad propia de la literatura fantástica. Los sucesos, crueles y horrorosos, mostrados sólo pueden comprenderse desde la creencia en lo sobrenatural.

Dos mundos, dos géneros, que Arroyo engarza, por una parte, a través de la fascinante y terrorífica historia en la que se ve envuelto el personaje Milena, y, por otra, a través de una escritura apasionante, elegante y precisa.

Dioni Arroyo, junto a Begoña Siles. Festival Sindokma.

Begoña Siles

1050 Discos Cardinales, Lapido, LGEB, Dr.Divago…en 16 Toneladas

Posted on 15 noviembre, 2018 por Vicente Chambó

Sala 16 Toneladas
C/Ricardo Micó, 3. Valencia
16 de Noviembre
Presentación libro ’1050 Discos Cardinales’ de Juanjo Mestre
19:30 h. Entrada Gratuita
Concierto de José Ignacio Lapido + La Gran Esperanza Blanca
22:00 h. Entrada 15 € anticipada (movingtickets aquí). 19 € taquilla

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Imagen recortada de la contraportada del libro ’1050 discos cardinales’ de Juanjo Mestre

Con motivo de la publicación del libro “1050 discos cardinales” de Juanjo Mestre, editado por Makma, se ha organizado un evento especial en la sala 16 Toneladas de Valencia.

El libro cuenta con ilustraciones originales de Cristina Benavente, y está teniendo una excelente acogida de público y entre crítica alternativa especializada.

“…El texto es de una independencia que nunca, y lo repito: nunca, había visto antes en ningún libro sobre discos, demostrando que se puede comer caviar y sopa borsch con la chupa de cuero puesta…” (Jorge García, Rock & more by Addison de Witt)

“…1050 discos cardinales es la mejor guía escrita en castellano sobre el rock and roll y los discos que le han ido dando forma…” (Gonzalo Aróstegui, Ragged glory)

“…Disfruto cada página y, después de esto, pienso que tal vez debería irme a una isla lejana a escuchar toda esa música que no ha pasado por mi reproductor…” (Juan Aybar, Being Vain)

“…Una perfecta guía de campo para un fascinante viaje por el cosmos de eso que se llama rock and roll…” (Bernardo de Andrés, Rock the best music)

“…Aquesta guia s’adverteix imprescindible per a tot aquell amant de la bona música de qualitat i el bon rock, de les guitarres i sense prejudicis d’estils…” (Chals Roig, No sé viure sense rock)

“…Si no es único en su género, sí es al menos un libro tan exhaustivo como singular en su planteamiento…” (Salva Torres, El Mundo)

Y es que el contenido del libro responde a una selección de discos en orden cronológico que podría considerarse como un manual imprescindible de historia del rock desde un perspectiva muy personal de su autor, Juanjo Mestre, colaborador habitual de MAKMA y del que es fácil encontrar reseñas y críticas también en otros medios como Exile SH Magazine o el Espacio Woody/Jagger.

Mestre, con su peculiar estilo nos introduce en el mundo discográfico a través de obras muy reconocidas (Elvis, Beatles, Rolling Stones, Bob Dylan…) y de bastantes otras que no lo son tanto, sin dejar de lado la actualidad, ni por supuesto, a grandes músicos representantes del panorama español que podrían considerarse menos conocidos, y todo ello con el objetivo de generar afecto y despertar interés por esa faceta del arte y del entretenimiento a la vez que ayuda a depurar el criterio personal del lector.

Cartel del evento con horarios de presentación del libro ’1050 discos cardinales’ de Juanjo Mestre

Junto al autor compartirán mesa como ilustres invitados en el coloquio dos nombres de reconocido prestigio nacional en el mundo de la música y que están muy presentes en el libro, concretamente ambos son compositores, guitarristas y vocalistas en sus respectivos proyectos musicales, por una parte el granadino José Ignacio Lapido -que tras su paso por 091 tiene una destacable trayectoria en solitario-, y por otra Cisco Fran, líder de la banda valenciana La Gran Esperanza Blanca. A ellos hay que sumar un tercer invitado, el bilbaíno Joserra Rodrigo, crítico musical, autor del muy recomendable libro “Pasión no es palabra cualquiera” y que también participa con un prólogo en “1050 discos cardinales”.

La Gran Esperanza Blanca: Chuso, Fede Ferocce, Luis y Cisco Fran

Con el fin de hacer más ameno este acto participarán con canciones en formato acústico Manolo Bertrán y Antonio Chumillas ‘Chumi’, miembros del grupo valenciano Doctor Divago, otra de las bandas que ocupan un hueco importante entre esos “1050 discos cardinales”.

Manolo Bertrán y Chumi de Doctor Divago

Después, para rematar una jornada con el mejor rock español de los últimos tiempos la sala 16 Toneladas abrirá nuevamente sus puertas a partir de las 22 horas. Será el momento de disfrutar primero con las nuevas canciones de La Gran Esperanza Blanca junto a otras más antiguas de su trayectoria.

Cartel concierto en 16 Toneladas de José Ignacio Lapido + La Gran Esperanza Blanca

Finalmente el maestro José Ignacio Lapido, que se halla a punto de acabar la gira de su último álbum “El alma dormida”, culminará un evento que para los seguidores más exigentes ya está considerado como la reunión musical más prometedora e interesante de este año en la capital del Turia.

Vicente Chambó

Pugna entre cristianos y paganos en Sala Russafa

Posted on 15 noviembre, 2018 por MAKMA

Los últimos paganos, de Luis Díaz Viana, bajo dirección de Magda García Arenal
Sala Russafa
C / Dénia, 55. Valencia
Viernes 16 y sábado 17 de noviembre de 2018, a las 20.30h

‘Los últimos paganos’, la versión teatral de la novela homónima del antropólogo y poeta Luis Díaz Viana, ganadora del premio Ciudad de Salamanca de Novela 2010, llega el 16 y 17 noviembre a la Sala Russafa de Valencia. Bajo la dirección de Magda García Arenal, ‘Guirigai’ lleva a escena el conflicto de la identidad de los pueblos a partir de una fábula teatral situada en la Hispania del siglo V. Una tragedia sobre la decadencia de una época, donde se da un combate feroz entre cristianismo y paganismo.

La versión teatral está firmada por el propio Díaz Viana y el dramaturgo Agustín Iglesias y presenta a los protagonistas, Antonio y Vetula, como dos náufragos en una villa romana resistiendo el asedio de bárbaros cristianizados. Buscan en los antiguos ritos y la ingesta de hongos el conocimiento para encontrar sentido a la destrucción y respuesta a su futuro.

Los últimos paganos. Imagen cortesía de Sala Russafa

El espectáculo es un viaje, unas veces lúcido y otras alucinatorio, buscando antiguas y permanentes respuestas. Una noche en medio de un “inmenso desastre” que toca temas universales como el enfrentamiento de los pueblos, el choque de religiones, donde la amistad se muestra como motor de vida.

Texto bellísimo de oscuras profecías, amor y magia. Con música de la antigua Roma reproducida por los instrumentos antiguos del grupo Synaulia, unida a fragmentos musicales de Arvo Pärty Penderesky; una puesta en escena contemporánea para disfrutar de la palabra y entrar en una fábula mágica.

Los últimos paganos. Imagen cortesía de Sala Russafa.

‘Algún paisaje’, el stand de MAKMA en la feria MARTE

Posted on 14 noviembre, 2018 por MAKMA

Stand MAKMA
Feria MARTE
Del 15 al 18 de noviembre 2018
Auditorio y Palacio de Congresos de Castellón
www.feriamarte.com

MAKMA estará presente en la Feria MARTE de Castellón presentando su edición especial en papel con motivo del quinto aniversario de la revista. En esta ocasión, y a propósito de la imagen destacada en la portada de la publicación, MAKMA dará visibilidad al trabajo de una selección de artistas que trabajan en torno al paisaje entendido como fruto de la relación entre el ser humano y la naturaleza, llevada a cabo por Eva Marín, doctora y profesora en la Facultat de Belles Arts de San Carles en la Universitat Politècnica de València. Esta iniciativa se enmarca dentro de uno de los propósitos principales de la revista MAKMA, el de difundir la creatividad de los creadores y creadoras y de los espacios que se encargan de esta misión. El stand incluye, además, una selección de trabajos de edición de El Caballero de la Blanca Luna.

Algún paisaje

Artistas:: Gabi Gallego / Carmen Jiménez / Priscilla Romero / Tamara Jacquin / Charlotte Bracho / Víctor Alba
Comisariado: Eva Marín e Ismael Teira

Carmen Jiménez (Badajoz, 1990) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca; realizó el Máster de Producción Artística de la Universidad Politécnica de Valencia y el Máster de Obra Gráfica en la Fundación CIEC, Betanzos, A Coruña. Su trabajo se desarrolla entre dos lenguajes muy definidos la pintura y la gráfica contemporánea. Ha expuesto en la sala Unamuno de Salamanca, el Centro 14 de Alicante, la galería Tigomigo de Terrasa o la CALL20 de la galería Luis Adelantado de Valencia. Ha participado en ferias como FIG Bilbao y obtenido becas como la de la Fundación Vicente y García Corselas.

‘Descifrar I’ pieza de carácter pictórico, se centra en este lenguaje y todas sus posibilidades, desde sutiles gestos a trazos que rompen el carácter delicado de algunos ambientes y construidos a partir de la posibilidad de ir añadiendo una capa y otra de pintura, como queriendo olvidar lo que hay detrás.
¿Nos oculta o nos muestra? Ventanas de color parcialmente ocultas, contenidas, ordenadas, quizás evitando el desborde. Quizás una pintura niña que se volvió adulta, que tras el juego, decidió ordenarse.
Ella, la imagen, dialoga conmigo “lo que ves son solo los trazos finales de mi apariencia, reconoce, sin embargo, que soy más que eso, que yo también tengo pasado”. Entonces, mis ojos curiosos se volvieron profundos y recordé que nada es solo lo que aparenta ser. (Espectador anónimo)

Carmen Jiménez. Descifrar I, (Notas al pie). 2018. Óleo sobre lona 162 x 130 cm

Gabi Gallego (Barcelona, 1988) es licenciada en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona. En 2008 recibe la beca Erasmus en School of Creative Arts, UWE, en Reino Unido. Posteriormente cursa el Máster oficial en Producción Artística (UPV). En 2011 le conceden la Beca de Paisaje de la Real Academia de Historia y Arte de San Quirce (Segovia) y la Beca de Pintura de la Fundación Privada Güell de la Reial Academia Catalana de Belles Arts de Sant Jordi. En 2012 es becada por la Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores, en Córdoba. Participa en numerosas exposiciones colectivas destacando la realizada en el Museo Ibercaja Camón Aznar de Zaragoza o la 76 Exposición Internacional de Artes Plásticas de Valdepeñas; e individuales como “Hacia una anarquitectura” en el Centro Cívico Sarria en 2018.

Su obra pictórica es una reflexión sobre la transformación del paisaje: lugares que confrontan al ser humano con la arquitectura y con la (nueva) naturaleza, aludiendo al paso del tiempo. Con el fin de crear espacios ficticios e irreales donde subvertir los significados de la arquitectura, de los objetos y de la realidad para reflexionar sobre el entorno en el que habita el ser humano. Por ello, a través de sus pinturas, El Extranjero y Nonument, la artista busca un constante diálogo entre creación/ destrucción, lugar/no-lugar, espacio/no-espacio, presencia/ ausencia y memoria/olvido. Por un lado, El Extranjero es una pintura que reflexiona sobre la exploración del territorio a través de la huella, convirtiendo un no-lugar en lugar. Y por otro, a través de la pintura, Nonument, la artista refleja la contraposición entre la construcción y desconstrucción a partir de la estructura de una casa en un inhóspito paisaje.

Gabi Gallego. Nonument. 2018 Óleo sobre lino 40 x 30 cm./ El Extranjero. 2016 Óleo s/ lino 55 x 33 cm.

Gabi Gallego. Nonument. 2018 Óleo s/ lino 40 x 30 cm./ El Extranjero. 2016 Óleo s/ lino 55 x 33 cm.

Priscilla Romero (Costa Rica, 1987) es artista visual y profesora titular de grabado y dibujo de la Escuela de Arte y Comunicación de la Universidad Nacional de Costa Rica. Actualmente doctoranda en la Universidad Politécnica de Valencia. Durante los últimos nueve años ha investigado la gráfica múltiple expandida y los medios experimentales de impresión y registro del cuerpo, estableciendo una dialéctica entre las poéticas discursivas y los procesos formales. Ha participado en exposiciones internacionales en diversos países como Polonia, México, Francia, Estados Unidos, El Salvador y España. En el presente año ha sido galardonada con el premio de Leon Wyczólkowski de la Trienal Internacional de Grabado de Cracovia.

La serie indicios plantea un grupo de imágenes provenientes de fragmentos corporales que rompen el vínculo con la representación convencional de la figura humana para abrir al público un espacio abierto de búsqueda y asociación de las improntas topográficas del cuerpo que remiten al imaginario colectivo e individual: un pezón que deviene en cráter volcánico, una vulva que nos recuerda un crustáceo, un párpado que asemeja una hoja seca, una piel envejecida que nos recuerda la corteza de un árbol…

Priscilla Romero. Indicios. 2013. Impronta con Latexgrafía sobre papel Gampi 20 x 20 cm cada pieza

Charlotte Bracho (1990), artista franco-venezolana, licenciada en Bellas Artes con especialidad en diseño de la Universidad Concordia de Montreal, en Canadá. Actualmente, reside y trabaja en Valencia donde está completando un Master en producción artística en la Universidad Politécnica de Valencia. Fue diseñadora y miembro de la revista Yiara en 2015/16, en la que dirigió la línea artística visual de la revista y su plataforma web. Ha expuesto su trabajo en Canadá y España. Recientemente ha sido premiada en la muestra PAM!18 en Valencia, y es la beneficiaria de la Beca Pedro Marco 2018.

Mímêsis es una serie fotográfica de estructuras de papel efímeras. El papel ya no es plano, sino que se convierte en un mineral, rocoso, con una textura visual porosa que requiere tacto, que sorprende y modifica nuestra relación con las formas. Formas que han perdido su estabilidad, destacando vibraciones materiales. La obra resalta un estado de transición, un paisaje experimental y sensorial, ampliando nuestra percepción y concepción del mundo. Paisaje en el que la piedra se vuelve fibrosa y la fibra se vuelve porosa, como un camuflaje en un proceso de mimetismo constante de los materiales. Mímêsis revela una forma natural, de carácter orgánico, con una imprecisión constante. Una forma capaz de proliferar, con tensiones que conducen siempre a una metamorfosis implícita.

Charlotte Bracho. Mímêsis. 2016. Impresion inkjet sobre washi, papel de morera 30x40 cm cada una

Charlotte Bracho. Mímêsis. 2016. Impresion inkjet sobre washi, papel de morera 30×40 cm cada una

Tamara Jacquin (Chile, 1986), artista multidisciplinar asentada en Madrid, estudió Arquitectura en Chile y Francia. En España realizó el Máster de Producción Artística (UPV) y el Máster de Investigación en Arte y Creación (UCM). Ha participado en diversas exposiciones y festivales de videoarte en España, México, Argentina, Italia y Cuba. Ha obtenido becas como las Ayudas Específicas de Casa de Velázquez (Madrid, 2017), Tabacalera Cantera (Madrid, 2017), la Beca de Residencia Artística en Ayllón (Ayllón, 2016), la Beca de Producción de la Fundación BilbaoArte (Bilbao, 2015), el FondArt del Gobierno de Chile (2016 y 2017) o la Young Talent Scholarship de la International Summer Academy de Venecia (Venecia, 2016).

‘Silenciar el Vacío’ hace referencia a ese murmullo insistente y persistente que te acosa, te
persigue, aparece y desaparece. La mente intranquila rumia pensamientos nocivos. No hay
escapatoria. El cuerpo en el espacio inhóspito se contrae. Consumido por el paisaje, no consigue
aplacar el sonido. El vacío está lleno de ruidos.

Tamara Jacquin. Silenciar el Vacío. 2017. Fotografía impresa en papel Hahnemühle 60x90 cm.

Tamara Jacquin. Silenciar el Vacío. 2017. Fotografía impresa en papel Hahnemühle 60×90 cm.

Víctor Alba (Salamanca, 1986) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. Realizó el máster Especialista en Pintura en la Universidad de Belgrado, Serbia, y el máster en Producción Artística de la UPV, donde actualmente es doctorando. Ha participado en exposiciones colectivas en centros como el Museo Sorolla de Madrid, feria Estampa, JustMad 6, Art Mad, ARCO o Casa de Velázquez; y a nivel internacional en Bruselas, Washington, Varsovia, Praga o Aquisgrán; y realizado exposiciones individuales en Santander, Salamanca o Vitoria. Ha recibido algunos galardones como el primer Premio de la Fundación Gaceta de Salamanca, o el primer del Certamen Pancho Cossío de Cantabria; y disfrutado de residencias internacionales en Japón o la República Checa.

Estas piezas forman parte de mi último proyecto que desarrollo ante la idea Paisaje, partiendo del convencimiento de que es un constructo social basado en una actitud estética por parte del observador, que es la que convierte un lugar, o una obra de arte, en un paisaje. En estas piezas, utilizo fragmentos superpuestos de pintura seca, provocando horizontes artificiales, que evocan paisajes incidiendo en la idea anterior, jugando con la ironía de estar buscando el límite del propio término: ¿qué es paisaje y qué no lo es? A su vez, esta búsqueda de límites se solapa con la búsqueda de los límites de la pintura en sí. Es un trabajo únicamente pictórico, pero si bien es cierto, se sale de la bidimensionalidad a la que nos tiene acostumbrados el género Paisaje, siendo estos artefactos tridimensionales.

Víctor Alba. La estructura del Horizonte (1,10,6 y 11). 2018. Acrílico sobre lino 7 x 11 cm.

Imagen de portada: Tamara Jacquin. Silenciar el Vacío. 2017. Fotografía impresa en papel Hahnemühle 60×90 cm.

Circo y terrorismo para inaugurar La Cabina

Posted on 14 noviembre, 2018 por Salva Torres

La Cabina – Festival Internacional de Mediometrajes de Valencia
Gala inaugural
Palau de la Música
Passeig de l’Albereda, 30. Valencia
Miércoles 14 de noviembre, a las 20.00h
Del 14 al 24 de noviembre de 2018

‘Ignorance is bliss’ (Países Bajos, 2017), de Muck Van Empel, es la película con la que arranca el festival La Cabina, uno de los 10 mediometrajes, de los 16 a concurso, que bascula con sus 30 minutos entre el corto y el mediometraje que singulariza a este festival. Lo hará en el Palau de la Música, cuya gala de inauguración este miércoles 14 de noviembre, será conducida por la compañía Viviendo del cuento, formada por los actores José Luis Herranz y Víctor Aleixandre. La película inaugural cuenta la historia de Lola, que trabaja para un festival de circo ambulante y cuya vida se alterará por las noticias de un ataque terrorista.

Fotograma de ‘Ignorance is Bliss’, de Muck Van Empel. Imagen cortesía de La Cabina.

A pesar de que hay una mayoría de películas próximas en su duración al corto, su proyección adquiere por primera vez el rango de obra singular que merece un paciente visionado. “Era incoherente el programa doble”. Sara Mansanet, directora de La Cabina, ha sido fiel al espíritu del festival, una año después de ponerse al frente del mismo, otorgando al mediometraje la dignidad tantas veces proclamada desde el propio certamen. En su defensa de “película cerrada” y “completa en sí misma”, los 16 mediometrajes de la Sección Oficial se proyectarán, por primera vez, en cuatro pases individuales, acabando de esta forma con las sesiones dobles de las pasadas diez ediciones. Según Mansanet, lo que se venía haciendo hasta la fecha era “dar la razón a aquellas personas que piensan que un mediometraje es media película y que, por lo tanto, ponemos dos para completar una sesión”.

Ese “dos por uno” conlleva, además, la dificultad de visionar como se merece un mediometraje, que proyectado en sesiones dobles provoca en el espectador cierto aturullamiento: “Terminas saliendo con la cabeza como un cencerro”, apostilló Mansanet, que ha tomado la decisión un año después de sustituir en La Cabina a Carlos Madrid. La rebaja de 24 a 16 películas seleccionadas a concurso, también por primera vez, va en esa misma dirección, puesto que facilita los cuatro pases individuales en La Filmoteca. La undécima edición, que igualmente ha batido el récord de películas presentadas (512), se convierte así en el punto y aparte de un festival que ronda los 50.000 euros de presupuesto, cantidad pequeña para un certamen que no para de crecer.

Fotograma de ‘Ignorances is Bliss’, de Muck Van Empel. Imagen cortesía de La Cabina.

Albert Girona, secretario autonómico de Cultura, así lo entendió durante la presentación ayer de La Cabina en La Nau. Tras afirmar Mansanet que el presupuesto era “pequeño”, lo cual obligaba a “jugar al Tetris [videojuego de los 80] y a hacer encaje de bolillos”, Girona avanzó que el previsto incremento presupuestario de Cultura “tendrá reflejo en festivales como éste”. Un festival que se celebra del 14 al 24 de noviembre, con las 16 películas de la Sección Oficial en La Filmoteca y las 10 de la sección Amalgama en La Nau, al tiempo que se incorporan nuevas secciones al festival, como la dedicada a la videopoesía, a los Fashion Films, en colaboración con Barreira A+D, y el mediometraje interactivo Tantale, con motivo del Noviembre Digital que celebra el Institut Français en todas sus sedes de España.

La videopoesía es incluida en La Cabina por tratarse de un “subgénero del audiovisual que está proliferando en las dos últimas décadas”. Los Fashion Films, por tratarse de una “herramienta para la comunicación en moda”, señaló Mansanet, y por que son “cada vez más los festivales de cine que giran en torno a él”. Con respecto al mediometraje interactivo Tantale, del director Gilles Porte, el espectador será quien decida el rumbo de la trama interviniendo con su Smartphone. Una experiencia interesante a la hora de perfilar las historias que gustan al público rastreando sus huellas. Sesión de Virtual Reality que se ofrece por primera vez en València.

Ana Illueca ha sido la encargada este año de realizar el trofeo que se concederá al Mejor Mediometraje de la Sección Oficial y al Mejor Mediometraje de Amalgama. “Soy tornera y por eso están hechos a mano”, explicó la artista, que utilizó “la libertad total a veces asfixiante” del encargo, para elaborar ese “doble plato” que viene a poner en diálogo el mediometraje y el largo como dos formas equiparables de contar historias. “Me da lástima y a la vez descanso que terminen llevándose el trofeo”, añadió.

Fotograma de ‘Unnatural’, de Amy Wang. Imagen cortesía de La Cabina.

La Cabina incluye un año más la Sección Visuals, que repite sede en el Centre del Carme y donde los grupos valencianos Mueveloreina, Bearoid y Chico y Chico DJ, ofrecerán un concierto el 22 de noviembre con apoyo de medios visuales. Mansanet avanzó que para la clausura del día 24 en La Nau contarán con la banda valenciana La Muñeca de Sal, presentando en directo su último trabajo ‘El gran poder’. También continúa Inédits, sección en la que se exhiben obras de seis directores consagrados, entre los que se encuentran este año Iván Zulueta o Lois Weber, una de las directoras más notables de los inicios del cine.

Sobre el número de espectadores que acuden a La Cabina, Mansanet dijo que rondaba los 7.000, que ha ido aumentando, pero que siempre es “minoritario e incluso heroico” por tratarse de mediometrajes alejados del circuito comercial, aunque recalcó que prefería no entrar en esa “carrera esquizofrénica de las cifras”. Lo que en todo caso prioriza el público son los valores del festival: originalidad, exclusividad, cultura , internacionalidad y calidad cinematográfica. Valores que Antonio Ariño, vicerrector de Cultura, focalizó en la conservación del patrimonio y la transgresión, “porque abre ventanas” por las que se introducen “problemáticas nuevas”. Como la transexualidad, la pedofilia, la homofobia y la multiculturalidad que atraviesan las temáticas de los mediometrajes a concurso este año.

‘Ignorance is Bliss’, de Muck Van Empel. Imagen cortesía de La Cabina.

Salva Torres