Cañada Blanch se hace eco de las mujeres de hoy en día

‘Mujeres de hoy’. Fundación Cañada Blanch
Paula Bonet y Luna Miguel
Jardí Botànic de la Universitat de València
C / Quart, 80. València
Jueves 23 de enero de 2020, a las 19.30h

‘’La tendencia natural del sistema en el que vivimos acostumbra a visibilizar a los hombres. Sin embargo, las mujeres estamos aquí e impregnamos todo lo que nos rodea. Este nuevo ciclo, ‘Mujeres de hoy’, defiende la igualdad y pone el foco en mujeres con una trayectoria propia”, así explica Paula Sánchez, directora de Fundación Cañada Blanch por qué nace este ciclo. ‘Mujeres de hoy’ es una iniciativa de la Fundación Cañada Blanch junto al vicerrectorado de Cultura y Deporte de la Universitat de València, que arranca este jueves, 23 de enero, a las 19:30, en el Jardí Botànic de la Universitat de València de la mano de la ilustradora Paula Bonet y la escritora Luna Miguel.

Actualmente, Paula Bonet aparece como una de las mejores artistas del mundo, según la editorial Taschen, junto a otros cinco españoles más -de un total de 100 artistas- y se ha convertido en un símbolo de la lucha feminista gracias a sus ilustraciones y sus obras en las que da voz al silencio, rompe tabúes y normaliza realidades tan comunes como la del aborto espontáneo. De hecho, en su próxima exposición, ‘Pintas como un hombre’, que tendrá lugar en el Centre Cultural La Nau en septiembre, dará un paso más allá e igual que en ‘Mujeres de hoy’ reflexionará sobre la falta de reconocimiento de la mujer o el surgimiento de la sororidad, tras años de constantes cuestionamientos por parte de hombres y también de mujeres.

La escritora Luna Miguel. Imagen cortesía de la Fundación Cañada Blanch.

La otra ponente, Luna Miguel es periodista, poeta y escritora, y cuenta con más de 27.000 seguidores en Instagram. Ha traducido a autores como Marcel Schwob, Cassandra Troyan, Tracy K. Smith y Arthur Rimbaud y en su última obra, ‘El coloquio de las perras’, homenajea a 12 autoras latinoamericanas, en su mayoría grandes desconocidas en España como son Aurora Bernández, María Emilia Cornejo, Rosario Ferré, Elena Garro, Agustina González, Gabriela Mistral, Marvel Moreno, Eunice Odio, Alejandra Pizarnik, Victoria Santa Cruz y Alcira Soust Scaffo.

Ambas fundirán poesía e ilustración en esta primera charla del ciclo ‘Mujeres de hoy’ a través de sus experiencias y de su trayectoria de la mano del gestor cultural, Francisco Tardío. Bonet y Miguel comentarán su manera de crear desde el prisma femenino, las dificultades que se han encontrado durante su carrera profesional, así como la importancia de insistir en formar parte de espacios que, hace apenas unos años, estaban reservados para los hombres.

La ilustradora Paula Bonet. Imagen cortesía de la Fundación Cañada Blanch.

Arte a martillazos

Under Destruction, de Ovidi Benet
Vbospagna
C / Cirilo Amorós, 48. Valencia
Hasta el 11 de marzo de 2020

Construir y destruir. Levantar muros para luego derribarlos. Erigir civilizaciones e imperios que con el tiempo se derrumban, se desvanecen. La actividad humana pivota entre ambos extremos, opuestos y también complementarios. La acción destructiva suele ser traumática, dañina y trágica. Pero en ocasiones es también una forma radical de abrir puertas a lo nuevo, al futuro. Alumbrar nuevas visiones.

Este concepto positivo y revolucionario del acto de aniquilar se plasma en una singular instalación, Under Destruction, que se puede visitar en Vbospagna (Cirilo Amorós, 48) hasta las próximas Fallas. Concretamente, hasta el 11 de marzo. Se trata de un proyecto conjunto del artista millennial alicantino Ovidi Benet, la firma italiana de iluminación Vbospagna y el estudio creativo valenciano CuldeSac.  Una performance integrada en el ciclo 4 stagioni de la firma de iluminación que ofrece a artistas y diseñadores la posibilidad de crear su propia instalación, con la luz como protagonista y abierta a la participación ciudadana.

Under Destruction, de Ovidi Benet. Imagen cortesía del autor.

La idea se materializa en un espacio blanco y diáfano de forma rectangular de 30 metros cuadrados, cuyas paredes están recubiertas de planchas de pladur. Una colección de pequeños martillos dorados presentados como joyas más que como armas o herramientas se ofrecen al visitante.  Con ellos se golpean las paredes para abrir pequeños o grandes boquetes  por los que brotan las luces que hay en el interior. 

«La idea surgió en CuldeSac junto con Pepe Garcia, co-fundador de CuldeSac y director creativo de CuldeSac Custom, así como con el equipo de viabizzuno y yo como parte del equipo creativo de CuldeSac y director de Observatory», dice Benet. «Una perfecta sinergia para generar una instalación que hable de las tres marcas implicadas en el proyecto, y a la vez una forma de expresar la frustación ante el arte de la generación de millennial a la que pertenezco», dice Ovidi Benet. Nacido en Dénia hace 29 años, Benet estudió en la escuela ARTE10, en el Instituto Europeo de Madrid (IED) y profundizó en el diseño experimental en el Domaine de Boisbuchet en Lessac (Francia). Actualmente, forma parte del equipo de CuldeSac como experto en materiales y conceptualización de los proyectos.

«Me gusta combinar el arte y elementos del diseño de interiores como la iluminación con un sentido estratégico», afirma, «creando sinergias». Esta performance incluye «un componente de arte callejero al involucrar al público en la obra a base de hacer agujeros que espontáneamente adoptan figuras como falos o estrellas. Me satisface lanzar una propuesta, destrucción sin límites, y llevar a la gente a mi terreno».

Under Destruction, de Ovidi Benet. Imagen cortesía del autor.

De vez en cuando algún trastornado burla las estrictas medidas de seguridad de un museo y atenta contra una escultura o un lienzo. En el caso de Under Destruccions el simbólico acto vandálico, romper paredes a martillazos reivindica un mensaje completamente distinto. A lo largo de seis meses Benet y sus colaboradores concibieron un espacio construido y esculpido a partir de su propia destrucción. «Los asistentes son quienes, a golpe de martillo,  se convierten en voluntarios artífices de la revelación de la luz que esconden las ruinas y la decadencia».

Esta insólita obra de arte experimental se plantea pues como «una alegoría de la sociedad actual, en la que las nuevas generaciones de pensadores y creadores ven en la destrucción el fin de un ciclo para avanza hacia un futuro que ya está aquí y que exige compensar los efectos del periodo anterior en una unión imprescindible de la ética y la estética de manera transparente, consecuente y horizontal».

Desde el núcleo del proyecto hasta la concepción de la propuesta definitiva, se siguió un proceso para averiguar cómo conseguir que el espectador juegue con la luz y que, a través de la interactuación, desempeñe un papel vital dentro de la instalación. Tres líneas de perfil 13×8 dan la bienvenida a los visitantes marcando los ejes que definen el espacio. A medida que la construcción va destruyéndose, da lugar a un juego de luces y sombras que los productos de Vbospagna han potenciado mediante la implementación de innovadora tecnología. Gracias a ella la iluminación evoluciona cambiando sus colores e intensidad. 

Benet comenzo su trayectoria artística, en 2018 con esculturas que combinan la estética con la funcionalidad. En el corazón del Cabanyal creó su propio estudio, Observatory, donde experimenta con distintos materiales, sobre todo plásticos, texturas, aluminios y fuentes de luz. «La luz es especialmente interesante por ser un ente mágico, intocable, que se percibe de distinta forma. Con juegos de luces puedes conseguir efectos y generar reacciones inesperadas en la gente», concluye Benet.

Under Destruction, de Ovidi Benet. Imagen cortesía del autor.

Bel Carrasco

Claroscuros, mesianismo y memoria en Shiras Galería

‘D’ombres i llums’, de Rafael Armengol (Sala Principal)
‘Rememorados’, de Roger Sanguino (Sala Refugio)
Shiras Galería
Vilaragut 3, València
Del 23 de enero al 18 de marzo de 2020
Inauguración: jueves 23 de enero a las 19:30

Shiras Galería, bajo la dirección artística de Sara Joudi, inaugura el día 23 de enero a las 19:30 la exposición ‘D’ombres i llums’, del artista Rafael Armengol (València, 1940). Siguiendo la línea de la galería, la muestra se presenta, en palabras del autor, como “una reflexión alrededor de personajes históricos que han tenido un papel relevante en los acontecimientos de la cultura de nuestro entorno, personas que han sembrado sombras y luces vinculadas con el momento presente, donde los observadores son un elemento imprescindible para dotar a la obra de sentido”.

El artista presenta su última serie, ‘D’ombres i llums’, por medio de 16 lienzos ocupando la Sala Principal de la galería. Se trata de un proyecto en el que los elementos que intervienen en la composición, y acompañan a los personajes, son fundamentales para expresar la singular visión del artista, la cual no trata de evidenciar sino de sugerir posibles interpretaciones individuales.

Imagen de la obra ‘Nerón Mao’, de Rafael Armengol. Fotografía cortesía de Shiras Galería.

Para la muestra, Shiras ha editado un catálogo con la colaboración del crítico y ensayista Martí Domínguez, quien define el proyecto como “un contrapunto a todo lo anterior, una fuga creativa, un deseo de abrir una nueva vía de expresión guiada por impulsos con Mao y Nerón como epítomes de hombres inmensos y, al mismo tiempo, catastróficos para su tiempo, de los que dependieron tantos destinos humanos. Una crítica aguda a aquel mesianismo, a aquel desbordado deseo de poder”.

Rafael Armengol, pintor consagrado con más de 50 años de trayectoria, ha obtenido a lo largo de su carrera importantes distinciones como el Premio Alfons Roig, o el nombramiento académico por la Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, gracias a sus aportaciones al campo del arte. Además, su obra se encuentra en los fondos de numerosos museos e instituciones como la colección del Instituto de Arte Contemporáneo Valenciano, la Colección del Museo de la Resistencia Salvador Allende en Santiago de Chile, la Colección del Museo de Arte Contemporáneo de Sevilla, o en fundaciones como Xarxa Cultural en Barcelona, colección la CAM, Bancaja y la Fundación Chirivella-Soriano, entre otras muchas.

‘Unseen II (Desapercibido II)’, de Roger Sanguino. Fotografía cortesía de Shiras Galería.

Por otra parte, en la Sala Refugio se dispondrá el proyecto ‘Rememorados’, del artista venezolano Roger Sanguino (Maracay, 1968), quien formulará un estudio antropomórfico a través de una instalación ilustrativa donde dibujo y escultura conjugan en perfecta armonía. Los personajes retratados evidencian un cierto carácter volumétrico, por lo que siente la necesidad de que salten al mundo tridimensional. La escultura le aporta la información teórica y técnica para comenzar a construir un discurso que utiliza el cuerpo como ancla, en el que explora temas como la mente, el lenguaje corporal, lo particular y lo universal, la relación con el otro, el tiempo, el retrato; conceptos que, junto a los aspectos formales como la importancia del dibujo, dan forma a la estructura de su trabajo mediante la intervención de cuerdas de piano, alambres y varillas de acero.

Entre su trayectoria destacan varios galardones, como el Premio Joven Artista en el Salón Nacional de arte “Aragua” en Venezuela, la Medalla de Oro en la II Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Florencia, la Mención de Honor por el Círculo de Bellas arte de Lleida, o el Premio Nacional de Pintura Enrique Ginestral en Toledo, España.

La directora artística Sara Joudi define ambos proyectos expositivos como “una muestra singular, capaz de llegar al espectador mediante dos lenguajes muy diferentes. La diferencia generacional y geográfica de los artistas hace que la propuesta sea más enriquecedora y diversa, reafirmando la universalidad del arte como un medio de expresión”. En definitiva, hace que la magia creativa llegue al público con toda su fuerza.

Imagen de la obra ‘Hipatia’, de Rafael Armengol. Fotografía cortesía de Shiras Galería.

MAKMA

Nuevas fórmulas de arte emergente el CMC La Mercé

‘Emac.ex-hibition’, de VV.AA.
V emac. | Festival de música y arte de Borriana
Centro Municipal de Cultura La Mercé de Borriana
Plaza de la Mercé, Borriana (La Plana Baixa)
A partir del jueves 23 de enero de 2020

El Centro Municipal de Cultura La Mercé de Borriana (La Plana Baixa) acoge, a partir del jueves 23 de enero, la exposición ‘Emac.ex-hibition’, organizada por emac., festival cuya quinta edición tendrá lugar del 14 al 16 de febrero de 2020.

‘Emac.ex-hibition’, muestra comisariada por Barbara Ferri –responsable, a la par, de la imagen gráfica del festival–, concita la obra de ocho creadores emergentes significativamente emparentados con el panorama artístico y contemporáneo valenciano, como son Juan de Dios Morenilla, Carlos Correcher, Marina G.Guerreiro, Raúl Lorenzo, Blanca Santos, Julián Villalba, Iñaki Gover y Alberto Sánchez, alguna de cuyas inquietudes plásticas han sido exhibidas en espacios institucionales como el Institut Valencià d’Art Moder (IVAM), el Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC) o Las Atarazanas del Grao de València, amén de galerías de referencia como Luis Adelantado y Punto.

Imagen de una de las obras de Carlos Correcher presentes en la exposición. Fotografía cortesía de @emac.fest.

Mediante la idea arquitectónica y proposicional de unir el claustro y la galería del CMC La Mercé, “el nexo principal de estos autores es el de confluir, por un lado, el interés por buscar nuevas formas de abordar el arte y, por el otro, cierta fascinación en torno a conceptos como error, azar o fracaso, en relación al propio proceso creativo”, reflexiona Barbara Ferri, quien apunta que “en sus obras conviven la objetualidad, espacialidad y plasticidad de una manera fresca e innovadora”.

‘Emac.ex-hibition’ enarbola su discurso formal, por una parte, en base la idiosincrasia instalativa de de varios de los proyectos, cuyas obras respectivas procuran una reflexión acerca del caos sonriente, la cultura del humor y la espontaneidad normativa(Carlos Correcher); la revisión del imaginario icónico en torno a la idea de felicidad (Marina G. Guerreiro); la investigación sobre los usos iconográficos, con carácter ideológico, informativo y comercial, de los medios de comunicación (Iñaki Gover); el concepto de ruina y la mitificación histórica en relación a la restauración y los usos expositivos del patrimonio artístico (Raúl Lorenzo); la mirada sobre la memoria colectiva de lo cotidiano a través del diálogo espacial y la constitución pictórica y escultórica de objetos híbridos (Blanca Santos); o la exploración de “una realidad física improbable, que no imposible, a través de su representación”, por medio de la pintura y la instalación objetual (Juan de Dios Morenilla).

Imagen de una de las obras de Marina G. Guerreiro presentes en la exposición. Fotografía cortesía de @emac.fest.

Igualmente, la naturaleza plástica y superficie 2D protagonizan la morfología de inquietudes en las que se manejan conceptos como extrarradio en calidad de “combustible creativo” que aplicar sobre el plano, a través de “la abstracción y la idea estética de paisajismo” (Julián Villalba); y “las huellas, los mensajes ausentes y los restos gráficos” como vestigio evidente del tiempo (Alberto Sánchez).

De este modo, @emac.fest, dirigido por Vicent Tormo, suma un apéndice más al nutrido programa de propuestas musicales y artísticas, ampliando un cronograma que, por vez primera, trasciende las tres jornadas habituales que durante el mes de febrero significan a la localidad de La Plana Baixa.

emac. se encuentra organizado por la asociación cultural emac.borriana y cuenta con el patrocinio institucional principal del Ajuntament de Borriana –mediante la concejalía de Cultura–, la Conselleria d’Educació, Cultura i Esport de la Generalitat Valenciana, el Institut Valencià de la Joventut (IVAJ), la Diputació de Castelló y Estrella Galicia en calidad de cerveza oficial. Igualmente, dispone de la colaboración de Naraniga Pub, Indie Are Production, Horma Zapatería, nomepierdoniuna, born music!, La Fábrica de Hielo, cero en conducta, La Ragazza Producciones y Ecomunicam.

Detalle de una de las obras de Iñaki Gover. Fotografía cortesía de @emac.fest.

MAKMA

Seis artistas comparten residencia en el C3A

C3A Centro de creación contemporánea de Andalucía
C/ Carmen Olmedo Checa s/n
Córdoba
Hasta el 2 de febrero de 2020

Seis artistas, seis proyectos, un espacio común. La secuencia de apellidos que recoge el título de la exposición da cuenta de su idea central: atender a la singularidad de los proyectos realizados por los artistas que han estado en residencia en el C3A.

Una de las piezas de gran formato de Cristina Ramírez. Imagen cortesía C3A

Una residencia es un laboratorio donde ensayar nuevos procesos y un lugar de encuentro donde establecer nuevas alianzas. Estar en residencia supone tomar distancia con respecto a la propia obra y abrir un tiempo de reflexión y experimentación. En última instancia, los proyectos presentados hacen patente su empeño común por hacer del arte un espacio de pensamiento propio.

Una de las piezas de gran formato de Marta Beltrán. Imagen cortesía C3A

Los dibujos de Marta Beltrán llevan a cabo una lectura sintomática de las imágenes de la mujer en la cultura moderna. Beltrán se apropia de imágenes del cine y la literatura con el fin de hacer emerger el inconsciente que atraviesa los rostros, los gestos y los escenarios. Crisis, el proyecto elaborado por Paco Chanivet, aborda la idea central del género del horror, el miedo a la existencia de un mundo totalmente desconocido, mediante la transformación del espacio expositivo.

Pieza de Paco Chanivet. Imagen cortesía C3A

Los trabajos de Paloma de la Cruz continúan su exploración de la identidad a partir de las culturas materiales de la higiene corporal y la ropa íntima. Paños de abluciones consiste en una serie de esculturas cerámicas decoradas con motivos de lencería.

Instalación de Paloma de la Cruz. Imagen cortesía C3A

El proyecto reciente de Enrique del Castillo investiga las características tímbricas del sonido óptico, es decir, el sonido que se produce cuando una célula fotosensible lee las opacidades de una película fílmica en movimiento y, mediante un altavoz, las traduce a sonidos.

Instalación de Enrique del Castillo. Imagen cortesía C3A

Antonio R. Montesinos presenta una obra que privilegia la idea del cuidado no sólo entre seres de diferente naturaleza, sino entre seres naturales y elementos artificiales.

Instalación de Antonio R. Montesinos. Imagen cortesía C3A

Los paisajes oceánicos que Cristina Ramírez exploran la incapacidad para articular una respuesta frente al horror.

A la derecha, uno de los océanos de Cristina Ramírez. Imagen cortesía C3A

Ramírez aborda esta imposibilidad a través tanto de la histórica hostilidad que el ser humano siente frente al océano como de la violencia que los elementos abstractos ejercen sobre el ámbito de la representación.

Por su parte, Antonio R. Montesinos ejercerá de comisario en «Between debris and things» colectiva que el Centre del Carme Cultura Contemporánea de València inaugurará el 14 de febrero de 2020, y que ha sido uno de los proyectos seleccionados para el programa de comisariado V.O. del Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana.

En cuanto a Paco Chanivet, es uno de los últimos fichajes de Espai Tactel y se estrena en la galería con una exposición colectiva que se inaugura el 24 de enero del presente 2020 en Valencia.

Y por otro lado, las dos artistas que aportan dibujo a la muestra, Cristina Ramírez fue la ganadora de la II edición del Premio Nacional de Dibujo DKV MAKMA, mientras que Marta Beltrán lo fue de la III edición.

Javier Sánchez Martínez

El inmaculado suburbio de plástico de Nadia Lee Cohen

‘Not A Retrospective’, de Nadia Lee Cohen
Centro Niemeyer
Avenida del Zinc s/n, Avilés
Del 17 de enero al 29 de marzo de 2020

El Centro Niemeyer y Contemporánea, en colaboración con La Térmica y DMB, presenta ‘Not A Retrospective’, exposición individual de la fotógrafa Nadia Lee Cohen –aclamada por el público y la crítica internacional desde que con solo 22 años fuera incluída en el Premio de fotografía Taylor Wessing y expusiera su obra en la National Portrait Gallery de Londres–, comisariada por Mario Martín Pareja y que podrá visitarse hasta el 29 de marzo de 2020.

Nadia Lee Cohen (Reino Unido, 1990) es una fotógrafa, cineasta y artista de autorretrato que reside en Los Angeles (EEUU). Es esta la ciudad que más le inspira desde su primer viaje a Estados Unidos en 2014, y consecuencia de su fascinación por la los suburbios norteamericanos y la conformista vida en esas zonas residenciales. Ambientes que transmiten la idea de la perfección y, por ello, idóneos para hacer una punción directa y trasgredirla.

Nadia cuenta historias que suceden tanto en el interior de esas casas en las que los protagonistas femeninos combaten ese sofocante conformismo con el escapismo sexual, como en los exteriores, donde los rótulos y luminosos de las grandes marcas de consumo que dominan las escenas, junto a guiños al mundo pop, alimentan las referencias culturales de la narración.

A primera vista, las fotografías son llamativas, glamurosas y llenas de colores saturados, pero en una inspección más cercana se detecta un elemento melancólico. Es precisamente esta yuxtaposición la que le interesa a Nadia y reporta la clave de gran parte de su trabajo. Aunque se expresa sin tabúes, ella prefiere un enfoque más sutil en lugar de crear imágenes que tengan como objetivo sorprender al espectador. De esa manera, anima a la audiencia a absorber y contemplar la narrativa detrás de la imagen que aparece ante sus ojos.

Sus fotografías enturbian los límites entre la fantasía y la realidad, lo animado y lo inanimado, desafiando la lógica con un toque de ironía y humor. Nada es lo que parece. Nadia se esfuerza en construir contenidos reconocibles para el espectador a los que añade algo que interfiere dicha familiaridad sugiriendo que hay algo fuera de lugar.

‘Vons’, de Nadia Lee Cohen. Fotografía cortesía del Centro Niemeyer.

De este modo, modifica la atmósfera para que esta sea un poco más sombría y rara, y pone a prueba la sensación de seguridad del espectador. En dichas situaciones ficticias, y en el centro de todo, se hallan las mujeres, su sujeto favorito. En cada una de las imágenes sus modelos trascienden el papel de actrices y encarnan los caracteres del personaje asignado. Nadia prefiere fotografiar gente real a modelos profesionales: rotundas, sensuales y surreales, lejos de la belleza convencional.

El elemento de la moda en su obra es también difícil de pasar por alto, tanto por su experiencia en el diseño, como por su educación en el London College of Fashion, aunque ella admite estar más atraída por el cine (Alfred Hitchcock, John Waters, Stanley Kubrick y los hermanos Cohen) y la fotografía cinematográfica (Willian Eggleston, Philip DiCorcia, Cindy Sherman, Larry Sultan…).

Detalle de la obra ‘Sarah and friends’, que forma parte de ‘Not A Retrospective’, de Nadia Lee Cohen. Fotografía cortesía del Centro Niemeyer.

MAKMA

Star Trip y Ken Stringfellow, manantial powerpopero

Star Trip + Ken Stringfellow
Viernes 24 de enero del 2020 a partir de las 22:30 horas
Loco Club
Calle Erudito Orellana, 12 de Valencia

Imagen extraída de la página de Facebook de Star Trip

«Salto al vacío» es el flamante último disco de Star Trip, un trabajo que está recibiendo muy buenas críticas, que vio la luz a finales de noviembre del pasado año y que es el segundo de una discografía donde los valencianos vuelven a repetir experiencia con el recomendable sello alicantino Pretty Olivia Records.

El susodicho álbum contiene doce canciones repletas de luminosidad, de potentes guitarras en perfecta armonía con las voces y que posee influencias americanas como Big Star, The Posies… o escocesas como Teenage Fanclub o Dropkick.

Star Trip: Alvaro, David, Rafa y Vicente.

Podríamos decir que la mejor peculiaridad es que sus letras son cuidadosamente pegadizas y en castellano, cosa que, al menos para el que suscribe, les proporciona un plus de atracción mayor.

Será el próximo 24 de enero cuando el cuarteto formado por Vicente Prats, Rafa Navarro (ambos a las voces y guitarras) Álvaro Gomez (bajo y coros) y David Osete (batería) presenten y defiendan en directo todas esas exquisitas melodías, entre ellas «Hasta el atardecer», «Nada es importante», «Solo sé vivir soñando»…

Cartel concierto Star Trip + Ken Stringfellow

Para colmo contarán con un telonero de lujo. Nada menos y nada más que Ken Stringfellow, en un intercambio de papeles respecto a lo que sucedió en la misma sala allá por abril del 2016 cuando fueron Star Trip los que se encargaron de abrir fuego antes del concierto de The Posies. Indudablemente muy aconsejable evento para aquellos que amamos el powerpop melódico de alta calidad. 

Juanjo Mestre

El preciosismo visual de Ignacio Goitia

Ignacio Goitia
Sala de Exposiciones Rekalde
Alameda de Rekalde, 30. Bilbao
Del 25 de octubre de 2019 al 2 de febrero de 2020

“(…) al igual que la literatura, la pintura puede generar asombro, una nueva mirada ante el mundo”. Estas son las palabras que contiene la reflexión expuesta por el protagonista de la novela, ‘Sumisión’, del escritor francés Michel Houllebecq, cuando compara  el “arte mayor” de occidente, la literatura, con las otras artes. 

Y la obra del pintor bilbaino Ignacio Goitia (1968), que se expone en la sala Rekalde de Bilbao hasta el próximo 2 de febrero, genera ese asombro visual propio de las obras artísticas que han creado un universo singular.

Obra de Ignacio Goitia. De la colección del artista por cortesía de la Sala de Exposiciones Rekalde.

Ignacio Goitia observa el mundo con una mirada donde se fusiona cierta perspectiva surrealista con un preciosismo rococó. Y desde esa perturbadora mirada recrea un mundo pictórico donde los monumentos emblemáticos arquitectónicos -como la Plaza Roja de Moscú, la Gliptoteca de Munich, el  Flatiron de Nueva York…-, los espacios urbanos -como las calles de París, Nueva York, Bilbao….-, y los salones y jardines de magníficos palacios -principalmente los situados en la región francesa de Loira-, son el fondo figurativo para situar a un elenco de figuras -nobles caballeros, dandys, elegantes damas, hombres uniformados, policías y militares, chicos leather, y cómo no, sus representativas jirafas. 

Hay en la composición de cada uno de los espectaculares cuadros de Goitia -no sólo por su enorme tamaño, sino también por su belleza cromática, lumínica y narrativa-, una simulación estética de un tableau vivant. Las figuras humanas, así como las jirafas, a modo de elegantes modelos, parecen esparcidas de manera estacionaria y silenciosa por estos fondos paisajísticos, tanto arquitectónicos como urbanos. 

Obra de Ignacio Goitia. Foto de Erika Ede por cortesía de la Sala de Exposiciones Rekalde.

El preciosismo plástico de la escenografía en la obra de Ignacio Goitia trasluce una perturbación surrealista que desconcierta la mirada del espectador. Un desasosiego proveniente de ese exagerado refinamiento en las posturas y atuendos de las figuras, más allá de ese anacronismo y eclecticismo temporal y espacial característico de la puesta de escena de este pintor. 

El extremado atildamiento del estilo, no sólo de la vestimenta y la pose de las figuras, sino también de los espacios interiores y exteriores de los edificios, trasluce un aire viciado propio de las pasiones carnales del ser humano. Unas pasiones carnales difíciles, por no decir imposible, de ser domesticadas por la cultura, las costumbres o el arte.

De ahí la exuberante presencia de esas estéticas jirafas, en esos salones, jardines, calles y monumentos donde parece reinar cierto orden equilibrado y bello, como figura metafórica de esa naturaleza indomable de las pasiones carnales.

Obra de Ignacio Goitia. De la colección del artista por cortesía de la Sala de Exposiciones Rekalde.

Begoña Siles

Llega el escándalo de Pierre Rigal

‘Scandal’, de Pierre Rigal
Danza
Teatre El Musical
Plaza del Rosario, 3. València
Sesión única: 18 de enero de 2020, a las 20.30 horas

El francés Pierre Rigal -uno de los grandes coreógrafos de la escena europea- atleta, matemático y cineasta, lleva hasta el escenario del Teatre El Musical ‘Scandal’, su particular visión de la juventud moderna y su capacidad para explorar los nuevos lenguajes de la danza contemporánea. Se trata, sin duda, de una oportunidad única para disfrutar de uno de los grandes creadores del momento, que trasladará su universo a la sala del Cabanyal-Canyamelar mediante un montaje que incluye más de una veintena de técnicos y bailarines.

Un momento de ‘Scandal’, de Pierre Rigal. Foto: Pierre Grosbois

Todos ellos, acompañados de música en directo, interpretan arriesgadas coreografías y convierten sus cuerpos en instrumentos que integran la banda sonora del espectáculo. En este sentido, la respiración de todos ellos constituye un elemento esencial del movimiento, dando lugar a una sonoridad creada a partir del aire que entra y sale de los pulmones y que se completa con pasajes de hip hop, palabras de amor incomprensibles, onomatopeyas de rebelión y lamentos de esperanza. De este modo, la obra se convierte en una representación de la juventud, de sus miedos y emociones, mediante una serie de coreografías capaces de desafiar las leyes de la gravedad y la anatomía.

Pierre Rigal se formó inicialmente como atleta, estudió matemáticas y economía y completó su trayectoria con un master de cine. Poco a poco, se fue acercando a los bailes urbanos que encontraba en las estaciones de metro de Toulouse, lo que le llevó a rodar diferentes documentales al tiempo que se preparaba como bailarín y coreógrafo. En 2003 nacía su compañía Dernière Minute, y se iniciaba una brillante trayectoria escénica que desde entonces no ha hecho más que consolidarse, incluyendo representaciones en la Ópera de París.

Imagen de portada: Pierre Grosbois

David Bestué i Guasch: Miramar

«David Bestué i Guasch: Miramar»
Pols
C/ Francisco Moreno Usedo 24, València
Hasta 31 de enero de 2020

Fotografía de portada: cortesía de David Zarzoso.

Con el nombre ‘Pols’ se hace llamar el actual proyecto llevado a cabo por Paula García-Masedo, Néstor García y Carles Àngel Sauri, el cual inició su andadura durante el verano del 2019 en este antiguo taller de confección textil. Las tres integrantes de Pols son tanto artistas como comisarias y han vivido un tiempo en distintas ciudades -como Barcelona, Bruselas o Madrid-, de las cuales se han llevado relaciones y afectos que ahora pretenden invitar a València para que formen parte de la escena local. Con este espacio nace el objetivo de presentar una programación que oscile entre exposiciones, prácticas corporales, conferencias y grupos de trabajo. De este modo, Pols se entiende como una oportunidad de intercambio de conocimiento y prácticas tanto próximas como lejanas, un nuevo espacio expositivo con el fin de potenciar el desarrollo cultural del momento.

La primera muestra colectiva llevada a cabo -‘En amores inflamada’- tuvo lugar el 3 de octubre de 2019 y en ésta se pudieron observar obras de artistas como Marina G. Guerreiro, Mar Reykjavik, Guillermo Ros, Cyriaque Villmaux, Javi Cruz y Fernando Gandasegui, Alex Reynolds, M. Reme Silvestre y David Bestué.

Detalle exposición «Miramar» en Pols. Fotografía cortesía de David Zarzoso.

Éste último -David Bestué i Guasch (Barcelona, 1980)- es el protagonista de la presente exposición «Miramar», la cual tuvo su inicio el 20 de diciembre de 2019 y podrá ser visitada hasta el 31 de enero de 2020. La formación de este artista visual tuvo lugar en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona y, más concretamente, en el itinerario de escultura el cual propició en él una tendencia por la forma, el volumen y el espacio, tres elementos claves en su producción artística. Otro de sus focos de interés es la relación entre la escultura y el lenguaje, visible en algunas de sus exposiciones como «Piedras y poetas» en la galería Estrany de la Mota (Barcelona, 2013); «Realismo» en La Capella (Barcelona, 2014); «La España Moderna» en García Galería (Madrid, 2015) y «ROSI AMOR» en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, 2017).

Detalle exposición «Miramar» en Pols: carro con ruedas de verduras alberga decoración modernista y antigua. Fotografía cortesía de David Zarzoso.

En este proyecto específico del artista se presentan una serie de piezas ex profeso producidas para la propia muestra. David hace de Pols una planta de tamizaje y reducción de la materia, puesto que realiza un proceso escultórico centrado en deconstruir la materia hasta un grado cero con el que abstrae la forma. A partir de dicha abstracción, el artista esculpe figuras geométricas que han perdido su estado original: desde bolas de sardina a lingotes de huesos, incluyendo cuadros conformados con sal.

Cristina Tro Pacheco