‘El pionero’, de Enric Bach Miniserie de TV | 4 capítulos HBO España, 2019
En pleno diástole canicular eclosiona, (f)estival y nocturno, el retrato audiovisual de un ser elefantiásico e hiperhidrósico, uniformado con bermudas y guayaberas de impúdica abertura frontal en la que se refugian los ecos de una forma de ser/estar en el procaz orbe patrio, cuyos vestigios de aluminosis y truhanismo prosiguen erigidos en el plúmbeo perfume de verano de perillanes, galopines y soplagaitas, menesterosos émulos de una las figuras indispensables del hediondo y vigente pasado reciente, opulento adalid del vasto y necrosante feudo de la endémica corrupción española: Gregorio Jesús Gil y Gil (El Burgo de Osma, Soria, 1933 – Madrid, 2004).
Precursor, adelantado, ascendiente, tan
fundador como un brandi invernal y burgense, su fastuosa y ya onírica
remembranza se revelan en suficiente alimento para que la taquilla
en casa de HBO haya tenido a bien implementar su primera
producción por estos dispares dominios, procurando el sacramento que
une al alevoso/insigne con la idiosincrasia pútrida, lega y
verbenera de aquellos que fueron, siempre han sido y prosiguen
estando.
De este modo, ‘El pionero’, del sabadellense Enric Bach, en compañía del brítanico Justin Webster (‘Muerte en León’, 2016), dirige la atención sobre el curso biográfico, carcelario, colchonero y marbellí del primogénito de los Gil y Gil, transitando epidérmicamente por sus gélidos y exiguos orígenes castellanos y edificando la entoldada semblanza bajo las vergonzantes ruinas del vasto y funesto comedor de la urbanización Los Ángeles de San Rafael –luctuoso episodio cuya negligencia se hubo cobrado 58 víctimas en la primavera de 1969 y, a la par, su primera encarcelación (por homicidio involuntario) e indulto ulterior (beneficiándose de una segunda conmutación, preelectoral y socialista, a mediados de los años 90)–; su atlético y convulso dominio durante varios lustros (1987-2003) del palco del Vicente Calderón –siendo cesado de su cargo durante el invierno de 2000 por decreto de la Audiencia Nacional y repuesto cuatro meses después, tras la crispada administración de Luís Manuel Rubí– y las tres desconcertantes mayorías absolutas que le auparon como regidor del Ayuntamiento de Marbella (1991-2002) bajo el acrónimo ególatra y personalista del GIL (Grupo Independiente Liberal) –interrumpidas por su inhabilitación tras ser condenado por malversación y falsedad documental en el célebre caso ‘Camisetas’ y su eximia publicidad de Marbella en las camisetas de diversos equipos de la LFP–, hasta su fallecimiento el 14 de mayo de 2004 a la edad de 71 años.
‘El pionero’ cobra morfología serial –henchida de constantes analepsis y diversas reiteraciones prescindibles– con el rutilante sustento del archivo audiovisual legado por su facundia improvisada y visceral –registrada en innumerables apariciones televisivas y grabaciones particulares– y el refrendo testimonial y decisivo de una nutrida nómina de individuos, próximos por consaguinidad o confrontación profesional y judicial, que auxilian a recomponer los rasgos fundamentales de su estampa, tan ladina y diestra como charanguera y facinerosa.
Así, restauran la parte más afín, amable e hilarante del relato diacrónico de ‘El pionero’, entre otros, las evocaciones de sus hijos Jesús Gil Marín (insólito alcalde de Estepona por el GIL, de 1995 a 1999); Miguel Ángel Gil Marín (consejero delegado del Atlético de Madrid); hermanos y amigos infantes; el productor cinematográfico y presidente del Atlético de Madrid Enrique Cerezo; el inefable e hidrocarbúrico José María García; el proverbial extremo portugués Paulo la pantera de Montijo Futre y la epicúrea hazaña del doblete del entrenador serbio Ramodir Antic, cuyas respectivas aserciones, si no reveladoras, cuando menos no eluden la ratificación de un modus operandi nebuloso y túrbido, aún cuando (supuestamente) bienintencionado.
Por su
parte, amén de otros inquietantes testigos, Isabel García Marcos
–otrora obstinado (resignado y tránsfuga en el epílogo) azote del
gilismo desde el PSOE
marbellí– y el jurista madrileño Carlos Castresana –fiscal del
caso ‘Gil’– aportan luz –desde la dubitación (la primera) y la
determinación (el segundo)– sobre alguno de los sótanos
uliginosos erigidos en los cimientos del hampa del GIL, que operaba
en el latifundio de oropeles y golfería en que se había convertido
la Costa del Sol Occidental.
Se concitan, por tanto, los suficientes elementos enardecedores como para propugnar de un modo sobresaliente la necesidad de instituir a ‘El pionero’ en una exuberante radiografía que trasciende la propia y crasa figura de Jesús Gil, efímero cenit de un putrefacto trastorno político y económico irresoluble (me temo) y vigente. Si Gil hubo encarnado los profanos males de la demagogia –discurso simple, efectista y seductor–, la ineptitud y el oscurantismo, el presente nos revela un horizonte uniformado de populismo aventajado y predominante, reduciendo a Gil y Gil –cuestión que Enric Bach y Justin Webster eluden sapientemente– en desdeñadas noches de tal y tal, remedos imperiosos e ignominiosas caricaturas de un tiempo febril, disparatado y estrambótico que, sin duda, fue y, quizás, siga siendo ahora con distintos afeites.
Jesús Gil y Gil en un fotograma de ‘El Pionero’. Fotografía cortesía de HBO España.
¿De qué nos reímos en Europa? Centre del Carme C / Museo, 2. Valencia Agosto de 2019
En estos últimos años de bulimia cultural con fondo anoréxico aparecen, de vez en cuando, eventos culturales que redimen a la Instituciones Programadoras de su estulticia ideologizada y cansina.
Nada asegura que un proyecto cultural vaya a funcionar, pero lo que ha quedado claro es que todo depende generalmente del personaje que se lo inventa, de sus conocimientos y de su capacidad de trabajo. Podría parecer esta afirmación una perogrullada innecesaria, y casi lo sería si no fuera porque resulta del todo necesario reivindicar los proyectos realizados por verdaderos expertos.
Cabe la pregunta, ¿qué sería un verdadero experto? Pues aquel que no sólo está bien informado. Y también aquel cuya independencia “natural” le ha mantenido lejos de los poderes fácticos, o al menos a la distancia justa. Un estudioso, un ratón de biblioteca, un apasionado, un conocedor y un trabajador impenitente. De alguna forma y a su manera (la de cada cual) un sabio que aleja de sus conocimientos toda esa deriva “revolucionaria” que, paradójicamente demandan las Instituciones. Todo lo contrario, pues, a un “intelectual orgánico”, por naturaleza mediocre. Si no directamente incompetente.
Una de las veladas de cine en el Centre del Carme. Imagen cortesía del Centre del Carme.
Cuando se dan estas cualidades a un experto sólo le queda explosionar. Cosa que hará sólo y exclusivamente cuando alguien se lo permita con una simple contratación basada en la confianza. Acaba de pasar aquí, en Valencia. El Centro Cultural del Carmen ha contratado a Dani Gascó para hacer un ciclo de cine en los claustros del Museo.
La propuesta ha sido -y es- excelente debido a una doble imprevisibilidad: 1. la contratación de un experto de verdad, Dani Gascó, que no era previsible en un mundo tan burocratizado e ideologizado como el valenciano (decir cultura valenciana podría ser un perfecto oxímoron), y 2. la extraña y excelente selección de películas que el propio Dani Gascó se ha encargado en ocasiones de traducir y subtitular -en un empeño generoso y atrevido. Un recorrido por la comedia europea desde el punto de vista de un conocedor independiente. Y conviene insistir en esto último.
Así, la propuesta de Dani en el Carmen ha sido posible cuando ciertos planetas se han alineado de una forma en la que no suelen hacerlo y el resultado, casi azaroso por ello, ha sido un evento cultural valenciano del todo original, culto y popular, ameno y culturizante, imprevisible y por ello necesario. Espero que en ediciones venideras no me valencianicen al bueno de Dani y lo dejen así, independiente y ciudadano del mundo. Dicen que las comparaciones son odiosas. No es exacto: son buenas, al menos, cuando el dinero público está por en medio.
Fotograma de ‘La vida de bohemia’, de Aki Kaurismaki, dentro del ciclo ‘¿De qué nos reímos en Europa?’. Imagen cortesía del Centre del Carme.
MAKMA ISSUE #01 Opinión | Meritxell Barberá (codirectora de Taiat Dansa y del Festival 10 Sentidos) MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, 2018
En
los inicios del siglo XX la que hoy conocemos como Danza Moderna
aparece gracias a coreógrafas y bailarinas como Isadora Duncan, que
se enfrenta a los cánones clásicos del Ballet Romántico, o Loïe
Fuller, que experimenta con la luz y el movimiento. En los años
veinte Josephine Baker explosiona, ante el estupor de muchos, con su
danza sensual, una actitud feminista y un decidido estilo que
defiende el nuevo rol que quiere ocupar la mujer en el mundo. Un poco
más avanzados en el siglo XX, figuras como Mary Wigman, Martha
Graham o Doris Humphrey irrumpen con un nuevo estilo de danza que
apela al sentimiento, la necesidad de expresar diferentes estados de
ánimo a través del cuerpo, en íntima relación con los
acontecimientos que convulsionan al mundo entero ante la Segunda
Guerra Mundial.
La aparición, a principios de los años 60 en la Judson Church de Nueva York, de una generación de bailarines –tales como Lucinda Childs, Trisha Brown, Steve Paxton o Yvonne Rainer–, conocida como Nueva Danza, propone un rechazo total a la formación dancística clásica. Utilizan movimientos cotidianos para realizar coreografías, diferencian la presentación de la representación y apuestan más por obras inacabadas, por mostrarlas en proceso de creación. Se trata de una generación que comienza a trabajar con artistas de otras disciplinas. Todas las experimentaciones entre cuerpo, espacio y tiempo que tuvieron lugar en la Judson Church de Nueva York constituyen una nueva estética de danza, nuevas motivaciones, nuevos objetivos donde, a partir de ahora, la danza empieza una carrera, desde nuestro punto de vista, por querer formar parte de eso llamado arte, de la historia del arte.
Página inicial del artículo publicado en MAKMA ISSUE #01.
Esta generación de la Judson Church apuesta por lo no espectacular, por el no al virtuosismo, no a la representación y no a la emoción. A partir de aquí, coreógrafos como Anne Teresa De Keersmaeker o Wim Vandekeybus crean otra revolución en los años ochenta. Su danza parte de un movimiento no académico y en sus obras la relación entre danza y otras disciplinas como el cine, la música… es fundamental. Pero ellos, de manera muy original, apuestan por un estilo más sofisticado en relación a la generación anterior, conjugan la plasticidad de la escena y una cuidada estética, sin perder de vista lo cotidiano y humano.
En los últimos veinticinco años Ohad Naharin ha supuesto un nuevo paradigma, el nuevo escenario de movimiento y composición coreográfica a partir del cual trabajan (y trabajamos) una gran mayoría de coreógrafos y coreógrafas en la actualidad, aunque desde lugares, intereses, inquietudes y universos muy diferentes. La habilidad física, la formación en danza clásica se recupera para luego cada creador transformar el cuerpo con cualidades diferentes y extremas que puedan poner en relación a la danza y el discurso de una obra, a la necesidad de comunicar diferentes estados o situaciones.
La relación entre placer y esfuerzo son importantes para Naharin. “Se trata sobre todo del porqué, por qué se baila. He visto bailarines que tienen una gran habilidad física pero que no escuchan a su cuerpo, sino que se mueven solo en pos de la forma”, apunta. Y añade: “lo importante es escuchar la gama de sensaciones del cuerpo para poder danzar. La danza es una escucha del cuerpo”, afirma el coreógrafo.
Portada de MAKMA ISSUE #01, a partir de una de las obras del proyecto ‘Caminos del deseo’, del artista y miembro de MAKMA Ismael Teira.
La magia reside, en los últimos años, en buscar universos coreográficos que propongan algo diferente, una estructura corporal nueva, códigos de movimiento diferentes que sorprendan pero que, sobre todo, no estén solo al servicio de la forma y la virtuosidad, sino más bien en estrecha relación con el discurso de la obra. El intercambio con otras disciplinas ofrece un juego más colectivo de expresión y, con el protagonismo sabido que ofrece la danza y el movimiento, es una manera interesante de trabajar en la creación coreográfica actual para compartir ideas, opiniones y emociones a través del cuerpo.
El riesgo actual puede estar en la excesiva importancia que está tomando el movimiento virtuoso, una imponente técnica dancística, que pueda poner en peligro la relación entre una obra de danza y su contexto. Es decir, que el soporte expresivo que supone la danza para reproducir el mundo que le rodea esté más atento a la forma.
El arte es la llave para abrir fronteras y fusionar culturas. La danza, una forma de expresión ancestral, natural en el ser humano desde la infancia, parece que sea la disciplina menos comprometida, pero no es así, la expresión corporal tiene mucha fuerza y su lenguaje no tiene en cuenta las fronteras. En los últimos años la transmisión de los significados culturales que nos construyen como seres humanos, utilizando el cuerpo como herramienta fundamental para cuestionar o proponer nuevos valores, como la diferencia, conceptos nuevos de belleza y perfección, diferentes capacidades o temas de denuncia que afectan a nuestra sociedad, son fundamentales en la creación coreográfica actual.
MAKMA ISSUE #01 Opinión | Javier Valenzuela MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, 2018
Me
hubiera gustado inventarme un personaje tan fantástico como el
llamado Yonqui del Dinero, ese valenciano que, una vez detenido por
la Guardia Civil, tuvo una epifanía: descubrió que llevaba la vida
miserable de un drogadicto, siempre en busca de material, siempre
necesitando más y más. La droga, en su caso, era el dinero que
conseguía mediando en chanchullos corruptos de los políticos de
derechas y sus amiguetes empresarios. Puesto en libertad provisional,
el Yonki del Dinero, como ustedes saben, se marchó en busca de
iluminación a la India, de donde regresó convertido en un gurú y
dispuesto a colaborar con la Justicia.
Cuando
en 2016 escribí ‘Limones
negros’,
mi novela sobre la corrupción española, el Yonki del Dinero era
ampliamente conocido en España, así que no pude inventármelo como
personaje de ficción. Lo que hice fue otorgarle una especie de
cameo, hacer que la imaginaria Lola Martín, capitana de la Unidad
Central Operativa de la Guardia Civil, le contara en Tánger al
también imaginario profesor Sepúlveda cómo ella había participado
en su detención e interrogatorio. Pero, ¿saben una cosa?, creo que
jamás me hubiera atrevido a concebir un personaje semejante al del
Yonki del Dinero, lo hubiera considerado demasiado perfecto, poco
verosímil por decirlo de alguna manera.
Página inicial del artículo publicado en MAKMA ISSUE #01.
Y es que la realidad de la corrupción española, revelada por el periodismo y la justicia independientes, supera la imaginación más fértil. Un presidente de una comunidad autónoma que guarda un millón de euros en billetes de quinientos en un altillo y cuando es descubierto afirma que se lo olvidó allí un fontanero o un empleado de IKEA. Una presidenta que falsifica un máster y solo dimite cuando también se airea que robaba cremas de belleza en un supermercado. Un banquero que ha estafado a miles de pequeños inversores y termina apareciendo muerto de un disparo de escopeta en una partida de caza. Políticos y empresarios que pagan con el dinero de los contribuyentes a las putas que llevan a sus orgías. Fiscales anticorrupción a los que les roban en sus casas los portátiles donde guardan los datos de sus investigaciones. No me digan que todo esto no es negro como el carbón.
Negro, por supuesto, a la manera española. Más próximo al cine de Azcona y Berlanga o la literatura de Eduardo Mendoza que a los ríos de sangre y vísceras del thriller norteamericano. Más emparentado con la picaresca del Siglo de Oro que con las obras de James Ellroy y Don Winslow. Más pegado a tierra que a las angustias existenciales de los escandinavos. En definitiva, tan español como el chorizo.
Como en el resto del planeta, el género negro ha sido el gran protagonista de la escena literaria española en el último lustro. ¿Qué premio prestigioso no ha recaído más de una vez sobre una novela negra? ¿Qué presentadora de televisión no ha publicado ya la suya? ¿Qué ciudad de la piel de toro no cuenta con su festival consagrado a la ficción policial y criminal? ¿Qué librería no dispone de un generoso rincón dedicado a ella? Año tras año, se equivocan los que predicen que el noir va a pasar de moda. Año tras año, cuenta con más autores y lectores.
Portada de MAKMA ISSUE #01, a partir de una de las obras del proyecto ‘Caminos del deseo’, del artista y miembro de MAKMA Ismael Teira.
¿Por qué? Pues porque seguimos en crisis. Aquí y en todo el mundo. Crisis profunda de modelo político e institucional, de sistema económico y social, de ideas y valores. Y, como también saben ustedes, ningún género novelesco cuenta tan bien como el negro la realidad del mundo urbano y capitalista en crisis. Nació por y para ello en el Estados Unidos de la Ley Seca y la Gran Depresión, con las obras de Dashiell Hammett, James M. Cain, Jim Thompson y Raymond Chandler. Y llegó a la España de la Transición, la Crisis Petrolera y la Inseguridad Ciudadana con las obras de Vázquez Montalbán, Andreu Martín y Juan Madrid.
Convendrán conmigo en que lo que llevamos de siglo XXI tiene muchas más sombras que luces. Es difícil contar en rosa un siglo que arrancó con el derribo de las Torres Gemelas y la quiebra de Lehman Brothers y sigue hoy con las barbaridades de los yihadistas y los despropósitos de Donald Trump. Un siglo que, en el caso español, ha sido el de la ruina de las clases populares y medias, el de la denuncia de la mediocridad de nuestra democracia por los jóvenes de edad o espíritu del 15-M y el del descubrimiento de que el régimen está podrido de corrupción. La novela realista solo puede contar en negro este tiempo.
Muchos autores y autoras están en ello. También aquí. No citaré ningún nombre porque bastantes de ellos son amigos míos y no quiero incurrir en ningún olvido. Lo que si diré es que todos intentan que sus ficciones no se queden cortas en comparación con lo que ocurre en nuestras cloacas y callejones oscuros. Y añadiré que muchos cuentan lo que no cuenta la Prensa adocenada: que los que mandan de verdad son los grandes banqueros y empresarios, no los políticos a los que votamos, y que los corruptos de postín, los curas pedófilos y los violadores de mujeres reciben mejor trato en nuestros tribunales que los que roban gallinas o no pagan la hipoteca. Por eso la gente los lee, porque entretienen dando las claves del presente.
MAKMA ISSUE #01 Opinión | Marc Borràs (jefe de investigación y gestión cultural del MuVIM) MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, 2018
El MuVIM es un museo que se avanzó a su tiempo. Una declaración tan pomposa puede resultar presuntuosa, sin duda, pero en este caso es rigurosamente cierta. Porque el Museu Valencià de la Il·lustració i de la Modernitat se definió, desde su inauguración en 2001, como un museo de ideas (consagrado, por tanto, a preservar, proteger y transmitir un bien intangible) y, sin embargo, no fue hasta 2007 —seis años después— que el ICOM modificó su definición de museo para amparar bajo ese concepto a aquellas instituciones que se ocupaban exclusivamente de conservar patrimonio inmaterial.
Es evidente que la particular naturaleza incorpórea del objeto museográfico del MuVIM le obligaba a modificar las estrategias discursivas empleadas hasta entonces en los museos cuyo cometido era almacenar, catalogar y exponer objetos materiales: un retrato, un resto arqueológico, una herramienta de labranza tradicional. Eso explica que la exposición permanente del MuVIM prescinda de objetos y textos explicativos y se vehicule a través de la palabra y las nuevas tecnologías de comunicación.
Página inicial del artículo publicado en MAKMA ISSUE #01.
Contra la univocidad del objeto museográfico
Los
museos son entidades expertas en tratar con objetos. Pero no sólo
eso. En el museo tradicional la relación entre el museo y el objeto
es tan estrecha que la naturaleza del segundo determina el carácter
del primero. Parece obligado pensar que un retrato al óleo solo
puede ser expuesto en un museo de arte, el resto arqueológico en un
museo de Prehistoria o la herramienta tradicional de labranza en un
museo etnológico. Porque según parece, cada objeto solo puede ser
interpretado de una —y solo una— manera.
A
finales del siglo XIX, el matemático y filósofo alemán Gottlob
Frege —fundador de la moderna filosofía del lenguaje— estableció
una diferencia entre referencia (bedeutung)
y sentido (sinn)
que puede resultarnos especialmente útil ahora. Un mismo referente —
Cervantes, por ejemplo— puede ser aludido a través de diferentes
expresiones o descripciones definidas —“el manco de Lepanto”,
“el autor de El
Quijote”—
que, a pesar de tener un mismo significado, tienen distinto sentido,
porque nos aportan distinta información: puede ser que yo supiera
que Cervantes escribió ‘El
Quijote’,
pero desconociera que quedó manco como desafortunada consecuencia de
una batalla.
Esa
—sutil— distinción fregeana
permite combatir la tradicional univocidad del objeto museográfico,
porque un mismo objeto —o referente— puede servirnos para
distintos propósitos expositivos, es decir, que puede ser
interpretado
de distintas maneras que aportan también distinta información sobre
él: nada impide que una obra de arte pueda ser utilizada para
reflejar una idea o representar una época, ni que podamos valorar un
resto arqueológico o cualquier objeto etnográfico tan solo por sus
cualidades estéticas. El MuVIM apuesta, precisamente, por romper esa
disciplina del sentido único proponiendo, en cambio, una lectura
transversal: los objetos que aparecen en sus exposiciones no sólo se
exhiben por sus (supuestas) características intrínsecas, sino
porque sirven como acicate y excusa para reflexionar sobre un tema de
más amplio calado intelectual o interés sociológico. Distintos
retratos regios permiten explicitar cómo ha cambiado la imagen del
poder. Fotografías de personajes mediáticos ilustran hasta qué
punto se ha modificado el ideal de belleza.
Portada de MAKMA ISSUE #01, a partir de una de las obras del proyecto ‘Caminos del deseo’, del artista y miembro de MAKMA Ismael Teira.
La herida siempre abierta de la modernidad
Sin
embargo, alguien podría pensar que hablamos de preservar ideas
muertas,
que han perdido la utilidad que un día tuvieron —como el bifaz de
sílex o el molino manual de piedra— y que, precisamente por eso,
se conservan en un museo: como residuos históricos que ya no tienen
función social. Nada más lejos de la realidad. La Ilustración fue,
en efecto, un movimiento intelectual que quiso reorganizar la (vida
en) sociedad a partir de premisas racionales con un claro propósito
emancipador: el de liberar al individuo de las numerosas trabas que
impedían su pleno desarrollo. La liberación es —como dice Alain
Finkielkraut— el gesto moderno por excelencia: libertad de
conciencia y de pensamiento, libertad de expresión, libertad de
reunión e incluso libertad para elegir quién y cómo nos gobierna.
La
Ilustración propició una auténtica revolución de la mente que
sentó las bases intelectuales y políticas de nuestro mundo, es
cierto. Pero no fue la única partera de la modernidad: la
industrialización, la expansión —también colonial— del
capitalismo y, en general, la progresiva implantación de una
racionalidad eminentemente instrumental han desembocado en una
situación paradójica. Por una parte, la veta ilustrada ha permitido
que el individuo atesore ahora una serie de derechos y libertades
políticas inalienables. Pero, por otro lado, la racionalidad
tecnocientífica ha reducido a ese mismo individuo a la impotencia:
puede ejercer democráticamente sus derechos políticos pero
difícilmente podrá cambiar el statu
quo económico,
por ejemplo, dado que la economía se presenta como una ciencia
contra cuyas leyes poco o nada se puede hacer.
Esa
ambivalente situación estructural genera conflictos, tensiones y
disfunciones que se expresan social y, sobre todo, culturalmente. Y
son precisamente esas manifestaciones culturales —en sus múltiples
variantes expresivas (pensamiento, palabra, acción, perfomance,
artes plásticas, audiovisuales, etc.)— la materia prima con la que
trabaja un museo como el MuVIM, dado que son exteriorizaciones de ese
permanente hiato entre promesa de plenitud e impotencia efectiva que
caracteriza la vida del individuo moderno. En el siglo XVIII tanto
como en el XXI.
Eso quiere decir que aquel ideal emancipador sigue vigente y no deja de desplegar nuevas estrategias discursivas ni de actualizar aquel caudal de ideas primigenio, con la esperanza de cerrar definitivamente la herida siempre abierta de la modernidad, aspirando, así, a completar la tarea inacabada de la Ilustración. Una Ilustración que no es tanto un corpus doctrinal como una actitud siempre crítica hacia el presente que nos ha tocado vivir, como dijo en su día Foucault. Y por todo eso —tanto por la particular naturaleza como por la permanente actualidad del objeto que custodia— el MuVIM es un museo diferente que no quiere dejar indiferente a nadie.
Imagen del hall del MuVIM. Fotografía de Jesús Granada cortesía del museo.
Ha fallecido en París, a los 95 años, Carlos Cruz-Diez, dejando un enorme legado al arte contemporáneo y un mensaje de optimismo y esperanza a los venezolanos.
Conocí a Cruz-Diez un día de 1986 en los amplios espacios del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. A la sazón, yo trabajaba como periodista en el suplemento cultural de El Diario de Caracas. La directora del museo, Sofía Imber, también periodista, me llevó hacia donde se producía una febril actividad de montaje y me lo presentó.
Entre muchos operarios que instalaban sus obras, me encontré a un artista con aspecto de laboratorista, debido a su bata blanca. Era un hombre más bien pequeño, de grandes patillas y mirada afable tras los lentes.
Yo estaba emocionado pues sabía que estaba ante uno de los grandes artistas contemporáneos no solo de Venezuela sino de todo el mundo, cuyo su nombre se inscribía, junto al de otros renombrados representantes del arte cinético y del op art como Vasarely, Le Parc o el también venezolano Jesús Soto.
Imagen de una de las obras de Carlos Cruz-Diez. Fotografía cortesía de @ateliercurzdiez.
Como
visitante de museos había disfrutado en muchas ocasiones de sus
obras, pero también en muchos espacios urbanos de Caracas y otras
ciudades, pues Cruz Diez siempre se planteó la integración de la
obra con la ciudad como lo demostró en la ‘Inducción
Cromática por Cambio de Frecuencia’,
el mural cinético más largo de América (2 kilómetros) en la pared
del puerto de La Guaira, obra hoy lamentablemente desaparecida.
Acostumbrado a las entrevistas, respondió a las preguntas con mucha seguridad, haciendo gala de sus profundos conocimientos en teoría del color. Pero yo, fiel a mi escuela de periodismo rompedor, guardaba la pregunta-gatillo para el final:
–¿Qué les diría a quienes opinan que es un pintor de rayitas?
No voy a decir que se molestó, porque Cruz-Diez tenía buen humor, pero sí abrió los ojos bastante y diría que se sobresaltó porque hasta entonces la entrevista había discurrido por un muy civilizado intercambio de preguntas y respuestas.
–¡No soy un pintor de rayitas! –me dijo airado. Y, a continuación, explicó por enésima vez sus teorías y su convicción de que el color es capaz de suscitar la emoción del movimiento sin la necesidad de la anécdota. Así fue que me regaló uno de los títulos más redondos en mi carrera periodística.
Obra de Carlos Cruz-Diez en el Buffalo Bayou Park Cistern de Houston (EE.UU.). Fotografía cortesía de @ateliercurzdiez.
Muchas
cosas pasaron desde entonces, Cruz-Diez se fue a vivir a Francia y su
obra siguió, indetenible, su proceso de internacionalización. Aquí
en España tuvo lugar en 2009 su primera individual, llamada ‘Carlos
Cruz-Diez: el color sucede’,
promovida por la fundación Juan March en Palma de Mallorca
Su
obra ‘Cromointerferencia
de color aditivo’,
en el Aeropuerto Internacional Simón Bolívar de Maiquetía, se ha
convertido en un icono de la diáspora, ya que millones de
venezolanos se llevan como último recuerdo una foto con ella.
En una entrevista reciente se lamentaba de este éxodo y sus circunstancias, pero a la vez se mostraba optimista y esperanzado, como escribió en una carta a la juventud venezolana.
Carlos Cruz-Diez. Fotografía cortesía de @ateliercurzdiez.
XXXVI Sagunt a Escena ‘Palabras y Sonidos’ Teatro Romano de Sagunto Hasta el 7 de septiembre de 2019
Inmunes al
azote del calor, las piedras del Teatro Romano enmarcan la 36 edición
del festival Sagunt a Escena con un contenido versátil que incluye
desde piezas dramáticas inspiradas en los grandes clásicos a
recitales de música, danza y circo. En total 32 espectáculos para
todos los gustos que combinan producciones
internacionales, estatales y valencianas. Bajo el lema ‘Palabras y
Sonidos’, es el programa más musical de los últimos años.
A
punto de cruzar el ecuador, el festival deja buen sabor de boca con
montajes espléndidos como ‘Viejo
amigo Cicerón’,
coproducción del Teatro Romea y el Festival Internacional de Teatro
Clásico de Mérida, un texto de Ernesto Caballero, dirigido por
Mario Gas e interpretado por Josep
Maria Pou, Bernat Quintana y Miranda Gas. Una obra que aproxima a los
ciudadanos de hoy esta figura histórica, cuyas reflexiones mantienen
plena vigencia, y que revive en escena junto a su secretario Tirón y
su hija Tulia.
Cicerón
fue protagonista de las luchas y transformaciones ocurridas en el
siglo primero anterior a nuestra era en Roma, personificando la
imagen de la integridad moral de quien mantiene la coherencia de sus
convicciones políticas incluso en las circunstancias más adversas.
Un político excepcional en medio de un mundo de mezquinas ambiciones
personales, deslealtades y pequeños enredos propios de la vida
pública. Político, jurista, orador, filósofo, divulgador, el
personaje encarna la máxima de Terencio: Nada humano le era ajeno.
Una
original versión del clásico inmortal
‘Hamlet’ se estrenó en el Centro Cultural Mario Monreal, producción
de la compañía valenciana Bambalina Teatre Practicable, dirigida
por Jaume Policarpo e interpretada por un solo actor manipulador de
títeres, Jorge Valle. Bambalina
propuso en su ‘Hamlet’ un juego particular con una de las tragedias
de Shakespeare sin dar nada por supuesto, intentando hacer lo más
difícil de la manera más sencilla. Con este punto de partida
planteó un reto con títeres que representan los personajes de la
tragedia y un solo intérprete-demiurgo buceando en la obra como
quien llega a un planeta inexplorado. Otros
espectáculos destacados fueron ‘Somni’, del Institut Valencià de
Cultura, con Núria Vizcarra y Juan Carrillo, el homenaje al maestro
Joaquín Rodrigo o el ballet ‘El Quijote de plata’, dirigido por Igor
Yebra.
Imagen de la puesta en escena de ‘Divinas palabras’, dirigida por José Carlos Plaza. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.
Superados los
rigores de la canícula, el festival afronta su segunda mitad en la
que todavía tiene mucho que ofrecer. Un aluvión
de propuestas entre las que destaca el ya sexto montaje que realiza
José Carlos Plaza de ‘Divinas palabras’, de Valle-Inclán, en escena
el 24 y 25 de agosto. Lo interpretan María Adánez, Javier Bermejo,
Alberto Berzal, María Heredia, Chema León, Carlos Martínez Abarca,
Ana Marzoa, Diana Palazón, Luis Rallo, José Luis Santar y Consuelo
Trujillo. Escrito en 1919 y publicado en 1920, este texto se sitúa
en un momento en que Ramón María del Valle-Inclán da forma a su
visión esperpéntica de la realidad. Dividido en tres jornadas, se
centra en la figura de un idiota, hidrocéfalo que, al morir su madre
es explotado por sus tíos que lo exhiben por las ferias como un
monstruo, que igual inspira compasión que burlas grotescas.
En palabras de
José Carlos Plaza, se trata de “una obra claramente agresiva, a
veces brutal. Inmersa en las raíces de un pueblo que, sin perder su
pasión, se comporta con el instinto y no con la razón. Un instinto
deformado que lleva a cometer acciones inimaginables y que corroen
los pilares de una sociedad burguesa, retrógrada y castradora. Y
todo ello a través de un acidísimo humor negro. Desde el concepto
de la familia, reflejada como una unión forzada que se usa como
tabla de salvación, al concepto del dinero como único y auténtico
dios que todo lo domina. Desde una miseria social y moral, al
concepto de orden establecido, corrupto y mezquino. O hasta los
miedos más profundos de la ignorancia. Y,
dominándolo todo, la religión”.
Enrico Barbaro y Asier Etxeandia protagonizan ‘Mastodonte’. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.
El 22 de agosto, Asier Etxeandia y Enrico Barbaro lanzan su primer proyecto musical, ‘Mastodonte’. Un viaje conceptual a través de la vivencia del ser humano desde una vida anterior a su nacimiento pasando por la niñez, la adolescencia, el descubrimiento de la pasión y el amor, la madurez, la perdida, el perdón y la muerte y serena aceptación de sus errores. El último día de agosto los amantes del flamenco tienen una cita con ‘Bailando con Carmen’, la primera ópera flamenca en la que el amor y la tragedia reflejan la sociedad actual.
Dentro del
circuito Off Roma se incluye, entre otras opciones,
‘Juicio y muerte de Sócrates’ (19 y 20 de agosto), un espectáculo
dividido en dos partes que revive los momentos de mayor tensión
vividos durante el juicio al que sometieron al filósofo griego,
acusado de introducir nuevas divinidades en Atenas y de corromper a
la juventud, y su posterior suicidio. ‘Con dos coplas de más’ llega
el 4 de septiembre, combinando música y poesía, y el 7 de
septiembre tendrá lugar una actuación del ganador o ganadora de la
edición de 2019 del Festival del Cante de las Minas.
Josep María Pou durante un instante de ‘Viejo amigo Cicerón’, dirigida por Mario Gas. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.
IV El Ruso Festival de música ecléctica de Alarcón Alarcón (Cuenca) Del 26 al 28 de julio de 2019
Reunir con ánimo de conciliar valores, ideas y tendencias. Así nació El Ruso Festival de música ecléctica de Alarcón y con esa misma filosofía ha llegado a su cuarta edición, celebrada este año entre el 26 y el 28 de julio. Nada mejor para arrancar que los soportales del ayuntamiento, un espacio abierto que, a modo de ágora griega, sirvió de escenario para dar la bienvenida al festival con el proyecto del inclasificable Gilbertástico, alter ego de Gilberto Aubán. El artista valenciano actuó solo, cual trovador del siglo XXI, y una vez más consiguió dar coherencia a una mezcla de estilos de lo más variada, una propuesta musical que aúna folk, jazz, psicodelia y ritmos balcánicos. Además, sentado al piano deleitó al público con un homenaje a Franco Battiato, una de sus mayores influencias.
Veinticuatro horas después, la tarde noche del sábado acogió el resto de conciertos. En esta ocasión el escenario ganó en altura y en vistas con el traslado a la terraza del restaurante de Raúl Poveda, ‘La cabaña de Alarcón’, uno de los patrocinadores del festival y parada ineludible en una visita a la localidad. El primer plato del menú lo cocinó el director artístico del festival, Néstor Mir, a quien su inquietud artística le ha movido más allá de los confines de la música para adentrarse también en las artes escénicas, la narrativa y el audiovisual. Agitador sociocultural y alma mater de la discográfica independiente Malatesta Records, Mir es un especialista en escribir y musicar historias cotidianas para discos arriesgados y atrevidos. En la cuarta edición del festival optó por presentarse en versión one man band para dar voz a parte de su repertorio más reciente acompañado de una Fender Jaguar, un secuenciador y un looper, aparatos que sumó a su propuesta asesorado por las alcoyanas Júlia, artistas invitadas a la primera edición del festival en el verano de 2016.
Con
los últimos rayos de sol llegó Petit Mal. El anaranjado atardecer
acompañó en escena a este grupo liderado por Suso Giménez, asiduo
al festival y que en esta ocasión estuvo acompañado por Anna Sanz
de Galdeano al violín, y Lourdes Casany al bajo acústico. Juntos
interpretaron buena parte del nuevo álbum de Petit Mal. ‘Andar
sobre hielo frágil’ha
visto la luz casi 15 años después de ‘Finlandia’,
pero mantiene su esencia. Canciones intimistas de aire nostálgico
con melodías delicadas, letras que conjugan el existencialismo y el
día a día en un propuesta musical que busca la emoción y lo
consigue. También hubo tiempo para recordar grandes éxitos de
‘Finlandia’
como ‘Yo
soy tu fan¡
y para versionear, con absoluta libertad, temas clásicos como el
‘China
girl’,
coescrito por Iggy Pop y David Bowie.
Gilberto Aubán, Gilbertástico, durante su actuación en el festival. Fotografía: Marisa Giménez Soler.
Después de cenar se encargó de amenizar el postre la dulce y potente voz de Elen & Roseville, proyecto personal de Elena G. Morillas, acompañada por el artista de Java (Indonesia) Hans van de Stadt (ármonica, voz y guitarra). Su propuesta musical, también ecléctica, hizo viajar al público por diferentes rincones del mundo. A través de la unión de diferentes estilos musicales y letras compuestas en francés, inglés y árabe, Elen & Roseville camina con equilibrio entre el rock, el blues, el folk francés y la música étnica.
Fue el broche final a la parte musical de un festival alejado de modas y carteles de renombre, pero con proyectos de indudable calidad. Una propuesta sólida que goza de la belleza de la intimidad en un entorno medieval envidiable. También del apoyo incondicional del Ayuntamiento de Alarcón.
Paralelamente a la propuesta musical, el festival tiene su vertiente cultural con sede en el Museo del Ruso, espacio de arte contemporáneo dirigido por Marisa Giménez Soler, directora del festival, galerista y comisaria de arte, pero sobre todo una mente inquieta que desde aquellos maravillosos años de La Esfera Azul no ha parado de idear interesantes proyectos. El museo fue parte del desaparecido palacio de los Castañeda, del que solo se conserva la imponente portada del siglo XVI y su nombre procede del pintor y coleccionista ruso Miguel Ourvantzoff, que vivió durante años en Alarcón.
Posado grupal de artistas, músicos, gestores y patrocinadores del festival. Fotografía cortesía de Marisa Giménez Soler.
En su pequeña y única sala, y coincidiendo con el festival, se ha inaugurado la exposición ‘Colectiva ecléctica’, que reúne tres propuestas completamente diferentes: obras de Calo Carratalá (Torrent, 1959), Felicia Puerta (Murcia, 1967) y Fernando García del Real (València, 1967).
Calo
Carratalá, considerado uno de los exponentes del nuevo paisajismo
contemporáneo, muestra obras de su viaje a Tanzania, una mirada
cautivadora sobre la naturaleza. La obra de Felicia Puerta, profesora
de la Facultad de Bellas Artes de València, se caracteriza por la
abstracción pura, la geometría y el minimalismo, plasmados en
texturas y una sobria paleta cromática. Fernando García del Real se
expresa a través del collage digital. Sus obras destilan un
atractivo estilo retro contemporáneo que sorprende por la original
descontextualización de imágenes, con claras influencias del cine,
la música, la literatura y el cómic.
El
festival es una ocasión perfecta para conocer Alarcón, pero
cualquier momento es bueno para descubrir un lugar que atrapa. Un
pueblo asentado sobre un promontorio y rodeado por una doble muralla,
la medieval y la formada por un meandro del Júcar. Coronado por una
fortaleza medieval de origen musulmán, Alarcón ofrece al visitante
una buena dosis de arquitectura religiosa y civil que le valieron el
reconocimiento de conjunto histórico artístico hace ya más de tres
décadas.
Petit Mal durante un instante de su concierto durante la cuarta edición de El Ruso Festival de música ecléctica. Fotografía: Marisa Giménez Soler.
MAKMA ISSUE #01 Opinión | Antonio Ariño (vicerrector de Cultura e Igualdad de la UV) MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, 2018
Cuando
llegué por primera vez al Vicerrectorado de Cultura se me preguntó,
desde un medio de comunicación, que cuál era el proyecto que traía
para La Nau y en qué medida iba a suplir las carencias de otras
administraciones –estoy hablando del año 2011–. No dudé ni un
segundo (creo) en la respuesta: la misión cultural de la Universidad
viene regulada en la legislación universitaria, por tanto, no entra
en competencia con otras administraciones ni debe adoptar una función
supletoria.
¿Cuál
es el planteamiento que debe seguir la Universidad en relación con
la cultura? Al menos hay que remontarse al último cuarto del siglo
XIX cuando, entre otros, Rafael Altamira puso en marcha la extensión
universitaria, para encontrar un enfoque certero. Su planteamiento
era muy claro. En una universidad elitista, había que sacar el saber
a las calles, a los barrios obreros, a las clases populares. Por otro
lado, decía que toda persona es siempre “más que su profesión”,
el químico también se ha de formar como ser humano (y, añadiríamos
hoy, como ciudadano).
Página inicial del artículo publicado en MAKMA ISSUE #01.
Así
pues, la misión cultural de la Universidad se bifurca en dos
dimensiones: la democratización
del saber
que se genera en sus espacios de investigación y se transmite en sus
aulas, y la formación
integral
para quienes forman parte de la comunidad universitaria y, en
especial, para el estudiantado.
Esta misión no ha perdido vigencia, aunque en una sociedad digital y del aprendizaje han cambiado (o deben cambiar) los medios, los programas y las formas de llevarlos a cabo. La cultura que debe transmitir y/o crear la Universidad no es cualquier cultura. Hay muchas formas culturales aborrecibles. El sello “cultura” no es garantía de nada. La cultura que compete a la Universidad ha de ser, en primer lugar y sin género de dudas, una cultura científica y crítica, que se basa en el conocimiento más sólido y se orienta a desmontar prejuicios y mitos de toda clase que proliferan y abundan en cualquier sociedad.
Puede resultar sorprendente, pero hay que afirmarlo con rotundidad: nuestra sociedad da pábulo y crédito a toda clase de prejuicios y mitos. Los estamos viendo apoderarse de gobiernos y gobernantes estos días, en la Europa post-ilustrada, como si retornáramos a épocas nefastas. Miles de millones de personas murieron y mataron en las dos guerras mundiales por mitos y prejuicios. Ahora estos pueden sustentarse en un ropaje científico o incluso revestirse con los argumentos de que se actúa por el bien general y el bien público, pero no hay tal y la función de la Universidad debe seguir siendo la de desenmascarar y la de provocar.
Portada de MAKMA ISSUE #01, a partir de una de las obras del proyecto ‘Caminos del deseo’, del artista y miembro de MAKMA Ismael Teira.
Desenmascarar. Cuando se dice que vivimos en la era de la posverdad se da pábulo a un mito. ¿Ha existido alguna era de la verdad? ¿Cuándo no han intentado todos los poderes existentes legitimarse más allá del cimiento democrático? ¿Cómo defender sin sonrojo que la educación nos hace libres? ¿Qué educación? ¿Qué libertad?
Provocar. Porque es muy fácil acomodarse a clichés explicativos y parece tarea ardua cambiarlos por otros más convincentes si alguien no sacude nuestro sopor. Conviene recordar el poema de Brecht sobre el hombre con muletas que fue a visitar al médico. Este le preguntó: ¿por qué llevas muletas? Porque estoy tullido, respondió el paciente. El médico le invitó a caminar, aunque fuera a cuatro patas; le quitó las muletas y se las rompió en la espalda. “Ahora estoy curado. Ando. Me curó una carcajada. Tan sólo a veces, cuando veo palos, camino algo peor por unas horas”.
La cultura que proponemos en exposiciones, seminarios, conferencias, talleres, debería provocar nuestros modos de pensar y quitarnos las muletas. Cultura crítica, pero también cultura inclusiva y democrática.
Claustro y deambulatorio del Centre Cultural La Nau. Fotografía: Miguel Lorenzo.
MAKMA ISSUE #01 Entrevista a José Miguel G. Cortés, director del IVAM MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, 2018
José Miguel G. Cortés, director del IVAM, habla en todo momento de proyecto, porque según él la mayoría de museos y centros de arte cuentan con programaciones que valen para cualquier sitio. Y su proyecto, con una mirada internacional y cosmopolita, no se olvida de la proximidad y la singularidad del entorno. También critica los tiempos livianos actuales que dan por válido todo, al tiempo que se manifiesta contrario a la dictadura de las audiencias. Sueña con un IVAM del siglo XXI ampliado, porque necesita más espacio para mostrar en condiciones los más de 100 años de arte moderno y contemporáneo que atesora el museo valenciano.
¿Qué
tiene el IVAM que no tengan otros museos?
El IVAM fue uno de los primeros museos de arte moderno y contemporáneo que se creó en España y que lo ha hecho de una manera distinta. Incluso antes de inaugurarse ya tenía una colección importante. En otros muchos museos, primero se creó el espacio y luego se ha ido comprando la colección. Yo he intentado recuperar esa actitud de, lo primero de todo, tener un proyecto. De hecho, uno de los grandes problemas que ha tenido precisamente el IVAM durante estos últimos años es que no ha tenido un proyecto. Y el no tener proyecto lo que significa es que todo vale, de manera que no puedes discutir por qué se hace una cosa u otra porque no hay ningún criterio.
¿Y
cuál es su proyecto?
El proyecto que yo presenté tiene unas características muy específicas. Por un lado, que tenga una mirada internacional y cosmopolita y, por otro, muy anclado en el entorno. Uno de los problemas que tenemos es que la inmensa mayoría de los museos y los centros de arte da igual que estén en Valencia o en Honolulu. Y me refiero a espacios tanto públicos como privados. Son programaciones que se pueden hacer en cualquier sitio. Un ejemplo (y no es que me parezca mal): la fotografía de calle norteamericana está muy bien pero la puedes hacer en Valencia, en Bilbao, Estrasburgo, Liverpool o donde sea. Entonces, trabajar el entorno es algo fundamental bajo mi punto de vista.
¿Cómo
se atrae al público en la coyuntura actual?
Hay que trabajar con una concepción del arte que no se vea como un aspecto de banalización, de vulgarización del pensamiento. Creo que vivimos en unos tiempos livianos, en los cuales cualquier cosa es válida y no tienes que justificar nada, simplemente que está bien, es chulo, o es joven o es viejo, como si eso fuera un valor en sí mismo. Habrá gente joven que tenga discursos muy bien elaborados y gente mayor que no los tenga. El problema, entonces, no es ser joven o viejo, sino qué cuentas, en torno a qué.
Extracto inicial de la entrevista publicada en MAKMA ISSUE #01.
¿Y en qué se centra su proyecto, qué cuenta?
El actual proyecto del IVAM se basa en varios ejes. Y uno de ellos es el Mediterráneo, que es una parcela que nadie estaba reivindicando hasta ese momento. ¿Y por qué el Mediterráneo y no el Atlántico? Bueno, pues porque nuestras raíces históricas, sociales y culturales tienen que ver con el Mediterráneo.
¿Y
eso atrae?
El IVAM no está en el ranking del número de visitantes. Esa no es nuestra lucha, no es nuestro planteamiento, no es nuestra liga. Nuestro planteamiento es: o el IVAM sirve para ampliar nuestra mente, para hacernos mejores sensitiva y conceptualmente, o no sirve para nada, por muchos millones de visitantes que tenga. A un museo no se le puede medir por el parámetro del número de visitantes –ese puede ser uno, pero secundario–. Lo fundamental es cómo ayudas a difundir el conocimiento del arte. Por poner un ejemplo, entre muchos: ¿qué es mejor, una película de La 2, que ven 100.000 personas (¡que ya son personas!), u otra de La 1 o de Telecinco, que ven dos millones de personas, que es un blockbuster sin el menor interés, ni fílmicamente ni en ningún otro sentido? Ahí está la cuestión.
También es importante cómo haces las cosas. Tú puedes hacer una exposición y poner los medios para que la gente la entienda. Las exposiciones temáticas son una forma de atraer a un público distinto. No se trata de hacer una programación difícil, críptica, extraña, sino de hacer una programación exigente, pero poniendo los medios para que a la gente le interese. ¿Que es complicado? Sí, es complicado, pero se trata de trabajar para lograrlo.
Esto
nos lleva al dilema de ofrecer al público lo que supuestamente se
espera de él o arriesgar a la hora de programar.
No se trata de culpabilizar a nadie, pero generalmente hay una conciencia de que todo tiene que ser flojo, débil, banal, superficial, una actitud no hedonista de la vida, sino intrascendente de la existencia, y que lo otro es aburrido. Y claro está que hay cosas sesudas, aburridas y mal planteadas, y cosas banales muy divertidas. No se trata de plantearlo en blanco o negro. Hoy en día ya no hay un público, sino muchos públicos, hay minorías de públicos. Y un centro vivo como el IVAM tiene que ser capaz de llegar a todas esas minorías con actividades diversas, sin importar si a una conferencia vienen diez o vienen cincuenta. Esa carrera alocada por la audiencia no nos lleva a ninguna parte.
¿Atender
a lo más próximo significa descuidar lo más alejado y viceversa?
Pues no. Mira, un ejemplo, Josep Renau y Martha Rosler. En esta ciudad, en esta Comunidad, en este País Valenciano /llamémosle como queramos), a Josep Renau se le ha visto miles de veces, por arriba, por abajo, por delante, por detrás, de miles de maneras, pero, qué casualidad, a nadie se le había ocurrido plantear a Renau con otros artistas internacionales. ¡Joder, menudo olvido!
Portada de MAKMA ISSUE #01, a partir de una de las obras del proyecto ‘Caminos del deseo’, del artista y miembro de MAKMA Ismael Teira.
¿El
IVAM, como museo público, se enfrenta al auge de la iniciativa
privada por dejadez de las instituciones públicas en relación con
la cultura?
Que quede claro, si alguien se gasta dinero en comprar arte, muchísimo mejor que si se lo gasta en un yate. Pero, ojito, porque esto es igual que los hospitales privados y las universidades privadas. ¿Quién tiene biblioteca? Los museos públicos. ¿Quién hace exposiciones y trabajos sobre cuestiones que nadie trabaja? El IVAM. Si me muestras siempre Sorolla o Manolo Valdés o un artista norteamericano muy conocido, pues vale, eso es lo mismo que hacen las universidades privadas. ¿Qué es lo que se vende, medicina, arquitectura y derecho? Perfecto, pues para mí y para ti, poesía francesa del XVIII. Yo vengo de la pública y ahí trabajamos sobre aspectos que nadie trabaja.
De manera que yo amor al arte, todo, pero soy del amor al arte de Soledad Lorenzo, que cede su obra al Reina Sofía, de Martínez Guerricabeitia, que cede su obra a la Universidad de Valencia, de los coleccionistas norteamericanos que dan 200 millones de dólares [y lo repite], 200 millones de dólares, para la ampliación del MoMA. Yo soy de esos.
Pero
ante la dejadez de lo público –que la ha habido en materia de
cultura–, lógico que se hayan volcado muchos en busca de esa
iniciativa privada, ¿no?
¿Sabe las dificultades que hay para que un museo público funcione? Son brutales. De personal, de presupuesto, de cuestiones administrativas… La ley de mecenazgo permite que una empresa privada se desgrave por compra de obra y nosotros no. Tú tienes un Picasso, me lo cedes a mí y, hoy por hoy, no te lo puedes desgravar, y se lo cedes a una empresa privada y puedes hacerlo. ¡Si esto no es ir contra la institución pública, que venga dios y lo vea!
¿La
colección del IVAM es uno de los puntos fuertes de su proyecto?
Estamos
en lo mismo. No se trata de hacer colección por colección. Tenemos
más de 11.000 obras. Y estamos en un intento de organizar, de
estructurar la colección. Yo me encontré con cosas muy buenas y
también con un totum
revolutum.
Por ejemplo, lo que se hizo con las vanguardias europeas de los años
20 y 30 todavía tiene coherencia. Esto es de lo mejor a nivel
estatal. Es que en Valencia no se tiene ni idea de lo que tenemos. El
tema también de fotografía, de arte pop español y extranjero,
realmente bueno. Hasta los 70 tenemos una colección magnífica y a
partir de ahí tenemos obras muy buenas, pero no tenemos colección.
¿Y
qué presupuesto de compra tiene?
Cuando yo entré teníamos 80.000 euros y el año pasado ya teníamos 600.000. Hemos dado un salto importante.
Entonces,
¿existe ahora una mayor sensibilidad política?
No toda la que nos hubiera gustado, pero también es verdad que yo pido más.
Tiene
contrato hasta 2020, ¿es tiempo suficiente para desarrollar su
proyecto?
Para un museo como el IVAM yo pienso que cada cuatro años es poco, has de contar con un mínimo de 10 años. Menos, no te da tiempo a nada, entre que tomas posesión del cargo, conoces donde están las cosas y demás, se te he pasado ya un año.
¿Cómo
está posicionado el IVAM con respecto a otros museos?
Pienso que tiene una identidad propia y muy específica. Estamos trabajando mucho en torno al Mediterráneo, o en la presencia de las mujeres en la colección. Y en museos importantes de arte moderno y contemporáneo solo estamos el Reina Sofía y nosotros. Y el IVAM antes.
Pero
el IVAM arrastra cierta mala imagen de estos últimos años.
Es un trabajo larguísimo que hay que hacer. Pero lo cierto es que no hay nadie en España que le interese el arte que no valore al IVAM como uno de los mejores museos y con una programación más coherente y más interesante de este país. El MACBA en 2018 tiene seis exposiciones y nosotros tenemos 12.
José Miguel G. Cortés. Fotografía: Biel Aliño.
¿No
caemos con eso a la valoración en función de la cantidad?
No, a ver, tampoco se puede obviar que si un museo como el MACBA hace seis exposiciones y de las seis, solamente una corresponde a una mujer, ya no es una cuestión de números, sino de cultura ideológica. Nosotros estamos prestando mucha atención al trabajo realizado por mujeres y por mujeres a las que, pensamos, no se les ha dado la oportunidad que merecen.
¿Qué
le gustaría dejar como legado?
Me gustaría, en el 30 aniversario, darle un impulso al IVAM. En dos sentidos: por un lado, consolidar el museo de arte moderno, que sería el centro Julio González –y aquí incidir mucho en la colección–, y, por otro lado, digitalizar la colección para que pudiera estar a disposición de los estudiosos. Y una cosa más: ampliar la labor de la biblioteca, que es magnífica y ahora está muy reducida, y darle mayor importancia a la educación, a la didáctica. Todo eso con relación al centro Julio González.
Y luego, la ampliación del IVAM del siglo XXI, porque el IVAM necesita otros espacios, otras maneras de abordar el arte de los últimos 20 o 30 años y el arte del futuro. Y aquí no tenemos espacio para abordar todo esto. Nosotros tenemos, en cuanto a metros cuadrados y en cuanto a presupuesto, teniendo en cuenta el arco histórico que estamos trabajando, desde inicios del siglo XX hasta mañana, un espacio ridículo. Estamos trabajando un siglo. Hay sitios que tienen menos que nosotros, pero están trabajando con chavales jóvenes.
¿Cómo
Luther King, usted también tiene el sueño de un IVAM del siglo XXI
ampliado y carente de polémicas?
Bueno, cuando se creó el IVAM ya hubo mucha polémica, porque luego las cosas se mitifican. Yo considero que igual que digo que no se puede comprar o exponer cualquier cosa, sino que todo tiene que ir en función a un programa, también deberíamos tener las líneas muy claras con respecto a la política cultural que nos gustaría tener. Y hay cosas que son fundamentales. El IVAM se creó hace 29 años y medio y fue un acierto completo, a pesar de la polémica y que iban cuatro a las exposiciones, porque repito que aquí las cosas se mitifican. Al Centro del Carmen iban otros cuatro, porque yo estaba allí y la segunda exposición la hice yo. Y ahora parece que todo aquello era maravilloso, cuando resulta que el 80% de los que hablan de eso ni venían. Bueno, pues se trata de hacer una apuesta, y este es el momento de aprovechar el 30 aniversario del IVAM para hacerla.
Esta entrevista fue publicada en MAKMA ISSUE #01, revista especial en papel con motivo del quinto aniversario de MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, en junio de 2018.
