Observar y escribir: Joan F. Mira

Joan F. Mira. L’ofici d’observar i escriure
Sala 2. Museu Valencià d’Etnologia
C/ Corona, 36. Valencia
Inauguración: 15 de diciembre 2016 a las 20h

La figura de Joan Francesc Mira (Valencia, 1939) resulta extraordinaria por su versatilidad y su incombustible producción académica que le convierten, sin lugar a dudas, en uno de los mayores y más laureados intelectuales del País Valenciano de nuestro tiempo.

«Escribir es mi manera de estar en el mundo. La otra es la responsabilidad cívica». Bajo estas premisas con las que se define el propio autor, la exposición El oficio de observar y escribir que presenta el Museu Valencià d’Etnologia rinde homenaje al enorme legado intelectual de Joan Francesc Mira. En ella se propone un recorrido secuencial y retrospectivo, a partir de cuatro líneas analíticas interconectadas. Asistiremos a los hitos biográficos que han marcado esta personalidad carismática y polifacética para pasar a contextualizar el trabajo etnográfico y antropológico que, desde los años sesenta y setenta, convierten a Mira en uno de los pioneros de la Antropología del Estado español.

En pleno proceso de transformación y desintegración de la sociedad rural valenciana, Mira emprendió un ambicioso proyecto para salvaguardar un enorme legado etnográfico como testimonio de la cultura material e inmaterial de su entorno. Proyecto que culminó con la constitución del Museu d’Etnologia de València, en 1982. Por último, este recorrido nos aproximará a la figura del Mira intelectual y comprometido con el país, pues defendió con ahínco el proyecto nacionalista de reconocimiento cultural y político del País Valenciano. Esta producción poliédrica ha dado lugar a una lista inagotable de publicaciones en los más diferentes registros.

Joan F. Mira. Imagen cortesía Museu d'Etnologia.

Joan F. Mira. Imagen cortesía Museu d’Etnologia.

La exposición ha sido producida por el Museu Valencia d’Etnología y la Universitat de València (Facultad de Ciencias Sociales), y está comisariada por Beatriz Santamarina, profesora del Departamento de Sociología y Antropología Social de la Universitat de València.

Las Diosas: figuraciones de lo femenino

VII Congreso Internacional de Análisis Textual: Las Diosas
Facultad de Ciencias de la Información
Universidad Complutense de Madrid
25, 26 y 27 de marzo de 2015

La consolidación del Dios de Occidente, monoteísta y patriarcal, vino a desdibujar un largo periodo anterior en el que las divinidades matriarcales ocupaban lugares de privilegio en sus respectivos panteones. Su estudio sigue pendiente, no sólo para ampliar el conocimiento de los universos simbólicos del pasado, sino también para mejor comprender y aquilatar la novedad que hubo de suponer la irrupción del nuevo Dios que vino a arrinconarlas en un panteón profundamente transformado por su nuevo protagonismo.

Detalle del cartel del congreso Las Diosas, obra de Luis Sánchez de Lamadrid. Asociación Cultural Trama y Fondo. Universidad Complutense de Madrid.

Detalle del cartel del congreso Las Diosas, obra de Luis Sánchez de Lamadrid. Asociación Cultural Trama y Fondo. Universidad Complutense de Madrid.

Es ésta, por otra parte, una temática que cobra una especial actualidad una vez que el Dios patriarcal ha caído de la que fuera su posición de dominio. Son muchas las preguntas que desde entonces han quedado abiertas, no sólo para la antropología, sino también para la psicología y el psicoanálisis, para la historia del arte y la de los discursos de los medios de comunicación de masas, para la sociología, la política, los estudios culturales y de género…

Pandora, de Alexandre Cabanel, extraído del video 'The Metamorphosis of the Goddess', de Miguel Lázaro Bernuy para el congreso Las Diosas de Trama y Fondo.

Pandora, de Alexandre Cabanel, extraído del video ‘The Metamorphosis of the Goddess’, de Miguel Lázaro Bernuy para el congreso Las Diosas de Trama y Fondo.

La caída del Dios patriarcal, ¿constituye el punto final de la historia de los dioses o abre el campo al retorno de otras divinidades más antiguas? ¿En qué medida los discursos indigenistas, ecologistas o nacionalistas poseen resonancias mitológicas de antiguas divinidades maternas? Si el Dios patriarcal fue el pilar simbólico en el que se asentaba el prestigio de la función paterna, ¿hasta qué punto su caída dificulta la presencia y la eficacia de ésta? Y sobre todo: la construcción de la subjetividad en el mundo contemporáneo, ¿se realiza al margen de todo presupuesto mitológico o, por el contrario, actúan en él moldes mitológicos implícitos que escapan a la conciencia de los sujetos?

Venus Verticordia, de Rossetti, extraído del video 'The Metamorphosis of the Goddess, de Miguel Lázaro Bernuy para el congreso Las Diosas de Trama y Fondo.

Venus Verticordia, de Rossetti, extraído del video ‘The Metamorphosis of the Goddess, de Miguel Lázaro Bernuy para el congreso Las Diosas de Trama y Fondo.

Y está, por otra parte, el paisaje visual contemporáneo, tal y como se realiza en la web y en la televisión, en la publicidad, en el cine, en la literatura, la pintura y las nuevas escenografías de la música contemporánea. Todo parece indicar que en él, y con independencia de la valoración final que de ello pueda realizarse, cierta aura de divinidad inviste a las más variadas figuraciones de lo femenino.

Detalle del cartel del congreso Las Diosas, obra de Luis Sánchez de Lamadrid. Asociación Cultural Trama y Fondo. Universidad Complutense de Madrid.

Detalle del cartel del congreso Las Diosas, obra de Luis Sánchez de Lamadrid. Asociación Cultural Trama y Fondo. Universidad Complutense de Madrid.

Es éste pues un territorio tan amplio como pregnante que resulta idóneo para orientar los trabajos del VII Congreso Internacional de Análisis Textual que, con el tema “Las Diosas”, convoca la Asociación Cultural Trama y Fondo con la colaboración de la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid para los días 25, 26 y 27 del mes de marzo de 2015.

Como es costumbre en los congresos de Trama y Fondo, sólo existe un pie forzado para participar en él: que las reflexiones suscitadas encuentren su apoyo y verificación en el ejercicio de análisis de un determinado texto o conjunto de textos de referencia.

Palas Atenea, de Gustave Klimt, extraído del video 'The Metamorphosis of the Goddess', de Miguel Lázaro Bernuy para el congreso 'Las Diosas' de Trama y Fondo.

Palas Atenea, de Gustave Klimt, extraído del video ‘The Metamorphosis of the Goddess’, de Miguel Lázaro Bernuy para el congreso ‘Las Diosas’ de Trama y Fondo.

14 artistas Por venir en Casa de Velázquez

Por venir, exposición colectiva
Casa de Velázquez – Académie de France à Madrid
C/ de Paul Guinard, 3. Madrid
Inauguración: 3 de diciembre a las 20:00 horas
Del 3 de diciembre de 2014 al 15 de febrero de 2015

Como cada año, la Casa de Velázquez – Académie de France à Madrid realiza una exposición colectiva en la que participan los artistas miembros así como los becados en residencia. La muestra del ejercicio 2014-2015 propone un recorrido multidisciplinar por las obras de catorce artistas, en su mayoría franceses y españoles, englobados bajo el título ‘Por venir’: un desideratum que ratifica el empeño de esta institución pública francesa por fomentar la creación y la investigación artística contemporánea; labor que desempeña desde su fundación en los años veinte del siglo pasado.

Planteada como una rica panoplia de técnicas y estilos, ‘Por venir’ abarca diversas disciplinas que van de la pintura al vídeo, pasando por la instalación, la fotografía, el dibujo y el grabado, elaborando así un repaso aproximado de la joven creación contemporánea.

Casa G. Imagen por cortesía de Esaú Costa.

Casa G. Imagen por cortesía de Esaú Costa.

El arquitecto Esaú Acosta (España, 1978) (http://www.estudiosic.es/) participa con fotografías y maquetas del proceso de su proyecto “Casa G” en el que reflexiona acerca de cómo una pareja heterosexual española configura su estilo de vida a través del diseño de su vivienda, buscando reforzar con ella su capital simbólico. Un proyecto arquitectónico y sociológico que gira alrededor del pensamiento de Pierre Bourdieu, resumido parcialmente en la sentencia: “La configuración del hábitat no se realiza por la verdadera naturaleza de sus partes; sino por la ‘legitimación del gusto’ y su relación con lo dominante”.

TTIP. Imagen por cortesía de Tania Blanco.

TTIP. Imagen por cortesía de Tania Blanco.

Tania Blanco (España, 1978) (http://www.taniablanco.com/) recrea el ambiente de una sala de espera presidida por la escultura-pintura de un reloj simbólico que, de manera análoga al Doomsday Clock de la Universidad de Chicago, avisa del impacto socio-económico que producirá el acuerdo de la Asociación Transatlántica para el Comercio y la Inversión  (TTIP) que se negocia actualmente entre los EE. UU. y la U.E., a través de un listado de ítems que advierten sobre la “privatización feroz de los servicios públicos” o  el “entierro definitivo del concepto de soberanía nacional”. Sobre la mesa, una réplica en resina de un periódico imposible de desplegar nos alerta de la opacidad informativa con la que dicho acuerdo se está llevando a cabo.

"Je me suis dévêtue pour monter à un arbre". Imagen por cortesía de Hélène Damville.

“Je me suis dévêtue pour monter à un arbre”. Imagen por cortesía de Hélène Damville.

Las xilografías de Hélène Damville (Francia, 1984) (http://helene-damville.blogspot.com.es/) basadas en la observación romántica del paisaje, representan troncos y ramas de árboles y cepas que se retuercen mostrando sus nudos como en una visión onírica. Una representación personal de la arquitectura de la naturaleza que imbrica sus cualidades vegetales y minerales asimilándolas a una apariencia ósea  que se funden en escenas de cierto halo macabro, potenciadas por la dureza del blanco y negro.

The World. Imagen por cortesía de Daniel Escobar.

The World. Imagen por cortesía de Daniel Escobar.

Daniel Escobar (Brasil, 1982) (http://danielescobar.com.br/) propone una disertación acerca de la configuración de la imagen de los países por parte de la industria del turismo, ligando las ideas de geografía y consumo. Su pieza es un objeto escultórico construido mediante la intervención de una guía turística corriente que deviene en un libro pop-up, a la manera de esos cuentos infantiles que convierten la ficción del relato en una realidad en tres dimensiones; como una verdad insondable.

"Après une visite en Palestine". Imagen por cortesía de Baptiste Fompeyrine.

“Après une visite en Palestine”. Imagen por cortesía de Baptiste Fompeyrine.

Baptiste Fompeyrine (Francia, 1989) elabora unas escenas preciosistas de reminiscencias orientales con sus grabados al aguafuerte, al aguatinta y a la manera negra. Sus composiciones, herederas del espíritu documentalista y satírico de los viejos maestros del grabado francés del siglo XIX, suponen la representación idealizada de los propios recuerdos del artista; personajes, paisajes y situaciones extraordinarias materializados con sutiles texturas y claroscuros y su enorme capacidad para el dibujo.

"Bakki". Imagen por cortesía de Didier Hamey.

“Bakki”. Imagen por cortesía de Didier Hamey.

El universo mágico de Didier Hamey (Francia, 1962) (http://didier.hamey.free.fr/) queda patente en sus minuciosos grabados, plagados de seres zoomorfos, antropomorfos y vegetales, fantásticos y carnavalescos. Un alegato de la joie de vivre desde la mirada aparentemente inocente de quien alberga un profundo amor por la naturaleza y aderezada con la consciencia del reverso inquietante que impregna todas las cosas.

"Des châteaux en Espagne". Imagen por cortesía de Guillaume Lemarchal.

“Des châteaux en Espagne”. Imagen por cortesía de Guillaume Lemarchal.

El fotógrafo Guillaume Lemarchal (Francia, 1974) (http://www.guillaumelemarchal.com/) presenta dos fotografías paisajísticas de su proyecto sobre los castillos españoles; enclaves a los que otorga las cualidades del espejismo y la ensoñación. Recurrentes en su trabajo, la luz y el paisaje como objeto, son manipulados por el objetivo fotográfico para potenciar esos “lugares fantaseados” que encuentra y resignifica poéticamente, poniendo en relación al hombre con su historia y su tiempo.

"The Walking Pillows". Imagen por cortesía de Albert Merino.

“The Walking Pillows”. Imagen por cortesía de Albert Merino.

El videasta Albert Merino (España, 1979) (http://albertmerino.com/web/) está presente con su vídeo The Walking Pillows en el que un ejército de trabajadores sin rostro rastrean las huellas de vidas remotas a medio camino entre lo mítico y lo real. Como es habitual en su producción audiovisual, lo real y lo irreal se entremezclan en entornos verosímiles, alternando su particular imaginario fantástico con el absurdo cotidiano.

"Points Noirs". Imagen por cortesía de Sarah Miller.

“Points Noirs”. Imagen por cortesía de Sarah Miller.

Los dibujos a lápiz y polvo de grafito de Sarah Miller (Francia, 1985) (http://sarahnavassemiller.free.fr/) subliman los pequeños detalles cotidianos, los instantes fugaces y los gestos más sutiles en escenas de gran formato en las que, con un tratamiento brumoso del dibujo y una composición casi fotográfica, centra su atención en el lenguaje corporal y en la emoción contenida en cada momento.

"Typing". Imagen por cortesía de Renaud Perrin.

“Typing”. Imagen por cortesía de Renaud Perrin.

El ilustrador y animador audiovisual Renaud Perrin (Francia, 1977) (http://perrin.renaud.free.fr/) aporta las pequeñas escenas “dibujadas” con máquina de escribir y tintas de colores de su serie “Typing”: personajes, edificios y objetos de uso cotidiano esquematizados que adquieren la apariencia naïf de los bordados coloristas de punto de cruz.

"Le Rosicruchien". Imagen por cortesía de Agathe Pitié.

“Le Rosicruchien”. Imagen por cortesía de Agathe Pitié.

Las xilografías de Agathe Pitié (Francia, 1986) (https://www.facebook.com/pages/Agathe-Piti%C3%A9/187770171303785?fref=ts) forman parte de su serie “Impertinences”: un trabajo que remite a los grabados medievales de corte moralizante y a la emblemática y que, de manera satírica, la artista revisita desde una óptica contemporánea. Sus personajes encierran significados ocultos y símbolos herméticos llegando incluso a un absurdo tragicómico, que se ve potenciado por el carácter expresivo y conscientemente arcaizante del trazo.

"Perenne. Cuello" (detalle). Imagen por cortesía de Esther Señor.

“Perenne. Cuello” (detalle). Imagen por cortesía de Esther Señor.

La instalación de Esther Señor (España, 1982) (http://www.senorcifrian.com/) que conforma el colectivo “Señor Cifrián” con Carmen Cifrián, presenta un juego de espejos acerca del mismo referente: un cuello de camisa intervenido con pétalos de geranio y conservado en parafina. Una construcción poética de la realidad titulada “Perenne. Cuello” en la que el objeto escultórico, su captura fotográfica y el muestrario de pétalos utilizados, componen un arte expandido que reflexiona acerca de los distintos modos de representación, el atesoramiento de los recuerdos y la reivindicación del proceso creativo.

"1 + 1 + 1 + ... + 1 = 547". Imagen por cortesía de Pep Vidal.

“1 + 1 + 1 + … + 1 = 547″. Imagen por cortesía de Pep Vidal.

El artista, físico y matemático Pep Vidal (España, 1980) (http://www.pepvidal.com/) analiza el desorden, los cambios infinitesimales de los procesos y los conceptos de caos y entropía y los plasma en dibujos de carácter científico en los que la repetición metódica juega con la alternancia del vacío y la mancha y la imprevisibilidad del azar.

"Sin título". Imagen por cortesía de Federico Miró.

“Sin título”. Imagen por cortesía de Federico Miró.

Por último, las pinturas de Federico Miró (España, 1991) (http://www.federicomiro.com/), ganador del Premio Salón de Verano 2014, pertenecientes a su serie “Tras las apariencias”, en la que el artista superpone finas líneas de pintura acrílica que, en su conjunto, dan la sensación de que nos encontramos ante una imagen digital, pixelada, errática. A partir del referente figurativo de la naturaleza, las abstracciones que el artista compone se convierten en una suerte de estratigrafía natural e incluso en el reverso de un tapiz colorista.

Una muestra ecléctica que aglutina catorce visiones, poéticas, lenguajes e intenciones distintas que los artistas residentes en la Casa de Velázquez continuarán desarrollando, en su mayor parte, hasta mediados de 2015. Una buena oportunidad para conocer las diversas propuestas de un grupo de artistas a los que se augura y se desea un gran porvenir.

Manuel Garrido Barberá

La ciencia también es cosa de mujeres

Rompiendo barreras. Mujeres y ciencias
Comisariado: María Carmen San Julián y Natalia Torres
Instituto de Historia de la Medicina y de la Ciencia López Piñero
Palau de Cerveró de la Universitat de Valéncia
Plaça de Cisneros, 4. Valencia
Hasta el 9 de enero de 2015

Para que la corrección política no convierta este tipo de exposiciones en un afirmativo cabeceo de incredulidad (¿cómo es posible que tal cosa suceda?), habría que seguirle el rastro a Zygmunt Bauman cuando se puso a analizar el fenómeno del Holocausto. De manera que, como expresó el sociólogo, “el examen de las culpas” no disfrace la “investigación sobre las causas”. Que la sociedad patriarcal sea culpable de buena parte de la discriminación de la mujer resulta, a estas alturas, insuficiente a la hora de abordar tal fenómeno. Salvo que lo que pretendamos sea levantar una venda para poner otra.

Una de las citas recogidas en el 'túnel de tópicos sexistas' de la exposición 'Trencant barrees. Dones i ciències' que acoge el Palau de Cerveró.

Una de las citas recogidas en el ‘túnel de tópicos sexistas’ de la exposición ‘Trencant barreres. Dones i ciències’ que acoge el Palau de Cerveró.

Valga la exposición ‘Trencant barreres. Dones i ciències’ como recordatorio de un hecho palmario: el silencio en torno a la gran contribución de las mujeres al progreso de las ciencias y la tecnología. Pero se hace ya necesario, cuando proliferan las muestras de desagravio, transformar el victimismo en análisis más profundos acerca de las múltiples causas que lo fundamentan. De no hacerlo así, caeremos en la complaciente empatía. Algo que mujeres como Marie Curie, Hannah Arendt, María Zambrano, Grace Murray Hopper, Barbara McClintock o Mary Wollstonecraft no perdonarían.

Y no digamos nada si hablamos de James Miranda Stuart Barry, cirujano del ejército británico, cuya autopsia reveló que en realidad era Margaret Ann Bulkley (1795-1865), que se hizo pasar por hombre para poder ingresar en la universidad, su gran sueño. Su lucha, como la de otras muchas mujeres que aparecen en la exposición del Palau de Cerveró, perdería fuerza si la rebajamos al complaciente recordatorio en lugar de, como hicieron ellas mismas, reivindicar la pasión por el conocimiento.

Fotografía de Rita Levi-Montalcini, sonriente, en la exposición 'Trencant barrees. Dones i ciències' que acoge el Palau de Cerveró.

Fotografía de Rita Levi-Montalcini, sonriente, en la exposición ‘Trencant barrees. Dones i ciències’ que acoge el Palau de Cerveró.

La exposición ‘Rompiendo barreras. Mujeres y ciencias’, comisariada por Carmen San Julián y Natalia Torres, se hace eco de las numerosas mujeres que dejaron su huella en la ciencia. Y lo hace al modo de un paseo repleto de dificultades, las mismas que las propias mujeres debieron en su día sortear. Así, el espectador avanzará por entre una serie de barreras o instalaciones, para ir abriéndose camino de las oscuras frases pronunciadas contra las mujeres a la rotunda claridad de sus trayectorias profesionales. Fotografías y paneles que revelan el sobresaliente papel de esas mujeres en el terreno de la ciencia.

En el “túnel de tópicos sexistas”, según expresión de las comisarias, se pueden leer frases como ésta: “La mujer es, reconozcámoslo, un animal inepto y estúpido, aunque agradable y gracioso” (Erasmo de Rotterdam), o el más coloquial “Eso es cosa de mujeres”. Brigitte Bardot, quien sabe si espoleada por esos tópicos, contraatacó en su día de esta manera: “Cuanto más conozco a los hombres, más me gusta mi perro”.

Instalación con prendas y objetos patentados por mujeres, con video al fondo, en la exposición 'Trencant barrees. Dones i ciències', que acoge el Palau de Cerveró.

Instalación con prendas y objetos patentados por mujeres, con video al fondo, en la exposición ‘Trencant barreres. Dones i ciències’, que acoge el Palau de Cerveró.

Tras el túnel oscuro de los comentarios despreciables, la exposición se abre a un bosque de imágenes que cuelgan como frutos de esa ciencia desarrollada por mujeres. Entre las fotografías, destacan las de Rita Levi-Montalcini, Nobel de Medicina, Hedy Lamarr, reconocida como actriz pero menos conocida por su faceta como ingeniera, Hipathia de Alejandría, una de las primera matemáticas, o las citadas Barbara McClintock, que descubrió el primer mapa genético del maíz, Marie Curie, dos veces Premio Nobel por sus contribuciones en física y matemáticas, Hannah Arendt y Simone Weil, como destacadas filósofas.

En la instalación de objetos colgantes, el espectador descubrirá las sorprendentes patentes del sujetador moderno obra de Mary Phelps, del limpiaparabrisas, inventado por Mary Anderson, del pañal desechable de Marion Donovan o del corrector líquido Liquid Paper que patentó Bette Nesmith, por citar algunos de los hallazgos. ‘Rompiendo barreras’ se completa con un audiovisual y un taller didáctico que sirven para hacer memoria del largo y tortuoso camino recorrido. Una muestra impulsada por la Universitat de Valéncia y el CSIC, en la que supone la última colaboración entre ambas entidades en el Palau de Cerveró.

Hedy Lamarr, que además de actriz fue ingeniera, en la exposición 'Trencant barreres. Dones i ciències' que acoge el Palau de Cerveró de la Universitat de València.

Fotografía de Hedy Lamarr, que además de actriz fue ingeniera, en la exposición ‘Trencant barreres. Dones i ciències’ que acoge el Palau de Cerveró de la Universitat de València.

Salva Torres

“La crisis de credibilidad es peor que la económica”

Petros Márkaris, autor de ‘Pan, educación, libertad’
Invitado al Festival Valencia Negra
Librería Cosecha Roja

Petros Márkaris (Estambul, 1937) más que cruzarse de brazos ante la crisis económica, los despliega para subrayar su posición enérgica. El escritor griego, autor de la trilogía sobre la crisis que concluye con Pan, educación, libertad, sólo se serena cuando habla de literatura, de su comisario Kostas Jaritos. Entonces, el descontento con lo que está pasando en su país, fácilmente extrapolable al nuestro, se torna amable sonrisa, yendo y viniendo de la política a la literatura como quien da un portazo y enseguida abre risueño la puerta. Sólo la ficción, que en el caso de Márkaris sirve para revelar los estragos de la crisis, puede amortiguar su desazón por lo que está pasando.

Petros Márkaris, posando en el barrio de Ruzafa en Valencia. Fotografía: Santiago Carrión.

Petros Márkaris, posando en el barrio de Ruzafa en Valencia. Fotografía: Santiago Carrión.

“Existe la posibilidad de que caigamos todavía más”. Lo dice amparado en una evidencia: “En los países del sur se está destruyendo la clase media, que es la columna vertebral”. Sin esa columna, Márkaris piensa que el derrumbe proseguirá, por mucho que los políticos lo nieguen. “Los políticos no aprenden, porque nos decían que esto no iba a durar y la crisis se ha quedado y no se va”. Ni siquiera los cantos optimistas que anuncian cierta recuperación se los cree el autor de Con el agua al cuello y Liquidación final, que completan esa trilogía sobre la crisis. “Los políticos embellecen las cosas”, lo cual le lleva a tildar de “cínicos” a quienes sostienen que esto “va a mejor”.

Con ser la crisis económica de suma gravedad, Márkaris pone el acento en otro aspecto de la misma, que enuncia en forma interrogativa: “¿La crisis de credibilidad no es todavía peor que la económica?”. Y aquí, quien sabe si azuzado por el propio comisario Jaritos, arroja una infinidad de pistas. Por ejemplo, la similitud entre los periodos de transición política acaecidos en Grecia y España. Similitud de entusiasmo, de errores y de nefastas consecuencias. “Cometimos los mismos errores, difíciles de detectar por el incontrolable entusiasmo, que los políticos aprovecharon”.

Petros Márkaris en la librería Cosecha Roja del barrio de Ruzafa en Valencia. Fotografía: Santiago Carrión.

Petros Márkaris en la librería Cosecha Roja del barrio de Ruzafa en Valencia. Fotografía: Santiago Carrión.

Esa mezcla de pasión política y pulsión económica es la que Márkaris denuncia ofreciendo nuevas pistas. “En periodos de crisis, Europa bascula hacia la derecha”. Y recuerda que mientras en Estados Unidos tenían a Roosevelt, “en Europa teníamos a Mussolini, Hitler y Franco”. Su cruda radiografía de la situación, le lleva a afirmar que el mito actual europeo lo sería Laocoonte devorando a sus hijos: “En Europa nos comemos unos a otros”. Por eso le asusta el Parlamento que pueda salir de las elecciones del 25 mayo, con partidos de extrema derecha ganando posiciones y celebrando, a su juicio, “el rapto de las niñas en Nigeria, porque ganan votos de quienes se asustan y tienen dudas”.

La marcha de Europa la ve, por tanto, con recelo. No entiende que los políticos sigan valorando la salida de la crisis en términos exclusivamente económicos. “Se busca una construcción económica y no política”. Y agrega: “Cómo se puede hablar de éxito y de que la crisis ha pasado, cuando hay un 35% de desempleo y un 60% de paro juvenil” en su país. Sólo cabe una razón: que la crisis se está superando “porque los inversores ganan más o porque invierten en Grecia”. Al presentar su novela en Hamburgo, advirtió un cansancio por parte de la clase de trabajadora, que se preguntaba  si valía la pena “trabajar toda la vida para al final tener que ir contando céntimo a céntimo”. Y de nuevo, la interrogación: “¿Qué crisis hemos pasado?”

Café y pipa de Petros Márkaris en la librería Cosecha Roja. Fotografía: Santiago Carrión.

Café y pipa de Petros Márkaris en la librería Cosecha Roja. Fotografía: Santiago Carrión.

Petros Márkaris, que estuvo en la librería Cosecha Roja de Valencia invitado por la organización del festival Valencia Negra, dedicado al género negro literario, concluyó diciendo que los temas sobre los que transcurre buena parte de las obras creativas son dos: “El amor y el dinero; se enamorarán y matarán”. Pasión y destrucción, sin  término medio. Muy de género negro. Y muy a tono con la novela ganadora del I Premio de Novela Negra Cosecha Roja, que fue a parar al argentino Fabio Nahuel Lezcano, autor de Crímenes apropiados, de entre un total de 288 obras presentadas a concurso.

Márkaris, tras dar por concluida su trilogía sobre la crisis, busca nuevos horizontes a su comisario Kostas Jaritos, que se ocupará de asuntos de capitalismo menos salvaje y más dado a temas existenciales. Eso sí, que conste que las aceradas críticas del escritor griego tienen su razón de ser: “Soy crítico con la Unión Europea y con mi hija, porque la amo”.

El escritor griego Petros Márkaris, con su pipa, en el barrio de Ruzafa en Valencia. Fotografía: Santiago Carrión.

El escritor griego Petros Márkaris, con su pipa, en el barrio de Ruzafa en Valencia. Fotografía: Santiago Carrión.

Salva Torres

Espacios de anticipación

Espacios de anticipación
Simposio sobre diseño espacial contemporáneo en instituciones artísticas
Espai d’art contemporani de Castelló (EACC)
C/ Prim, s/n. Castellón
2 de mayo de 2014

PROGRAMA

10:30 11:30 Dpr-Barcelona
11:30 12:00 Descanso
12:00 13:00 Santiago Cirugeda
13:00 13:30 Panel de discusión con Dpr-Barcelona, Santiago Cirugeda
y José Luis Pérez Pont

16:00 17:00 Federica Bueti
17:00 17:30 Descanso
17:30 18:30 Markus Miessen
18:30 19:00 Panel de discusión con Federica Bueti, Markus Miessen
y Mijo Miquel (Autoformato)

19:30 Presentación del libro La pesadilla de la participación
de Markus Miessen, editado por Dpr-Barcelona

Una fase paralela de Espacios de anticipación tomará lugar en junio de 2014 en el Kunstverein ar/ge kunst Galerie Museum (Bolzano, Italia). En esa nueva parte del proyecto, las contribuciones de artistas y profesionales de diferentes geografías y momentos históricos se propondrán en la forma de una exposición documental a modo de investigación. Piezas de arte, documentos y proyectos serán reunidos en torno a las temáticas tratadas en el simposio en el EACC, con la intención de profundizar y contemplándolas bajo otra perspectiva.

INSCRIPCIÓN

Lugar: Espai d’art contemporani de Castelló
Precio: 10€ (gratis para los alumnos del Master de Artes Visuales y Multimedia de la UPV)
Forma de pago: en la recepción del EACC
Fin de las inscripciones: hasta cubrir plazas (plazas limitadas)
Para más información: actividades@eacc.es (tel. 964 72 35 40)

Destinado a estudiantes o profesionales de las siguientes disciplinas: arquitectura, bellas artes, historia del arte, comunicación audiovisual, artes escénicas, filosofía, diseño y sociología, así como cualquier persona interesada.
Los estudiantes que acudan al simposio obtendrán medio crédito.

«Este futuro todavía no tiene nombre, aún estamos en su umbral. Si los últimos cuarenta años han estado marcados por los ‘posts’ (post-guerra, post‑colonialismo, post-comunismo), al menos hoy parece que nos encontramos en un periodo de anticipación —una era en la que los museos de arte contemporáneo pueden ayudarnos colectivamente a sentir y entender.»

Claire Bishop, Museología radical1

«En último término, la idea de comunidad desemboca en filosofías e ideologías marcadas por el miedo y la impotencia: La comunidad como una experiencia decepcionante y el compromiso hacia ella como una exigencia fracasada (aquello que falta).»

Marina Garcés, El compromiso2

ESPACIOS DE ANTICIPACIÓN

Cuando la novela se desarrolla en la modernidad como el formato más frecuentado por la narración, impone una distancia entre el narrador y la audiencia. Se trataba de una distancia espacial pero también de una temporal. En conjunción con su capacidad de distribución de las historias, producía asimismo una separación entre los individuos a través del objeto libro. El libro aparecía como un dispositivo de aislamiento. Contar una historia no suponía más un tiempo compartido, en parte porque no era un espacio compartido en el que la gente se encontraba y ponía en común sus experiencias obtenidas a través de viajar o escuchar a otros. Las consecuencias de la muy conocida proposición3 de Walter Benjamin se podrían fácilmente traducir del dispositivo libro al montaje de exposiciones ya que fueron paralelas temporalmente en su aparición. El contar historias fue separado de sus ecosistemas habituales en espacios sociales tal como las piezas de arte fueron extraídas de sus contextos, conformando la experiencia moderna de la visita a una exposición: individuos aislados que deambulan y supuestamente en silencio4 miran las obras de arte. Con el desarrollo del capitalismo, la oralidad sufrió una pérdida de su valor a través de la separación radical del objeto y el sujeto, así como entre los sujetos.

Hay ciertamente en la actualidad una falta de espacios públicos (casi se diría comunes). Hay ahora una urgencia de ágoras, espacios de encuentro y discusión crítica, más allá de los modelos de participación los que hemos presenciado en las instituciones (de arte). Si en los últimos veinte años hemos asistido a un inmenso número de proyectos que promovían procesos participativos sin una visión crítica, es solo recientemente cuando aparecen agentes que se aproximan al fenómeno con una mirada analítica. Como apunta Markus Miessen, la participación ha sido más una herramienta de promoción que un proceso crítico en si mismo5. Cuando observamos cómo los movimientos sociales están repentinamente apareciendo en las diferentes geografías en el mundo, deberíamos tomar consciencia de la manera en la que esos grupos organizan sus acciones porque existe una correlación con las instituciones de arte: tienen impacto en cómo los espacios se diseñan y cómo la experiencia se reorganiza. La cuestión que emerge entonces es cómo desde ese hecho se pueden repensar las instituciones en términos de cultura de la asamblea, por usar la expresión de Miessen. Esta falta de una arena política parece demandar, adaptadas a las condiciones actuales, que se traigan de vuelta los espacios de experiencia que Benjamin presentaba como extinguidos. Esto nos lleva al problema de cómo restaurar las relaciones entre el sujeto y el objeto además de cómo generar la experiencia del espacio común.

Parece que no podemos ya eludir el compromiso hacia la construcción de la experiencia del nosotros. Se abre entonces una pregunta de fondo, una pregunta fundamental: ¿Qué nos compromete con los otros y hasta qué punto?6 Si pensamos en como los diferentes agentes se organizan en el espacio, los términos no son solamente arquitectónicos sino también coreográficos. Si estudiamos la etimología de la palabra coreografía, encontramos que es la escritura de un coro, de una pluralidad de voces, o tonalidades o idiomas7. Los acelerados cambios socioeconómicos que se están dando en la actualidad reformulan las relaciones entre las personas y entre ellas y los objetos. Esta reestructuración de las relaciones tiene un reflejo en como el espacio se formula y en como los cuerpos concurren en las instituciones artísticas. Es posible trazar como se da una incorporación de la criticalidad en el propio cuerpo y como la cuestión de lo performativo y el contexto aparece una y otra vez. Esto apunta hacia las diferentes posiciones que estos agentes situados toman, resultando en una práctica interdisciplinaria donde los diferentes roles permutan. El foco de atención se expande extensivamente desde la pieza de arte hacia todos los elementos que conforman la exposición8, produciendo una profunda reflexión sobre como todos esos elementos operan y sus bordes se desenfocan. Desde los comisarios hasta los visitantes y los críticos, pasando por los arquitectos y, obviamente los artistas —por mencionar algunos— incluyendo las piezas de arte y la prensa, todos están envueltos en la producción de espacio y relato que da forma a la exposición.

En los últimos años, algunos agentes han estado reflexionando sobre todos estos procesos. En términos de narración y organización, es pertinente citar el análisis realizado por Claire Bishop: «Está tomando cuerpo un modelo de museo más radical: más experimental, menos arquitectónicamente determinado y que ofrece una mayor involucración política con nuestro momento histórico. (…) No hablan en el nombre del uno por ciento sino que intentan representar el interés y las historias de aquellas representaciones comunes que son (o han sido) marginalizadas, dejadas de lado y oprimidas. Esto no significa que se subordinan a la historia en general sino que movilizan el mundo de la producción visual para inspirar la necesidad de mantenerse en el lado correcto de la historia»9. A pesar de que ella escribe sobre museos con colecciones, presenta una cierta actitud, que se puede rastrear en otros tipos de instituciones artísticas.

La investigación que se presenta en este simposio trata acerca de cómo hay un desplazamiento en algunas instituciones de arte hacia la reconfiguración de la experiencia de visitar una exposición como una experiencia de colectividad, donde lo oral re-emerge como una herramienta crítica. Este momento de construcción del nosotros ofrece un momento de anticipación, proponiendo otra manera de pensar y diseñar el espacio, una con las condiciones necesarias para ejercitar una imaginación política. Si miramos al programa del EACC desde sus comienzos, ha estado presentando una gran cantidad de propuestas que trabajan en estas líneas. Este simposio trata de esas líneas de trabajo que vienen desde el pasado para repensarlas y proyectarlas hacia el futuro.

Lorenzo Sandoval

1.
BISHOP, Claire, Radical Museology, or, What’s ‘Contemporary’ in Museums of Contemporary art?, Koenig Books, London, 2013.
2.
GARCÉS, Marina, El compromís, CCCB Breus, Barcelona, 2013.
3.
BENJAMIN, Walter, El narrador, (1936). Editorial Taurus, Madrid, 1991.
4.
Como claramente lo describe Dorothea von Hantelmann: «El tiempo es un factor vital aquí. Las obras de arte clásicas tienden a comprimir el tiempo en el objeto en lugar de manifestarlo. Pero, ¿cómo podría el tiempo ser descomprimido de nuevo en la exposición? En el último Renacimiento y en los gabinetes de curiosidades del Barroco, solía ser el propio príncipe quien presentaba los objetos a los visitantes. Las galerías de pinturas del XVII y del XVIII eran lugares de conversación. (…) La percepción del arte requería de la palabra hablada para poder llegar a ser un evento social. Este tipo de conversación enriquecía las piezas, no solo con el lenguaje sino también con el tiempo. Así, se enlazaban la pieza de arte aislada con una duración temporal, un percepción repetida y el pensamiento.» Von HANTELMANN, Dorothea, Notes on the Exhibition, in doCUMENTA 13 The Book of Books, Hantje Cantz, Ostfildern, 2012.
5.
«La participación ha devenido un radical chic, uno de moda entre los políticos que quieren estar seguros de, en vez de producir contenido crítico, la herramienta deviene lo que se supone que ha de ser leído como criticalidad.» MIESSEN, Markus, The Nightmare of Participation. Crossbench Praxis as a Mode of Criticality, Stenberg Press, Berlin, 2010.
6.
GARCÉS, Marina, Ibid. cit.
7.
ROJO, Paz. Video entrevista en http://escenasdiscursivas.tkh-generator.net/2011/04/interview-paz-rojo/#more-45
8.
Un ejemplo muy relevante es la serie crítica iniciada por After All Books sobre el tema Historia de las exposciones, en las que realizan análisis extensos sobre cada una de las exposciones que incluyen en la serie. http://www.afterall.org/books/exhibition.histories
9.
BISHOP, Claire, Ibid. cit.

“19 hours at the kiosk, Haus der Kulturen der Welt, Berlin, 2012; commissioned by Valerie Smith; spatial design and programming by Studio  Miessen. Photography by Eugster and Affolter.”

“19 hours at the kiosk, Haus der Kulturen der Welt, Berlin, 2012; commissioned by Valerie Smith; spatial design and programming by Studio Miessen. Photography by Eugster and Affolter.”

CONFERENCIAS:

César Reyes Nájera. Dpr-Barcelona:
La Ciudad Después del Bienestar

¿Cómo será vivir en las ruinas ideológicas del capitalismo? Esta charla explora las posibilidades de las ciudades post-bienestar. Ciudades relacionales con tecnologías y sistemas de producción distribuida. Donde otras formas de retribución e intercambio potencien el valor del diseño social y el espacio urbano no mercantilizado. Superado el capitalismo y su deuda como fuerza motriz, podremos generar espacios más allá de la promesa del crecimiento y la retórica de la austeridad?

Santiago Cirugeda:
Malversaciones culturales, el derecho a la diferencia

Las estrategias de ocupación o intervención urbanas (desde la legalidad hasta el vacío legal). El replanteamiento de la normativa y el estudio sistemático de los códigos civiles y urbanísticos. Las Prótesis a edificios que permita la ampliación de las capacidades de lo construido o la ocupación de estructuras construidas. Todo ello bajo el prisma del reciclaje como metáfora de trabajo.
Por último las reservas urbanas de espacio público y la ampliación de las capacidades del ciudadano; conjuntamente con la idea de construir desde la institución conformaran parte del discurso.

Federica Bueti:
Te espero en la barra
Historias de encarnaciones, relaciones y encuentros

¿Dónde y cómo nos encontramos? ¿Qué compartimos cuando compartimos? ¿Cómo convertirse en médium de otras voces y prácticas? ¿Puede una barra transformarse en un espacio abierto a los encuentros? Usando imágenes y objetos, mediante una obra en una exposición, una tarde en un bar; utilizando ideas, experiencias compartidas, opiniones y pasiones. Nos conectamos y desconectamos por intuiciones, objetos inusuales, emociones. En ocasiones nos aproximamos tanto que somos capaces de ver con la mirada del otro; otras veces, nos perdemos entre nosotros, o nos malinterpretamos. Recurriendo a ejemplos de prácticas artísticas, curatoriales o de escritura, esta conferencia-ensayo debate tipos de médium, encarnación y de vida en (y con) otros.

Markus Miessen:
Crossbenching

«Markus Miessen ha puesto su mirada en las maneras actuales de creación formal, encontrándolos congelados en una suerte de edad del hielo política de estilo casi soviético, de pseudodemocracia y pseudoparticipación. Miessen concibe el proceso de diseño del temprano siglo XXI como uno en el que unos cínicos Muppets globalizados, despojados de cualquier tipo de alegría, representan unos rituales vacíos y superados que hunden sus raíces en un capitalismo incuestionable, una corrección política de estilo zombi y una democracia electoralista “de pega”. Los resultados finales de estos rituales no pueden dar lugar a otra cosa que a diseños y estructuras que encarnen, en el mejor de los casos, unas rancias estéticas acomodaticias: un lugar y un espacio que él denomina con descaro Harmonistan, un reino cuyos habitantes creen resueltamente que “mayoría equivale a inteligencia”.
Y aunque en esto se detecta inmediatamente un cierto tufo a Ayn Rand o a criptofascismo, como medio de escape, y con la creación de un cambio crítico y productivo como objetivo, Miessen aboga, por el contrario, por unas vigorosas intrusiones interdisciplinarias, un mundo de intromisiones en lugares a los que no hemos sido necesariamente invitados, con las que empecinadamente generar nuevos espacios e ideas tan desconocidos como inesperados. Él defiende la transformación de los individuos en unos profesionales sin afiliaciones, unos “outsiders no invitados” que busquen activamente el conflicto, despreciando la textura mortinata de la cultura de hoy, un mundo cuyo modo de diseño “por defecto” es el del consenso reflexivo. Lo que podría haber sido un campo minado destructor de una carrera, es, sin embargo, un camino a seguir asombrosamente inteligente y planteado con la profundidad que se percibe como futurista y correcto.» Douglas Coupland

Presentación del libro

La Pesadilla de la Participación
Markus Miessen

En línea con el estado de la profesión en los tiempos que corren, este libro cierra la trilogía sobre Participación, con la que Miessen reclama la figura del «outsider desinteresado» alguien no sujeto a los protocolos existentes y que se anima a lanzar propuestas solamente armado de su inteligencia y la voluntad de generar un cambio en su entorno. Miessen propone una forma urgente de participación que traspase el consenso político interesado e inefectivo. Un agente de conflictos constructivos, que refresque los campos del conocimiento con una nueva mirada. A veces, «la democracia» tiene que ser evitada a toda costa.

Imagen Simposio

Imagen Simposio cortesía EACC

Pep Bonet y su crudo universo transexual

All Imperfect Things, de Pep Bonet
Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM)
Guillem de Castro, 118. Valencia
Hasta el 25 de mayo

Una joven observa una de las fotografías de Pep Bonet en la exposición 'All Imperfect Things' del IVAM

Una joven observa una de las fotografías de Pep Bonet en la exposición ‘All Imperfect Things’ del IVAM. Fotografía: Consuelo Chambó.

Decía el sociólogo Jesús Ibáñez que el universo ya no es lo que era, que se ha fragmentado en un conjunto de islas. Lo que antes parecía unido, ahora está constituido por múltiples pedazos. Por eso en la izquierda se produjo un estallido de siglas y subdivisiones del núcleo central del comunismo, que también se expandió luego al terreno de la sexualidad. De forma que la hegemónica heterosexualidad fue dando paso a la irrupción de la homosexualidad (gays y lesbianas), bisexualidad, travestismo y transexualidad. Pasado el tiempo, Ibáñez sugería la necesidad de restablecer conexiones entre las islas, para que todo ese archipiélago inconexo diera sus frutos mayores en un nuevo y más fértil continente. “Quizá haya que volver a Penélope”, concluía.

Obra de Pep Bonet en la exposición 'All Imperfect Things' del IVAM.

Obra de Pep Bonet en la exposición ‘All Imperfect Things’ del IVAM.

El fotógrafo Pep Bonet se hace cargo de una de esas islas en su exposición All Imperfect Things. Y lo hace de forma abrupta, descarnada, incluso sucia. Su mirada, lejos de edulcorar la situación de la transexualidad en Brasil, pone en evidencia la desolación, el abandono y las nefastas condiciones vitales de un colectivo que se mueve un paso más allá de la propia marginalidad. “Las personas transgénero han tenido menos éxito que los hombres gay y las lesbianas en la obtención de alguna forma de aceptación pública y del reconocimiento legal de sus derechos”, cuenta Pep Bonet en el folleto de la exposición. Y “dado que en el marco de esos grupos  mixtos tienden a diferenciarse de los travestidos, se ha extendido el uso del término ‘GLBTT’: Gay, Lesbiana, Bisexual, Travestido y Transexual”.

'All Imperfect Things' de Pep Bonet en el IVAM. Fotografía: Consuelo Chambó.

‘All Imperfect Things’ de Pep Bonet en el IVAM. Fotografía: Consuelo Chambó.

Lo dicho: un conjunto de islas que, a fuerza de distinguirse unas de otras, terminan perdiendo potencia reivindicativa. De hecho, el activismo transgénero sólo empezó en el Brasil en los años 90, como consecuencia de la epidemia de sida, a diferencia (según se apunta en el folleto) de la movilización gay y lesbiana a favor de la igualdad, que databa ya de los años 70. Tania Castro, responsable de PhotOn Festival, subrayó que la transexualidad en España estaba más aceptada y extendida que en Brasil, tomando prestadas las explicaciones de Pep Bonet, ausente por motivos laborales en la presentación de All Imperfect Things en el IVAM.

Fotografía de Pep Bonet en la exposición 'All Imperfect Things' del IVAM.

Fotografía de Pep Bonet en la exposición ‘All Imperfect Things’ del IVAM.

Consuelo Císcar, directora del museo valenciano, se refirió a la secuencia de alrededor de 30 fotografías como la narración de una “historia oculta” acerca de una “profesión marginal relacionada con el narcotráfico, extorsión, proxenetismo, violencia, sadismo, drogadicción y la infección del sida”. Todos esos temas aparecen sugeridos en la muestra de Pep Bonet, que permanecerá en el IVAM hasta el 25 de mayo y que sirve de pistoletazo de salida a la cuarta edición de PhotOn.

Fotografía de Pep Bonet en la exposición 'All Imperfect Things' del IVAM.

Fotografía de Pep Bonet en la exposición ‘All Imperfect Things’ del IVAM.

Las crudas imágenes en blanco y negro de Bonet se complementan con tres cajas negras dispuestas en una sala superior que, a modo de cabinas de sex shop, permiten la contemplación voyeur de cierto espectáculo transexual. En una de las paredes, puede leerse la siguiente frase elegida por el artista, como si de una ráfaga explicativa se tratara: “Le saludé y le dije: ‘Un placer’. ‘El placer viene después’, respondió”. Pep Bonet, como destacó Tania Castro, “intenta no prejuzgar, para mostrar la problemática transexual lo más objetivamente posible”. Y del mismo modo que a Bonet, premio World Press Photo, le costó meses acceder a ese mundo marginal, ese mismo esfuerzo es el que solicitan las imágenes al espectador que ahora las contemple.

Patrocinada por la Fundación Cañada Blanch, Olleros Abogados, Centre Cultural La Nau, Metrovalencia, CccdProValencia, Fotopro y Arquitectura racional, la exposición All Imperfect Things es una radiografía descarnada del mundo transexual. Un mundo de “desamparados” (Tania Castro dixit) que en la mayoría de los casos tiene que recurrir a la prostitución para sobrevivir y costearse las operaciones de transformación corporal. Un mundo sórdido que Pep Bonet recoge en sus imágenes como reflejo de una discriminación cruda y feroz. Islas en medio del frágil archipiélago posmoderno.

Fotografía de Pep Bonet en la exposición 'All Imperfect Things' del IVAM.

Fotografía de Pep Bonet en la exposición ‘All Imperfect Things’ del IVAM.

Salva Torres

La crisis del sistema mediático

Enrique Bustamante. Conferencia
La Nau, Valencia
21 de mayo, 18.30h.

‘Democracia e información: cambios en el sistema mediático y crisis’ es el título de la conferencia que ofrecerá este 21 de mayo el catedrático de Comunicación Audiovisual y Publicidad de la Universidad Complutense de Madrid, en el Aula Magna del Centre Cultural La Nau (18:30 horas). La conferencia estará presentada y moderada por los profesores de la Universitat de València Miquel Francés y Guillermo López.

Bustamante, experto en economía y sociología de la televisión y en las industrias culturales, analizará los cambios que las tecnologías digitales están provocando en el modelo de comunicación.

Previo a este acto, la plataforma de debate y reflexión de la Universitat de València, NAU XXI (http://nauxxi.uv.es) recoge el informe ‘El modelo comunicativo ante la crisis sistémica. La multidifusión digital de contenidos’, elaborado por los profesores de la Universitat Miquel Francés, Guillermo López y Josep Gavaldà.

El informe íntegro, que puede consultarse a través de este think tank promovido por el Vicerrectorado de Cultura e Igualdad de la Universitat de València, revela la incidencia que las tecnologías digitales han provocado en los medios de comunicación y las debilidades del sistema español y valenciano. De acuerdo con los autores del mismo, si bien Internet ha provocado una “hiperoferta mediática”, lo cierto es que “la propiedad de los medios se ha concentrado y la variedad de los puntos de vista se ha visto mermada” por lo que la ciudadanía, concluyen, “no acaba de disfrutar de los supuestos beneficios”.

El panorama valenciano no escapa de la tendencia general, “con audiencias hundidas y ERES brutales como el de RTVV”. Tras este diagnóstico, el documento invita al público a la reflexión a través una serie de preguntas, que podrán enriquecerse en el debate presencial o a través de comentarios o haciendo llegar aportaciones a NAU XXI.

Este debate podrá seguirse en directo a través de la Televisión de la Universitat de València (http://mediauni.uv.es/tv), se inscribe en la programación de Claustre Obert, el espacio de reflexión creado por la Universitat de València y el periódico El País para analizar los temas de actualidad social y económica, con vocación plural y abierta.