El animal más político

‘And zoon politikon’ de Enric Fort Ballester
Espai d’Art El Corte Inglés de Nuevo Centro
Avenida Menéndez Pidal, 15 Valencia
Hasta el 21 de mayo de 2016

Zoon politikón es una expresión derivada del griego que significa literalmente, animal político, pero que hace referencia a la capacidad civilizadora del ser humano. Acuñada por Aristóteles, su ‘zoon politikon’ era utilizado en sus discursos para diferenciar al ser humano del animal; a pesar de que el animal tiene la capacidad de organizarse en sociedad, solo el ser humano puede relacionarse políticamente, en comunidad, por lo menos así era en las antiguas polis. Enric Fort Ballester no solo trae a colación esta expresión sino que también reflexiona sobre esa especie de ser político actual, cuestionando conceptos relacionados con la política como la transparencia o la hipocresía. Una reflexión interesante con un acento irónico muy marcado que nos sitúa a lo largo de la producción del artista.

A la entrada, a modo de juego sonoro, el artista presenta como pieza principal que titula la exposición, un video donde vemos al filósofo, sociólogo y crítico cultural Slavoj Žižek en una continua repetición de la expresión ‘so on’ o etcétera en castellano. Ese sonido repetitivo nos remite al ‘zoon politikon’ de Aristóteles. Žižek se centra en la teoría de Jacques Lacan y se caracteriza por utilizar de manera continua ejemplos extraídos de la cultura popular actual, convirtiéndose así en un personaje mediático muy reconocido por su lenguaje provocador y tosco. Las distintas actitudes y tonos en la voz de Žižek  producen confusión y monotonía en el observador. El artista trata aquí de externalizar la dificultad de romper con los sistemas de poder.

Artista explica una de las piezas durante la inauguración. Imagen cortesía de la organización.

El artista Enric Fort explicando una de las piezas durante la inauguración. Imagen cortesía de la organización.

En consonancia con el video ‘And so on’, otra pieza central en la exposición sería la escultura transparente que tomando forma de pancarta, apoya este discurso de vanos mensajes que estamos acostumbrados a escuchar, una y otra vez, todos los días. Los dibujos expuestos son para Enric Fort los documentos base de las ideas de sus acciones, una oportunidad de visualizar con breves trazos el trabajo previo del artista. Es interesante también ver como del trazo, desde ese gesto gráfico, la obra ha ido creciendo hasta convertirse en pura acción. Demostrando este sentido, no hace falta más que bajar a la planta baja del Corte Inglés, donde se encuentran los televisores en venta en diferentes expositores. Ahí, entre otras transmisiones, también podemos observar a Žižek, gesticulando un largo ‘so on’ que no va a terminar nunca.

Dentro de este marco teórico se nos presenta en EANC (Espai d’Art El Corte Inglés Nuevo Centro) la nueva exposición de Enric Fort Ballester que cerrará el ciclo anual ‘Gesto gráfico y conceptual. Del trazo a su expansión en el muro’. Como ya sabemos, año tras año, el Centro de Documentación de Arte Contemporáneo Román de la Calle de la Universidad de Valencia y la Real Academia de Bellas Artes en su apuesta por el arte contemporáneo, ha tenido el apoyo del Ámbito Cultural del Corte Inglés para llevar a cabo exposiciones de artistas jóvenes ofreciéndoles un espacio accesible a la par que profesional.

Las sinergías extraídas de este proyecto permiten que no solo podamos disfrutar del panorama artístico valenciano emergente (como ha ocurrido con artistas como Jesús Poveda, Ana Vernia, Alejandra de la Torre o Sergio Terrones, entre otros); sino también, como es el caso de Enric Fort Ballester, de esos artistas valencianos que desarrollan su trabajo en el extranjero. Desde luego, esperamos que este proyecto perdure, e incluso se contagie, y que poco a poco, el arte llegue a ser lo habitual, independientemente del lugar donde nos encontremos.

Algunos de los dibujos expuestos. Fotografía: María Ramis.

Algunos de los dibujos expuestos. Fotografía: María Ramis.

María Ramis

La experiencia estética de Alejandra de la Torre

Grow Up, de Alejandra de la Torre
Espai d’Art El Corte Inglés Nuevo Centro
Hasta el 10 de abril de 2016

‘Grow Up’ es el título de la exposición de la artista castellonense Alejandra de la Torre,  presentada dentro del ciclo de apoyo a los jóvenes creadores ‘Gesto gráfico y conceptual, del trazo íntimo a su expansión en el muro’, en el Espai d´Art de El Corte Inglés Nuevo Centro. Crecer o ‘Grow Up’ es el nuevo trabajo de exploración constante de la artista en busca de ideas y espacios que terminan por fraguar el vínculo entre el propio ser/artista.

Obra de Alejandra de la Torre. Imagen cortesía de Espai d'Art.

Obra de Alejandra de la Torre. Imagen cortesía de Espai d’Art.

Con ‘Grow Up’, Alejandra de la Torre -Castellón de la Plana, 1983- nos invita a profundizar en un universo creativo que aflora mediante una sutil yuxtaposición de lenguajes al servicio de una iconografía. En ella, los objetos recreados y bricolados sirven de fetiche para construir y reconstruir significados en torno a lo vivido y lo vivo, evocando una memoria personal y a la vez colectiva que podemos recuperar mediante esa vida que encierran los objetos domésticos de los años 70 y 80.  Expandiéndose por el muro para conectar temáticamente las obras, el trabajo de la artista reflexiona sobre una identidad colectiva en continuo desarrollo.

Alejandra de la Torre recurre de forma natural a su bagaje en el campo del arte urbano en el estilo gráfico-plástico que nos presenta a través de diversos motivos seriados y guiños generacionales de sabor pop y revival que garantizan una experiencia estética emocional y empática.

Emociones, recuerdos y vínculos están muy presentes en la serie pictórica ‘Herencias’: pequeña colección de lienzos que condensa una meditada fusión de técnicas de dibujo y pintura como el lápiz, rotulador, pintura acrílica y spray para evocar una memoria personal y a la vez colectiva que podemos recuperar mediante la vida que encierran los objetos domésticos de los años 70 y 80.

Obra de Alejandra de la Torre. Imagen cortesía de Espai d'Art.

Obra de Alejandra de la Torre. Imagen cortesía de Espai d’Art.

La tarea de promoción y divulgación del arte contemporáneo valenciano más joven sigue siendo el objetivo planificado de la Sala Espai d’Art Nuevo Centro (EANC). Rebasado un sexenio de proyectos en los cuales la creatividad ha venido avalada por casi medio centenar de artistas -que en muchas ocasiones han montado la primera exposición individual de su trayectoria profesional-, esta séptima temporada pretende asentar y potenciar dicho itinerario a través de dos factores fundamentales como son la reubicación del Espai d’Art en El Corte Inglés de Nuevo Centro y una programación vinculada al Gesto gráfico en tanto que acción y pensamiento, arraigando así más allá de los márgenes del dibujo.

El ciclo incluye las obras de seis artistas valencianos, que contemplan una investigación interdisciplinar elaborada tanto desde la gestualidad pura, como situada a partir de la definición de sus propios códigos visuales, sus iconografías y sus mensajes. Conforme a todo ello, se presentan las creaciones de Jesús Poveda, Patricia March, Sergio Terrones, Alejandra de la Torre y Enric Fort, que junto a Ana Vernia, galardonada con el XVI Premio de Pintura de la Real Academia de Bellas Artes, configuran el trayecto expositivo que el Espai d’Art de El Corte Inglés de Nuevo Centro (EANC) lleva a cabo hasta junio de 2016.

Obra de Alejandra de la Torre. Imagen cortesía de Espai d'Art.

Obra de Alejandra de la Torre. Imagen cortesía de Espai d’Art.

 

Sergio Terrones presenta: No es tú, es nosotros

El trabajo de Sergio Terrones (Valencia, 1990) desmonta, subvierte y por lo tanto increpa a la sociedad dominante y con ello al poder. No nos deja indiferente frente a lo normativo, frente a la ignorancia y tampoco frente al contexto de crisis que nos rodea. Y es que la crisis fue la detonante para poner forma a sus pensamientos y con ello el surgir de su trabajo.

Sus pilares artísticos los conforman la obra de Robert Longo y Juan Genovés cuyos puntos en común, considera, conforman la imaginería de los desastres a través de características cinematográficas. Los protagonistas de su trabajo surgen del poder real de la línea que viene de la mano, la misma que incardina su obra entre la representación tradicional y entre lo abstracto, ofreciéndonos una lectura diferente de la realidad. Su obra, por tanto se nos muestra como una bofetada ante lo real, donde lo tradicional y lo cotidiano, es desmontado.

Sergio Terrones se apropia de la crisis que nos rodea para considerarla como una transición, como un viaje donde se permite jugar con la ambigüedad del mensaje. Y ahí entra la subversión, no sólo en cuanto a técnica sino también en la forma de transmitir el mensaje, cuya influencia bebe del lenguaje graffitero de la estética del 68, el cual ha utilizado en las calles pero que ahora se propone introducir en la sala de exposiciones. La finalidad es la misma: la transmisión del mensaje que conlleva su trabajo, porque la creatividad, es un arma enormemente poderosa e influyente. La obra de Sergio Terrones es un vehículo de conocimiento de ese mundo, de esa sociedad patriarcal enferma que necesita de una solución inmediata y que el arte ofrece frente al músculo de la virilidad, el capitalismo y la guerra.

Los protagonistas de sus trabajos suelen ser los hombres a los que la sociedad patriarcal encumbra como poderosos capitalistas como en su obra Dominio realizada en 2015.

Ellos son los grandes hombres dedicados a las finanzas, los ejecutivos grises de Wall Street envueltos por un fondo ausente, a la vez que dramático, a través del cual se conforma un bucle sin salida en el que predomina la iconografía de la crisis.

La ausencia del color nos introduce en una serie de rostros, acompañados por gestos que escenifican poses del bondage, cuyas ataduras eróticas, impiden el movimiento de alguien, regocijándose en su sumisión. De este modo Sergio Terrones subvierte la representación seria de los altos ejecutivos para convertirlos en marionetas del mismo sistema al que apoyan y respaldan con su trabajo.

Pero, ¿dónde están las mujeres en su obra? Sabedor del llamado techo de cristal, su mirada reconoce que el protagonismo en su trabajo lo han tenido los hombres, fruto de la sociedad patriarcal que nos rodea. Por eso, cuando la protagonista es una mujer, como sucede en su trabajo Dominio realizado el año 2014, la figura femenina, se desdobla por un rostro en el que surge el dolor, por el sufrimiento en silencio de las violencias patriarcales y de un mundo al que le faltan valores tan necesarios como educar en igualdad. Por ejemplo su trabajo Berdad del año 2013, con b alta y no con uve, así lo considera, porque si en momentos de crisis recortamos en educación, la sociedad del futuro será una sociedad sin estudios, sin saber pensar, donde la palabra verdad no sólo será mal escrita sino también confundida, pues la verdad, no representará la fiabilidad, como tampoco lo representan ya la mayoría de nuestros políticos.

En el año 2012, España fue uno de los países europeos donde más se recortó en educación pública1. Durante 2014, el 21.9% de personas entre 18 y 24 años de edad, según datos del INE-EPA, no habían completado la segunda etapa de enseñanza secundaria y no seguían ningún tipo de formación. Y es que la consecuencia de la crisis la hemos sufrido la población a través de los recortes sociales, priorizando el ajuste fiscal para afrontar el creciente peso de la deuda. En El juego del año 2013 Sergio Terrones escenifica los malabarismos de la gente joven para poder llegar a final de mes, lo cual también significa poder estar dentro de un sistema capitalista que no ha sabido dar cabida a la generación de españoles y de españolas más preparada académicamente.

Algo tan sencillo como puede ser un juego infantil, nos habla de los equilibrios económicos que tenemos que hacer la mal llamada generación perdida para poder subsistir. En “El estado somos nosotros” (L´État c´est moi) del año 2014, una serie compuesta por tres obras, los protagonistas son seres que escenifican el dramatismo con sus gestos y poses pero cuyo fondo deja paso a la reflexión, pues unas líneas amarillas, similares a papeles o recortables infantiles, nos hablan de la manipulación de la sociedad en tiempos de crisis, aplicándonos ciertas dosis de miedo e incertidumbre.

Su obra por tanto escenifica una pluralidad donde vernos reflejados y reflejadas porque víctimas de la crisis, hemos sido todos y todas, no sólo tú.

Irene Ballester Buigues

1 Recortes en educación: España a la cabeza de los países de la UE donde más caen los presupuestos

http://www.huffingtonpost.es/2014/11/13/recortes-educacion-espana-ue_n_6149902.html

Espai d’Art de El Corté Inglés de Nuevo Centro, Valencia
Hasta el 28 de febrero de 2016

 

 

 

 

Las víctimas de la crisis según Sergio Terrones

No eres tú, es un nosotros, de Sergio Terrones
Espai d’Art de El Corté Inglés de Nuevo Centro
Hasta el 28 de febrero de 2016

No eres tú, es un nosotros es el título de la exposición del  artista valenciano Sergio Terrones, que se enmarca dentro del ciclo de apoyo a los jóvenes creadores  ‘Gesto gráfico y conceptual, del trazo íntimo a su expansión en el muro’, en el Espai d´Art de El Corte Inglés Nuevo Centro. Esta exposición es el nuevo proyecto del artista de la “berdad” que quiere criticar con esta grafía los recortes en educación.

A sus 25 años Terrones vive el día a día como una transición, como un viaje donde se permite jugar con la ambigüedad del mensaje. Su arte bebe del lenguaje graffitero de la estética del 68, el cual ha utilizado en las calles pero que ahora se propone introducir en la sala de exposiciones. El artista valenciano escenifica los malabarismos de la gente joven para poder llegar a final de mes, con dificultades pese a su alta capacitación profesional. Además, escenifica una “pluralidad donde vernos reflejados y reflejadas, porque víctimas de la crisis hemos sido todos y todas, no sólo tú”.

El trabajo de Sergio Terrones (Valencia, 1990) desmonta, subvierte y por lo tanto increpa a la sociedad dominante y con ello al poder, afirma la crítica de arte Irene Ballester, coordinadora de la sección Arte y Feminismo. No deja indiferente frente a lo normativo, frente a la ignorancia y tampoco frente al contexto de crisis que nos rodea. Sus pilares artísticos los conforman la obra de Robert Longo y Juan Genovés, cuyos puntos en común, considera Ballester, conforman la imaginería de los desastres a través de características cinematográficas.

Sergio Terrones, a la izquierda, delante de una de sus obras. Imagen cortesía de Espai d'Art.

Sergio Terrones, a la izquierda, delante de una de sus obras. Imagen cortesía de Espai d’Art.

Los protagonistas de su trabajo surgen del poder real de la línea que viene de la mano, la misma que incardina su obra entre la representación tradicional y entre lo abstracto, ofreciéndonos una lectura diferente de la realidad. Su obra, por tanto se muestra como una bofetada ante lo real, donde lo tradicional y lo cotidiano, es desmontado, concluye Irene Ballester.

La tarea de promoción y divulgación del arte contemporáneo valenciano más joven sigue siendo el objetivo planificado de la Sala Espai d’Art Nuevo Centro (EANC). Rebasado un sexenio de proyectos en los cuales la creatividad ha venido avalada por casi medio centenar de artistas -que en muchas ocasiones han montado la primera exposición individual de su trayectoria profesional-, esta séptima temporada pretende asentar y potenciar dicho itinerario a través de dos factores fundamentales como son la reubicación del Espai d’Art en El Corte Inglés de Nuevo Centro y una programación vinculada al Gesto gráfico en tanto que acción y pensamiento, arraigando así más allá de los márgenes del dibujo.

El ciclo incluye las obras de seis artistas valencianos, que contemplan una investigación interdisciplinar elaborada tanto desde la gestualidad pura, como situada a partir de la definición de sus propios códigos visuales, sus iconografías y sus mensajes. Conforme a todo ello, se presentan las creaciones de Jesús Poveda, Patricia March, Sergio Terrones, Alejandra de la Torre y Enric Fort, que junto a Ana Vernia, galardonada con el XVI Premio de Pintura de la Real Academia de Bellas Artes, configuran el trayecto expositivo que el Espai d’Art de El Corte Inglés de Nuevo Centro (EANC) lleva a cabo hasta junio de 2016.

El artista Jesús Poveda inició el ciclo el pasado septiembre con la exposición Mecanismos gráficos: visiones de los nuevos medios, en noviembre expuso Patricia March con la muestra El ruido del silencio y en diciembre la ganadora del XVI Premio Nacional de Pintura Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, Ana Vernia,  expuso su pintura con la exposición La oportunidad de las moscas. Ahora es el turno de Sergio Terrones.

Sergio Terrones junto a una de sus obras. Imagen cortesía de Ademuz Espai d'Art.

Sergio Terrones junto a una de sus obras. Imagen cortesía de Espai d’Art.

Ana Vernia y su oportunidad de las moscas

La oportunidad de las moscas, de Ana Vernia
Espai d’Art de El Corte Inglés de Nuevo Centro en Valencia
Hasta el 17 de enero de 2016

La oportunidad de las moscas es el título de la exposición de la artista valenciana Ana Vernia, que dentro del ciclo ‘Gesto gráfico y conceptual, del trazo íntimo a su expansión en el muro’, se exhibe en el Espai d´Art de El Corte Inglés Nuevo Centro, que dedica la nueva temporada de apoyo a los jóvenes creadores. Esta exposición es el nuevo proyecto de la artista tras ser galardonada con el XVI Premio Nacional de Pintura de la Real Academia de San Carlos de Valencia patrocinado por Ámbito Cultural de El Corte Inglés.

La obra de Ana Vernia (Burriana, 1976) analiza sus experiencias personales y luego se asoma al mundo exterior, comprobando así cómo forma parte de éste. Observa y sabe captar cómo el conjunto de vivencias de cada individuo se traducen, en muchas ocasiones, en una vivencia colectiva de la que todos somos partícipes. Escucha el zumbido generalizado, el batir de millones de alas y el frote de innumerables patas, que se repite en todas las partes del mundo, porque personas, como moscas, hay en cada lugar, y todas tienen similares inquietudes y deseos.

A través de La oportunidad de las moscas, Vernia nos invita a despertar y mirar a nuestro alrededor. “Cuando se contempla las obras de Ana esas dentaduras de tiburón histórico (…) te muerden los ojos porque esa es su manera de recordarte que todavía sigues vivo”, describe Ramón Palomar.

Ana Vernia, durante la inauguración de su exposición 'La oportunidad de las moscas'. Imagen cortesía de Espai d'Art El Corte Inglés Nuevo Centro.

Ana Vernia señalando una de sus obras durante la inauguración de la exposición ‘La oportunidad de las moscas’. Imagen cortesía de Espai d’Art El Corte Inglés Nuevo Centro.

La tarea de promoción y divulgación del arte contemporáneo valenciano más joven sigue siendo el objetivo planificado de la Sala Espai d’Art Nuevo Centro (EANC). Rebasado un sexenio de proyectos en los cuales la creatividad ha venido avalada por casi medio centenar de artistas -que en muchas ocasiones han montado la primera exposición individual de su trayectoria profesional-, esta séptima temporada pretende asentar y potenciar dicho itinerario a través de dos factores fundamentales como son la reubicación del Espai d’Art en El Corte Inglés de Nuevo Centro y una programación vinculada al Gesto gráfico en tanto que acción y pensamiento, arraigando así más allá de los márgenes del dibujo.

Esta actividad de promoción de los artistas jóvenes es una muestra de la efectiva colaboración entre instituciones, pues Ámbito Cultural de El Corte Inglés, el Centre de Documentació d’Art Valencià Contemporani «Romà de la Calle» (CDAVC) de la Universitat de València, y la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos están implicadas en esta labor cultural al servicio de la sociedad valenciana.  En esta dinámica constructiva se incardinan también las miradas, respuestas y expectativas de los artistas invitados a participar.

La programación estructurada para esta nueva temporada 2015-16 se abre a las posibilidades del gesto gráfico como una acción que el dibujo, de modo sustancial, incorpora en términos expresivos, pero igualmente es capaz de ampliar hacia la plasmación de ideas superando así tanto el soporte tradicional como el espacio habitual. Narraciones, relatos, denuncias y experiencias muestran un repertorio de opciones que irían desde lo más intimista y privado, a materializarse sobre el muro, proponiendo otros significados, sugiriendo nuevas percepciones o planteando aportaciones conceptuales en línea con la reflexión que el arte es capaz de generar.

Teniendo presente las líneas estéticas previas, este nuevo ciclo  expositivo, titulado ‘Gesto gráfico y conceptual, del trazo íntimo a su expansión en el muro’, está exhibiendo las obras de seis artistas valencianos, los cuales contemplan una investigación interdisciplinar elaborada tanto desde la gestualidad pura, como situada a partir de la definición de sus propios códigos visuales, sus iconografías y sus mensajes.

Conforme a todo ello, se presentan las creaciones de Jesús Poveda, Patricia March, Sergio Terrones, Alejandra de la Torre y Enric Fort, que junto a Ana Vernia, galardonada con el XVI Premio de Pintura de la Real Academia de Bellas Artes, configuran el trayecto expositivo que el Espai d’Art de El Corte Inglés de Nuevo Centro (EANC) lleva a cabo hasta junio de 2016. El artista Jesús Poveda inició el ciclo el pasado septiembre con la exposición Mecanismos gráficos: visiones de los nuevos medios y en noviembre ha expuesto Patricia March con la exposición El ruido del silencio.

Ana Vernia delante de una de sus obras. Imagen cortesía de Espai Ademuz.

Ana Vernia delante de una de sus obras de la exposición ‘La oportunidad de las moscas’. Imagen cortesía de Espai d’Art El Corte Inglés Nuevo Centro.

Bibliofilia, la letra con arte entra

Bibliofilia. Exposición colectiva
Centro cultural Obrapropia
C / Puerto Rico, 40. Valencia
Hasta finales de mayo

Libros de gran formato, libros voladores, libros guardados en los baúles de nuestra vida, libros que buscan la libertad y se escapan de su cárcel de acero, libros que forman una Torre de Babel, libros que se transforman en etéreas páginas que vuelan al viento, libros convertidos en luz, en protesta, en objetos de culto, libros que colgamos en las paredes de nuestra existencia como cuadros o como mándalas con figuras concéntricas. Libros, a su vez, conviviendo con la fotografía, la música, la arquitectura o el cine. El libro, en suma, como universalizador de la cultura. Así es la exposición Bibliofilia que acoge el centro cultural Obrapropia, de la calle Puerto Rico de Russafa en Valencia. Y así la ve al menos el sociólogo Alberto Moncada, de quien hemos tomado prestadas algunas de sus palabras. Como han tomado prestado su libro Crónica de Miami Beach, los 26 artistas que intervienen en la exposición.

Una exposición, Bibliofilia, que Vicente Vercher, responsable de Obrapropia, resume como un compendio de piezas que vienen a “destacar el libro como fuente de herencia principal de inspiración y belleza, legado de la bondad del ser humano, de su espiritualidad y de la sabiduría universal”. Intervenir el libro, con el fin de transformarlo y dotarlo de nueva vida, ha sido el objetivo de los artistas que integran la muestra: Margarita Baixauli, Luis Beltrán, Victoria Cano, Vicente Dobón, Florencia Fergnani, Antonio Fernández, David Furió, Carmen García, Carmen Grau, Carmen Ibarra, Regina Quesada, Clara Palomar, Lluis Pérez, Mª Luisa Pérez, Cristina Peris, Sofía Porcar, Mª José Ramis, Guillen Renau, Mari Carmen Ruiz, Amparo Santamarina, Ana Roussel, Yolanda Tavera, Sergio Terrones, Amparo Tórtola, Karina Vagradova, y Amparo Wieden.

Exposición Bibliofilia. Imagen cortesía de Obra Propia

Exposición Bibliofilia. Imagen cortesía de Obra Propia

De manera que el libro, despojado de su función ordinaria como vehículo transmisor de apasionantes y apasionadas lecturas, se transforma en objeto artístico. Las páginas se sueltan, se liberan, al igual que el volumen mismo que las acoge, para transmitir mensajes y sensaciones que nada tienen que ver ya con su lectura, y sí mucho más con la propia visión del objeto desnaturalizado. El contenido deja paso al continente, para convertirse éste a su vez en contenido de nuevas lecturas a través de una mirada más plástica.

Y ahí es donde el libro se despoja de ataduras para mostrarnos su cara amable ligada a su otro rostro menos afable. De forma que al igual que el protagonista de La naranja mecánica, el polémico libro de Anthony Burguess, que luego dio pie a la película de Stanley Kubrick, escuchaba la Novena de Beethoven para dar rienda suelta a su violencia, el libro como objeto artístico de Bibliofilia también segrega en ocasiones el caos al que convocan sus heridas páginas, sus volúmenes con las tripas abiertas. Porque el libro, al igual que el debate abierto por la citada película, no guarda relación unívoca con la sabiduría y lo bello, sino también con la sordidez del mundo y las bajas pasiones que a veces nos atormentan. Bien haríamos en tomarnos al pie de la letra lo que Bibliofilia nos muestra, para confrontar el lado amable de tanta lectura con sus reflejos sombríos.

El guardián de las palabras, obra de Sofía Porcar para la exposición Bibliofilia en Obrapropia.

El guardián de las palabras, obra de Sofía Porcar para la exposición Bibliofilia en Obrapropia.

Salva Torres