El cuerpo habla mediante la danza

El can’t del cos, de Amaury Lebrun
Teatro Rialto
Plaza del Ayuntamiento, 17. Valencia
Hasta el domingo 16 de octubre de 2016

El Ballet de la Generalitat presenta en el Teatro Rialto su último espectáculo ‘El cant del cos’, que estará en cartel hasta el domingo 16 de octubre con funciones vespertinas y matinales para escolares.

‘El cant del cos’ es un espectáculo de danza que habla del cuerpo como vehículo de expresión de sentimientos y valores positivos que tenemos arraigados en nuestro interior, y que tal vez desconocemos. Tiene una clara vocación didáctica por su temática: la necesidad que tiene el cuerpo de expresarse en la etapa adolescente.

Escena de 'El cant del cos', de Amaury Lebrun. Imagen cortesía de Teatres de la Generalitat.

Escena de ‘El cant del cos’, de Amaury Lebrun. Imagen cortesía de Teatres de la Generalitat.

“Ningún mortal puede guardar un secreto. Si sus labios están silenciosos, habla con la punta de sus dedos” (Sigmund Freud). Esta cita es el punto de partida de la obra. ¿Qué secretos nos revela el cuerpo? ¿Qué podemos transmitir y adivinar con un simple centelleo de ojos? El cuerpo baila y canta, según su coreógrafo Amaury Lebrun, que ha creado esta pieza para el  Ballet de la Generalitat.

Amaury Lebrun es un coreógrafo francés afincado en España, que tras una larga carrera como intérprete en compañías de prestigio como la Compañía Nacional de Danza bajo la dirección de Nacho Duato, desarrolla su labor creativa en el terreno de la danza contemporánea.

Escena de El cant del cos. Imagen cortesía de Teatres de la Generalitat.

Escena de ‘El cant del cos’, de Amary Lebrun.. Imagen cortesía de Teatres de la Generalitat.

Sade y sus mujeres

Les dones de Sade, por Pep Sanchis
Assaig Grup de Teatre de la Universitat de València
Sala Matilde Salvador de La Nau
C / Universitat, 2. Valencia
Del 9 al 11 de marzo, 2016, a las 19.30h

ASSAIG (Grup de Teatre de la Universitat de València) presenta la reposición de ‘Les dones de Sade’ hasta el 11 de marzo, en la Sala Matilde Salvador de La Nau. El montaje se enmarca dentro de la programación teatral de la Universitat, en conmemoración del 25 aniversario del grupo y de las actividades organizadas con motivo de la Semana de la Mujer.

Dirigido por Pep Sanchis, el espectáculo se estrenó en 1997 y representa uno de los grandes hitos en la historia de ASSAIG. Este montaje ha sido reconocido con premios, como el concurso de Teatre Vila de Mislata y con una gira que recorrió varias ciudades españolas, con presencia en grandes citas teatrales, como por ejemplo el Grec Festival de Barcelona. ‘Les dones de Sade’ vuelve a escena 19 años después con la participación de dos de las actrices de la representación original en la dirección y el reparto.

Escena de 'Les dones de Sade', de Pep Sanchis. Imagen cortesía de La Nau.

Escena de ‘Les dones de Sade’, de Pep Sanchis. Imagen cortesía de La Nau.

La obra, una versión libre de la obra ‘Madame de Sade’, de Yukio Mishima, está protagonizada por seis mujeres, seis representaciones del Marqués de Sade, seis formas de entender las relaciones humanas y sociales en la Francia de finales del siglo XVIII.

Cada una vive una relación diferente con el Marqués y, en un texto cargado de sentimientos y pasiones, se enfrentan al amor puro, la hipocresía, el odio, la injusticia, la frivolidad, la barbarie, la ternura, la inocencia y la corrupción.

ASSAIG, creado en 1990 para representar a la Universitat de València dentro de las artes escénicas, se ha convertido en una de las agrupaciones teatrales más importantes de la escena universitaria española. Junto con ‘Les dones de Sade’, el grupo celebra su 25 aniversario con la reposición de tres de sus espectáculos más representativos: ‘Per Sant Lluc, ‘El dia que Bertolt Brecht va morir a Finlàndia’ y ‘Parelles de fet’, escogidos por haber supuesto puntos de inflexión en la trayectoria de la formación.

Antes de la representación del próximo viernes día 11, tendrá lugar un foro en torno a la obra, a las 18.00 horas, en las Aulas Seminario del Centre Cultural La Nau, de acceso gratuito hasta completar el aforo.

Escena de Les dones de Sade, de Pep Sanchis. Imagen cortesía de La Nau.

Escena de ‘Les dones de Sade’, de Pep Sanchis. Imagen cortesía de La Nau.

Aida o la belleza trágica

Aida, de Giuseppe Verdi, bajo dirección musical de Ramón Tebar
Palau de les Arts Reina Sofía
Avda. del Professor López Piñero, 1. Valencia
Días 25 y 28 de febrero, y 2, 5 y 9 de marzo de 2016

El amor romántico sigue teniendo enorme tirón. Aida, de Giuseppe Verdi, es un claro ejemplo. Desde hace más de dos semanas ya no quedan entradas para ver en Les Arts la pasión desatada entre Aida y Amneris por el capitán Radamès. “Es una ópera maravillosa de Verdi, padre moral y ético de toda la humanidad”, explicó Davide Livermore, intendente del coliseo valenciano. La “lucha por la libertad” de los amantes verdianos, en un contexto de “brutalidad del imperio para destruir al individuo”, es a juicio de Livermore lo que convierte a la ópera en “universidad de los sentimientos”. Universidad que el intendente defendió como propia de un teatro público que contempla la representación operística “patrimonio de la gente”.

Ramón Tebar, que dirige Aida por primera vez como director principal invitado en Les Arts, incidió en el “conflicto de las pasiones humanas” y en el “imperio faraónico contra el pueblo oprimido” como principales características de una ópera que traslada a la actualidad lo que acontece en el Antiguo Egipto. Un Egipto de “pirámides, elefantes y camellos” que Verdi, no obstante, utiliza para “sintetizar sus más grandes preocupaciones”, entre ellas, recordó Livermore, la de “la nación grande que oprime a la pequeña” y el “abrumador poder de la iglesia sobre todos los estamentos”.

Escena de Aida, de Giuseppe Verdi, bajo la dirección musical de Ramón Tebar. Fotografía de Tato Baeza por cortesía de Les Arts.

Escena de Aida, de Giuseppe Verdi, bajo la dirección musical de Ramón Tebar. Fotografía de Tato Baeza por cortesía de Les Arts.

La venezolana Lucrecia García encarna a la princesa etíope Aida, capturada como esclava al servicio de Amneris (Marina Prudenskaya), hija del faraón. Rafael Dávila es Radamès, el capitán de la guardia egipcia objeto del amor de ambas. “Esta sala va a explotar con tantísimo talento”, subrayó Tebar del amplio elenco interpretativo. Elenco al servicio de una historia de amor trágico que David McVicar pone magistralmente en escena. Lo hace huyendo de lo exótico, porque como señaló Livermore, “con el cine y los parques temáticos” ya no tiene sentido en la actualidad. “Es un melting pot, una mezcla extraordinaria de culturas”, cuya mezcolanza sirve para “poner en alto nivel el poder amoroso, político y religioso de Aida”, afirmó el intendente.

Tebar puso el énfasis en el término con el que concluye la ópera en palabras de Amneris: “La última palabra de Aida es pace (paz)”, refiriéndose con ello a la presión ejercida sobre ciertos pueblos y sus concomitancias con el “problema de los refugiados”. Livermore, deletreando la fotografía de Herbert List que sirve de cartel de la ópera, se refirió a la chica vestida de blanco con un espejo que oculta su rostro como metáfora de Aida. “Es una mujer que no tiene cara, en medio de un desierto, y que viene a representar al esclavo sin rostro como imagen poética de la ópera”. Livermore abundó en esta idea poética afirmando que un teatro público comunica “para el arte, no para vender, para hacer marketing”.

Aida, de Giuseppe Verdi, bajo la dirección musical de Ramón Tebar. Imagen cortesía de Les Arts.

Aida, de Giuseppe Verdi, bajo la dirección musical de Ramón Tebar. Imagen cortesía de Les Arts.

La ópera en cuatro actos de Verdi se representará en Les Arts el 25 y 28 de febrero y los días 2, 5 y 9 de marzo, recuperando el montaje de McVicar realizado en coproducción con el Covent Garden de Londres y la Ópera de Oslo, que en 2010 estrenaron en Valencia Lorin Maazel y Omer Meir Wellber. “La Marcha del Triunfo no fue representada completa la primera vez”, por razones en las que el intendente no quiso entrar. El nuevo elenco y la versión íntegra de esa escena son las novedades de esta nueva Aida, ópera que, según Livermore, “es siempre un reto para cualquier teatro”.

La “belleza” de la partitura musical y la “brutalidad” de la historia, repleta de violencia (David Greeves figura como maestro de artes marciales) y muerte trágica, hace de Aida un espectáculo de gran potencia y “uno de los super hits de la ópera”, remarcó Livermore, siempre atento a subrayar el carácter público de Les Arts, ahora universidad de los sentimientos que alcanza con Verdi el cum laude.

Escena de Aida, bajo la dirección musical de Ramón Tebar. Fotografía de Tato Baeza por cortesía de Les Arts.

Escena de Aida, bajo la dirección musical de Ramón Tebar. Fotografía de Tato Baeza por cortesía de Les Arts.

Salva Torres

¿Se puede abrazar el abismo?

Abrazar el abismo, de La Casa Amarilla
Sala Russafa
C / Denia, 55. Valencia
Sábado 23 y domingo 24 de enero, 2016.

La danza vuelve al escenario de Sala Russafa con el estreno absoluto de la pieza Abrazar el abismo (23 y 24 enero), una propuesta marcadamente poética de la compañía valenciana La Casa Amarilla. Sobre el escenario, cuatro bailarinas recrean la dinámica entre el movimiento, la huella que deja y cómo ese espacio es reocupado por otra persona. Así, el abismo nunca es un vacío, sino todo lo contrario: un lugar en el que se almacenan vivencias, sentimientos y experiencias de los que ya pasaron por él.

Cartel del espectáculo 'Abrazar el abismo', de La Casa Amarilla. Sala Russafa.

Cartel del espectáculo ‘Abrazar el abismo’, de La Casa Amarilla. Sala Russafa.

Con dramaturgia del escritor y creador audiovisual Álvaro Moliner y música original de Edu Marín, Cristina Gómez dirige esta sensible pieza que interpreta junto a Ana Lola Cosín, Nuray Imankulieva y María Martí. A través de las coreografías, la ambientación sonora y una cuidada iluminación descubrimos cómo las historias no son más que una sucesión de huellas dejadas y retomadas por personajes que van llenando el vacío. La compañía valenciana, una de las más inquietas del panorama local, presenta un nuevo espectáculo manteniendo su línea de investigación en la que el cuerpo se convierte en una herramienta narrativa sin límites y cargada de emoción.

On, el funambulista. Imagen cortesía de Sala Russafa.

On, el funambulista. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Otra sensible propuesta llega de la mano de la compañía asturiana Luz, Micro y Punto, que estrena en Valencia On, el funambulista (única función el 24 de enero), un espectáculo que ha pasado por varias localidades de Asturias y Galicia, así como por Madrid, Cataluña y País Vasco, entre otros puntos de España. Una extensa gira que le ha llevado hasta Malta a esta joven formación, revelación en FETEN 2014, fundada por Patricia Toral y Chantal Franco. Se les une la compositora e intérprete Verónica R. Galán, autora de una banda sonora envolvente realizada con piano, acordeón y efectos sonoros conseguidos con un metalófono, cuyos pasajes musicales interpreta en directo.

Un retroproyector, imaginación, luz y sombra son las bases de un onírico espectáculo en el que el público se introduce en el interior de On, una marioneta funambulista, en busca constante de equilibrio. Una puesta en escena etérea, relajante, llena de color, fantasía y maestría que deja con la boca abierta a grandes y pequeños, permitiéndoles presenciar en directo cómo se montan cada una de las escenas que componen este viaje, con decorados hechos a mano a partir de materiales de un solo uso, para cada función. Una propuesta artesana para tocar, con los elementos más simples, lo más sencillamente humano.

Abrazar el abismo, de La Casa Amarilla. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Abrazar el abismo, de La Casa Amarilla. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Poesía y pintura de Esther Gómez

Exposición colectiva, con obra de Esther Gómez
Museo Manaut
Santa Amalia, 2. Valencia

“La expresión de los sentimientos, los recuerdos y la pasión”, así conjuga la artista Esther Gómez Gómez sus obras poéticas con su obra artística, cerca de una veintena de obras pintadas al óleo y en las que imprime una gran sensibilidad, fuerza y emoción. En su libro ‘Mirando al mar’, publicado el 17 de diciembre, se presentan sus primeros trabajos como poeta acompañados de sus obras más emblemáticas, aquellas que ya han sido expuestas en salas privadas de países como República Checa, Polonia, Roma y, por supuesto, en ciudades españolas como Madrid, Almería, Córdoba, Marbella o Valencia.

“Me gusta captar los colores, la belleza y el encanto de un paisaje o figura. Es en mis viajes donde tomo fotografías que luego me sirven para traspasar esa imagen a un lienzo y crear obras contemporáneas, que beben del realismo, pero con toques impresionistas inspirados en algunos de mis autores favoritos: Eduardo Manet, Monet o Velázquez”, explica la pintora.

Obra de Esther Gómez. Imagen cortesía de la autora.

Obra de Esther Gómez. Imagen cortesía de la autora.

Nacida en Talavera de la Reina pero afincada en la ciudad del Turia, Esther Gómez Gómez es artista desde niña, aunque no ha sido hasta recientemente que ha comenzado a pintar de manera más profesional. Igual que la pintura, la poesía es una de las constantes a lo largo de su vida. “Desde pequeña siempre he escrito poesía, es intrínseco a mi, es mi manera de expresarme y comunicar mis sentimientos”, señala.

De la misma manera que su vertiente literaria, Esther también ha cultivado la pintura desde bien pequeña, además de cursar estudios y participar en exposiciones. La primera de ellas fue en 1986, a la edad de 18 años, cuando intervino de su primera exposición colectiva en la Casa de la Cultura de Talavera de la Reina, con muy buenas críticas. Desde entonces, no ha dejado de exponer en muestras tanto colectivas como individuales, en ciudades como Roma, Polonia, Madrid, Praga, y distintas ciudades de España. Tiene obras en colecciones privadas como Japón, Inglaterra, Roma, Polonia, Praga y  España.

Obras de Esther Gómez. Imagen cortesía de la autora.

Obras de Esther Gómez. Imagen cortesía de la autora.

“Me encanta combinar poesía y pintura. Soy una feroz lectora de poesía, y siempre escribo al mismo tiempo que estoy trabajando en un cuadro. Una labor complementa a la otra y me permite exprimir todo lo que siento en cada proceso creativo”. Sus poesías siempre han sido acompañadas de sus obras pictóricas, pinturas que se mueven en un mundo real de marinas, paisajes, escenarios urbanos o dibujos a lápiz. Cada uno de sus lienzos, introduce a su espectador en un mundo real, en el que los sentidos y los sentimientos, expresan la magia de sus pinceles plasmados poéticamente.

Además de la presentación del libro de Esther Gómez Gómez, el Museo Manaut ha inaugurado su Exposición Colectiva de Navidad en la cuál se incluyen las obras ‘Atardecer en Venecia’ y ‘Música’ de la pintora, acompañada de los lienzos de 21 artistas más, entre los que se incluyen Manuel Adlert, Miguel Aparicio, Marisa Arcos, Amparo Berenguer, Adoración Blanch, Tatiana Boïls, José Carretero, José Casanova, José Luis Checa, Carmen Ciorraga, Miguel Diana, José Estellés, Sacramento Hernandis, Gilberto Macareño, Lola Manaut, Stella Manaut, Pascual Marcos, Flora Miravalles, Julia de la Rua, Paco Seoane y Hampton Terry. La exposición también cuenta con dos piezas escultóricas de Maite Andrés y Antonio Sánchez.

Obra de Esther Gómez. Cortesía de la autora.

Obra de Esther Gómez. Cortesía de la autora.

Heroínas del cáncer

Fotografías de Belén Caballero
Centro Cívico del Puerto de Sagunto
Jardines del Antiguo Sanatorio s/n. Sagunto (Valencia)
Hasta finales de junio, 2015

Desde el éxito de la película Las chicas del calendario es muy común que algún colectivo de hombres o mujeres opte por desnudarse total o parcialmente por una buena causa. Las 21 mujeres que posan en esta ocasión no lo hacen en un calendario sino en una muestra de la fotógrafa Belén Caballero que se expone este mes en el Centro Cívico del Puerto de Sagunto.

Son mujeres de distintas edades y lugares, unidas por un nexo común, han superado un cáncer de mama y retomado las riendas de su vida. Prestando voluntariamente su imagen, sin complejos ni tapujos, animan a las personas y familias afectadas transmitiendo un mensaje de esperanza. La muestra reúne 21 fotografías en gran formato; 70 X 70 centímetros y dos de 70 X 2 metros. Es uno de los actos programados por Amucanma, asociación dedicada al acompañamiento y apoyo de personas afectadas por el cáncer de mama y a sus cuidadores, con motivo de  su segundo aniversario.

Pilar Rico, en un retrato de Belén Caballero. Imagen cortesía de la autora.

Pilar Rico, en un retrato de Belén Caballero. Imagen cortesía de la autora.

Las organizadoras animan a visitar la muestra fotográfica, pues “van a encontrar cómo la alegría, la amistad, y en general todo lo tremendamente vital, tiene cabida incluso durante los meses o años en los que se convive con el cáncer”, aseguran. “Es una exposición para compartir sentimientos, para compartir experiencias y para crecer todos como personas”. En resumen un proyecto con alma que celebra el triunfo de la vida y las ganas de luchar contra la adversidad para conservarla.

“Las sesiones de fotos con estas mujeres fue una experiencia muy intensa y emocionante, porque se crean relaciones muy íntimas”, dice Caballero. “Pude comprobar que todas son mujeres muy valientes que se han enriquecido y fortalecido superando una difícil prueba como es el cáncer”.

María Jesús Merlos, fotografiada por Belén Caballero. Imagen cortesía de la autora.

María Jesús Merlos, fotografiada por Belén Caballero. Imagen cortesía de la autora.

“Una etapa más”

Isabel Galdón, una de las modelos y fundadora de Amucanma, reconoce que “superar un cáncer exige un esfuerzo titánico, pero también puede vivirse como una etapa más en la vida, con ilusión por renacer, por sentirse otra vez bella y atractiva”. Durante esta lucha a muerte se desarrolla una mirada introspectiva, la búsqueda de uno mismo. “Después de tanto esfuerzo, y cuando el cáncer ha desaparecido, estamos agotadas, pero entonces comienza el resurgimiento, y esta fase es muy gratificante”, apunta Galdón.

La doctora Elvira Buch, cirujana de la Unidad de Mama del Hospital de Sagunto, sugirió a Galdón que crease una asociación para las mujeres afectadas de cáncer de mama y sin dudarlo se puso manos a la obra. Junto a su amiga Kety Simón Gurumeta, fundó la Asociación de Mujeres de Cáncer de Mamá, Amucanma,  presentada en las XIII Jornadas sobre esta enfermedad, celebradas en el Hospital de Sagunto en mayo de 2013. Ese mismo día se apuntaron muchas mujeres y, posteriormente, se incorporaron también hombres. El 5 de junio tuvo lugar la primera junta general, de la que salió la directiva y un buen número de voluntarias para empezar a poner en marcha un proyecto lleno de ilusión.

Begoña Parras, en un retrato de Belén Caballero. Imagen cortesía de la autora.

Begoña Parras, en un retrato de Belén Caballero. Imagen cortesía de la autora.

Belén Caballero abrió su estudio a principios de los noventa en la localidad valenciana de Sagunto y desde entonces compagina su actividad de fotógrafo con la docencia del lenguaje fotográfico. Con el tiempo se ha convertido en referente de la fotografía de retrato en el ámbito de lo Social en España y en el resto de Europa.

Ha dirigido cursos y ponencias, y recibido numerosos galardones en prestigiosos concursos internacionales. Es Maestro Fotógrafo de la Federación Española de Profesionales de la Fotografía y de la Imagen, y Medalla de oro de la Confederación Española de Fotografía. Veintisiete obras suyas han destacado en los distintos certámenes de calificaciones de la Federación Española de Profesionales de la Fotografía y de la Imagen de las cuales 21  forman parte de la colección de honor de la Federación Española.

Encarna, retratada por Belén Caballero. Imagen cortesía de la autora.

Encarna, retratada por Belén Caballero. Imagen cortesía de la autora.

Bel Carrasco

Kenryo Hara, el arte de la escritura japonesa

Kodai Moji, de Kenryo Hara
Galería O+O
C / Francisco Martínez, 34/36 (Benimaclet). Valencia
Hasta el 25 de julio

El pasado 13 de junio la Galería O+O inauguró la primera exposición en Valencia del maestro calígrafo y artista japonés residente en Tokio, Kenryo Hara. Es Kodai Moji, un total de 19 trabajos que enlazan la escritura tradicional japonesa a base de sinogramas con el arte. Debido al éxito de la muestra, que ha atraído a visitantes de Madrid y Barcelona, se ha decidido prolongarla hasta el 25 de julio.

Obras de Kenryo Hara en la Galería O+O de Benimaclet. Imagen cortesía de Galería O+O

Obras de Kenryo Hara en la Galería O+O de Benimaclet. Imagen cortesía de Galería O+O

Para sumergirse plenamente en  la obra de Kenryo Hara, hay que intentar comprender el funcionamiento básico del idioma japonés. Un idioma que incluye muy pocos sonidos y sí muchos significados, en el que el lenguaje escrito es completamente distinto del hablado. Existen muchas palabras y construcciones gramaticales que son sólo del idioma hablado.

Son los sinogramas, la escritura ideográfica que expresa ideas más que sonidos, al que se añaden tres sistemas más de escrituras por varias razones básicas. En japonés no existen separadores entre palabras, las palabras van juntas una junto a la otra, sin espacios, esto hace que muchas palabras se pronuncien igual o muy parecida. De ahí vienen los ideogramas chinos, los Kanjis, para diferenciar bien los significados de las palabras en la escritura sin espacios y de escasa pronunciación, pues evita ambigüedades. Kanji es la escritura de ideas y significados, sin ellos es imposible entender algo, con ellos puedes deducir el significado.

Obras de Kenryo Hara en la Galería O+O de Benimaclet. Imagen cortesía de Galería O+O.

Obras de Kenryo Hara en la Galería O+O de Benimaclet. Imagen cortesía de Galería O+O.

La obra de Kenryo Hara permite apreciar que la escritura no es únicamente una técnica o práctica con fines utilitarios, sino también un camino de evolución y desarrollo personal. Mucho más que un buen maestro calígrafo, es un artista que crea una obra a partir de la antigua escritura, una obra creativa y libre, plena de significados. Sus trabajos aproximan a la rica y sorprendente cultura japonesa a través de una serie de diecinueve obras Sumi I, que se exponen por vez primera en España.

En ellas el singular artista intenta expresar sus ideas y sentimientos, conmover y emocionar al espectador  a través de la escritura antigua Kodai-Moji creando su lenguaje íntimo, su propio idioma tanto personal como artístico.

Obras de Kenryo Hara en la Galería O+O. Imagen cortesía de O+O

Obras de Kenryo Hara en la Galería O+O. Imagen cortesía de O+O

Bel Carrasco

¿Cómo crear una campaña con artículos sugerentes?

Alejandro Macharowski
Artículo seleccionado por la agencia Be Republic de Barcelona para su campaña The Positive Seeds

¿Cómo crear una campaña positiva con artículos sugerentes? Esta ha sido la idea de la agencia publicitaria Be Republic de Barcelona, una empresa especializada en comunicación interactiva que ha diseñado una campaña llamada The Positive Seeds en la que me han tenido en cuenta -entre otros autores- al considerar que ¿Es el diseño una respuesta a la totalidad de la vida? es un artículo que funcionaría para esta campaña que habla sobre la creatividad, las ideas y la participación. Un mensaje que nos llega a través de una web interactiva invitándonos a participar en ella como una manera de innovar en nuestro entorno.

Vivimos en una realidad que a veces no nos lo pone fácil, no estamos en el universo virtual, hecho a medida, de Second Life, tu mundo, tu imaginación, sino en el mundo que el hombre ha creado para sobrevivir  desde que camina sobre la faz de la tierra. Hoy día vivimos en una sociedad -una construcción social amplia y compleja- en donde existen un sinfín tanto de intereses como de oportunidades, y para interactuar en ella utilizamos la creatividad como medio para resolver los problemas que se nos presentan.

En palabras de Walter Benjamín: «La creatividad se define como la capacidad de resolver problemas con cierto grado de innovación».

Ilustración de Alejandro Macharowski.

Ilustración de Alejandro Macharowski.

Tenemos una mente prodigiosa que posee una tecnología que desconocemos en gran medida, una herramienta útil -junto a la razón y los sentimientos- con la cual podemos crear soluciones como ningún otro ser vivo sobre la tierra, de manera que todo esto nos permite interactuar en el mundo donde vivimos, en una época donde lo digital es el código de comunicación común a todas las personas, instituciones, gobiernos y empresas.

Un bit no tiene color, ni tamaño, ni peso y puede desplazarse a la velocidad de la luz, nada menos que a 300.000.000 km por segundo, gracias a ello la información digital que uno genera da la vuelta al mundo en menos de un segundo -recordemos que 12.742 km mide el diámetro de la tierra-, pero si observamos el mundo como si fuera solo una red digital, su tamaño es ínfimo. Esto jamás ha sido logrado por ningún otro ser vivo en la tierra, salvo por el hombre. Por eso vivimos en un mundo globalizado, en pocos años hemos pasado de vivir únicamente en un mundo analógico, solo de átomos, a vivir también (porque lo analógico no murió) en un mundo digital. Átomos y bits hoy día interactúan permanentemente diseñando el mundo actual donde vivimos.

Imagen capturada de Internet.

Imagen capturada de Internet.

«La hipermodernidad ha creado una situación nueva que afecta al saber mismo, hoy estamos en el “doble caos” de la abundancia y la inmediatez, jamás ha estado disponible tanta información» (La cultura-mundo. Lipovetsky-Serroy, 2010, p. 180).

Considero la campaña de Be Republic una idea original ya que su mensaje, no sólo se transmite a través de la palabra, sino también por medio de la imagen y del diseño. En palabras de Nietzsche: «necesitamos la estética para no sucumbir ante la realidad»

De este modo, la agencia de publicidad ha creído que mi artículo -escrito originalmente para la revista Gràffica en 2013- es una semilla que aporta un valor añadido a esta idea y por eso lo ha incluido en su campaña

Imagen extraída de la web de Be Republic.

Imagen extraída de la web de Be Republic.

El mío es un artículo sobre las ideas de un diseñador que en los años setenta revolucionaba el mundo del diseño, texto que se ha integrado a esta campaña digital aportando su mensaje, cuando lo analógico (en la época de Jones) era lo único que existía, y lo hace a través de una web dinámica, de diseño atractivo y novedoso creada para transmitir una idea: dar un mensaje positivo al mundo. Me alegra saber que mi texto ha aportado su granito de arena a esta idea aunque, a veces,  una grata sorpresa como es ésta, me hace reflexionar en cómo uno puede llegar a desconocer cuál es su trascendencia en Internet. Lo que me lleva a creer que la red (lo digital) ha convertido la palabra en un texto que, convertido en viral, se funde en el alma de lo global.

Imagen extraída de la web de Be Republic.

Imagen extraída de la web de Be Republic.

J.C. Jones, en su libro Diseñar el Diseño (1985), nos dice, entre otras cosas, que el azar puede ser el motor en la generación de nuevas ideas, capaz de crear nuevos pensamientos. Las ideas de Jones me han inspirado como profesor: algunas de ellas las he adaptado a la didáctica de mis asignaturas y las he aplicado con mis alumnos en la Escuela Superior de Arte y Tecnología de Valencia (ESAT) donde desempeño mi labor docente.

¿Es el diseño una respuesta a la totalidad de la vida? es el título de uno de los capítulos en que el autor sostiene que el diseño -como acto de diseñar- no tiene nada que ver con la certeza, pues diseñar es crear algo nuevo y lo nuevo siempre es incierto en un mundo donde el hombre quiere tener el control.

Portada del libro de J. C. Jones.

Portada del libro de J. C. Jones.

Les dejo con mi artículo, comprueben si se ha elegido bien, y si mi semilla (o mejor dicho la de J. C. Jones), que revolucionaría el mundo del diseño en el siglo pasado, les transmite algo positivo. Jones hablaba de crear métodos de diseño novedosos, y para traer sus ideas a los tiempos actuales he escrito la reseña de uno de sus libros más inquietantes, creativos y provocadores. Espero que su legado sea una semilla positiva para las personas que vivimos en un siglo distinto al de Jones. Sepamos cómo movernos en este mundo digital en el que los bits son los protagonistas.

Alejandro Macharowski

 

Miaz Brothers y la autorrevolución

Miaz Brothers. Angels and demons
Galería Paz y Comedias
Plaza del Patriarca, 5. Valencia
Inauguración: viernes 28 de junio, 20 h
Hasta el 16 de septiembre de 2013

Miaz Brothers. Antimatter series. Imagen cortesía galería Paz y Comedias

Miaz Brothers. Antimatters series. Imagen cortesía galería Paz y Comedias

Autorrevoluciones

Hacer algo revolucionario sin que lo parezca no es sencillo. El trabajo de Miaz Brothers representa una revolución en el terreno de las emociones. La química de sus obras con el espectador activa resortes posiblemente adormecidos. Se trata de trabajos pictóricos que mediante una comunicación estética trasladan valores no exentos de intención. Para los hermanos Roberto y Renato Miaz el arte puede cumplir una función capaz de revolucionar la percepción del individuo, para conducirlo a otros niveles de comprensión de la realidad. Parten de la base de entender que lo que vemos es en realidad una imagen que no existe como tal, pues todo está en constante transformación y la transitoriedad es el único estado posible. Para su exposición en la galería pazYcomedias muestran trabajos de tres de sus series: “Ghost serie” y “Masters series” pertenecientes a “Antimatters series” y piezas de “Matter series”. En sus obras se pone en relación los conceptos de materia y antimateria. Las imágenes difuminadas de “Antimatters series” están realizadas a base de miles de puntitos de color aplicados mediante pistola de aire; nunca tocan la superficie del lienzo. No se ha empleado ni una sola línea que una dos puntos en la realización de estas obras, pues la línea representa para los autores una barrera que rompería el equilibrio y la proporción que las mantiene. Su aspecto etéreo nos muestra un instante de composición o de descomposición de la forma humana, como parte del estar transitorio que representa la evolución. El momento de desprendimiento de la materia plasmado en estas obras se enmarca en la reflexión que sustenta la tesis de los artistas acerca de la necesidad de realizar un ejercicio de liberación en este mundo cargado de estímulos sujetos a lo sólido, en una sociedad demasiado ligada a la aprehensión de los objetos, en unos individuos que han condicionado su idea de felicidad a la de posesión en todos los terrenos de lo vital, también en el terreno de los sentimientos.

Miaz Brothers. Antimatter series. Imagen cortesía galería Paz y Comedias

Miaz Brothers. Antimatters series. Imagen cortesía galería Paz y Comedias

Las obras que forman parte de las distintas series integradas en “Antimatters series” son una formalización de la liviandad de aquellos que han logrado vivir ligeros de equipaje, ajenos a las ataduras del materialismo crónico que ha definido una deriva global que en la actualidad muestra algunos de sus peores efectos. Lo que viene llamándose crisis es, en realidad, un signo de agotamiento de los principios básicos de la ideología que en las últimas décadas se ha manifestado de un modo dominante. Aquello que toma forma es solo la representación de nuestras ideas y creencias, está a nuestra disposición la capacidad, también la posibilidad, de construir otra realidad en base a nuevas ideas y formas no mediadas de aproximarse a la comprensión de los hechos.

Miaz Brothers. Matters series, 4. Imagen cortesía galería Paz y Comedias

Miaz Brothers. Matters series, 4. Imagen cortesía galería Paz y Comedias

“Matter series” es el opuesto formal y conceptual de la serie anterior. Estas obras han sido realizadas sobre plástico transparente. La imagen abstracta que emerge impermeable, a la otra parte de la superficie plástica, representa el aspecto pesado de quienes todavía no han percibido que viven ahogados por la atmósfera opresora de unas ideas que hasta entonces han creído irrebatibles. Se trata de rostros que han adoptado un estado de desidentidad morfológica, deformados por la presión de los condicionantes contextuales que limitan las posibilidades de cada vida. Son trabajos que representan el estadio plomizo de un tiempo agotado, mientras llevan inserto un mensaje propositivo de cambio. Situados en el punto transicional de las obras de Miaz Brothers, el individuo tiene a su alcance la oportunidad de autorrevolucionarse, pues es esa y no otra la revolución que está aconteciendo, hasta transformar radical y serenamente la esencia de lo que hemos conocido.

Miaz Brothers. Matters series, 6. Imagen cortesía galería Paz y Comedias

Miaz Brothers. Matters series, 6. Imagen cortesía galería Paz y Comedias

Miaz Brothers. Matters series, 3. Imagen cortesía galería Paz y Comedias

Miaz Brothers. Matters series, 3. Imagen cortesía galería Paz y Comedias

Miaz Brothers. Matters series, 1. Imagen cortesía galería Paz y Comedias

Miaz Brothers. Matters series, 1. Imagen cortesía galería Paz y Comedias

José Luis Pérez Pont