El Aquelarre sensorial de Nuria Riaza

Aquelarre, de Nuria Riaza
Galería Pepita Lumier
C / Segorbe, 7. Valencia
Inauguración: viernes 13 de enero, a las 20.00h
Hasta el 25 de febrero de 2017

“Aquelarre surgió del conjunto de imágenes y sensaciones que he ido experimentando a lo largo de los años en episodios de parálisis del sueño. Pequeños viajes y visitas nocturnas, que se han ido repitiendo y me han ayudado a generar un imaginario propio. Una especie de órbita complementaria con mundos dentro de otros mundos y espacios que nos remiten a lugares sagrados. Objetos y habitantes que han sido olvidados por las sombras antes, incluso, de haber tenido un nombre. No se me ocurre mejor manera para transmitiros estas imágenes que en un aquelarre. Pues, ¿qué es un aquelarre si no una reunión de brujas y brujos?”.

Obra de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Obra de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Nuria Riaza (Almansa, 1990) crea a partir de personajes que saca de viejas fotografías familiares y del cine; los aleja de su trama y ambiente, diseccionándolos como si fueran collages, para combinar elementos fotorrealistas con mensajes casi encriptados y místicos.

El papel es su soporte principal y varias las herramientas para abordarlo, desde la ilustración vectorial al cosido. Pero es el bolígrafo BIC con el que se expresa y se muestra más confortable, mostrando su capacidad extrema para la minuciosidad, la precisión y el detallle.

Aquelarre, de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Galería Pepita Lumier.

Aquelarre, de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Galería Pepita Lumier.

Ha trabajado con varios clientes como Diesel, Oysho, la Ópera Nacional de Múnich, el IVAM o el Festival 10 Sentidos. Y su obra ha sido publicada en SModa (El País), EME Magazine, Juxtapoz, Booooooom!, Hi-fructose, Exhibition-ism, Artnau y Lamono entre otros.

Se mueve entre los campos de la ilustración textil, editorial y publicitaria. Ha expuesto individualmente en Walden Contemporary (Valencia), en Belaza Gallery (Bilbao), o en Miscelánea (Barcelona) y en varias muestras colectivas. Ha sido seleccionada en ILUSTRISIMA 2015 y 2016, Salón del Dibujo y la Ilustración, que se celebra en el Museo ABC de Madrid.

Obra de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Galería Pepita Lumier.

Obra de Nuria Riaza. Imagen cortesía de Galería Pepita Lumier.

Howool Baek gana el certamen 10 Sentidos

III Certamen Coreográfico 10 Sentidos
Did u hear?, de Howool Baek
Festival 10 Sentidos
Del 17 de mayo al 19 de junio de 2016

La propuesta de Howool Baek, llegada de Berlín, resultó ganadora del III Certamen Coreográfico 10 Sentidos que durante el fin de semana se ha celebrado en Las Naves. La pieza ‘Did u hear?’ es la interpretación corporal del poema ‘The rose that grew from concrete’, escrito por el rapero estadounidense 2PAC. Expone un proceso de deconstrucción del cuerpo de forma individual. La pieza galardonada recibe 2.000 euros y una figura diseñada por Lladró.

Colectivo El Brote. Imagen cortesía del Festival 10 Sentidos.

Quebradas e imperfectas, de Colectivo El Brote. Imagen cortesía del Festival 10 Sentidos.

El jurado quiso además distinguir al Colectivo El Brote con una mención especial por ‘Quebradas e imperfectas’.  La coreografía realizada por Davinia Descals e Íñigo Martínez conecta directamente al espectador con las sensaciones, vivencias y emociones que pueden llegar a vivir y experimentar personas que padecen enfermedades raras o desconocidas. Por su parte en Cora Panizza recayó el premio del público por ‘Burnt’, una pequeña pieza inspirada en aquellos condicionamientos externos a los que estamos expuestos desde que nacemos.

Temas como la denuncia social, la discapacidad, la violencia o diferentes enfermedades fueron los asuntos que se tocaron en la programación del III Certamen Coreográfico 10 Sentidos, que se ha celebrado durante el fin de semana en Las Naves. A esta cita han concurrido compañías, artistas y colectivos nacionales e internacionales y se han presentado más de 200 piezas de pequeño formato. De todas ellas, un comité escogió 10 que se presentaron dentro de la programación escénica del Festival 10 Sentidos.

Fotografía del jurado y premiados del III Certamen Coreográfico 10 Sentidos. Imagen cortesía del Festival 10 Sentidos.

Fotografía del jurado y premiados del III Certamen Coreográfico 10 Sentidos. Imagen cortesía del Festival 10 Sentidos.

El jurado de profesionales de las artes escénicas que se encargó de decidir la obra ganadora estuvo integrado por Gretchen Blegen (Lucky Trimmer, Berlín), Guillermo Arazo (Las Naves, Valencia), Cesc Casadesús (Mercat de les flors, Barcelona), Inés Enciso (Festival Una mirada diferente, Madrid), Laura Kumin (Certamen coreográfico de Madrid) y Roberto Fratini (dramaturgo y teórico de la danza).

Las diez piezas escogidas (propuestas nacionales e internacionales) pertenecían a Manuel Cañadas, Iris Pintos, Sally Anne Friedland, Poliana Lima, Cora Panizza, Dagmar Dachauer, Colectivo El Brote, Howool Baek, Lorea Burge & Hannah Parsons y Julia Maria Koch.

Howool. Festival 10 Sentidos.

Did u hear?, de Howool Baek. Imagen cortesía del Festival 10 Sentidos.

Darío Villalba: Aquí y ahora

‘Aquí’ de Darío Villalba
Galería Luis Adelantado
C / Bonaire, 6. Valencia
Hasta el 13 de junio de 2016

Darío Villalba es un artista que no necesita presentación. Ya en los años 50, al comienzo de su trayectoria artística, era reconocible por su actitud transgresora y rompedora con el movimiento artístico imperante en la época: el informalismo. Tomando el riesgo como una medida para encarar su trabajo desde el principio, Darío Villalba se reafirma en un estilo que ha sabido mantener, introduciendo mejoras, a lo largo de los años, y que, desde luego, podemos ver en la nueva exposición en la galería Luis Adelantado.

Nos cuenta que en ‘Aquí’ “se entiende el hecho de que todo fluye hacia delante y hacia atrás”, un guiño que continúa la idea de la exposición institucional que llevó a cabo hace tiempo llamada ‘Now’, es decir, ahora. Para Luis Adelantado presenta más de 40 nuevas piezas en las que ha trabajado durante más de tres años, y donde podemos ver cómo recupera una estética algo más colorista de los 80 pues ha utilizado algunas de las fotografías de sus ‘3000 Documentos Básicos’. En toda esta serie de fotografías podemos observar cómo se lleva a cabo un recorrido expositivo regido principalmente por el hilo conductor del color y cuyas obras tienen un común que todas han sido tomadas en la ciudad de Londres.

Dos de las obras expuestas en Aquí. Fotografía: Nacho López Ortiz.

Dos de las obras expuestas en Aquí. Fotografía: Nacho López Ortiz.

En la primera planta de la galería podemos observar cómo el color predomina, destacando una obra casi abstracta que lleva a pensar en la premisa que Darío siempre tiene en mente que “la fotografía es pintura y la pintura es fotografía”. Es quizá esta idea la que le ha llevado a usar su técnica de intervenir sus fotografías a través de la emulsión u otras técnicas, hasta convertidas en algo prácticamente pictórico. En la segunda planta de la exposición, se repite como algo simbólico la imagen de un niño, a veces, dicho niño se adentra en un agua que parece actuar de catalizador purificante. Además de por la técnica y por una estética referencial, la producción de Darío Villalba se ha identificado por representar de forma continúa a iconos del ser humano en referencia a la mendicidad o marginalidad, un hecho que también podemos ver en esta exposición. Dos sorpresas a descubrir casi al final de la muestra son los homenajes que el artista realiza a dos grandes artistas: Pablo Picasso e Ingres.

Reinterpretación obra de Ingres. Imagen cortesía de la galería.

Reinterpretación obra de Ingres. Fotografía: Nacho López Ortiz.

En palabras del artista descubrimos que trata de no establecer novedades ni diferenciaciones entre sus trabajos sino que todo su quehacer “es un fluir de sensaciones y emociones que van a parar a la obra final”, el cuadro acaba por recabar la mayor parte de sus vivencias casi íntimas y personales. Algo en lo que reparamos sin duda con echar un simple vistazo a su producción. Desde sus famosos ‘Encapsulados’ que le dieron fama internacional en 1970, su obra ha llegado a grandes colecciones como por ejemplo a la del Metropolitan Museum (Nueva York), la de Solomon R. Guggenheim Museum (Nueva York), la Colección AENA (Madrid) o Fundación Juan March (Palma de Mallorca), entre otras. Le consultamos sobre su relación con Luis Adelantado y por qué ha decidido presentar estas obras en la galería, referencia cuando en 1994, tras una exposición en el IVAM, Luis Adelantado le sugirió hacer una exposición en la galería, “de ahí hasta la fecha surgió un entrañable respeto y amistad entre los dos”.

“Siempre he tenido un interés muy grande en expresar el dolor. A medida que he ampliado mi referente conceptual hacia otras emociones, el marco del dolor se ha disipado un tanto para dar cabida a otras sensaciones”, declara en cuanto a sus motivaciones. Para enfrentarse a ‘Aquí’ Darío Villalba nos relata que “el espectador debe despojarse de todo y dejar que las emociones fluyan desde las obras a su retina”. Adentrarse en ‘Aquí’ requiere su tiempo, unos minutos por pieza que acabarán en una buena reflexión mientras, y a medida que avanzamos vemos cómo la obra del autor ha ido evolucionando y podemos, casi como si de una retrospectiva se tratara, conocer mejor la producción de este gran artista que irrumpió con fuerza allá por los años 50 y que aún a día de hoy continúa sorprendiendo.

Vista general de la exposición. Imagen cortesía galería Luis Adelantado

Vista general de la exposición. Fotografía: Nacho López Ortiz.

María Ramis

Las estructuras anímicas de Rafa de Corral

Persistencia del vacío, de Rafa de Corral
Galería Alba Cabrera
C / Félix Pizcueta, 20. Valencia
Hasta noviembre de 2015

¿A qué vacío se refiere Rafa de Corral cuando lo alude en una de las cuatro piezas inéditas que muestra en la galería Alba Cabrera? Para responder a esta pregunta, sin duda clave en su obra, se hace necesario desprenderse de la seguridad con la que habitualmente nos manejamos. Porque al hacerlo, descubrimos precisamente el lugar hacia el que los artistas (y Rafa de Corral lo es en alto grado) nos convocan. Lugar que no es otro que ese vacío aludido, en torno al cual los creadores van generando formas que hagan soportable la angustia de quien se arriesga a vivir próximo al caos.

Estructura ambigua, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Estructura ambigua, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Por eso Rafa de Corral combina en su obra estructuras pesadas que parecen unas veces flotar y otras alejarse de su condición sólida para evocar tumultuosos estados de ánimo. La firmeza y la fragilidad van dialogando en su obra, mostrando la tensión de la vida bajo múltiples formas. Todo empieza así: “Tengo sensaciones, veo formas y colores y los dibujo”, dice el artista. Diríase que del fondo oscuro, ése que algunas noches de infancia llegó a provocar la angustia de la que se nutre el vacío, van surgiendo esas formas y colores que, a base de inspiración y mucha transpiración, permiten alcanzar la plétora del sentido.

Rafa de Corral confiesa que a veces se pasa más de ocho horas seguidas intentando domesticar esas estructuras que parecen figuras. Porque la suya es una abstracción con los pies en el suelo, aunque sienta cómo cada vez más huye del referente. “Me impone mucho respeto la abstracción geométrica”, comenta. Esa sensación de perder pie, de alejarse por completo de la realidad, hasta caer en ese vacío que, no obstante, se muestra persistente en su obra. No sólo porque lo evoca una de sus últimas piezas (Persistencia del vacío), sino porque es su forma de trabajar.

Puerta del olvido, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Puerta del olvido, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

El vacío en la obra de Rafa de Corral se intuye en esas “estructuras con vida dentro”, según expresión del propio artista, que sin duda sirven de guía de su trabajo. Estructuras y formas que sin retorcerse, porque la línea nunca pierde su compostura, destilan una energía desbordante. Como si esas formas arquitectónicas, pesadas y firmes, perdieran precisamente su firmeza en medio de la nada. Como si la orgánica naturaleza del fondo mantuviera un pulso con esas formas próximas a derrumbarse, a pesar de su energía, de su mayestática presencia.

The Infinitive Live Ii, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

The Infinitive Live Ii, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

“Yo lo veo como estados de ánimo, siempre bajo el signo de la dualidad, entre una parte orgánica y otra parte estructural; en lucha ambas partes”. Rafa de Corral dice trabajar con muchos bocetos previos, como si él mismo luchara por contener el vacío. Esto es, por dotarlo de contenido que amortigüe la angustia del fondo magmático, y por literalmente contenerlo a base de formas que casen con esa luz propiciada por el trabajo con los colores. “Trabajo por capas: del oscuro al claro”, dice. Y añade: “Trabajo con acrílico, pero la plasticidad me lo da el óleo”.

A base de una “luz escenográfica que genera inquietud”, Rafa de Corral va creando esas estructuras anímicas que recorren su obra en dirección a una cada vez más depurada realidad. Como si ese vacío persistente (“los títulos en mi obra son pistas, partes del cuadro”) le obligara a afinar su  propuesta con vistas a ceñirlo mejor. A reconocerse digno de la verdad que ese vacío encierra. Porque el vacío al que Rafa de Corral insiste en acercarse es, más que sinónimo de angustia, la posibilidad última de afrontarla sin miedo a perderse.

La persistencia del vacío, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

La persistencia del vacío, de Rafa de Corral. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Salva Torres

Vuk Jevremovic, Luna de Valencia de Animación

Vuk Jevremovic, Premio Luna de Valencia Especial de Animación
30 Festival Internacional de Cine de Valencia – Cinema Jove
Del 19 al 26 de junio de 2015

El gran cineasta yugoslavo Vuk Jevremovic recibirá el Premio Luna de Valencia Especial de Animación en la 30ª Edición del Festival Internacional de Cine de Valencia – Cinema Jove, organizado por CulturArts. El animador ha sido retratado por Susana García Rams, docente del Departamento de Dibujo de la Universidad Politécnica de Valencia y experta en la obra de Jevremovic, como “arqueólogo de experiencias y alquimista del arte”.

La animación es una de las disciplinas cinematográficas mejor acogidas por el público del Festival. Ya se ha entregado el Premio Luna de Valencia a maestros destacados en este área como Alexander Petrov, Piotr Dumala, Caroline Leaf o Jonathan Hodgson. Además, la animación polaca más actual también tendrá de nuevo su espacio con el ciclo O!pla Across the Borders 2014, que se proyectará en el Instituto Francés, el IVAM y la Filmoteca.

Imagen de Vuk Jevremovic cortesía de Cinema Jove.

Imagen de Vuk Jevremovic cortesía de Cinema Jove.

Vuk Jevremovic nació en 1959 en Frankfurt, Main, (Alemania), pero pasó su infancia en la antigua Yugoslavia. Dedicado a la pintura y el dibujo, llegó a ser considerado uno de los artistas jóvenes más prometedores de su país. Su incursión en el mundo de la animación se produjo de manera casual al asistir a un curso del reconocido animador Nedeljko Dragic, de Zagreb.

A partir de ese momento, se enamoró de las imágenes en movimiento y comenzó su prolífica y laureada carrera. Con su primer film, ‘El viento se calma’ (1996), obtuvo el reconocimiento internacional llegando a ganar dos Grandes Premios y 17 galardones. ‘Pantera’ (1998), su siguiente cortometraje, fue finalista a los Oscar.

Fotograma de una de las obras de Vuk Jevremovic. Cortesía de Cinema Jove.

Fotograma de una de las obras de Vuk Jevremovic. Cortesía de Cinema Jove.

Susana García Rams define su trabajo como “una obra expresionista llena de hábiles y potentes signos de grafismo colorista, o de dinámicos trazos de carbón. Así es como nos habla de sus sensaciones y sentimientos, volcando al lienzo de la pantalla una frenética carrera de movimiento, colorido y luz”. Sus filmes animados se llenan de imágenes que apelan a lo sensorial y a lo emocional, cargadas de significado y metáforas tras un proceso de creación en el que plasma lo que está oculto en el inconsciente.

El arte de Jevremovic evoca las pinturas negras de Goya y sus grabados satíricos, el arte ritual, el romanticismo, el expresionismo y el simbolismo pictórico. Un arte “sanador” que recorre el camino de entrar en lo más oscuro del ser para sacarlo. Un chamán o exorcista del Yo. Cinema Jove proyectará una retrospectiva con 10 de los cortometrajes más destacados de este grande de la animación.

Obra de Vuk Jevremovic cortesía de Cinema Jove.

Obra de Vuk Jevremovic cortesía de Cinema Jove.

La animación polaca vuelve a Cinema Jove

Además del ciclo de Jevremovic, el Festival vuelve a dedicar una Sección especial al cine de animación polaca, uno de los grandes tesoros de la cultura europea, con O!pla Across the Borders 2014. En la actualidad, gracias a una nueva generación de autores de talento, junto a reconocidos maestros, sigue siendo uno de los principales dominios artísticos en Polonia. O!pla Across the Borders 2014 es un excepcional programa de cortometrajes que incluye las obras premiadas en el Festival de animación O!pla, un proyecto cultural totalmente independiente cuya segunda edición tuvo lugar en 44 ciudades polacas desde el 21 de Marzo hasta el 8 de Junio.

Jevremovic. Cortesía de Cinema Jove.

Imagen de Vuk Jevremovic cortesía de Cinema Jove.

El ‘Stadío Vitale’ de Rafa de Corral

Stadío Vitale. Rafa de Corral
ONEstudio
C / Teruel, 2. Valencia
Inauguración: jueves 7 de mayo, a las 20.00h

Las palabras ‘Stadío Vitale’ dentro de la biología responden a la etapa o fase de un proceso, implica cambio, transformación, metamorfosis que experimentan algunos insectos durante su vida. Se trata de un punto de inflexión clave dentro del pleno desarrollo del individuo.

En esta muestra, Rafa de Corral representa distintos momentos históricos de su trabajo mediante diferentes disciplinas como son la pintura, la escultura o la video-creación.

Montaje de obras de Rafa de Corral pertenecientes a su 'Stadío Vitale'. Imagen cortesía de ONEstudio.

Montaje de obras de Rafa de Corral pertenecientes a su ‘Stadío Vitale’. Imagen cortesía de ONEstudio.

En este caso, ‘Stadío Vitale’ es un proceso de alteración y modificación interior que se plasma en el video como conceptos abstractos que mutan de manera interminable, conjugando figuras imposibles con sonidos que sugieren infinidad de sensaciones.

Rafa de Corral nos adelanta un cambio en sus dibujos y pinturas mediante rectas y planos coloristas que responden a este proceso de madurez evolutiva.

La incomunicación en las grandes ciudades fue el tema principal de sus primeros trabajos. Urbes desiertas y envueltas en bruma reflejaban esa dificultad comunicativa del individuo contemporáneo que, por otra parte, no aparecía en sus cuadros.

Después se fue metiendo en lo que él llamó una “profunda renovación”. Ya no había ciudades, ni edificios representativos que orientaran la mirada del espectador hacia ese aislamiento urbano. Lo que había y hay es una introspección acerca del espacio y el tiempo.

Obra de Rafa de Corral perteneciente a su 'Stadío Vitale'. Imagen cortesía de ONEstudio.

Obra de Rafa de Corral perteneciente a su ‘Stadío Vitale’. Imagen cortesía de ONEstudio.

‘Colectiva’ de Expósito y Núñez en Lametro

Colectiva, de José Expósito y Antonio Núñez
Sala Lametro José Ramón García-Antón
Estación de Metro de Colón. Valencia
Hasta el 31 de marzo, 2015

La sala Lametro-José Ramón García-Antón de la estación de Colón de Metrovalencia acoge, hasta el 31 de marzo, la exposición de pintura y escultura ‘Colectiva’ de José Expósito García y Antonio Núñez, dos artistas que retoman el contacto con el público tras un periodo al margen de la actividad artística.

En la obra de José Expósito García (Camas, Sevilla, 1954, y residente en Valencia desde 1972) se puede contemplar esculturas en talla de piedra y madera, con el cuerpo humano como tema principal, torsos masculinos y cuerpos femeninos, con diferentes enfoques y tallados con diversos tipos de maderas y acabados.

Obra de José Expositivo en la exposición 'Colectiva'. Imagen cortesía de Lametro.

Obra de José Expositivo en la exposición ‘Colectiva’. Imagen cortesía de Lametro.

Además, exhibe pinturas sobre tabla en las que predomina la investigación y la búsqueda para expresar sensaciones mediante la textura y el color, tomando como fuente de inspiración temas que siempre le han motivado, como son los volcánicos, los relacionados con el agua y fondos marinos, las manifestaciones artísticas  primitivas y aborígenes.

También se pueden admirar cuadros realizados en acrílico inspirados en la técnica de su admirado Manolo Millares, componiendo formas y expresando sensaciones, con la combinación de arpilleras de distintas texturas, así como pinturas de un estilo más realista inspiradas en viajes reales e imaginarios.

Obras de Antonio Núñez en la exposición 'Colectiva'. Imagen cortesía de Lametro.

Obras de Antonio Núñez en la exposición ‘Colectiva’. Imagen cortesía de Lametro.

En el trabajo de Antonio Núñez (Puerto de Sagunto, 1963), se puede contemplar esculturas realizadas en técnica mixta, buscando combinaciones de mármol, madera y en algunos casos toques de acero inoxidable, todo ello unidos entre sí en una sola pieza. En cuanto a su estilo, se inspira en el conocimiento de la forma y la materia, creando figuras humanas en su mínima expresión. Otras veces, simplemente se deja llevar por trazos sugerentes y toques conceptuales.

Su obra busca contrastes visuales de frío y calor, el mármol, la madera…., así como motivos claros para distorsionar la realidad, con materiales que se doblan y desean huir de sus atributos más naturales.

Obras de Antonio Núñez en la exposición 'Colectiva'. Imagen cortesía de Lametro.

Obras de Antonio Núñez en la exposición ‘Colectiva’. Imagen cortesía de Lametro.

La sala, que permanece abierta al público de martes a viernes de 11:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 20:00 horas, y los sábados en horario de tarde, cuenta desde su inicio con el patrocinio de Vossloh, empresa radicada en Albuixech y dedicada a la fabricación de unidades ferroviarias.

Con esta sala de exposiciones, FGV quiere consolidar como habituales en el conjunto de las estaciones de la red propuestas culturales y otras, como actuaciones musicales o campañas de sensibilización como las que desarrolla Línea 0. Estas iniciativas se ofrecen con el objetivo de conseguir que las estaciones de Metrovalencia sean algo más que un simple lugar de paso.

Obra de José Expósito en la exposición 'Colectiva'. Imagen cortesía de Lametro.

Obra de José Expósito en la exposición ‘Colectiva’. Imagen cortesía de Lametro.

La selección de García-Alix en ARCO

Selección Ron Barceló Imperial de artistas emergentes por Alberto García-Alix
ARCO Madrid 2015
Del 24 de febrero al 1 de marzo de 2015

Alberto García-Alix ha realizado una selección de artistas emergentes participantes en ARCOMadrid 2015, cuyas obras integran la guía ‘Selección Ron Barceló Imperial de artistas emergentes por Alberto García-Alix’. Los artistas y obras  elegidos son: Xavier Arenós (Fragmentación dinámica del búnker de Antonov-Ovseenko –Galería Rosa Santos), Elena Bajo (Is Music the Essence of the World?–García Galería), Jose Diaz (Nec spe, nec metu -Galería The Goma), Santiago Giralda (Erebus –Moisés Pérez de Albéniz), Arturo Hernández (Sedimentary Color Wheel –José de la Fuente), Hisae Ikenaga (Tubular 1-Formato Comodo), Adrian Melis (Línea de Producción por excedente –ADN galería), Asier Mendizábal (Toma de Tierra, Vista de la instalación Installation View -Carreras Mugica), Carlos Motta (Seis actos: un experimento de justicia narrativa –Instituto de Visión) y Belén Rodríguez (Silkanplastic I –Josh Lilley). Todas sus obras estarán expuestas desde el 25 de febrero al 1 de marzo en ARCOmadrid.

Obra de Arturo Hernández, de la galería José de la Fuente. Imagen cortesía de Ron Barceló Imperial.

Obra de Arturo Hernández, de la galería José de la Fuente. Imagen cortesía de Selección Ron Barceló Imperial.

“Ha sido muy complicado llevar a cabo esta selección, existe mucho talento emergente en la actualidad y es necesario conocer la historia y el contexto que hay detrás de cada proyecto para poder entenderlo. Por ello, además de investigar cada artista y cada obra, me he dejado guiar por las sensaciones que me han transmitido cada una de ellas, utilizando la emotividad y la comprensión como criterios añadidos”, reconoce García-Alix.  Asimismo, afirma que la puesta en marcha de esta acción por parte de Ron Barceló Imperial “es positiva y muy necesaria”, ya que “supone un reconocimiento y un impulso para los creadores emergentes”.

Obra de , de la galería Carreras Múgica. Imagen cortesía de Selección Ron Barceló Imperial.

Obra de Asier Mendizabal, de la galería Carreras Múgica. Imagen cortesía de Selección Ron Barceló Imperial.

Las obras y biografías de los 10 artistas emergentes seleccionados por Alberto García-Alix quedarán plasmados en ‘Selección Ron Barceló Imperial de artistas emergentes por Alberto García-Alix’, una guía única que, acompañada de un mapa con la localización del stand de cada una de ellas, será distribuida por la organización de ARCOmadrid en los puntos de información y venta de entradas hasta el próximo 1 de marzo, ofreciéndose como un recorrido imprescindible para los asistentes a esta nueva cita con el arte.

Obra de Hisae Ikenaga, de la galería Comodo. Imagen cortesía de Selección ron Barceló Imperial.

Obra de Hisae Ikenaga, de la galería Formato Comodo. Imagen cortesía de Selección Ron Barceló Imperial.

Además de este proyecto, Ron Barceló Imperial refuerza su implicación con el arte en la 34ª edición de la feria de arte contemporáneo a través de la entrega del Premio Ron Barceló Imperial/ARCOmadrid, que en su segunda edición ha reconocido la exposición colectiva ‘The Apartment (Piloto’), de la Galería L21.

Obra de Xavier Arenós, de la galería Rosa Santos. Imagen cortesía de Selección Ron Barceló Imperial.

Obra de Xavier Arenós, de la galería Rosa Santos. Imagen cortesía de Selección Ron Barceló Imperial.

Obra de Adrian Melis, de ADN Galería. Imagen cortesía de Selección Ron Barceló Imperial.

Obra de Adrian Melis, de ADN Galería. Imagen cortesía de Selección Ron Barceló Imperial.

 

Sueños en torno a Luis Buñuel

22 x Don Luis: ‘Sueños’
X Edición del Festival Internacional de Cine
En homenaje a Luis Buñuel
Centro Buñuel de Calanda
C / Mayor, 48. Calanda, Teruel
Del 3 al 9 de agosto, 2014

La X edición del Festival Internacional de Cine ‘22 x Don Luis’ se presenta este año bajo el lema ‘Sueños’.
Probablemente las primeras películas fueron los sueños de aquellos antepasados que nos dejaron obras tan increíbles como las pinturas de Altamira.

A partir de ahí, el ser humano ha ido evolucionando sin perder su capacidad de seguir soñando: sueños dormidos, sueños despiertos. Sueños hechos para el celuloide. Detrás de cada película hay mucho sueños, sueños para ser compartidos por los espectadores.

Sueños de artistas, sueños con artistas, como los de Javier Poyatos con Marilyn, para dar forma a la exposición Sueños con Marilyn, una explosión de color y sensaciones que le ha permitido armonizar la imagen de la actriz con sus propios sentimientos.

Fotograma de 'Una mujer sin sombra', de Javier Espada, en el festival '22xDon Luis'. Centro Buñuel de Calanda.

Fotograma de ‘Una mujer sin sombra’, de Javier Espada, en el festival ’22xDon Luis’. Centro Buñuel de Calanda.

En la Sección Oficial se proyectarán cinco largometrajes y cinco cortos, procedentes de México, Polonia y España, y contaremos con directores, actores y distribuidores que presentarán sus obras, optando a los premios que el público otorga al mejor Cortometraje y al mejor Largometraje.

El festival arranca la Sección Paralela con la proyección de ‘El hombre y la música’ de la directora Laura Sipán, un documental sobre el músico aragonés Antón García Abril.

Durante la inauguración oficial contaremos con Asunción Balaguer para presentar el documental de Javier Espada ‘Una mujer sin sombra’ y el teaser de la película ‘Cuervos’ de Raúl Romera, en la que actúa.

Cartel del documental 'El hombre y la música', de Laura Sepán, en el festival '22xDon Luis' del Centro Buñuel de Calanda.

Cartel del documental ‘El hombre y la música’, de Laura Sipán, en el festival ’22xDon Luis’ del Centro Buñuel de Calanda.

Como en ediciones anteriores, se presentará la selección de cortometrajes aragoneses, coordinada por Vicky Calavia, ‘Made in Aragón’ y, continuando con la sección ‘Pasión por el Cine’, una selección de cortometrajes procedentes de la Escuela Universitaria de Artes y Espectáculos TAI de Madrid.

La literatura también tiene un lugar destacado con los poemas del cineasta y poeta Emilio Ruiz Barrachina y el libro de Max Aub ‘Luis Buñuel, novela’ de la editorial Cuadernos del Vigía, presentado por Alfonso de Lucas Buñuel, Carmen Peire y Miguel Angel Arcas.

Para los más pequeños se ha organizado un taller de cine dirigido por el actor y director mexicano Ricardo Dávila, cuyo resultado se proyectará el sábado 9 de agosto.

En la Gala de Clausura se llevará a cabo la entrega de premios y se rendirá homenaje a Rosa María Calaf y Manolo Llamas.

Una semana de cine en homenaje a Luis Buñuel donde vamos a ver más de 30 títulos; películas de ficción y documentales que nos acercan a otras realidades no tan lejanas, como la energía nuclear o la inmigración. Las paradojas de la fe, que nos recuerdan a Viridiana, o una mirada intimista hacia un momento de nuestra historia.

Este festival también es un sueño del que despertaremos a partir del 10 de agosto, probablemente…

Buñuel dice en sus memorias: “Si me dijeran: te quedan veinte años de vida, ¿qué te gustaría hacer durante las veinticuatro horas de cada uno de los días que vas a vivir?, yo respondería: dadme dos horas de vida activa y veinte horas de sueños, con la condición de que luego pueda recordarlos; porque el sueño sólo existe por el recuerdo que lo acaricia”.

Fotograma de 'Un perro andaluz', de Luis Buñuel. Centro Buñuel de Calanda.

Fotograma de ‘Un perro andaluz’, de Luis Buñuel, al que el Centro Buñuel de Calanda rinde homenaje con su festival ’22xDon Luis’.

 

Ferran Adrià and the art of food

El Bulli: Ferran Adrià and the art of food
Somerset House
Strand London WC2R, 1 LA, Reino Unido
Hasta el 29 de septiembre

Hace casi un mes, concretamente el 5 de Julio, se inauguró en el Somerset House de Londres la exposición ”El Bulli: Ferran Adrià and the art of food” que formará parte de las propuestas de esta institución hasta el 29 de septiembre de este año, siguiendo la estela y ampliando la muestra que se llevó a cabo en el Palau Robert de Barcelona a finales del año pasado. Parece una intentona de retrospectiva emocional y pastelera, valiéndome del contexto que se trata, del restaurante El Bulli convertida en un exagerado ensalzamiento de la figura de Ferran Adriá y de su inminente proyecto, ávidos de soporte institucional y económico, más que apariencia moral y que a modo de gira promocional, después de Londres recorrerá otras ciudades del planeta.

El comisario Sebastià Serrano nos propone un recorrido lleno de imágenes, excéntricos recuerdos y anécdotas, en las que se ve el desarrollo de este pequeño local que en su día se convirtió en el mejor restaurante del mundo y que tiene ante sí un reto impresionante.

Entrada a la exposición. Fotografía: Anna Gottardo

Entrada a la exposición. Fotografía: Anna Gottardo

Desde un punto de vista que gira en torno a una casa-museo o un museo de ciencias naturales, en las dos plantas que componen la muestra se presenta la idea central: la cocina como laboratorio de sensaciones y el comer como verdadera experiencia de los sentidos. Es esto, precisamente, lo que acerca el paladar al arte y da sentido al trabajo entre fogones de estos maestros gastronómicos. En las propuestas que ofrece este venerado cocinero catalán, más allá de la deconstrucción de la comida, de los utensilios que inventa, del cuidado enfermizo en la presentación de los alimentos y su elaboración, se intenta descontextualizar, provocar y, sobre todo, aportar conceptos a través de una recerca técnico conceptual que ayuda a crear, crear, crear…

A nivel funcional, la exposición empieza con un flash back en el que se proyecta un vídeo que representa, como en un último vals, el último postre y los últimos aplausos del famoso restaurante y finaliza en una sala con la impresionante maqueta de lo que será la fundación que están proyectando desde que el local cerró sus puertas hace dos años.

Entre estos dos momentos se sigue una línea temporal que recorre todo el discurso expositivo. Fotografías-recuerdo y cronología de hechos, archivos, documentos cuentan, como repasando el antiguo álbum de la abuela, todos los pasos que se fueron dando desde la compra del terreno, hasta convertirse en el lugar donde mejor se comía del mundo. Subiendo las escaleras se deja atrás la parte emocional y se hace partícipe al visitante del frenesí de tres horas en la cocina de El Bulli en cinco minutos presentado en tres pantallas simultáneas, que dan paso a la parte más científica, práctica y de impacto visual de la muestra. Hay puntos que suscitan la curiosidad como la mesa virtual de comensales donde los visitantes se sienten protagonistas del menú propuesto por la voz real de uno de los camareros que explica minuciosamente cada uno de los platos servidos. En otros momentos el comisario juega con el paralelismo entre el arte culinario y el mundo artístico convencional; en una  entrevista, el artista Richard Hamilton define a Ferran Adrià como inventor y lo compara con figuras como Duchamp o Shakespeare al ser todos intérpretes de un lenguaje nuevo, mientras la melodía de Bruno Mantovani “El libro de las ilusiones”, compuesta para Ferran Adrià por el músico francés, traduce en sonido las emociones del menú degustación de 35 platos.

Entre estas curiosidades encontramos extraños utensilios, platos, cubiertos, comidas de plastilina y fotografías de platos que nos envuelven en la idiosincrasia de un concepto de comida diferente, inusual para la vista. Es lo que pretende El Bulli en su menú, engañar a los sentidos para mantenerlos alerta, como sucede con el arte contemporáneo; el espectador se tiene que despojar de todas sus preconcepciones y prejuicios y recibir desnudo de conceptos el mensaje, en este caso el alimento.

Modelado para los platos. Fotografía: Anna Gottardo

Modelado para los platos. Fotografía: Anna Gottardo

A partir de ahí fechas, datos, fotografías, menús, uniformes, recuerdos tienden a desviar la atención del sujeto expositivo, y pueden resultar más curiosidades y relleno que información complementaria al mensaje que se pretende sugerir: el punto de inflexión y paso adelante para adaptar un elemento tan característico como la cocina a las nuevas tecnologías, de las que se sirve para encontrar caminos diferentes y vislumbrar unas nuevas expresiones, no siempre aceptadas por los defensores de la gastronomía tradicional, que ven la innovación excesiva como un desarraigo y a los que deberá todavía conquistar.

 

Ferran Adrià y Bart Simpson. Fotografía: Miguel Mallol

Ferran Adrià y Bart Simpson. Fotografía: Miguel Mallol

Miguel Mallol