MUSAC presenta su nueva temporada expositiva

MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León
Avda. Reyes Leoneses, 24. León

– Self-Timer Stories [Historias del autodisparador]: 16 de mayo – 13 de septiembre, 2015
– Sector primario: 16 de mayo, 2015 – 10 de enero, 2016
– Visita guiada: artista, museo, espectador[Fondos de la Colección MUSAC]: 16 de mayo – 20 de septiembre, 2015

MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, presenta tres exposiciones colectivas. Self-Timer Stories [Historias del autodisparador]  explora el fenómeno del autorretrato fotográfico a partir de una selección de 80 obras de 34 artistas nacionales e internacionales, tomando como punto de partida la Colección Federal de Fotografía de Austria, en diálogo con obras de artistas nacionales e internacionales y obras de la Colección MUSAC. Sector primario es una muestra producida por MUSAC que  atiende a la relevancia del paisaje, la actividad agrícola y ganadera, la caza, la minería, etc. en la comunidad de Castilla y León, a través del trabajo de los artistas Paco Algaba, Alfonso Borragán, Álvaro Laiz, Asunción Molinos Gordo, Javier Riera, y Antje Schiffers. Visita guiada: artista, museo, espectador es una exposición realizada en exclusiva con fondos de la Colección MUSAC que analiza, reflexiona y cuestiona las narrativas, funciones y convenciones del sistema del arte.

Self-timer Stories

Esta exposición muestra una selección de obras de la Colección Federal de Fotografía de Austria –en depósito permanente en el Museum der Moderne Salzburgo—en diálogo con artistas internacionales y obras de la fotografía expandida.

El leitmotif de esta exposición es la creación del autorretrato a través de un disparador automático. Esta práctica, popular tanto en la vida cotidiana como en el arte, mueve alternativamente con los avances técnicos y se manifiesta en los cables de liberación que aparecen en las composiciones, la liberación de control remoto digital, o la mano extendida. En el momento del “clic” de la cámara (que está reproducida de modo artificial en la fotografía digital) el “yo como autodisparador” se vuelve prevalente y así marca la relación del sujeto con el mundo, que ha sido siempre inseparablemente vinculado con los medios de comunicación.

Así, la exposición presenta el tema omnipresente de la auto-representación fotográfica a lo largo de varias generaciones en el contexto de una historia del arte-crítico de los medios y continúa hasta nuestros días como una historia de auto-temporizador fotografía como emancipador «clic»; un juego de mostrar y ocultar, de público y privado.

La exposición Self-Timer Stories cuenta con artistas fotográficos de la talla de VALIE EXPORT, Esther Ferrer, Sharon Hayes, Matthias Herrmann, Juan Hidalgo, AA Bronson & Matthias Herrmann, Birgit Jürgenssen, Barbara Kapusta, Roberta Lima, Anja Manfredi, Ana Mendieta, Lilo Nein, Cristina Núñez, Carlos Pazos, Carolee Schneemann, Peter Weibel, Martha Wilson, o Francesca Woodman.

Self-timer Stories. Valie Export

Retrato fotográfico de Valie Export. Imagen cortesía de MUSAC.

Sector Primario

Sector primario es una exposición colectiva que pretende atender a la importancia y presencia del paisaje, la actividad agrícola y ganadera, la caza, la minería, etc. en esta comunidad a través del trabajo de algunos artistas contemporáneos. Por una parte se «documenta» el cambio de paradigma económico que hace «inviables» algunas áreas del sector primario, pero por otra se pone en valor alguna de esas actividades porque tienen precisamente un valor innegable y primordial. Los sectores de la vida rural y la ganadería serán objeto de investigación y trabajo de Antje Schiffers; Asunción Molinos Gordo se centrará en la agricultura y la alimentación; la languideciente actividad minera que fue tan identitaria en León es tratada en el proyecto de Álvaro Laíz que lleva el ilustrativo título de Fósil; Alfonso Borragán trabajará con el agua, los ríos, los embalses y todo los aspectos lúdicos y míticos a ellos asociados; en la tierra se centra la producción de Paco Algaba; y Javier Riera explorará la presencia y la dimensión del paisaje, la naturaleza y los animales salvajes.

Borragán 2

Fotografía paisajista de Alfonso Borragán. Imagen cortesía de MUSAC.

Visita guiada: artista, museo, espectador [Fondos de la Colección MUSAC]

‘Visita guiada: artista, museo, espectador’ es una exposición colectiva de obras de la Colección MUSAC que analiza, reflexiona y cuestiona las narrativas, funciones y convenciones del sistema del arte. Mientras que la primera parte del título alude a esa inevitable paradoja que acompaña al museo desde su gestación —entre el (exceso de) didactismo y la necesidad de mediación— así como al rol del comisario-intermediador en ella; la segunda parte hace referencia a las complejas y ciertamente asimétricas relaciones entre el artista, el museo y el espectador.

Divida en tres bloques temáticos —artista, museo, espectador—, la exposición reúne entre otros obras de Pipilotti Rist, Antonio Abad, Matthew Barney, Pierre Huyghe, Cristina Lucas, Christian Jankowski, Ruth Gómez, Isaac Julien, Sandra Gamarra, Candida Höfer, Dora García, Zhang Huan, Cerith Wyn Evans, David Iturregui, Anne Collier & Matthew Higgs, Ana Laura Aláez, Daniele Buetti, Joan Morey, Juan López o Lina Bertucci. En este sentido, la obra ‘I married an artist’ de Anne Collier y Matthew Higgs bien podría funcionar como leitmotiv de las diferentes e interconectadas narrativas que ‘Visita guiada: artista, museo, espectador» desea abordar en un ejercicio no exento de ironía ni de auto-crítica.

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Impresión digital de Anne Collier y Matthew Higgs. Imagen cortesía de MUSAC.

Arte con chispa en La Nau

Itinerarios de una Colección
Colección Fundación Coca-Cola
Sala Martínez Guerricabeitia
La Nau de la Universitat de València
C / Universidad, 2. Valencia
Hasta el 13 de abril de 2015

La Fundación Coca-Cola ni siquiera existía cuando la agencia de publicidad McCann lanzó en 1976 su famosa campaña ‘Coke adds life’ (Coca-Cola te da vida). En España se tradujo como ‘La chispa de la vida’, dejando imborrable huella en el imaginario de la bebida. Como la creatividad forma parte de sus genes, que se remontan a su fórmula secreta, nada mejor que incorporar a la marca el nombre de consagrados artistas, al tiempo que se promocionan jóvenes valores. Que es lo que hace desde 1993 la Fundación Coca-Cola, creada con la finalidad de apoyar el arte contemporáneo de la península Ibérica: esto es, artistas españoles y portugueses.

Fotografía de Bleda i Rosa de la Colección Fundación Coca-Cola en la Sala Martínez Guerricabeitia de La Nau de la Universitat de València.

Fotografía de Bleda i Rosa de la Colección Fundación Coca-Cola en la Sala Martínez Guerricabeitia de La Nau de la Universitat de València.

Alrededor de 250 creadores y 360 obras forman ya parte de su Colección de Arte, adquirida principalmente de sus compras en ARCO, y depositadas en el Centro de Arte Contemporáneo DA2 de Salamanca desde 2007. Para que todo ese caudal creativo no sea pasto del triste almacenaje o respetuosa conservación, la Fundación Coca-Cola realiza exposiciones itinerantes para dar a conocer tan valioso patrimonio, en comunión con otras instituciones privadas y públicas. Una treintena de esas obras llega ahora a La Nau de la Universitat de València, siendo la primera vez que una universidad las acoge.

Obra de Adriana Molder de la Colección Fundación Coca-Cola en La Nau de la Universitat de València.

Obra de Adriana Molder de la Colección Fundación Coca-Cola en La Nau de la Universitat de València.

Todo ese arte con chispa se presenta en la Sala Martínez Guerricabeitia, cuyo Patronato celebra este año su 25 aniversario, culminándolo con esta exposición. Hay artistas valencianos como Bleda i Rosa o Victoria Civera, junto a creadores de otras latitudes, ya sean consagrados o con venturosa carrera por delante, como son los casos de Juan Uslé, José María Sicilia, Rogelio López Cuenca o Juan Navarro Baldeweg, y Rubén Guerrero, Ruth Gómez o  Carmela García. Artistas diversos que emplean a su vez técnicas diferentes para expresar cuanto les motiva. De manera que hay pintura, pero también fotografía, escultura, dibujo, instalación y video.

Obra de Dionisio González de la Colección Fundación Coca-Cola en La Nau de la Universitat de València.

Obra de Dionisio González de la Colección Fundación Coca-Cola en La Nau de la Universitat de València.

Juan José Litrán, director de la Fundación Coca-Cola, fue taxativo con respecto al trabajo que llevan a cabo: “No creemos en las subvenciones. Lo hacemos por decisión estratégica. Nos acerca a una parte de la sociedad”. Arte fresco, con chispa, burbujeante que, como la bebida que representa, genere cierta adicción cultural. Adicción al pensamiento, la reflexión y el sentimiento que despiertan las 31 piezas expuestas. La confusa frontera entre realidad y ficción; el paisaje abordado como espacio conceptual o lugar de múltiples afecciones; el retrato y la figura lacerados por cierta quiebra en la identidad, son algunas de las temáticas recogidas o que atraviesan el conjunto expositivo.

Obra de Gonzalo Puch de la Colección Fundación Coca-Cola en La Nau de la Universitat de València.

Obra de Gonzalo Puch de la Colección Fundación Coca-Cola en La Nau de la Universitat de València.

Arte, como precisa su comisaria Lorena Martínez de Corral, que pudiera agruparse igualmente bajo el concepto de espectacularidad, más allá de su acepción peyorativa: “Entendemos que cuando algo es espectacular quiere decir que pide ser contemplado”. Una mirada, pues, atenta, alejada de las prisas a las que, paradójicamente, nos conduce el aluvión de imágenes que caracteriza nuestra contemporaneidad. Como hay tiempo de sobra, porque la muestra permanecerá en La Nau hasta el 13 de abril, no hay excusa para detenerse, como lo hace esa joven fotografiada por Carmela García, al borde de ese acantilado al que parece abismarse el arte contemporáneo.

Obra de Rubén Guerrero de la Colección Fundación Coca-Cola en La Nau de la Universitat de València.

Obra de Rubén Guerrero de la Colección Fundación Coca-Cola en La Nau de la Universitat de València.

Obra de Isidro Blasco en la exposición de la Fundación Coca-Cola en la Sala Martínez Guerricabeitia de La Nau.

Obra de Isidro Blasco en la exposición de la Fundación Coca-Cola en la Sala Martínez Guerricabeitia de La Nau.

 

Salva Torres

La más avariciosa Bienal Martínez Guerricabeitia

12ª Bienal Martínez Guerricabeitia
Avaricia omnium malorum radix
Sala Acadèmia de La Nau de la Universitat de València
Hasta el 30 de marzo

Hace 25 años cayó el muro de Berlín, también llamado el muro de la vergüenza. Justo entonces se inauguraba el IVAM y se fundaba el Patronato Martínez Guerricabeitia. Desde entonces han pasado muchas cosas, entre ellas una escalada sin precedentes de la acumulación de riqueza en las altas esferas. Como si la caída del muro, además de libertad, hubiera abierto la puerta de par en par a la voracidad de las grandes fortunas. Como señaló el vicerrector de Cultura, Antonio Ariño, “ha sido precisamente en las sociedades democráticas, basadas en la equidad, donde se ha permitido una concentración extraordinaria de la riqueza”. Lo cual da mucho que pensar. Algo que viene haciendo el Patronato Martínez Guerricabeitia desde su nacimiento a través de sus bienales.

Obra de Adrian Melis en la 12ª Bienal Martínez Guerricabeitia en La Nau. Imagen cortesía del Patronato Martínez Guerricabeitia.

Obra de Adrian Melis en la 12ª Bienal Martínez Guerricabeitia en La Nau. Imagen cortesía del Patronato Martínez Guerricabeitia.

La celebración de su 25º aniversario coincide además con la 12ª Bienal, este año dedicada precisamente a la avaricia, pecado capital que, de un modo u otro, ha figurado siempre como trasfondo de cada una de las bienales. José Pedro Martínez, director de actividades del Patronato, se dio cuenta de ello al hacer balance del camino recorrido. “Ya sea en Contra natura, en Inmigración y emigración o en Violencias, el tema de la avaricia está en todas ellas”. Ahora, de un modo explícito y como queriendo cerrar el círculo, se han presentado 20 obras de otros tantos artistas bajo el lema ‘Avaricia omnium malorum radix’ (El origen de todos los males es la avaricia).

Obra de Cristina Lama en la 12ª Bienal de La Nau. Imagen cortesía del Patronato Martínez Guerricabietia.

Colección inigualable de 500 obras

La Nau de la Universitat de València recoge toda esa avaricia en una veintena de piezas plásticamente diversas, pero que viene a reflejar en conjunto el despropósito económico que ahora padecemos. “Y no vamos a peor, porque hay mucha solidaridad entre la gente de a pie”, subraya José Pedro Martínez, que apunta en esta dirección positiva de cara a futuras bienales. Entretanto, ahí está la 12ª Bienal Martínez Guerricabeitia haciendo especial hincapié en la avaricia mediante obras “no sólo plásticamente atractivas, sino que inducen a la reflexión”.

Confidential de Juan José Martín Andrés en la Bienal de La Nau. Imagen cortesía del Patronato Martínez Guerricabeitia.

Confidential de Juan José Martín Andrés en la Bienal de La Nau. Imagen cortesía del Patronato Martínez Guerricabeitia.

Tal es el espíritu con el que nació el Patronato: fomentar y difundir el arte contemporáneo, promover vías de debate social e incrementar el patrimonio artístico de la Universitat de València, en cuyo seno de integró por expreso deseo de Jesús Martínez Guerricabeitia. Su hijo José Pedro adelanta que con las “seguramente dos compras” que hagan de obras de la presente Bienal, la universidad pública alcanzará ya las 500 piezas. “No hay ninguna otra a nivel nacional, ni siquiera en Europa, con semejante colección de arte contemporáneo”.

He ahí una excelente noticia, que sirve en cierto modo para compensar el desastre económico y social motivado por la avaricia, y que se ha cebado singularmente en territorio valenciano. José Pedro Martínez, a pesar de los signos de recuperación anunciados últimamente, cree que todo sigue “exactamente igual”. Y se explica: “Al poder financiero no le interesa que esto siga así, porque se están dando cuenta que puede acabar en una revuelta social. De manera que hay cierta tendencia a la recuperación pero a nivel macroeconómico, porque a nivel de población apenas se notará lo justo para que esa revuelta no se produzca”. Eso sí, aunque el mal de la crisis “es común”, en la Comunidad Valenciana ha sido “especialmente doloroso”, producto del “cúmulo de despropósitos sin punto de comparación con otras comunidades autónomas”. Aunque luego matiza: “También ha sido consecuencia, en buena medida, de la infrafinanciación que sistemáticamente hemos ‘recibido’ de la Administración central”.

Senyoa B, de Mavi Escamilla, en la 12ª Bienal de La Nau. Imagen cortesía del Patronato Martínez Guerricabeitia.

Senyoa B, de Mavi Escamilla, en la 12ª Bienal de La Nau. Imagen cortesía del Patronato Martínez Guerricabeitia.

¡Ley de Mecenazgo, ya!

La 12ª Bienal Martínez Guerricabetia cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de Valencia y el patrocinio de Banco Santander y de la Fundación Cruzcampo del Grupo Heineken. La inversión privada, dado el calamitoso estado de las arcas públicas, es la vía a seguir y, para ello, nada mejor que la puesta en marcha de una ley de mecenazgo a la que se invoca, pero no termina de llegar. “La iniciativa privada no sólo espera un beneficio moral por apoyar a la cultura, sino cierta recompensa económica. Por eso la Ley de Mecenazgo es la única solución, que ya funciona en otros países, y que resulta urgente implantar aquí, porque si no poco se puede hacer”, afirma tajante José Pedro Martínez.

La avaricia, que los 20 artistas seleccionados recogen en sus múltiples variantes de corrupción, especulación financiera o abusos de poder, convierte esta última Bienal en inmejorable escaparate de la sociedad contemporánea. “El arte no es arte sin ética”, señaló Antonio Ariño durante su presentación en La Nau. “Cada obra es motivo de reflexión, sin dejar aparte su belleza”, subrayó José Pedro Martínez. A caballo entre esa calidad estética y esa cualidad ética que el arte ofrece, en tanto vía privilegiada para acceder a verdades más profundas que las recogidas en cifras, alcanza sus 12 años la Bienal Martínez Guerricabeitia a lomos del cuarto de siglo de un Patronato que, en esto sí es avaricioso, ya piensa en nuevas fórmulas para seguir avanzando.

Detalle de la obra de Ruth Gómez en la exposición de La Nau. Imagen cortesía del Patronato Martínez Guerricabeitia.

Detalle de la obra de Ruth Gómez en la exposición de La Nau. Imagen cortesía del Patronato Martínez Guerricabeitia.

Salva Torres

Ruth Gómez: Spray

Festival Miradas de Mujeres: Spray de Ruth Gómez
La New Gallery
Carranza 6, Madrid.
Inauguración 5 de marzo a las 20:00 h.
Hasta el 29 de marzo de 2014

La exposición individual de Ruth Gómez se sitúa entre los videojuegos de los años 70 y el último Final Fantasy, una historia de rol en la que el espectador es el guerrero. Inspirada en el barrio parisino de Belleville, concretamente, en sus murales urbanos, donde el grafiti Spray se dibuja gradualmente a través de la simulación de un videojuego.

Spray, de Ruth Gómez. Imagen cortesía de la artista.

Spray, de Ruth Gómez. Imagen cortesía de la artista.

Spray pone en escena un “caos controlado” de pequeñas perturbaciones humanas. El muro animado genera un contener de imágenes, donde muchas tramas encajan entre ellas, implicando los estados de ánimo del espectador. El vídeo combina escenas y figuras que provienen de animaciones anteriores de la artista, con personajes reales, animales y firmas.

El extraterrestre Space Invaders regula y desencadena fragmentos de animación entre las figuras, los símbolos, citas, el recuerdo y lo cotidiano. Articula un mecanismo, “a modo de marioneta” de otros personajes como una jirafa, un flamenco, unas mujeres, una rana, etc.

Spray, de Ruth Gómez. Imagen cortesía de la artista.

Spray, de Ruth Gómez. Imagen cortesía de la artista.

La codicia humana no conoce límites

Bienal Martínez Guerricabeitia.
Sala Academia del Centro Cultural La Nau.
Calle de la Universidad, 2. Valencia.
Inauguración: 13 de febrero, a las 19 h.
Hasta el 30 de marzo de 2014.

Se inicia la 12ª Bienal Martínez Guerricabeitia, organizada por la Universitat de València, un referente del arte contemporáneo en la ciudad, que cuenta con veinticuatro años de historia. En esta ocasión se presenta bajo el lema “avaritia omniun malorum radix” o lo que es lo mismo, “el origen de todo lo malo es la codicia”.

Miki Leal, In ictu oculi, 2013. Imagen cortesía Fundación General de la Universidad de Valencia.

Miki Leal, In ictu oculi, 2013. Imagen cortesía Fundación General de la Universitat de València.

La Bienal coincide este año con la conmemoración del 25 aniversario de la Fundación del Patronato Martínez Guerricabeitia (1989 – 2014). Ha sido concebida como un “caleidoscopio” para conocer las últimas tendencias de la creación, entender el estado del arte actual e incitar a la reflexión del público.

De la misma manera, pretende estimular la creatividad de jóvenes artistas españoles, y al mismo tiempo, aumentar el patrimonio artístico de la Universitat de València a través de la selección de una veintena de obras de arte contemporáneo.

Abigail Lazkoz, It only happened once and I don't remember it very well,  2010. Imagen cortesía de la Fundación General de la Universidad de Valencia.

Abigail Lazkoz, It only happened once and I don’t remember it very well, 2010. Imagen cortesía de la Fundación General de la Universitat de València.

El comité de selección ha estado integrado por los críticos Sema De Acosta, Johanna Caplliure, Oriol Fontdevila, Alfonso de la Torre y Lorena Martínez de Corral, y las galerías de arte ADN (Barcelona), Paula Alonso (Madrid), Nuble (Santander), La Real (Palma de Mallorca) y Aural (Alicante). Los artistas seleccionados son Carlos Aires, Efrén Álvarez, Suso Basterrechea, Chubasco, Mavi Escamilla, Miguel Ángel García, Ruth Gómez, Núria Güell, Rubén Guerrero, Haritz Guisasola, Cristina Lama, Abigail Lazkoz, Miki Leal, Juan José Martín Andrés, Nacho Martín Silva, Adrian Melis, Fran Mohíno, Isaac Montoya, Daniela Ortiz y Manuel Ros.

Isaac Montoya, Reconstrucción (París), 2010 (fotografía digital bajo metacrilato, 115 x 250 cm). Imagen cortesía del artista.

Isaac Montoya, Reconstrucción (París), 2010 (fotografía digital bajo metacrilato, 115 x 250 cm). Imagen cortesía del artista.