EL ARTE DE DESVELAR LA AUTÉNTICA POLÍTICA

‘Política de gestos y de vida’ de Fernando Bryce
Galería Espaivisor
Carrer de Carrasquer 2, València
Hasta el 14 de septiembre de 2018

Espaivisor nos sorprende con la clásica antonomasia de arte, política e historia por medio de una controvertida e íntima mirada a través de una compleja puesta en escena: ‘Política de gestos y de vida’, creada y comisariada por Fernando Bryce. Este artista peruano ahonda en la memoria histórica a través de las reconstrucciones, recopilaciones e investigaciones de carteles cinematográficos, fotografías, grabados e incluso material publicitario de la época buscando recuperar esa esencia maleabilizada ya pasada. Acercándonos a personajes revolucionarios y hechos significativos de la historia universal del siglo XX como fueron las dos grandes guerras, o transportándonos al periodo de la dictadura militar chilena de Pinochet a cargo del grupo de acción C.A.D.A. (Colectivo Arte de Acción) y de la artista Lotty Rosenfeld. Todo ello con el único objetivo de presentarnos una nueva mirada del presente a través de dos verdades: esa establecida y consensuada por los organismos oficiales hasta el punto de nadie desestimarla, y aquella vivida y marginal, desprestigiada por estos mismos que solo se hace latente a través del sujeto presente.

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Fotografía de la exposición ‘Política de gestos y de vida’ de Fernando Bryce. Cortesía de la Galería Espaivisor.

De esta forma la exposición comienza con la combinación de los sucesos acontecidos durante el enfrentamiento entre Alemania y Francia a lo largo de la primera mitad del siglo XX y la dicotomía comunista en la que esta idea es representada de forma inteligible, es decir, desde sus orígenes, como un compromiso social y no como su futura representación real. Todo ello expresado bajo personajes históricos como el activista comunista Willi Munzenverg, primer presidente de la Internacional Comunista de la Juventud; o incluso el propio Lenin. Junto con la obra ’Les fussilés de Châteaubriant’, un políptico de 30 dibujos, de los cuales 27 personifican a los miembros de la Resistencia francesa fusilados el 22 de octubre de 1941 durante la ocupación alemana en la Segunda Guerra mundial y la actividad de los astutos colaboracionistas del Gobierno de Vichy. Siendo este fusilamiento uno de los muchos acontecidos tras ser abatido por los residentes Karl Hotz, teniente coronel responsable de la ocupación nazi en el noroeste francés.

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Obra de Fernando Bryce, ‘Willi Münzenberg’, 2014, tinta sobre papel. Imagen cortesía de la Galería Espaivisor.

Otra sección expuesta correlativa a la anterior es la reelaboración de carteles cinematográficos del género bélico de los años 30 con películas como ‘Strosstrupp’ (Hans Zöberlein, 1934) y ‘Tannenberg’ (Heinz Paul, 1932). Ambas de carácter propagandístico, tratan la guerra de trincheras como la idea arcaica de honor y patria. Contrariamente, encontramos producciones como ‘Westfront 1918’ (Georg W. Pabst, 1930) o su versión francesa ‘Quatre de l’infanterie’, donde se nos muestra una realidad muy diferente a través de un grupo de soldados ajenos a la contienda e inmersos en ella a causa de los deseos de guerra y poder de las diferentes naciones y sus dirigentes. Esta misma idea se solapa junto con la presencia de un par de carteles cinematográficos entre los que se encuentra ‘J’accuse’ de Abel Glance, y el clásico pero monumental símbolo comunista de la Hoz y el Martillo elaborado a través de varillas de hierro empleando la técnica de la anamorfosis que alude a la idea utópica de comunismo, pues solo se aprecia la esencia de la obra desde varios puntos en concreto y no desde su conjunto.

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Imagen principal del cartel cinematográfico de Georg Wilhelm Pabst ‘Westfront 1918’. Ilustración cortesía de la Galería Espaivisor.

Por otro lado, la exposición continúa bajo las reivindicaciones artísticas entre los años 1973-1985 del grupo C.A.D.A. formado por Diamela Eltit, Raúl Zurita, Juan Castillo, Fernado Balcells, e incluso la propia L. Rosenfeld quien expone también de forma individual contra el régimen dictatorial de Pinochet. En primer lugar se nos muestran a través de vídeos, fotografías y símbolos siete intervenciones que denotan el hambre, la miseria, y la falta de cultura que caracterizaba al país, donde incluso la leche era empleada en forma de elemento simbólico de nutrición a través de obras como ‘Inversión en escena’ y ‘Para no morir’. Además de otra serie de piezas donde se nos muestra la lucha activista a lo largo de la primera mitad de la década de los 80 con obras como ‘¡Ay Sudamérica!’ en la que varias avionetas arrojaron 400.000 panfletos sobre la capital chilena mostrando el desacuerdo con las políticas del dirigente militar. ‘Viuda’, una obra de un gran peso político que defiende el papel de las mujeres frente a los asesinatos y desapariciones del régimen imperante. O la serie ‘No+’ producida 10 años después del alzamiento militar y que representa el surgimiento de una nueva conciencia social, reflexiva y autocrítica, que se subleva frente a la idea de su lamentable historia pasada.

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Fotografía realizada por el colectivo C.A.D.A.  como respuesta a la opresiva política de Pinochet. Imagen extraída del artículo ‘El vanguardismo del C.A.D.A.’ escrito por Gianinna Aguilera Viveros.

Cerrando esta idea nos encontramos con la presencia de Rosenfeld y su acto de rebeldía a través de sus singulares cruces. Señalando lugares o escenarios con carácter político y económico, así como cultural y social, para reflexionar sobre la manipulación, el adoctrinamiento, y la obediencia a la que es sometida el pueblo de forma subrepticia por medio tanto de las instituciones estatales como de los poderes fácticos. Además de invitar al espectador al acercamiento y cuestionamiento de estas. Ejemplos de ellos son la bolsa de Comercio de Santiago, la Casa Blanca en EEUU o la misma Acrópolis griega. De este modo, Rosenfeld no pretende sino otra cosa que desestimar toda esta jerarquía autoritaria que dirige la sociedad.

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Obra realizada por la artista chilena Lotty Rosenfeld en Wall ST, New York. Fotografía cortesía de Aninat Galería.

Este simbólico despliegue artístico, al contrario que muchos otros, no trata únicamente de enseñarnos una historia ya pasada sino, en palabras del propio Fernando Bryce, “reflejar el desvelamiento de lo oficial imperante, donde las propuestas de estos artistas encajan con la idea de que el arte y quienes lo realizan son testigos vivos de una realidad muchas veces maquillada u oculta y que merece ser desenmascarada”, es decir, no mostrarnos sino otra cosa que esa auténtica verdad y, sobre todo, invitarnos a que reflexionemos sobre nuestro presente para poder identificar de forma correcta esta dualidad.

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Fotografía de Fernando Bryce en su estudio. Imagen extraída del artículo de Ricardo León Somos ‘Fernando Bryce en el Art Lima: «Soy un defensor del arte que no transa»‘.

Cristian Torada

Deontologismos poéticos: David Trashumante

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Aproximarse a la figura de David Trashumante -heterónimo de David Moreno Hernández- (Logroño, 1978) supone merodear la figura de un vate multidisciplinar y pro-activamente escénico, cuyos vestigios se emparentan inexcusablemente con cada extremidad/eslabón y exudación geográfico-letrada del microcosmos poético durante las dos últimas décadas.

"Bajo Presiones" (2014). Poema visual. Imagen cortesía de David Trashumante.

«Bajo Presiones» (2014). Poema visual. Imagen cortesía de David Trashumante.

Gestor de plaquetas y fanzines, creador de poesía visual, colaborador en revistas literarias, cortometrajista, coordinador de eventos culturales, ganador de los últimos Slam poetry Madrid y SLAM VLC, así como finalista del IV Poetry Slam Nacional celebrado en Mallorca, el presente curso literario viene a consolidar su volcánica e incesante actividad de lustros a través de dos publicaciones que le sitúan en el horizonte de los ineludibles: “Tacto de texto” (Ediciones del 4 de agosto, 2014) y “El amor de los peces” (Unaria Ediciones, 2014).

En estos instantes coordina el área de poesía de “INTRAMURS. Festival per l’art a València”, bajo la dirección artística de Salvia Ferrer, que tendrá lugar del 7 al 16 de noviembre en el epicentro histórico de la ciudad, alojado entre murallas extintas, con el objetivo de promocionar el arte contemporáneo fraguado en las entrañas de su perímetro.

Cartel de la I Edición de INTRAMURS. Festival per 'lart a València.

Cartel de la I Edición de INTRAMURS. Festival per ‘lart a València.

¿Cuál es el concepto y objetivos que peculiarizan a INTRAMURS?

Intramurs intenta visibilizar el tejido social y cultural de una zona de la ciudad profundamente gentrificada: Ciutat Vella. Sobre todo quiere demostrar que todavía quedan vecinos y vecinas que hacen ciudad entre la marabunta de turistas.

Con esa energía nace INTRAMURS, energía por otra parte apoyada muy lateralmente por las instituciones gubernamentales. Podemos decir que es un festival autogestionado donde el aporte desinteresado de artistas y gestores culturales y los micropatrocinios de los bares, restaurantes y comercios de la zona, lo posibilitan. En este sentido, y a título personal, quiero evidenciar el calamitoso estado de las políticas culturales de la ciudad y la falta de visión de todos los agentes que la conforman, cegados en los grandes eventos y en lo mediático. La realidad es que Intramurs demuestra que con un poco de empeño podrían tener una ciudad llena de arte y cultura y fomentar un turismo de más calidad que el que nos visita, basado en el alcohol y la noche.

Lo más particular de INTRAMURS, por no desviarme de tu pregunta, es su vocación para  la acción, las actuaciones en directo, poesía, música, performance, intervenciones… van a ser lo predominante y, en su mayoría, en la calle. Queremos una ciudad para la gente y no sólo para los gerentes de lo público y sus intereses asociados. Una Ciudad Vella espontánea y viva, como fue antaño.

Imagen de portada de "Tacto de Texto". Imagen cortesía de David Trashumante.

Portada de «Tacto de Texto». Imagen cortesía de David Trashumante.

Acercándonos con inmediatez a tus más reciente publicación, ¿qué elementos trascienden a la aliteración oclusiva del título «Tacto de Texto»?

Para mi la poesía es comunicación. Una vía entre el/la que lee, ve, toca, oye y el/la poeta que emite. Necesarios ambos a partes iguales para que el acto de la poesía tenga sentido pleno. Por ello, este poemario, tan coquetamente editado por Ediciones del 4 de Agosto, intenta jugar con el lector/a a través de la poesía discursiva, concreta, visual, interactiva y video-poética, siguiendo la estela de maestros como Joan Brossa y su “Tentetieso” o compañeros como Peru Saizprez.

Pero, ante todo, es una llamada al encuentro y a la reivindicación y la denuncia social con planteamientos lúdico-críticos. Un intento de tocamientos, textualmente hablando.

Portada de "El amor de los peces". Imagen cortesía de David Trashumante.

Portada de «El amor de los peces». Imagen cortesía de David Trashumante.

Retomando tu publicación precedente, «El amor de los peces» -prácticamente agotada su primera edición-, ¿cómo surge esa idea prosopopéyica de vincular la naturaleza acuática con el amor?

El amor, entendido desde los convencionalismos sociales, es rígido, tiende a encarnar esteriotipos, a mi entender, excesivamente simplistas. Tiende a exacerbar el amor de pareja y a extrañarse con cualquier otra clase de amor. Por tanto, congela algo que en realidad es el fluido, que rebosa por los vasos comunicantes que nos unen a todos los seres humanos.

Abolido el concepto cristiano de pecado original, en realidad, todos y todas hemos venido a aprender a amar sin complejos, puros. He ahí quizás un posible sentido de la vida (uno hermoso como mínimo). Un sentido que no siempre alcanzamos a ver, perdidos como estamos, ahogados en medio del agua, sin saber que en lo que nos estamos ahogando es en la propia esencia adaptable, por ende multiforme, abundante y cálida agua del amor.

Por eso me vino una imagen recurrente. Seres humanos como cardúmenes de peces, diminutos en una inmensidad que nos supera, que se cruzan, se enamoran y se olvidan incesantemente. Este distanciamiento simbólico del fluir amoroso me permitió proponer un pequeño inventario de amores, basados en mi propia experiencia y reconociendo de antemano que hay tantos tipos de amores como peces en el mar, que convierten al libro -tan amorosamente editado por Amelia Díaz Benlliure y su editorial Unaria- en un poemario de amor inclusivo. Un poemario meditativo de lo amoroso que me ha reportado muchas alegrías en los recitales con las personas, ya que hemos reído, llorado, nos hemos mecido juntos y juntas en el undivagar de sus versos. Vamos, que me he sentido como pez en el agua.

Poema visual "Instrucciones". Imagen cortesía de David Trashumante.

«Instrucciones» (2006). Poema visual. Imagen cortesía de David Trashumante.

Respecto de tu venidero poemario, ¿cuáles son, a grandes rasgos, los pilares de su contenido?

La muerte. Del Eros me he pasado al Tánatos. “A viva muerte”, que sale en la editorial canaria Baile del Sol en enero, ha sido un libro duro de escribir. Un intento por enfrentarme a mi miedo profundo a la muerte, sin solución de continuidad, claro. Un darme una y otra vez contra el gran muro. El libro enfoca la muerte desde la propia experiencia simulada de la expiración, física y emocional y, a través de diversos registros estilísticos, intento que cualquiera que lo lea pueda trasladarse a ese instante final.

También hay apartados donde expongo la muerte desde su concepción política, cultural y social. Hay espacio para la denuncia, el debate y también, cómo no, la ironía y el sarcasmo. Un poemario de muchas caras pero que todas terminan en el mismo punto. Un “libro espiral”, como lo ha calificado Dionisio Cañas.

Además nace muerto, porque todo libro, y más con los tiempos que manejamos en el mundo editorial, desde que entregas el manuscrito hasta que lo publican, al ser impreso muere para la experiencia del poeta. Y como tal difunto cuenta con sus exequias textuales. Contiene a modo de prólogo un Libro de Firmas dónde poetas cómo Raúl Zurita, Ángel Guinda, Antonio Orihuela, David Benedicte, Alberto García Teresa, Ana Pérez Cañamares, Pedro Verdejo y el propio Dionisio han escrito sus “condolencias”; un panegírico del gran poeta de la imposibilidad, Eddie (J. Bermúdez) y un epitafio del maestro Enrique Falcón.

Un libro repleto de dignos/as plañideros/as que espero tenga su nicho de mercado en todas las cementerio-librerías del país. Al menos, creo que el formato va a ser económico.

www.davidtrashumante.blogspot.com

www.rtve.es/alacarta/videos/la-aventura-del-saber/aventura-del-saber-boek-visual-davidtrashumante/2570818/

http://intramurs.org/es/inicio/

Jose Ramón Alarcón