Miguel Milá, la emoción estética del diseño

Miguel Milá
Feria Hábitat de Valencia
Miércoles 20 de septiembre de 2017

Llegó sin apenas hacer ruido, pero al fin llegó. El pasado 20 de septiembre tenía lugar el esperado encuentro con Miguel Milá (Barcelona, 1931) en el Espacio Nude, habilitado entre los pabellones que han conformado la última edición de la Feria Hábitat en Valencia.

Muchos de los congregados, en buena parte jóvenes estudiantes, escucharon con atención el relato que Miguel Milá, Premio Nacional de Diseño de 1987, hizo de su paso por la profesión; a través de él pudimos comprobar una vez más la sólida sencillez de su ideario.

Lámpara de pie TMM de Miguel Milá. Imagen cortesía de SantaCole.

Lámpara de pie TMM de Miguel Milá. Imagen cortesía de Santa & Cole.

Milá comenzó casi por casualidad a diseñar objetos, principalmente lámparas, tras abandonar los estudios de Arquitectura. El primero de ellos fue la lámpara de espíritu racionalista que le hizo a su tía Nuria en 1956. Algo más tarde la perfeccionó y dio de sí la ya mítica TMC (acrónimo de “Tramo Móvil Cromado”), que con el tiempo se reinventaría en su modelo en madera (TMM; “mi favorita”, según expresó en el encuentro).

De este modo Milá conectaría en aquellos primeros años con el espíritu de una modernidad recuperada que impulsó el Grupo R (formado por arquitectos como Sostres, Bohigas o Moragas, entre otros); y, ya de paso, ayudó a consolidar el diseño industrial español. Más tarde llegaron la fundación del ADI-FAD y otros hitos en forma de premios (unos más sonados que otros) y un reconocimiento que hoy resulta unánime.

Lámpara de pie TMC de Miguel Milá. Imagen cortesía de Santa & Cole.

Lámpara de pie TMC de Miguel Milá. Imagen cortesía de Santa & Cole.

Miguel Milá reflexionó sobre el oficio insistiendo en ideas como la del diálogo con sus mayores -tuvo la fortuna de tratar desde bien temprano a José Antonio Coderch, quien además de influirlo en su manera de trabajar, le encargará su primer trabajo como interiorista; pero también a Federico Correa y a tantas otras figuras destacadas del momento-, o en esas otras que ha ido madurando en su cabeza con el correr del tiempo.

Por ejemplo, sobre su forma de trabajar aún hoy (aunque ya jubilado, lo que dice hacer a otro ritmo): “Yo diseño siempre. Me fijo en todos los defectos que encuentro, trato de corregirlos mentalmente, luego los traduzco en algo”. O sobre la importancia de la estética en el diseño, ya que, según Milá, los objetos con que convivimos nos conforman. Sobre esto último fue tajante: “Todos los objetos que me han rodeado me han hecho como soy”.

A Milá se le considera hoy un clásico. Él se mostró encantado con el calificativo que tantas veces le han dedicado porque ha hecho suya la definición que de “clásico” diera uno de aquellos toreros tan populares y dicharacheros de antaño. Esto es, “aquello que no se puede hacer mejor”. En este aspecto, el de la perfección y la atemporalidad de sus objetos, ha radicado toda su lucha durante más de medio siglo de diseño. Algunos de ellos seguirán acompañándonos durante mucho tiempo.

Miguel Milá. Imagen cortesía de Santa & Cole.

Miguel Milá. Imagen cortesía de Santa & Cole.

Rafa Martínez

“Debería haberse escuchado la voluntad de Picasso”

Genoveva Tusell, autora de ‘El Guernica recobrado’
Ediciones Cátedra
Septiembre de 2017

La historiadora del arte Genoveva Tusell ha desentrañado en ‘El Guernica recobrado. Picasso, el franquismo y la llegada de la obra a España’ (Cátedra) el sinfín de circunstancias que hizo posible la vuelta a nuestro país de la gran obra maestra de Picasso.

Desde su creación para el pabellón español de la Exposición Internacional de París en 1937, donde se exhibiría junto a obras de Joan Miró y Alberto Sánchez, hasta su llegada al Casón del Retiro en 1981, pasando por su estancia en el MoMA, museo al que Picasso lo confió hasta que se devolvieran las libertades al pueblo español, el celebérrimo mural se convertiría en el gran símbolo por la paz y en contra de la guerra de nuestra época.

El ensayo de Genoveva Tusell se apoya en una sólida labor de investigación. Da cuenta de ello una extensa bibliografía, así como de documentación (epistolarios, fotografías) poco habitual.

Operarios sacan el Guernica del MoMA. Archivo Javier Tusell

Operarios sacan el Guernica del MoMA. Archivo Javier Tusell

Además de por su padre, el historiador Javier Tusell, que estuvo implicado en la devolución del Guernica a España, ¿qué otros factores intervienen en su decisión de investigar el complejo periplo del cuadro de Picasso desde su creación por Picasso en 1937?

Se trata de una investigación que me ha ocupado mucho tiempo, pues encontré las primeras informaciones sobre Picasso y sus relaciones con el franquismo cuando estaba realizando la búsqueda de información para mi tesis doctoral hace más de quince años. Poco a poco he ido profundizando en el tema a partir de mis búsquedas en archivos públicos españoles, hasta que finalmente la investigación ha ido tomando un cariz más personal cuando ha entrado a formar parte de ella la figura de mi padre. Debo agradecer a Álvaro Martínez-Novillo, que fue Subdirector General de Artes Plásticas, su apoyo y aliento para realizar este libro, ya que además me ha servido para contrastar y verificar informaciones.

¿Se ha llevado alguna sorpresa durante la fase heurística?

Las sorpresas han sido muchas, he descubierto cosas sobre esta historia que para mí eran por completo desconocidas. Por un lado, el papel de personas como José Luis Fernández del Amo, José María Moreno Galván, los galeristas Joan y Miquel Gaspar o el alcalde de Barcelona José María de Porcioles, que contribuyeron decisivamente a que hubiera un mejor conocimiento de la obra de Picasso durante el franquismo. Gracias a este libro he comprendido que la recuperación del Guernica fue una ardua tarea que implicó a un gran número de personas de muy diversa procedencia: diplomáticos, intelectuales, ministros, el personal del Ministerio de Cultura, abogados, etc. No es ni mucho menos fruto del trabajo de una sola persona, sino una labor conjunta de un gran grupo de personas de extraordinaria valía.

En el terreno de las anécdotas, he podido comprobar que se realizó una copia fotográfica a tamaño natural del Guernica para decidir en qué pared se instalaría de la Sala Lucas Jordán en el Casón del Buen Retiro. O el hecho de que la obra viajara a España a bordo de un avión de línea regular de la compañía Iberia. Lo hizo sin seguro, ya que no tenía sentido que el Estado se asegurase a sí mismo siendo el responsable del traslado.

En ese enmarañado proceso de devolución, en el que además del MoMA y su director de entonces, Richard E. Oldenburg, así como a su conservador jefe de pintura, William Rubin, encontramos a los herederos de Picasso, ¿qué hecho o personaje le parecen fundamentales a la hora de explicar el éxito de la empresa?

Por un lado, habría que destacar el papel de Rafael Fernández Quintanilla, embajador gracias al cual se localizó la documentación que probaba la propiedad del Guernica por parte del Estado Español. También Íñigo Cavero, un gran ministro de cultura, que supo ver la importancia de la recuperación de la obra; pero también Javier Tusell o Álvaro Martínez-Novillo, que trabajaron incansablemente hasta ver el cuadro instalado en España. El MoMA de Nueva York mostró una actitud muy colaborativa desde el primer momento, y gracias a su generosidad y la de los herederos el Guernica llegó a España junto con las obras preparatorias y postscriptos, un conjunto de gran importancia que no debía ser desligado de la obra maestra de Picasso.

Dos camiones transportaron el Guernica hasta el aeropuerto JFK de Nueva York. Archivo Javier Tusell.

Dos camiones transportaron el Guernica hasta el aeropuerto JFK de Nueva York. Archivo Javier Tusell.

¿Le parece que el cuadro debiera estar en El Prado, tal y como Picasso deseaba?

Afortunadamente, es un tema que a mí no me compete. Creo, eso sí, que antes de moverlo en 1992 debería haberse tenido en cuenta el compromiso adquirido en su devolución de respetar la voluntad de Picasso de que fuera exhibido en el Museo Del Prado. El Reina Sofía se creó en torno al Guernica y, hoy por hoy, es el lugar de donde no debe moverse el cuadro por motivos de conservación.

¿Qué representa, hoy, el Guernica?

El Guernica es una de las obras clave del arte del siglo XX, un icono contra la violencia desencadenada por los conflictos bélicos. Es una obra de plena actualidad, cuya imagen se utiliza aún hoy para denunciar, por ejemplo, las matanzas de civiles que tienen lugar en Siria. Cuando el Guernica llegó a España se le recibió como el ultimo exiliado. Era y es un recuerdo permanente de lo que significó la guerra civil y los años de dictadura, una imagen que nos recuerda que debemos luchar para que todo eso no vuelva a suceder en nuestro país.

Rafa Martínez

El Grup Instrumental de València en pazYcomedias

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Concierto del Grup Instrumental de València
Galería pazYcomedias
Plaza del Patriarca, 5, bajo. Valencia
31 de octubre de 2015, 20.30 h.

Este concierto del Grup Instrumental de València, en colaboración con la Galería pazYcomedias, forma parte del ciclo Arts Happens comisariado por Carlota Rodríguez y Rafa Martínez. Un concierto que se formula como una referencia directa a la exposición del artista Ernesto Casero en pazYcomedias, comisariada por José Luis Pérez Pont, presentando una suerte de imágenes paralelas, en este caso sonidos similares, a la reflexión visual: la eugenesia musical. Varias preguntas pues son posibles: ¿existe una vinculación política y social de la cultura en relación a una idea de una sociedad mejor?; esta sociedad resultante y vinculante ¿qué música escucharía?, ¿es la música pues transmisora de valores e ideas?, etc. sin duda un arduo camino musicológico que nosotros no podemos, ni debemos, discutir en este sencillo foro, en este concierto, cuya misión es principalmente entretener, al cual podemos añadir, como misión estimulante, reflexionar in sieme, conjugándolas con las imágenes del artista, sobre la función del arte, sobre la sociedad y sobre sus formas de comunicarse. Podemos, en resumen, vivir la música como un espacio de reflexión, de comunicación y también como entretenimiento.

Ernesto Casero. I am a man, 2015. Lápiz compuesto sobre papel. 70x100 cm. Cortesía galería pazYcomedias.

Ernesto Casero. I am a man, 2015. Lápiz compuesto sobre papel. 70×100 cm. Cortesía galería pazYcomedias.

 

 DELETE WHERE NOT LIKE
Programa:

Jean-Philippe Rameau (Dijon, 1683 – París, 1764) Rigaudon (de Dardanus) (1739) ( 3’)
para violín y violonchelo

Ulysses Kay (Arizona 1917 – New Jersey, 1995) Prelude W14 (1943) ( 3’)
para flauta

Anónimo Lichtenburger Lagerleid (c. 1933) ( 3’)
Joan Cerveró (Arr.)
para ensemble y banda sonora

Igor Stravinsky (1882-1971) Trois Pièces (1918) ( 4′)
para clarinete

Joseph Boulogne L’Amant Anonyme (G 75) / Ouverture ( 4’)
(Chevalier de Saint-Georges, 1745 – 1799) para ensemble

Anthony Braxton (Chicago, Illinois, 1945) Composition No 358 ( 8’)
para ensemble

Ernst Krenek Sonata No. 2 Op.115 (1948) ( 9′)
para violín

Rudi Goguel (Melodía) Börgermoorlied (1933) ( 5’)
Johannes Esser (Texto) para ensemble y banda sonora
Joan Cerveró (Arr.)

Joan Cerveró (Valencia, 1961) Waltz und Tango (1993) de Wozzeck ( 5´)
para ensemble

Joan Cerveró, director/acordeón
José Mª Sáez Ferríz, flauta
José Cerveró, clarinete
Mª Carmen Antequera, violín
Mayte García, violonchelo
Comisarios del ciclo Arts Happens Carlota Rodríguez/Rafael Martínez

Grup Instrumental de València.

El Grup Instrumental de València enfoca así los contenidos del concierto, enunciados en el programa:

En el prefacio del Tratado de Contrapunto del afamado y reverenciado teórico de la música alemana Heinrich Schenker (1868 – 1935) se puede leer: «… el hombre es superior a la mujer, el productor es superior al comerciante o al peón, la cabeza prevalece sobre los pies,…», etc. Esta afirmación, que en nuestros días sería considerada como menos «políticamente incorrecta», es una muestra más de como la idea de orden piramidal, de organicidad y de estructura normativa se ha venido utilizando para justificar y explicar, maliciosamente según nuestra opinión, la supremacía del orden «armónico» de la música frente a todo aquellos que sonase a diferente, alejado de la norma, demonizando con ello la disonancia y la experimentación, es decir la diferencia.

Esta idea de «ideal normativo» , en la cual se ha invertido mucho dinero, tiempo y energía no es ajena a los deseos hegemónicos de las fuerzas políticas y económicas que dominaron (y siguen dominando) nuestro viejo continente europeo e incluso el norteamericano como un fiel reflejo de occidente. Esta fuerzas políticas son las mismas f que anteriormente apoyaron, como un caso extremo, la eliminación de todo lo anormal, lo diferente, lo impuro, apoyándose y justificándose en una locura eugenésica llevada a los extremos del paroxismo ideológico. Y esto que se dio en la sociedad y en la cultura también afecto al arte y, por supuesto, a la música, fiel reflejo de los valores espirituales de los pueblos. Es en el arte sonoro donde los afectos y las emociones se vinculaban más directamente con «el alma del pueblo».

Las piezas que os proponemos escuchar en este concierto tratan todas de un mismo tema, central o lateralmente, todas tienen una relación con la exposición propuesta. Y los comentarios de Schenker apuntados al inicio de estas notas, nos ponen en el camino de nuestras especulaciones. Shenker, quién fue el impulsor teórico e ideológico de una música alemana sobria, consolidada, orgánica, basada en la tradición, asoció de manera tácita la consonancia al orden y a la salud corporal, mientras que la disonancia era representativa de la anormalidad, la deformación y la parálisis. Apoyados en una tradición occidental, (políticamente manipulada), buscaron y apoyaron argumentos para alejar al demonio de la disonancia negando y despreciando a autores que propusieron tolerancia y apertura estilística, como lo fueron en su época Jean-Philippe Rameau (1683 – 1764), posiblemente el músico y teórico francés más importante hasta el siglo XIX, quien en su «Démonstration du principe de l’harmonie» escribió: «… De la sola resonancia del cuerpo sonoro, acaban de ver nacer la armonía, la base fundamental, el modo, sus relaciones en sus adjuntos, el orden o el género diatónico(…) sin hablar del modo menor, ni de la disonancia, siempre emanadas del mismo principio, (…)». La disonancia era parte ya de la música para Rameau y no había pues necesidad de eliminarla, al contrario de adoptarla y tolerarla.

La idea de eliminar lo diferente, (-Delete where not like- es como hemos titulado a nuestra concierto), lo que se aparta del orden (político, económico y social, por supuesto) perduró muchos años tanto a partir de las teorías de Schenker, quien criticaba y deploraba los, según él, experimentos y excentricidades de Schönberg o Stravinski (este último también presentado en este concierto). Se interpretan pues en este concierto obras de autores que de una manera u otra han sido postergados, silenciados, anulados o, en el peor de los casos, aniquilados. Autores que como muy apropiadamente señala Alex Ross en su imprescindible libro El ruido eterno (Seix Barral, 2009) donde sólo se les da una opción: Fuga o muerte. Tal es el caso del checo Ernst Krenek, nacionalizado posteriormente estadounidense, quien tuvo que huir de la alemania nazi de una muerte segura por dos razones, la primera por ser judío y la segunda por haber escrito una ópera que utilizaba técnicas contemporáneas y se apoyaba en el jazz, a lo que habría que añadir que en su obra principal, la ópera Jonny spielt auf («Johnny empieza a tocar», 1926) personaje principal era de color. Debido a esta circunstancia fue incluido en la lista de la llamada Entartete Musik o música degenerada, lista de autores corrompidos que se apartaban de la ortodoxia y que había que prohibir, silenciar o eliminar. Hoy se interpreta en este concierto su exigente y bella Sonata No. 2 Op.115 para violín solo. Como ilustración y acompañamiento también se interpretaran dos obras que pertenecen al imaginario sonoro de los campos de exterminio nazi, donde la música, a pesar de todo fue una válvula de escape y de esperanza para alejarse de una muerte segura.

Dentro de los casos extremos de alienación y eugenesia es posiblemente en los casos de músicos de color donde ha existido una relación más conflictiva, a parte de la barbarie contra el pueblo y los artistas judíos como ya hemos dicho, ya que músicos de color son prácticamente  inexistentes en la música clásica.

La música clásica debido a sus altas necesidades técnicas y económicas ha sido patrimonio de las clases altas y estas siempre han protegido y defendido este atributo de clase (que se ha consolidado a través calificativos alienantes como: «la música culta», » la alta cultura» o términos altamente sectarios que lo único que proponían, y aún proponen, es una utilización de la estética como diferencia, la pertenencia «al grupo de los elegidos». Tres músicos negros son propuestos como punto de referencia de esta reflexión, por una parte el primer compositor cuyas raíces son origen africano, el conocido como «el Mozart negro» Joseph Bologne, Chevalier de Saint-Georges (1745 -1799) nacido en la colonia francesa de Guadalupe.  Los dos compositores que también se presenta en este concierto tienen orígenes e influencias del jazz, aunque cada uno de ellos evolucionó de manera diversa, incluso divergente. Por un lado Ulysses Kay (1917 – 1995)   compositor estadounidense de origen afro-americano que después de estudiar con Luenig y Hindemith optó por un lenguaje neoclasicismo. Su Preludio para flauta es un compendio de recursos técnicos y expresivos que intentan aportar otras visiones de la música sin apartarse de la tradición. Caso contrario es el de Anthony Braxton (1945) quien desde sus orígenes como músico de jazz y como colega y participante en proyectos con grandes nombres de la historia del género como violinista Leroy Jenkins, el trompetista Wadada Leo Smith o en el proyecto de la Association for the Advancement of Creative Musicians, fundada en Chicago. Sus influencias van desde Ornette Coleman, John Coltrane, Paul Desmond o Eric Dolphy hasta  artistas «no de jazz» como John Cage o Karlheinz Stockhausen. De este carismático autor se va a interpretar un fragmento de su obra Composición #358, última de sus composiciones de lo que él titula con el distintivo de Ghost Trance Music. En esta obra se ven reflejadas todas la influencias históricas y estéticas de un periodo que va desde los años 50 a la actualidad, donde convergen el free-jazz, el fluxus, John Cage, la improvisación , la música ritual y la protesta política sobre la opresión estética e ideológica de la música blanca.

Para finalizar el concierto hemos elegido un fragmento de la música de escena de la obra teatral del dramaturgo y médico alemán George Büchner, compuesta por Joan Cerveró (Valencia, 1961) para la producción homónima dirigida por Carles Alfaro en 1993. En esta obra, además de muchos otros dramáticos sucesos se narran, se presentan los experimentos realizados por los médicos con «voluntarios» quienes a cambio de dinero ofrecían sus cuerpos a la experimentación, a estas prácticas antinaturales, donde la persona se convertía en un producto, un medio para conocer los efectos de las drogas y las medicinas para así producir nuevos productos para una futura sociedad mejor (que es el título de esta exposición de Ernesto Casero: Better humans tomorrow!). El dramático y espasmódico vals , donde se inocula la droga al soldado Woyzec y el decadente y despiadado tango que baila este joven soldado cuando asesina a su amante María junto al lago iluminado por la luna, un lago teñido de sangre y locura. Música que nos habla de la vida y vida que nos lleva hacia la música.

Joan Cerveró. Foto: Marino Scandurra.

Joan Cerveró. Foto: Marino Scandurra.

Nuevo programa de actividades en pazYcomedias

Ernesto Casero, Better Humans Tomorrow!
Toni Signes, Gran moment de celebració
Galería pazYcomedias
Plaza del Patriarca, 5. Valencia
Programa de actividades paralelas, hasta el 31 de octubre de 2015

Con motivo de la exposición de Ernesto Casero y Toni Signes, comisariado por José Luis Pérez Pont, la Galería pazYcomedias de Valencia ha preparado un completo programa de actividades paralelas como parte del proyecto, con conferencias, un ciclo de poesía, un proyecto didáctico destinado a personas con capacidades diferentes y un concierto a cargo del Grup Instrumental de València.

Ernesto Casero. Love in its anatomical connections, 2015. Lápiz compuesto sobre papel, 70x100 cm. Cortesía Galería pazYcomedias.

Ernesto Casero. Love in its anatomical connections, 2015. Lápiz compuesto sobre papel, 70×100 cm. Cortesía Galería pazYcomedias.

Programa:

-25 septiembre / 19,30h. DARWINISMO: EL LADO OSCURO DE LA CIENCIA
Conferencia de Máximo Sandín
«En el proceso de civilización, hemos perdido ciertos mecanismos innatos de liberación que normalmente persisten con objeto de mantener la pureza de la raza: alguna institución humana debe seleccionar la fortaleza, el heroísmo, la utilidad social, (…) si es que el sino de la humanidad, carente de factores selectivos naturales, no va a ser la destrucción por la degeneración que el proceso de domesticación lleva consigo. La idea de raza como base del estado ya ha obtenido buenos resultados a este respecto». Konrad Lorenz (1940). Premio Nobel de Fisiología y Medicina, 1973.
Máximo Sandín es Licenciado en Ciencias Biológicas por la Universidad Complutense de Madrid y Doctor en Bioantropología por la Universidad Autónoma de Madrid, en la que ha ejercido su labor docente e investigadora desde 1977, en el Departamento de Biología, en el que tuvo a su cargo la docencia de Evolución humana y Ecología humana. Su labor investigadora estuvo centrada durante veinte años en el estudio de la influencia de los factores ambientales en  el crecimiento y desarrollo infantil, así como investigaciones sobre nutrición y salud pública, línea que abandonó a partir de 1995 para dedicarse por entero al estudio de la evolución. Actualmente está jubilado.

-14 octubre / 19,30h. EL FANTASMA IDEOLÓGICO DE LA PUREZA, HOY
Mesa redonda con Laura Benítez y Vicente Bellver
Desde que Charles Darwin publicara en 1859 Sobre el origen de las especies por medio de la selección natural o la preservación de las razas favorecidas en la lucha por la vida, título que acortó en la segunda edición, han surgido múltiples defensores de una visión de la naturaleza que implica, por un lado, la competición por la supervivencia constituida como el principal mecanismo de evolución de las especies, y por otro, una visión individualista y jerárquica de las poblaciones en la que los individuos considerados “aptos” acaban eliminando y sustituyendo a los “no aptos”, interpretación que, pese a contradecir datos empíricos como las evidencias del registro fósil o los descubrimientos en genética como los genes Hox, sigue constituyendo el paradigma dominante en Biología.

Laura Benítez (Barcelona, 1981) es Doctora en Filosofía por la Universidad Autónoma de Barcelona con especialidad en Estética y Filosofía del Arte. Máster en Filosofía Contemporánea y Máster en Estética y Teorías del Arte Contemporáneo, ambos por UAB. Durante los últimos cuatro años ha trabajado como profesora universitaria e investigadora, siendo miembro de varios proyectos de i+D. Ha realizado diversas estancias de investigación en Ars Electronica. Comisaria independiente y miembro del colectivo Leland Palmer, con quien ha trabajado en: ‘Primer Intento’ (Sala d’art Jove); ‘Lo tengo, no lo tengo’ (Espai Zero1); ‘Todo en parte’ de Maite Muñoz y Araceli Corbo (MUSAC), Milano Radicale de Aria Spinelli (Fundació Tàpies/Homesesion/ Sala d’Art Jove).

Vicente Bellver es Profesor Titular de Filosofía del Derecho y Filosofía Política en la Universitat de València. Acreditado para Catedrático de Universidad desde 2011. En la actualidad es director del Departamento de  Filosofía del Derecho,  moral y Política de la Universitat de València. Es miembro del Comité de Bioética deEspaña, de la Pontificia Academia per la Vita, Comité de Ética de la Investigación Clínica del Centro Superior de Investigación en Salud Pública (CSISP) y de la Dirección General de Salud Pública de la Generalitat Valenciana, Comisión de Consentimiento Informado de la Conselleria de Sanitat de la Generalitat Valenciana, y Comisión de Ética del Consejo Valenciano de Enfermería (CECOVA). Es autor de tres libros y editor de otros cinco. Ha escrito capítulos en más de 60 libros colectivos y ha publicado más de 120 artículos en revistas científicas sobre derechos humanos, bioética, bioderecho y ecología política.

Ernesto Casero. Legislative status, 2015. Lápiz compuesto sobre papel, 70x100 cm. Cortesía Galería pazYcomedias.

Ernesto Casero. Legislative status, 2015. Lápiz compuesto sobre papel, 70×100 cm. Cortesía Galería pazYcomedias.

-21, 22 y 23 octubre. 8 HORIZONTAL
Ciclo de poesía
Coordinación: Antonio Méndez Rubio

“8 Horizontal” reúne algunas de las poéticas más destacadas en la poesía actual, desde un criterio de exigencia e innovación en el lenguaje y la vivencia de lo real. Cada poeta intervendrá con una lectura de poemas, en mesas de diálogo, y un espacio posterior de reflexión y coloquio sobre cuestiones relevantes relacionadas con su concepción poética. “8 Horizontal” juega con la disparidad y la singularidad de las propuestas, abriendo un lugar de encuentro entre trayectorias ya avanzadas y nuevas trayectorias más recientes pero igualmente ilustrativas, sintomáticas, de cara a entender mejor el tiempo presente. Desde esos cruces, estas jornadas buscan esbozar líneas de horizonte, puntos de horizontalidad, intersecciones desde donde repensar un lugar para la poesía dentro de un mundo en crisis: durante dos días, reunir miradas, palabras que tiendan quizá al infinito.

Programa y horarios:

Miercoles, 21 de octubre. SOLLOZO TERRESTRE/PAISAJE SONORO
Recital de Miguel Labordeta y Carlos Fernández López
a cargo de Paula Miralles.
Música de David Alarcón interpretada por Esther Vidal (violín) y Pilar Parreño (viola)

Jueves 22 octubre
Mesa I: 17.30h. PEDRO PROVENCIO / ÁNGELA SEGOVIA
Mesa II: 19.30h. NONI BENEGAS / PABLO LÓPEZ CARBALLO

Viernes 23 octubre
Mesa I: 17.30h. ILDEFONSO RODRÍGUEZ / MARÍA SALGADO
Mesa II: 19.30h. GUADALUPE GRANDE / JESÚS AGUADO

Ernesto Casero. Ottmar Von Verschuer's eyes, 2015. Lápiz compuesto sobre papel, 70x100 cm. Cortesía Galería pazYcomedias.

Ernesto Casero. Ottmar Von Verschuer’s eyes, 2015. Lápiz compuesto sobre papel, 70×100 cm. Cortesía Galería pazYcomedias.

-31 octubre / 20.30 h. Concierto de clausura a cargo del Grup Instrumental de València
Programa:

Jean-Philippe Rameau (Dijon, 1683 – París, 1764) Rigaudon (de Dardanus) (1739)                      (3’)
                                                                         para violín y violonchelo

Ulysses Kay (Arizona 1917 – New Jersey, 1995)    Prelude  W14 (1943)                                   (3’)
                                                                          para flauta

Anónimo                                                             Lichtenburger Lagerleid (c. 1933)                 (3’)
Joan Cerveró (Arr.)                                              para ensemble y banda sonora

Igor Stravinsky (1882-1971)                                 Trois Pièces (1918)                                    (4′)                                                                            para clarinete

Joseph Boulogne                                    L’Amant Anonyme (G 75)/ Ouverture                        (4’)(Chevalier de Saint-Georges, 1745 – 1799)            para ensemble

Anthony Braxton (Chicago, Illinois, 1945)              Composition No 358                                   (8’)                                                                              para ensemble

Ernst Krenek                                                      Sonata No. 2 Op.115 (1948)                        (9′)                                                                              para violín

Rudi Goguel (Melodía)                                     Börgermoorlied (1933)                                    (5’)
Johannes Esser (Texto)                                       para ensemble y banda sonora
Joan Cerveró (Arr.)   

Joan Cerveró (Valencia, 1961)                          Waltz und Tango (1993)  de Wozzeck            (5´)
                                                                          para ensemble

Joan Cerveró (director/acordeón), José Mª Sáez Ferríz (flauta), José Cerveró (clarinete), Mª Carmen Antequera (violín), Mayte García (violonchelo)
Comisarios del ciclo Art Happens: Carlota Rodríguez/Rafa Martínez
El Grup Instrumental de València es residente en ‘Las Naves, Espai d’innovació i creació’

 

Ernesto Casero. Internationale hygiene, 2015. Lápiz compuesto sobre papel, 70x100 cm. Cortesía Galería pazYcomedias.

Ernesto Casero. Internationale hygiene, 2015. Lápiz compuesto sobre papel, 70×100 cm. Cortesía Galería pazYcomedias.


-“Dar voz a los invisibles”
Taller didáctico, realizado por Sin Sin Creativos, dirigido a personas con capacidades diferentes que se llevará a cabo durante la duración de la exposición.

Dar voz a los invisibles es un proyecto que nace con la pretensión de dar voz a todas las personas que forman parte de nuestra sociedad. A partir de la exposición de Ernesto Casero se realizarán unos talleres integrando a las personas con capacidades diferentes con el ánimo de que dialoguen a nivel plástico con la obra de Ernesto.También se creará un coloquio con el artista en la galería.

Vanguardia y publicidad de Kurt Schwitters

Vanguardia y publicidad, Kurt Schwitters
Museo de Arte Abstracto Español. Cuenca
Hasta el 15 de febrero de 2015

No se dejó arrastrar por las grandes corrientes totalitarias del siglo, algo habitual entre sus colegas vanguardistas. Y sin embargo, desde su posición de burgués acomodado, Kurt Schwitters (1887-1948) contribuyó a renovar el lenguaje artístico de su tiempo, ese que hoy conocemos como el de las vanguardias históricas.  Para ello se sirvió del collage y la pintura al óleo, de un lado, y de las herramientas del diseño gráfico como la tipografía, por otro. Con este último y con la pintura se ganará el sustento; con el collage desarrollará con total libertad su veta artística; además, esta novedosa técnica le permitirá aproximarse a las filas del movimiento dadaísta, del que fue rechazado por su condición burguesa, heroicidad atribuible a Richard Huelsenbeck. Ello no le impidió cultivar el espíritu Dadá a través de una filosofía unipersonal, a la que llamará Merz.

Kurt Schwitters. Tarjeta postal para Merz Werbezentrale (Agencia publicitaria Merz), tipografía sobre cartulina (Colección Merril C.Berman)

Kurt Schwitters. Tarjeta postal para Merz Werbezentrale (Agencia publicitaria Merz), tipografía sobre cartulina (Colección Merril C.Berman)

En esta exposición que presenta la Fundación Juan March en su sede del Museo de Arte Abstracto conquense la tesis es inequívoca: toda labor de índole artística en Kurt Schwitters tiene una raíz común. Para ilustrarlo se ha reunido un centenar de piezas –procedentes en su mayoría de la colección de Merrill C. Berman y del Archivo Lafuente– entre collages e impresos (folletos, carteles o cubiertas de libros). Además, en una de las salas se puede escuchar la grabación que Javier Maderuelo y María Villa llevaron a cabo en 1982 de su Ursonate, composición a partir de sonidos vocales basados en la repetición.

Kurt Schwitters, La catedral: 8 litografías, Hannover: Paul Steegemann Verlag. (1920); Litografía y collage (cubierta) sobre papel

Kurt Schwitters, La catedral: 8 litografías, Hannover: Paul Steegemann Verlag. (1920); Litografía y collage (cubierta) sobre papel

Más allá del espíritu Dadá que impregna algunas de sus obras, lo realmente destacable en Schwitters lo vemos en esta sala: sin ir más lejos, la modernidad de unos diseños claros y elegantes (líneas rectas, tipografías de palo seco o dibujadas en el caso de los titulares) en un tiempo en que lo más frecuente era la utilización de la letra gótica, un tipo que algo más tarde prohibirá Adolf Hitler en su afán por llevar la propaganda fuera de sus fronteras.

Sorprenden, si se tiene en cuenta que fueron diseñados hace casi un siglo, las cubiertas de los programas de mano de la Ópera de Hannover; el cartel para el Día Opel en el que apenas utiliza  una tinta y una tipografía propia, la Systemschrift; y, desde luego, los nombres con los que colaboró: si para la impresión de la Ursonate el cuidado tipográfico quedó a cargo del legendario Jan Tschichold, piedra angular de la renovación tipográfica, para uno de los números de Merz, la revista que publicaba por su cuenta, contó con El Lissitsky.

Kurt Schwitter, Merz nº11, 1924. Publicidad tipográfica: número de Pelikan; Tipografía sobre papel (Archivo Lafuente)

Kurt Schwitter, Merz nº11, 1924. Publicidad tipográfica: número de Pelikan; Tipografía sobre papel (Archivo Lafuente)

Como a los artistas de la Bauhaus en aquella época (Josef Albers, del que pudimos ver dos exposiciones recientemente, en Madrid y Cuenca, es un buen ejemplo), a Kurt Schwitters lo movía la búsqueda constante. Para él, el arte era –como dejó dicho– creación, y no imitación de “la naturaleza” o de “otros colegas, como sucede normalmente”. A propósito, lo nuevo no tenía (no tiene) por qué ser caro: el buen anuncio es barato, rezaba el que diseñó para dar a conocer su estudio. No es, una vez más, una cuestión de dispendio sin control, sino de gusto. De buen gusto fruto de esa búsqueda continua que llevó a cabo. Un espíritu rebelde, sí, pero aplicado.

Rafa Martínez