“Queremos que se sientan orgullosos de sus cineastas”

Joan Álvarez
Director general de la Academia de Cine
Julio de 2017

La Academia de Cine inició este año un proceso de renovación y apertura bajo la presidencia de Yvonne Blake. En esta nueva etapa desempeña un papel esencial el valenciano Joan Álvarez, director general de la institución desde la pasada primavera. Un gestor cultural de amplia trayectoria que, tras dedicarse al periodismo cultural en Posdata  (Levante) dirigió la escuela de guionistas de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo de Valencia. En 2010, se integró en el Instituto Cervantes al que representó en dos ciudades tan dispares como Estocolmo y Casablanca.

Sus primeras tareas en la Academia, organizar la ceremonia de los próximos Goyas y diseñar la estrategia del presente ejercicio. El 28 de junio, Álvarez visitó Valencia para participar en el acto de entrega del premio Ricardo Muñoz Suay 2016 que concede la Academia al mejor trabajo de investigación histórica sobre el cine español a Manuel Gutiérrez  por su libro A los actores (Anagrama), que  tuvo lugar en el Jardín Botánico en el marco de Cinema Jove. En una vista anterior, a principios de mayo, Álvarez anunció que Academia del Cine apuesta por València como ‘espacio concertado’ y traerá actividades culturales, ciclos y premios en el marco del proyecto ‘La Academia en red’.

Joan Álvarez. Imagen cortesía del autor.

Joan Álvarez. Imagen cortesía del autor.

Aparte de organizar los Goya y seleccionar los candidatos al Oscar, ¿que otras funciones cumple la Academia?

La Academia mantiene una programación regular de su sala de proyecciones y de su sala de exposiciones en la sede de la calle Zurbano y concede media docena de medallas al mejor libro de cine como el de Gutiérrez Aragón, a la mejor labor periodística, a la mejor aportación tecnológica, al mejor proyecto social o humanitario, a los mejores desempeños profesionales, y a la trayectoria de toda una vida. También actúa como una plataforma en la que confluyen diversos proyectos e iniciativas de las más potentes que se plantean en el cine español. La Academia edita la revista que lleva ese nombre y participa en una iniciativa, con la fundación SGAE y la Universidad Europea, para recoger y conservar la memoria viva de los cineastas españoles. Además,  hay otros proyectos de gran interés como el ciclo de los Goya itinerantes que hacemos con Gas Natural, el de los Goya por el mundo con el Instituto Cervantes y Aecid, o el de Mujeres que no lloran en el que colaboramos con Cima. Queremos que la Academia sea una plataforma inspiradora de proyectos y programas en muchas direcciones. Hemos empezado invitando a todas las iniciativas que llevan el cine a la escuela y estamos seguros de que va a cristalizar en un gran proyecto de alfabetización audiovisual con la complicidad de las administraciones educativas.  Me ilusiona especialmente que la Academia trabaje con las fundaciones y las ONG en la línea de ‘cine, ayuda y solidaridad’, hay muchos cineastas que ya hacen esas contribuciones solidarias y humanitarias.

Yvonne Blake prometió ‘transparencia, honestidad y renovación’ al tomar su cargo.  ¿Qué rumbo lleva ese proceso?

En la Academia estamos convencidos de haber entrado en una nueva época cultural en la que hay que estar más abiertos, más conectados y ser más protagonistas de los cambios y las innovaciones que se dan a nivel europeo, iberoamericano o global. Queremos que la gente, los espectadores, se sientan orgullosos de su cine y de sus cineastas. Sería fantástico crear un pacto de aprecio y orgullo entre los que hacemos el cine y quienes lo disfrutan y lo aman.

¿Cuál cree que es el talón de Aquiles del cine español?

A corto plazo, venimos de una etapa muy mala para la financiación y aún no sabemos cómo va a funcionar el modelo que se ha puesto en marcha y que hay que ir ajustando ejercicio a ejercicio. La falta de control de los canales de distribución y una miopía brutal a la hora de entender la creación del gusto en las audiencias (un mal que afecta a casi todas las disciplina culturales) nos ha dejado en una posición de gran debilidad porque con una cuota de pantalla entre el 16% y el 21% o 23% no se sostiene una producción de 180 películas al año. La mutación digital con su impacto sobre las pantallas, iniciativas como la ya mencionada para llevar el cine a la escuela o una labor de comunicación continuada para borrar todas las leyendas negras e impulsar el orgullo por nuestro cine son algunas líneas para trabajar duro y esperar aciertos a medio plazo.

Joan Álvarez. Imagen cortesía del autor.

Joan Álvarez. Imagen cortesía del autor.

¿Por qué existe en algunos sectores cierta reticencia incluso desprecio hacia las películas españolas?

Una dosis grande de leyenda negra y una inercia a la hora de menospreciar lo propio y engrandecer lo ajeno. Pero los que estamos detrás de la cámara también formamos parte de esta historia. En otras palabras, esto sólo lo arreglamos entre todos. Pero, como demuestran los casos de Francia, Gran Bretaña o Suecia, por no hablar de India o de los Estados Unidos, el problema tiene arreglo.

En los años noventa la Comunidad Valenciana vivió cierta euforia audiovisual que luego se desvaneció. ¿Vislumbra algún futuro?

Sí, hay talento joven y una generación que ha aguantado la gran crisis vivida durante los últimos años. La puesta en marcha de una televisión pública autonómica y la nueva política de apoyos tendrá resultados a medio plazo. Ojalá sepamos hacer las cosas bien entre todos.

Bel Carrasco

Sala Russafa entrega los VI Premios del Público

Entrega de los VI Premios del Público de Sala Russafa
Centre Cultural i Docent d’Arts Escèniques de Ruzafa
Denia 55, Valencia

Los Premios del Público de Sala Russafa han celebrado su sexta edición con una sencilla entrega en el Centre Cultural i Docent d’Arts Escèniques de Ruzafa.

Juan Carlos Garés, uno de los responsables de Sala Russafa, ha señalado que esta iniciativa nació con un doble propósito. Por una parte, el de paliar la ausencia de reconocimientos oficiales a los profesionales de las artes escénica. “Hoy en día, asociaciones como AVETID o AAPV también cuentan con sus propios galardones. Los de Sala Russafa son un granito de arena más en un objetivo común, apoyar a que se valore y estimule a quienes se esfuerzan por mantener el teatro, la danza, la música vivas”, ha apuntado Garés, quien espera que se hagan efectivos los galardones institucionales anunciados para 2018.

El segundo propósito era involucrar al público en la programación de la sala, permitiéndole expresar su opinión y ofreciéndoles la oportunidad de ejercer un papel más interactivo.

Tras cada representación, los espectadores han podido cumplimentar una papeleta puntuando del 1 al 10 el espectáculo que acababan de ver, exceptuando los producidos íntegramente por la compañía Arden, vinculada a la dirección del centro, o la propia Sala Russafa.

Al acabar la temporada de programación regular, se ha hecho el recuento de todos los votos recogidos, sacando una nota media de cada espectáculo para que no influyera la cantidad de espectadores que lo vieron ni el número de funciones ofrecido. Con ese sistema se busca dar las mismas oportunidades a todas las propuestas que han pasado por el teatro. Por este sistema se han otorgado 6 de las 10 categorías.  En el resto ha sido el propio centro cultural y los patrocinadores quienes han valorado diferentes aspectos.

Imagen de la entrega del Premio Menkes al Mejor Espectáculo de Danza, que ha recalado en la obra 'Moby Dick (el mal amor)', de la compañía Transfermove. Fotografía cortesía de los organizadores.

Imagen de la entrega del Premio Menkes al Mejor Espectáculo de Danza, que ha recalado en la obra ‘Moby Dick (el mal amor)’, de la compañía Transfermove. Fotografía cortesía de los organizadores.

LA COMPAÑÍA ZARAGONAZA ‘LA CASA ESCÉNICA’ Y LAS VALENCIANAS ‘HIJOS DE ANTONIO’ Y ‘TONI APARISI-TRANSFERMOVE’, DISTINGUIDAS CON LOS PREMIOS DEL PÚBLICO DE SALA RUSSAFA

Varias entidades se suman a esta iniciativa de apoyo al sector de las artes escénicas. En las primeras seis categorías, el papel de los colaboradores ha sido el de dar nombre al premio y aportar el galardón, porque el voto ha sido exclusivamente de los espectadores.

El Premio Urban-Levante EMV al Mejor Espectáculo Valenciano de Teatro, en el que colabora el suplemento de ocio y cultura, ha sido para el montaje de ‘Últimas palabras de Copito de Nieve’, producido por la compañía Hijos de Antonio. Kika Garcelán dirige esta pieza escrita por Juan Mayorga que pasó por la sala en el mes de marzo.

El Premio Makma al Mejor Espectáculo Nacional de Teatro, apadrinado por el portal cultural, ha recaído en ‘Marx en el Soho’, de la compañía La Casa Escénica, de Zaragoza. El éxito de Howard Zinn ha pasado por multitud de escenarios internacionales y llegó en octubre a Sala Russafa en un montaje dirigido por Esmeralda Gómez.

En cuanto al Premio Menkes al Mejor Espectáculo de Danza, en el que colabora la tienda especializada en vestuario para artes escénicas valenciana, el público ha escogido la pieza ‘Moby Dick (el mal amor)’, uno de los platos fuertes de apertura de la temporada y que volvió al escenario de Sala Russafa con motivo del Día Internacional de la Danza. La compañía de Toni Aparisi – Transfermove es la responsable de esta sensible propuesta creada y dirigida por el bailarín valenciano en la que se aborda la violencia de género.

El Premio C.C. Nuevo Centro al Mejor Espectáculo Teatral para Niños y Niñas ha sido para ‘El Tren Chimeneo’, de la formación Tras el Trapo, de Cádiz. Gaspar de la Zaranda dirige este homenaje a Gloria Fuertes que incluye textos originales, adaptaciones y extractos de historias creadas por la autora.

El Centro Comercial también ha apadrinado el Premio CC. Nuevo Centro al Mejor Espectáculo Teatral para la Primera Infancia, categoría de nueva creación. La Compañía Baychimo Teatro de Zamora ha recibido el galardón por ‘Todos sus patitos’, un espectáculo que adapta uno de los cuentos de Christian Duda, nominado para el Premio Alemán al Libro Infantil y Juvenil 2009.

Por último, el Premio Mondo Sonoro al Mejor Directo en Escena, en el que colabora la revista musical, ha sido para el espectáculo ‘Proyecto Blackstar’, dirigido por Remi Carreres, en el que interpretó en directo el último disco de David Bowie junto a Samuel Reina, Pablo ‘Andreas’ Pérez y Dani Cardona, apoyándose en proyecciones y animaciones audiovisuales del artista gráfico Epi Neuraska.

A diferencia de en los anteriores casos, el siguiente galardón lo ha decidido el propio centro cultural, atendiendo a criterios de innovación y originalidad escénica entre las propuestas que durante toda la temporada han pasado por el teatro. El Premio Sala Russafa al Espectáculo Revelación ha recaído en el montaje ‘Julio César’, de la formación valenciana Trece Teatro. Una versión del clásico de Shakespeare dirigida por Chema Cardeña, en la que se intercambian los roles, pasando los papeles masculinos a estar interpretados por mujeres y los femeninos por hombres.

Imagen de la entrega del Premio Sala Russafa al Mejor Espectáculo Revelación, que ha recalado en el montaje 'Julio César', de la compañía Trece Teatro.  Fotografía cortesía de los organizadores.

Imagen de la entrega del Premio Sala Russafa al Mejor Espectáculo Revelación, que ha recalado en el montaje ‘Julio César’, de la compañía Trece Teatro. Fotografía cortesía de los organizadores.

PREMIOS TAMBIÉN PARA LOS PROPIOS ESPECTADORES

Además de votar, el público de Sala Russafa también puede recibir reconocimientos. Es el caso del Premio Fundació Bromera al Mejor Trabajo Escolar. El centro cultural y los patrocinadores han escogido el de Albert Moreno Orengo, del Colegio San Luis Gonzaga. Y para el Premio Fundació Bromera al Mejor Colegio en Campaña Escolar han distinguido al Centro Educativo Gençana.

Por último, Sala Russafa y el Restaurante Lamaldo han patrocinado el Premio al Espectador 2017, escogido al azar entre todas las papeletas de votaciones recogidas. El galardón, que ha recaído en José Mª Cervell Pinillos, consiste en una invitación doble para la función que inaugurará la próxima temporada y una cena en el citado local.

El Centre Cultural d’Arts Escèniques i Docents Sala Russafa agradece a todos los colaboradores de esta iniciativa y a quienes han aportado su voto. Gracias a ellos se realiza este humilde reconocimiento a las propuestas que han pasado por el escenario del teatro durante su sexta temporada. Una iniciativa que defiende un concepto de espectador con un papel activo y una relación cercana entre quienes hacen posible las artes escénicas: sus profesionales y el público.

Imagen general de los diferentes galardonados y representantes de las entidades colaboradores de los VI Premios del Público de Sala Russafa. Fotografía cortesía de los organizadores.

Imagen general de los diferentes galardonados y representantes de las entidades colaboradores de los VI Premios del Público de Sala Russafa. Fotografía cortesía de los organizadores.

 

50 programadores en Dansa València

Festival Dansa València
Del 6 al 9 de abril de 2017

El festival Dansa València, organizado por el Institut Valencià de Cultura con la colaboración del Ayuntamiento de Valencia, bajó el telón el pasado fin de semana con una respuesta más que positiva tanto de público como de profesionales de las artes escénicas. Así lo ha confirmado el coordinador del festival, Leo Santos: “Estamos muy satisfechos con el desarrollo del festival y la respuesta del público. Ha sido el inicio de una nueva etapa que deseamos que devuelva el protagonismo a la danza y a Valencia como referente del panorama coreográfico español”.

Durante los cuatro días que ha durado el festival cerca de 5.700 personas han podido disfrutar de la mejor danza nacional representada en Dansa València por trece compañías que han sido el reflejo de la creación coreográfica española de la actualidad.

Otra Danza. Imagen cortesía del Festival Dansa València.

Otra Danza. Imagen cortesía del Festival Dansa València.

3.200 personas han asistido a los espectáculos programados en los teatros Principal, Rialto, El Músical y la sala Matilde Salvador de la Universidad de Valencia-La Nau, lo que supone una media del 80% de la ocupación total y alrededor de 2.500 han visto los espectáculos programados en la plaza del Patriarca que, sin duda, han conferido una mayor visibilidad y notoriedad al festival. Cuatro espectáculos gratuitos en un espacio de exhibición abierto a los ciudadanos: dos estrenos absolutos de Marco Vargas y Chloé Brulé y Pepa Cases, además del Ballet de la Generalitat y el premiado ‘Mulïer’ de Maduixa Teatre.

Al festival han asistido también más de 50 programadores valencianos, estatales e internacionales que han podido ver las propuestas de calidad de creadores con gran talento. A las cuatro compañías que actuaron en la plaza del Patriarca se suman otras nueve, todas ellas presentes en las programaciones nacionales e internacionales: Sharon Fridman, La Veronal, Otra Danza, Titoyaya Danza, Antonio Ruz, Elías Aguirre, Roser López Espinosa y dos, Taiat Dansa y Paula Quintana, que presentaron sus espectáculos en estreno absoluto.

Maduixa. Imagen cortesía de Festival Dansa València.

Maduixa. Imagen cortesía de Festival Dansa València.

Una programación que se ha completado con ocho actividades paralelas entre las que destacan clases magistrales con los coreógrafos Asun Noales, Gustavo Ramírez y Marcos Morau, conferencias como la de Antonio Najarro, director del Ballet Nacional de España, en colaboración con la Academia de las Artes Escénicas, diálogos con Antonio Ruz i Marcos Morau, la presentación de la editorial de danza Mahali y la proyección, también estreno, de la película ‘Sota Terra’ sobre La Veronal. Además, se ha celebrado la ‘Misión Inversa’, organizada por AVED (Asociación Valenciana de Empresas de Danza), con la colaboración de CulturArts, el IVACE y la SGAE, con la que se ha trabajado en distintas sesiones para reforzar el impulso internacional de las compañías valencianas.

Este ha sido el inicio de una nueva etapa que pretende devolver a Dansa València su papel protagonista en el desarrollo de la danza contemporánea española y al mismo tiempo que sea la fiesta de la danza en nuestra ciudad.

Sharon Fridman. Imagen cortesía de Festival Dansa València.

Sharon Fridman. Imagen cortesía de Festival Dansa València.

Entrevista-paseo por Display-me

Entrevista-paseo con Diana Guijarro y Ángel Masip
Proyecto Display-me. Ma Reme Silvestre, Cynthia Nudel, Ángel Masip y Alberto Feijóo
Caja Blanca, Centro Cultural Las Cigarreras
C/ San Carlos, 78. Alicante.
Hasta el 22 de enero de 2017

Display-me es un proyecto expositivo que va más allá, cuyo objetivo es replantear no solo el modelo expositivo sino la comunicación y difusión con el público. Para ello, la ideadora y comisaria Diana Guijarro, sustrajo a los artistas Ma Reme Silvestre, Cynthia Nudel, Alberto Feijóo y Ángel Masip de su producción cotidiana, y les ofreció un espacio en el que trabajar juntos. El resultado, siempre en constante cambio, no deja indiferente al público.

“Buscamos como afrontar los diferentes retos”

“Todo comenzó con la I primera convocatoria pública de proyectos expositivos para salas municipales que propuso el Ayuntamiento de Alicante desde la Concejalía de Cultura. Aunque el proyecto ya nos había rondado anteriormente la cabeza, esta fue una ocasión para plantearlo de manera profesional.” comienza Diana Guijarro. Todavía no hemos avanzado mucho dentro de ese gran espacio que es la Caja Blanca de las Cigarreras pero estamos situadas, junto con el artista participante Ángel Masip, enfrente de las primeras piezas. “ el proyecto que presentó Diana fue el mejor puntuado entre todos. Pero, a la hora de la verdad, nos encontramos con un grave problema y es que nos dijeron que no había presupuesto.” apunta Ángel. Ante mi cara estupefacta, Diana sonríe y me cuenta como tuvo que reunirse con diversos responsables tanto del centro como de la Concejalía de Cultura de Alicante para finalmente llegar a un acuerdo para poder realizar su proyecto.

Ángel apunta que recibieron un recorte más o menos del 50%. “Buscamos como afrontar los diferentes retos, como tener que pactar y que lidiar con todos estos inconvenientes. Aunque pensábamos que nos los íbamos a encontrar, te encuentras con que la situación es más complicada de lo que creías”, confiesa.

Vista del montaje de Display-me. Imagen cortesía Diana Guijarro.

Vista del montaje de Display-me. Imagen cortesía Diana Guijarro.

“Creo que por ser los primeros, sufrimos la novatada”

La conversación se dirige hacia todas las trabas que han tenido que salvar: ajustes de presupuesto, de tiempo, de recursos… “Creo que por ser los primeros, sufrimos la novatada esta primera edición de las convocatorias públicas y tuvimos que re-adaptar todo. Se habló con los artistas y decidimos seguir adelante pero esto conllevó un mayor esfuerzo presupuestario. También un esfuerzo para con los artistas, ya que mi propuesta no era una colectiva sino un laboratorio sobre la invasión de un espacio. Cuando se tuvo que cambiar a que los cuatro a la vez llevarán a cabo este trabajo a la vez, fue todo un reto. El montaje ha sido quizá más divertido, pero todo un reto profesional ”, confiesa Diana.

“Se pretende hacer pensar sobre la exposición como un medio de comunicación”

Display-me busca mostrar los nuevos modos de transmisión que posee el desarrollo expositivo y para ello, se hace necesario romper con los modelos con los que normalmente nos encontramos cuando vamos a un museo o galería. La concepción del rol del público como agente activo es clave en esta ocasión. A raíz de esto Diana explica que Display-me “no se entiende como una exposición al uso, ni con un final cerrado. Se pretende hacer pensar sobre la exposición como un medio de comunicación. El título refiere a ello, va lo básico, a lo que es un display, y tiende la mano a la gente a que participe o al menos, a hacerles pensar.”

Como artista Ángel cree que las trabas para poder llevar a cabo todo este cambio de roles en el que el público pasa a ser casi creador son complicadas, pero “o generas algo diferente a lo preestablecido y te acomodas a la estructura; o no vas a poder hacer tu proyecto. ‘Display-me’ está pensado más bien como un laboratorio de experiencias y de investigación.” Añade que “normalmente existe  la barrera establecida de la comunicación unidireccional, en la que el espectador no tiene opciones salvo las que le da el artista. Era interesante el abrir ese terreno que permitía generar una comunicación a través de otras vías. Creo que esto es lo más interesante del laboratorio. Si en algún aspecto podemos cambiar la estructura del modelo expositivo clásico es en la comunicación, entre el visitante y el que exhibe.”

Por supuesto, esto implicaba una tarea de coordinación importante entre artistas y comisaria. Display-me parece trastocar, no solo el rol del público, sino también el de las propias relaciones entre agentes del arte. Diana explica que “la exposición no se puede explicar entorno a un recorrido claro, puesto que no hay una estructura clara. Esto también fue asunto interesante a la hora de del montaje. Nos plantamos en este gran espacio blanco y fuimos viendo como empezar a trabajar. Los días de montaje han sido intensos porque muchas ideas se han tenido que readaptar. A pesar de que yo he planteado unas líneas, mi idea de como me imaginaba las piezas cada uno de los ellos ha ido mutando”.

Ángel aporta su visión de artista y añade la importancia de generar un contexto donde las obras de los cuatro artistas tuviesen cabida, donde se interrelacionaran y al menos generasen una vía de interacción con el receptor. Cuenta que “por eso queríamos abrir esta muestra con una obra interactiva, que estableciera barreras, con una visualidad parcial y que produjera confusión. Al mismo tiempo crea cuestiones. Pensamos que aunque no hay ponérselo difícil al visitante sí que hay que se deben generar preguntas que nos puedan a ofrecer otras vías de investigación. Si por el contrario, acabamos haciendo una exposición al uso, ya sabemos cual va a ser el resultado”.

Huellas, desapariciones. Nada y todo es aleatorio en Display-me. Ángel explica que “la intención es que al final, si quitas todas estas cosas que hay por en medio, quede un espacio lleno de indicaciones, donde te diga que ha sucedido algo en sala, que ha tenido a cabo una actividad, la que sea.” Se trata invadir un espacio en el que normalmente al artista no le es posible andar con libertad.

Una de las obras de Display-me. Imagen cortesía Diana Guijarro.

Una de las obras de Display-me. Imagen cortesía Diana Guijarro.

 “El público creó el contenido sin saberlo”

“Las actividades paralelas tienen mucho que ver con esto de los cambios de roles. Aunque la exposición está a medias, el motor ya está en marcha, creo que hacia todo lo que resta es cuando realmente va a ponerse en funcionamiento toda la máquina”, apunta Ángel. Diana continúa hablando de “poner en marcha la maquinaria” y añade que “ las actividades son la espina dorsal del proyecto. Si quitas una, ya no tiene sentido”.

Es curioso que el programa de actividades comenzara antes que la exposición. “Se hizo una actividad en la que la gente no sabía muy bien a que venía y con un material didáctico que hemos añadido a la exposición, la gente deambulaba por un espacio donde se encontraba con cosas que no sabes que son, y queríamos que nos contaran lo que percibían. Ese material fue el que utilizamos para elaborar los mensajes. El público creó el contenido sin saberlo. Además, cada semana, cada artista enfoca la actividad hacia el ámbito que quiere y eso también dota de contenido o modifica la exposición,” comenta Diana.

“Alicante es una ciudad complicada”

El objetivo de la reunión de estos artistas vinculados a un determinado ámbito geográfico, con parámetros generacionales comunes, no es aleatoria. “La paridad entre artistas ha sido importante a la hora de elegirlos. Cada uno de ellos tiene trayectorias diferentes y trabajan mensajes diferentes. Me interesaba esa confrontación”, afirma Diana. Además, nos cuenta que “ninguno de los cuatro, nacidos o residentes en la provincia, había expuesto en un centro institucional. Sí habían hecho exposiciones pero era curioso que ninguno tuviera una gran presencia en el ámbito público”. “Seguimos sin tenerla”, incide Ángel entre risas.

“Alicante es una ciudad complicada. Creo que estas convocatorias son importantes para poder desarrollarnos de una manera profesional y digna”, apunta Diana. Ángel cree que “desde hace mucho tiempo se han reconducido las políticas culturales hacia un foco determinado y que en lugar de abrir el abanico y permitir que artistas emergentes encuentren un espacio en la ciudad, no se ha ejecutado una buena política cultural. Esto deriva en que todos acabemos por irnos. No hay arte vanguardia ni posibilidades de generarlo. Con estos nuevos órganos de gobierno que están abriendo canales de comunicación con la ciudadanía y probablemente ahí es donde tienen cabida nuevas vías de actuación. Aunque no es del todo ideal, sí es más fructífero que antes”.

“Es como una metáfora”

Se configura así un ambiente de presentación de obras donde existe un proceso configurado a través de una investigación artística continua y adherida. Todo un laboratorio dinámico en el que, según palabras de Diana “la gente no se quedara vacía. Nos ha servido para testar al público de la ciudad y el feedback ha sido muy bueno”. Pero en ocasiones, casi sin quererlo, vamos más allá y, como explica Ángel, “se trata de generar estructuras para cuestionar nuestros propios procesos. Es como una metáfora, una especie de juego para proyectarlo en otras cuestiones de la realidad ”.

María Ramis

Propuestas para el debate

II edición Parlem d’Art
Propuestas de estudiantes para la reflexión y el debate
Del 21 de octubre al 16 de diciembre de 2016

El programa Parlem d’Art organizado por la Universidad de Valencia, tiene como objeto poner en valor el arte público y el arte contemporáneo a través de iniciativas que impliquen a los estudiantes, no solo como participantes, sino también como programadores. Es por ello que el Vicerrectorado de Estudios de Grado y Política Lingüística, mediante el SeDi (Servicio de Información y Dinamización) presentan una programación compuesta por mesas redondas, seminarios, ponencias y workshops, como resultado de las propuestas seleccionadas en una convocatoria previa.

Las temáticas son diversas: teatro, literatura, moda, el papel del público, música, videojuegos… En definitiva, mucho arte en su sentido más amplio. Partiendo de la diversidad de enfoques, se dirige el análisis a la sociedad más actuales y las múltiples expresiones derivadas que le dan forma. Para ello, agentes culturales clave de la ciudad de Valencia participarán en las diferentes actividades.

Todas las actividades están abiertas al público y no hace falta inscribirse.

Cartel mesa redonda Arte público 2.0. Diseñado por Boris Ramírez.

Cartel mesa redonda Arte público 2.0. Diseñado por Boris Ramírez.

PROPUESTAS PARA LA REFLEXIÓN Y EL DEBATE

Per amor a l’art: l’art urbà com a regenerador del patrimoni cultural

Divendres, 21 d’octubre | Sala Joan Fuster i Àgora Prometeu, Facultat de Geografia i Història, Av. Blasco Ibáñez, 28, València.

1000 imatges 1 paraula

Dimecres, 2 de novembre | Saló de Graus Manuel Ardit, Facultat de Geografia i Història, Av. Blasco Ibáñez, 28, València.

El videojoc, un nou repte per a la història de l’art

Dijous, 3 de novembre | Saló de Graus Manuel Ardit, Facultat de Geografia i Història, Av. Blasco Ibáñez, 28, València.

Música contemporània: Mostrant les cartes

Dimarts, 8 de novembre | Capella de la Sapiència, Centre Cultural La Nau, C. de la Universitat, 2, València.

Art públic 2.0. D’observador a públic creador

Dimecres, 16 de novembre | Sala Joan Fuster, Facultat de Geografia i Història, Av. Blasco Ibáñez, 28, València.

El museu del futur

Divendres, 25 de novembre | Sala Joan Fuster, Facultat de Geografia i Història, Av. Blasco Ibáñez, 28, València.

La moda que constreny

Dijous, 1 de desembre | Saló de Graus Manuel Ardit, Facultat de Geografia i Història, Av. Blasco Ibáñez, 28, València.

Visions del passat i del present en les sèries i les sagues fantàstiques. De El senyor dels anells a Joc de trons

Dimecres, 14 de desembre | Aula F.3.4, Facultat de Geografia i Història, Av. de Blasco Ibáñez, 28, València.

Teatre i Trauma. El paper performatiu de la dramatització

Divendres, 16 de desembre | Saló de Graus, Facultat de Filosofia i Ciències de l’Educació, Av. Blasco Ibáñez, 30, València.

Podéis consultar el programa al completo en: blog dinamització

Tricicle, a todo gags

Hits, de Tricicle
Teatro Olympia
C / San Vicente Mártir, 78. Valencia
Del 19 de octubre al 11 de diciembre de 2016

‘Hits’ -el nombre no engaña- contiene lo mejor de lo mejor de Tricicle, o casi, porque por fuerza han tenido que dejar a un lado sketches que seguramente alguien encontrará a faltar a pesar de que será el más largo de todos los espectáculos que hayan hecho, cien minutos rellenos de gags en los que quizá no estén todos los que son pero sí que son todos los que están.

‘Hits’ -acrónimo de Humor Inteligente Trepidante y Sorprendente- reúne doce sketches mínimamente reducidos y un amplio resumen, que cierra el espectáculo, compuesto de gags cortísimos que dejan al espectador al borde del colapso respiratorio. Casi todos aparecen tal cual fueron estrenados ya que el paso del tiempo -salvo aspectos tecnológicos que han obviado o variado- no les ha afectado para nada.

‘Hits’ -acrónimo de Hilarantes Individuos Tragicómicos y Solazosos- gustará (mucho) a los que les conocen de toda la vida y sorprenderá (muchísimo) a los hijos de sus hijos, ya que, afortunadamente, cada nueva generación les ha traído más público.

¿Último espectáculo? Dicen que de momento.

Tricicle. Imagen cortesía de Teatro Olympia.

Tricicle. Imagen cortesía de Teatro Olympia.

 

Artur Heras toma la plaza

Abierto/Open/Obert per Obres, Artur Heras
Galería Paz y Comedias
Pl. Colegio del Patriarca, 5. Valencia
Hasta el 24 de septiembre, 2016

Así es. Este verano Artur Heras ha tomado la histórica plaza del Patriarca situada en el centro de la ciudad de Valencia. Si nos colocamos en la fachada principal del Colegio Seminario del Corpus Christi, recayente en la calle de La Nave, estaremos a unos metros de las dos exposiciones que muestran el trabajo de este gran artista valenciano. Por un lado, en el Centre Cultural La Nau nos encontramos con ‘No Ficció. Obsolescència i Permanència de la Pintura’, mientras que en la galería Paz y Comedias hallaremos ‘Abierto/open/obert per obres’. Ambas muestras, programadas de forma paralela, forman parte de un mismo proyecto donde se pretende poner en valor la obra del artista implicando al público de manera directa.

L'impresionismo est arrivé. Una de las obras de Artur Heras que se pueden ver en la muestra. Imagen cortesía de la galería.

L’impresionismo est arrivé. Una de las obras de Artur Heras que se pueden ver en la muestra. Imagen cortesía de la galería.

En este sentido, la exposición de Paz y Comedias juega un papel importante. El título tan “abierto”, tanto por el concepto como por el hecho de presentarlo en diversos idiomas, encierra una clara intención de tratar que el público se interese y entre. En general, las galerías poseen ese aura acristalada y pulcra que nadie se atreve a pisar. Es por eso que Artur Heras realiza una intervención ex-profeso con la que trata de romper esa sensación y llamar la atención sobre el exterior. ‘Abierto/Open/Obert per obres’ simula una gran fractura sobre el cristal de la galería cuya cinta de seguridad señalizadora nos indica el nombre del autor de la instalación. De esta forma, una sola pieza de la exposición se encarga de llamar la atención y de fomentar la asistencia de un tipo de público que no acude por el nombre del artista, sino por la obra en si.

Esta intención recuerda a los orígenes de la obra artística de Heras, donde la dificultad para lograr esa renovación formal buscada en los años 60 por él y demás artistas, se equipara a la dificultad que entraña el acercamiento al arte. Y, aunque su intención no es presentar la actualidad, la sutileza de sus imágenes y la captación de representaciones clave nos retraen, inevitablemente, hacia una reflexión sobre el contexto actual.

Una vez aceptada la invitación a entrar, comienza un recorrido expositivo en el que se presentan, como no podía ser de otra forma, las constantes características del trabajo de Heras. El uso del lenguaje y de la palabra que no desmerece la plasticidad, Valencia y toda su imaginería reinterpretada, lecturas irónicas de la Historia del Arte, e incluso, algún guiño a los aspectos frutales que realizó en los años 70. Pero lo más interesante son los cambios que se irán produciendo en la propia muestra conforme avance en el tiempo. Una buena manera de mantener en vilo al público que ya ha asistido y a aquel que falta por llegar.

Del costat d'allà. Una de las obras de Artur Heras que se pueden ver en la muestra. Imagen cortesía de la galería.

Del costat d’allà. Una de las obras de Artur Heras que se pueden ver en la muestra. Imagen cortesía de la galería.

María Ramis

El centro de arte Bombas Gens, cada vez más cerca

Bombas Gens. Centro de Arte Contemporáneo
Fundació per Amor a l’Art
Barrio de Marxalenes. Valencia
Visita del presidente de la Generalitat, Ximo Puig
Julio de 2016

El proyecto Bombas Gens continúa avanzando a paso firme. Tras haber superado la fase de consolidación de las instalaciones, se ha iniciado la rehabilitación de este singular espacio de Marxalenes de Valencia que permaneció abandonado durante décadas, y que recientemente ha sido declarado Bien de Relevancia Local.

El Presidente de la Generalitat, Ximo Puig, acompañado de la Consellera de Obras Públicas, Vivienda y Vertebración del Territorio, Mª José Salvador, visitó recientemente la antigua fábrica para conocer de primera mano el desarrollo de las obras. Durante la visita, la Directora de la Fundació Per Amor a l’Art, Susana Lloret, explicó que la palabra clave que aúna todos los elementos que van a conformar Bombas Gens es ‘compartir’: “Esperamos compartir una colección de arte que venimos configurando desde hace años bajo la dirección de Vicent Todolí. Compartiremos además tiempo, afecto y recursos en el centro social que se construirá, y también los resultados que se vayan derivando de nuestra investigación en materia de enfermedades raras. Y todo ello en un espacio espectacular que va a servir para hacer brillar un barrio que lo necesita”.

Ximo Puig, presidente de la Generalitat, junto a responsables de Bombas Gens.

Ximo Puig, presidente de la Generalitat, en el centro, junto a José Luis Soler, presidente de la Fundació per Amor a l’Art, Susana Lloret, directora de la Fundació, y Mª José Salvador, consellera de Obras Públicas. Imagen cortesía de Bombas Gens.

En este sentido, el Presidente de la Generalitat reconoció a la Fundació su trabajo por revalorizar el barrio: “Esta es una operación que no se queda en sí misma, sino que se abre a todo su entorno. Bombas Gens va a ser un polo de referencia en la ciudad de Valencia, un nuevo símbolo artístico en nuestra comunidad, y también a nivel internacional”.

El valor patrimonial de este conjunto es indudable, ya que nos encontramos ante uno de los escasos ejemplos de arquitectura industrial de la década de 1930 que permanece en pie, y el único vestigio de un antiguo barrio en el que han desaparecido la mayor parte de las viviendas originales. Precisamente por esta singularidad, se está salvaguardando el diseño original. Se mantendrá la fachada art déco y aquellos elementos que recuerden su pasado industrial, preservando así la memoria de la ciudad. “En nombre de la Generalitat agradezco esta iniciativa. Si no fuera por la Fundació hubieran podido ser derribadas estas instalaciones que, sin duda, forman parte de nuestra cultura industrial; del legado de la ciudad de Valencia”, declaró Ximo Puig.

El presidente de la Generalitat, Ximo Puig, junto  al arquitecto Eduardo de Miguel. Imagen cortesía de Bombas Gens.

El presidente de la Generalitat, Ximo Puig (izda), junto a José Luis Soler, presidente de la Fundació per Amor a l’Art. Imagen cortesía de Bombas Gens.

El encargado de reinventar Bombas Gens para el siglo XXI es el arquitecto Eduardo de Miguel, con la colaboración internacional de la especialista en espacios dedicados al arte, Anabelle Selldorf. Por tener entre manos un edificio catalogado como “Bien de Relevancia Local”, y debido al mal estado de conservación en el que se encontraban las instalaciones, el primer paso fue la realización de un proyecto de consolidación estructural y de rehabilitación de las cubiertas, con la finalidad de recuperar el conjunto primigenio, y teniendo especial cuidado en la zona protegida.

Tras la mítica fachada, las cuatro naves principales albergarán un centro de arte contemporáneo dirigido por Nuria Enguita. Además, se levantará un edificio con una estructura integrada en el conjunto que comprenderá un centro de día y la sede del equipo investigador de la Enfermedad de Wilson. Y todo comunicado por pasillos y patios ajardinados donde se instalará un kiosco con refrescos y aperitivos.

Esta actuación se suma a las muchas otras de iniciativa privada que se están realizando últimamente en Valencia, y que persiguen devolver su esplendor a diferentes edificios emblemáticos de la ciudad. Según el Presidente de la Generalitat: “Esta es una de las ejemplificaciones más notables de lo que puede ser la aportación a la cultura y el bienestar social desde el sector privado. La alianza en este caso entre cultura y solidaridad , tan poco habitual, lo convierten en un proyecto único”.

Bombas Gens.

Vista de la fábrica Bombas Gens, actualmente en proceso de rehabilitación. Imagen cortesía de Bombas Gens.

Rtist: Una app para encargar obras de arte

Rtist, ganadora Appcircus Barcelona 2016
Antigua Fábrica de Estrella Damn
C / Roselló, 515. Barcelona
El 30 de junio de 2016

En el marco del Appcircus Barcelona la aplicación para móviles Rtist ha ganado la edición de 2016. Rtist, disponible para iOS (iPhone, iPad, iPod Touch), funciona como una plataforma en la que los usuarios pueden encargar a artistas una obra de arte inspirada en fotografías que ellos mismos han hecho. Para ello, la plataforma ofrece una selección de artistas locales dispuestos a crear esa obra de arte física basada en una foto elegida por el usuario.

Appcircus es un espacio global de de apoyo al desarrollo de aplicaciones móviles, basada en la organización de eventos y proyectos en las principales ciudades del planeta, con el fin de impulsar el crecimiento y maduración de las comunidades de creadores de apps. Desde sus inicios, ha organizado más de 150 eventos en ciudades de más de 35 países y ha creado una comunidad que integra más de 20.000 usuarios.

Diana Morato, CEO de Deliveroo y encargada de anunciar la ganadora, destacó tres aspectos que inclinaron la balanza a favor de Rtist: el primero, que se trata de una idea innovadora que renueva la relación entre artistas y público al incrementar la posibilidad de encontrar nuevos clientes; en segundo lugar, la posibilidad de abrir el arte a los usuarios, que pueden encargar obras de arte a medida, y finalmente el modelo de negocio de la aplicación.

Por su parte, Carles Ferreiro, CEO de Appcircus, destacó al finalizar el concurso “la variedad y el nivel de todas las apps que han participado en la convocatoria de este año y el de las diez finalistas en particular, lo que acredita el gran nivel del sector de las aplicaciones móviles en Barcelona”; también resaltó la capacidad del sector para atraer talento, innovar y mover la actividad económica en torno al desarrollo de aplicaciones móviles.

Creadores de la app. Imagen cortesía Appcircus.

Creadores de la app. Imagen cortesía Appcircus.

Appcircus Barcelona ha contado con la participación de 84 app de las que quedaron las 10 finalistas que compitieron en la final del showcase itinerante de aplicaciones móviles más grande del mundo. El evento congregó un centenar de asistentes que vivió en directo las presentaciones de las apps en el escenario.

Diana Morato fue la encargada de abrir la velada con el keynote “¿Por qué especializarte, ser rápido y simplificar?”, destacando que en este sector hay que tener en cuenta cuestiones como el perfil cada vez más tecnológico del cliente, su mentalidad antes que su edad, su creciente nivel de exigencia y sobre todo que en el sector móvil importa más “hacerlo mejor que llegar el primero”.

Tras sus palabras, comenzó la competición de las 10 finalistas que contaron con 3 minutos para presentarse y después tuvieron que responder a las preguntas del jurado, que estuvo formado por Sandra Sancho, Marketing Director de Mytaxi en España y Portugal; Gino Micacchi, VP Product en Softonic, Ignacio Espada, CMO y Growth Manager de Washrocks y Diana Morato, CEO de Deliveroo España.

Alumnos de ESAT se visten de ‘corto’

Ciclo de cortometrajes
Alumnos de 1º de Art & Design, dirigidos por Alberto Adsuara, de la Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT)
Bar Red Cup
C / Cádiz, 70. Valencia
Jueves 30 de junio, 2016, a las 19.00h

El bar Red Cup, de la Calle Cádiz 70 en Ruzafa, acoge este jueves 30 de junio, a partir de las 19.00 horas, los cortometrajes realizados por los alumnos de Alberto Adsuara en la asignatura que imparte en la carrera de Arte & Diseño de la Escuela Superior de Arte y Tecnología ESAT.

Los cortometrajes han sido realizados en el curso 2015-2016 en el módulo audiovisual de la asignatura. Los trabajos audiovisuales están compuestos por cuatro cortometrajes sobre distintas temáticas y llevan por título: ‘Ángelus’, ‘Shut Up and Work Hard’, ‘Like’ y ‘Me cago en la puta’.

En el evento habrá una breve presentación y luego del visionado de los cortometrajes habrá un turno de preguntas por parte del público asistente. Está previsto que el acto dure una hora, por lo que se ruega puntualidad.

Ciclo de cortometrajes. Imagen cortesía de ESAT.

Ciclo de cortometrajes. Imagen cortesía de ESAT.