Homenaje de Mery Sales al pensamiento que duele

‘Seres fuera de campo’, de Mery Sales
Fundación Chirivella Soriano y Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana
Palau Joan de Valeriola
C / Valeriola, 13. Valencia
Hasta el 4 de octubre de 2020
Domingo 12 de julio de 2020

“Para que tu mano derecha ignore lo que hace la izquierda, habrá que esconderla de la conciencia”, escribió la filósofa y activista social Simone Weil. De las contradicciones humanas, encerradas en esa tensión dialéctica que no se aviene a dóciles equilibrios, sino a arrebatados pulsos entre el bien y el mal, se hace cargo Mery Sales en su exposición ‘Seres fuera de campo’. Exposición en la que, precisamente de la mano de Weil, pero también de Hannah Arendt y María Zambrano, Sales rinde homenaje a tan conspicuas representantes de la filosofía y la poesía, para celebrar el acto creativo como alumbramiento de esas zonas de sombra que nos constituyen a los seres humanos.

Las manos derecha e izquierda a las que se refiere Weil, que bien pudieran ser emanaciones políticas de esas otras derechas e izquierdas históricamente enfrentadas, dan lugar, en la obra de Mery Sales, a una pugna igualmente intensa por hacer aflorar a la superficie del cuadro lo que tiende a ocultarse. “Pretendo que los cuadros gusten, pero que también inquieten”, dice la artista. De ahí que, a renglón seguido, diga: “Hay que atreverse a ver lo que te duele”.

Vista de la exposición ‘Seres fuera de campo’, de Mery Sales. Imagen cortesía de Fundación Chirivella Soriano.

Y lo que duele, a poco que uno se acerque sin temor a la obra de Sales, es constatar la herida, nunca cerrada del todo, de quien siente que la vida siempre nos sobrepasa; que lo real, por excesivo e ininteligible, exige de un gran valor para afrontarlo, cosa que ella hace depositando en la obra ese resto hiriente a modo de huella que conviene rastrear si queremos sentir una experiencia verdadera. Si, como ella misma dice, su obra anterior hurgaba en el mal, en esta ocasión, sin dejar de hacerlo, ha incluido el bien como esa otra fuerza de signo contrario que merece la pena ser acogida. Puestos a correr el riesgo de revelar lo oculto, Sales ha intuido que el bien es una energía, más allá de sus amables componendas morales, dotada de poderes suficientes para contrarrestar el maleficio contrario.

Contrariamente a lo apuntado por la propia Weil, cuando dijo que al luchar contra la angustia uno nunca produce serenidad, Mery Sales se hace cargo de esa angustia inscrita en su obra, amainando la tempestad que bulle en su interior con tenaz determinación creativa. En este sentido, diríase que su impulso creador rompe las amarras de la más fogosa y activista Weil, para encontrar esa serenidad en las más templadas reflexiones de la propia Weil, Arendt y Zambrano. De manera que capitalizando esa angustia primigenia (“allí recibí la marca del esclavo”, dirá Weil cuando trabajó en la fábrica Renault), la fue decantando por efecto del bien en pugna con tanto mal, como vivieron las tres en la primera mitad del bélico siglo XX.

Una de las piezas de la exposición ‘Seres fuera de campo’, de Mery Sales. Imagen cortesía de Fundación Chirivella Soriano.

“Desde la más tierna infancia y hasta la tumba hay algo que, a pesar de toda experiencia de los crímenes cometidos, sufridos y observados, espera invenciblemente que se le haga el bien y no el mal. Eso es, ante todo, lo que es sagrado en cualquier ser humano”, dice Weil en un texto recogido por Sales como parte indisoluble de su exposición. ‘Seres fuera de campo’, comisariada por Álvaro de los Ángeles y que reúne en la Fundación Chirivella Soriano alrededor de 50 obras, algunas inéditas ya que fueron pintadas durante el confinamiento, alude a estas tres conspicuas mujeres en el campo de la filosofía y la poesía, para dar cuenta del bien, del mal y de lo sagrado como ámbito último de resistencia.

Una sacralidad que Mery Sales reivindica asociada al “amor mundi” de Hannah Arendt, alejado de ese otro “estigmatizado”, subraya Sales, y mediante el cual la alteridad es objeto de una comprensión que nada tiene que ver con su insulsa justificación. “Comprender no significa justificar lo injustificable, dar razón a lo que nunca puede tener razón, comprender es examinar y soportar conscientemente la carga que nuestro siglo ha colocado sobre nosotros, y no negar su existencia ni someterse mansamente a su peso”, señala Arendt en otra de las citas incluidas en la exposición.

Simone Weil con su característico mono en una de las obras de la exposición ‘Seres fuera de campo’, de Mery Sales. Imagen cortesía de Fundación Chirivella Soriano.

Mery Sales, con “escrupulosa meticulosidad”, como resalta Manuel Chirivella, presidente de la Fundación Chirivella Soriano, va decantando toda esa tensión entre el bien y el mal, que traslada a su pintura siguiendo el rastro de Arendt, Weil y Zambrano, para dejar constancia plástica de lo real, sin que el dolor sugerido por su afloramiento a la conciencia se imponga. “Toda la exposición es un homenaje al pensamiento”, subraya Sales. Un pensamiento que huye del simple esquema comunicativo, en el que alguien emite un mensaje que otro recibe y entiende, para adentrarse en un territorio más vasto del lenguaje, donde las palabras exigen una escucha más atenta.

Pensamiento que, entrañando cierto compromiso, tampoco se adscribe a la cerrazón de las ideologías. Como apunta Chirivella, más que un “arte político enclaustrado en un código retórico que solo reproduce representaciones ideológicas” asumidas por el poder, como dejaron constancia las vanguardias históricas puestas al servicio de los regímenes fascistas y comunistas, la obra de Mery Sales conjuga arte y política. Aúna compromiso, en tanto palabra que se resiste a su lógico acomodo social, “emoción y meditación a un tiempo”. “Pintura en la que pervive el indisoluble maridaje del pensamiento y la plasticidad”, señala el presidente de la Fundación.

Vista de la exposición ‘Seres fuera de campo’, de Mery Sales. Imagen cortesía de Fundación Chirivella Soriano.

El color rojo, que atraviesa la exposición para irse encarnando en diferentes cosas, aparece de forma harto elocuente en el mono de la propia Simone Weil, cuyo atuendo colgado, revelando su ausencia, viene a simbolizar la resistencia del sujeto a perderse en el olvido. De hecho, ‘Seres fuera de campo’ es la constatación de cómo la pintura y la fuerza creativa pueden alcanzar el máximo sentido, allí donde éste se perdería por inanición. Mery Sales lo que hace es transformar la siniestra desaparición, el fondo tenebroso de toda existencia, en lúcida reflexión sobre lo oculto a la conciencia. “La luz como lucidez”, por utilizar una expresión de la propia artista, con la que Sales rinde homenaje al pensamiento de esas tres grandes autoras y, de su mano, a la fragilidad del ser doliente. Atrévanse, ahora de la mano de Mery Sales, a sentir ese dolor gozoso que encierra su intensa plástica.

Mery Sales, en la entrada de su exposición ‘Seres fuera de campo’. Imagen cortesía de Fundación Chirivella Soriano.

Salva Torres

Prostíbulo Poético, íntimo lupanar heterodoxo

Prostíbulo Poético | ‘Happeging Poético/ Poesía Vis a Vis’
La Fábrica de Hielo
Pavia 37, València
Jueves 9 de julio a las 21:00
Viernes 3 de julio de 2020

Hijo primogénito del original Poetry Brothel de NY, dirigido en Barcelona y Madrid por la actriz y performer Sonia Barba, este colectivo transdisciplinar compuesto básicamente por poetas, músicos y performers, convierten cada evento en un campo de pruebas donde la poesía en privado y al oído le echa un pulso a los típicos recitales de poesía al uso.

¿Puede ser divertida y excitante la poesía aun descubriendo el lado más oscuro o atormentado de un alma? ¿Cómo valoramos el acto poético en la sociedad contemporánea? ¿Es la máscara de un alter ego una buena herramienta para acercar al gran público la “temida” poesía?

Poetas integrantes de Prostíbulo Poético. Fotografía cortesía de la organización.

Bajo la apariencia de un burdel fantástico del siglo pasado, las poetas venden sus versos al público asistente una vez han sido presentadas por la Madame, quien dará respuesta a diversas interrogantes: ¿cómo han ido llegando hasta allí? ¿en qué condiciones? ¿qué les diferencia del resto de sus compañeras?

Poesía inédita en estado puro. Irreverencia. Descaro. Juego de complicidad. Reivindicación del acto íntimo de recitar.

Durante los últimos meses, debido a la suspensión de eventos y al estado de alarma, el colectivo se reinventó, activando desde sus redes una línea de teléfono en la que podías contactar con tu poeta elegida; recaudaron fondos para la iniciativa ‘Descorónate’, invitando a actrices de la talla de Maggie Civantos, Alberto Velasco o Bárbara Santa-Cruz a que atendieran la línea los domingos y donando lo recibido, consiguieron sacar a la luz su antología anual, el ‘Libro Rojo’ del Prostíbulo Poético y consiguieron mantenerse a flote pese a las difíciles circunstancias.

Después de diez años de actividad en Barcelona y dos de conquistar al público de Madrid, Madame Taxi (Sonia Barba) ha abierto sede también en València el pasado mes de octubre. Los espacios a los que nos tienen acostumbrados guardan, por lo general, resonancia a tiempos pasados y son expertos en hospedar encuentros y situaciones de intercambio, donde la cultura, el ocio y la gastronomía suelen ir de la mano. Así ocurre en la ya mítica Sala Equis de Madrid o el Tinta Roja en Barcelona, y sucederá lo propio, de nuevo, el próximo jueves 9 de julio, en La Fábrica de Hielo de València.

Sonia Barba, directora de Prostíbulo Poético, encarnando a Madame Taxi. Fotografía cortesía de la organización.

El elenco de poetas estará compuesto por una selección de la nueva hornada de poetas reunidas por Sonia Barba y algunas de las asiduas que ya tienen una trayectoria más afianzada dentro del mundo de la poesía y la escena. Tras sus alter ego podréis encontraros con veteranas de la talla de Pilar Astray Boadicea, o Diego Mattarucco, en Madrid, la actriz Lorea Uresberueta, o Alicia Verdú en Barcelona, y Carlos Luna del grupo, Luna y Panorama de los insectos, o Nelo Sebastián Vera, de la CIA Vudú Teatro en València. Entre sus jovencísimas, descaradas e irreverentes poetas están Elsa Viegas o María Sánchez (Val), Juliana Mandolesi y Raúl Ornelas, (BCN) y Alicia Louzao o Blas Nusier que mantienen una actividad constante en la escena poética y cultural de las capitales.

En relación a los ‘Vis a Vis’ de poesía, marca de la casa, entre “cliente” y poeta, han ideado nuevas fórmulas de encuentro que van desde el juego con sombras chinescas, hasta la realidad virtual o la intensidad a través del contacto visual.

A la pregunta sobre cómo reaccionan los clientes que se acercan a sus eventos, Sonia Barba comenta que “por lo general, nadie viene preparado para lo que van a recibir, que básicamente es un baño de la realidad del otro. La gente quiere compartir experiencias, anécdotas, heridas semejantes. Se dispara la empatía, la curiosidad por el otro, hay personas que piden a la poeta que les deje solos, otras rompen a llorar. Es muy emocionante”.

+ Info en www.prostibulopoetico.com

Poeta y «cliente» durante un instante de Prostíbulo Poético. Fotografía cortesía de la organización.

MAKMA

XXXVIII Premis Literaris Ciutat de València

XXXVIII Premis Literaris Ciutat de València
Concejalía de Patrimonio y Recursos Culturales | Ayuntamiento de València
Dotación: 72.000 € en total
Hasta el 22 de julio
Martes 16 de junio de 2020

El Ayuntamiento de València ha convocado la XXXVIII edición de los Premis Literaris Ciutat de València, un certamen que en los últimos años ha reunido más de 1.000 textos procedentes de distintos lugares del mundo. El plazo para participar en este concurso, que desde el año 2016 se celebra en un total de ocho categorías (narrativa, ensayo, teatro y poesía, tanto en valenciano como en castellano), terminará el próximo 22 de julio.

La concejala delegada de Patrimonio y Recursos Culturales, Glòria Tello, ha dado a conocer la convocatoria de estos galardones, que implican una dotación económica “y la culminación del proceso de difusión de las obras con su publicación”. En palabras de la concejala, estos premios que llevan el nombre de la ciudad son uno de sus baluartes culturales que, además, demuestran el compromiso del gobierno local con el talento y la creatividad”.

“De hecho, a lo largo de los de las últimas cuatro ediciones, se han presentado más de 1.000 textos procedentes no solo de las diversas comarcas valencianas y del resto de España, sino de países hispanoamericanos (como Argentina, Chile, Cuba, México o Uruguay), y de otras naciones, como los Estados Unidos, Francia o Israel”, ha añadido.

La convocatoria, organizada por la Concejalía de Patrimonio y Recursos Culturales, a través del Servicio de Recursos Culturales, contempla que la recepción de originales concluirá el próximo 22 de julio de 2020 para todas las categorías.

Por lo que respecta a las categorías, las bases concretan: el «Premi Isabel de Villena», de narrativa en valenciano (dotado con 12.000 €); el «Premi Vicente Blasco Ibáñez», de narrativa en castellano (dotado igualmente con 12.000 €); el «Premi Josep Vicent Marqués», de ensayo en valenciano (dotado con 10.000 €); el «Premi Celia Amorós», de ensayo en castellano (también dotado con 10.000 €); el «Premi Eduard Escalante», de teatro en valenciano (con 8.000 € de dotación); el «Premi Max Aub», de teatro en castellano (con otros 8.000 €); el «Premi Maria Beneyto», de poesía en valenciano (con 6.000 €); y, por último, el «Premi Juan Gil-Albert», de poesía en castellano (que cuenta asimismo con 6.000 €).

“A la dotación económica se ha de añadir, en la ceremonia de entrega de los galardones, una escultura original de Miquel Navarro, uno de los grandes artistas contemporáneos valencianos”, ha añadido Glòria Tello, que ha aclarado: “Asimismo, en tanto culminación del proceso de difusión de las obras, todas ellas serán publicadas por sellos de prestigio, gracias a los acuerdos con las editoriales Bromera (narrativa, teatro y poesía) y Edicions del Bullent (ensayo), para los libros en valenciano; y con Pre-Textos (narrativa, ensayo y poesía) y Ñaque (teatro), para los volúmenes en castellano”.

“La colaboración de estas casas editoras con la Concejalía de Patrimonio y Recursos Culturales ayuda a acrecentar la relevancia de estos premios”, ha concluido Glòria Tello, tras recordar que todas las obras que se presenten a estos galardones han de ser originales e inéditas, y en el caso de las piezas teatrales, además, no han de estar estrenadas ni dadas a conocer en lectura pública antes de la concesión del galardón.

‘La Ciudad Especular’ (2017), de Xavier Monsalvatje.

MAKMA

La poética cotidianeidad de Rocío Rojas-Marcos

#MAKMAEntrevistas | Rocío Rojas-Marcos
‘Habitada por palabras’
Huerga & Fierro, 2020
24 de mayo de 2020

“Hay meses que duran años,
días tan tremendamente largos
que pierdo la cuenta de las horas”
(‘Mayo’ | Rocío Rojas-Marcos)

Vivimos un tiempo excepcional, impredecible y confuso, en el que algunas jornadas se nos hacen tan interminables como esos días de mayo de los que nos habla la escritora andaluza –profesora en la Universidad Pablo de Olavide de Sevilla y en el International College of Seville– Rocío Rojas-Marcos (Sevilla, 1979) en su poemario ‘Habitada por palabras’ (Huerga & Fierro, 2020); un título con el que inicia una trayectoria poética que viene a sumarse a su itinerario como narradora de Tánger, ciudad que concentra buena parte de sus inquietudes.

Y así lo ha demostrado en ensayos como ‘Tánger: la ciudad Internacional’ (Almed, 2009), ‘Sanz de Soto y Buñuel: «La tercera España transfretana»’ (Khbar Bladna, 2012) o ‘Tánger, segunda patria’ (Almuzara, 2018), y en diversas colecciones de relatos como ‘Los conjurados de Tánger’ (Sures, 2019) –junto a destacados amantes de la ciudad marroquí como Javier Valenzuela, Alberto Gómez Font, Farid Othman-Bentría Ramos o Santiago de Luca, entre otros–.

‘Habitada por palabras’ es, además, una de las novedades de la editorial Huerga & Fierro que se han visto afectadas por las consecuencias de la COVID-19 –tal y como su editora, Charo Fierro, manifestaba en el artículo ‘Editoras en tiempos convulsos‘ (publicado en MAKMA el pasado día 20)–, puesto que el poemario iba a ser presentado durante la 79ª edición de la Feria del Libro de Madrid (pospuesta, finalmente, para el mes de octubre).

Por ello, nada mejor que acercarnos a ese lugar inédito en el que habitan las palabras de Rocío Rojas-Marcos a través de su propio testimonio.

Atendiendo a tu trayectoria, encaminada por otras sendas ajenas a la poesía, ¿cómo has desembocado en este género?

La realidad es que desde la adolescencia he escrito. Tal vez entonces no eran más que intentos, juego de experimentación, por ponerles un nombre. No conservo ninguno de esos poemas, recuerdo que contaba sílabas sin olvidarme de las sinalefas. Luego pasé años en los que leía más que escribía, hasta que ‘Habitada por palabras’ empezó a tomar forma. En 2012, entendí qué quería decir con estos poemas, dónde quería que fuésemos de la mano. Han pasado muchos años, pero creo que le han sentado bien al libro porque al leerlo se revela con una atemporalidad que es fundamental para la literatura. No es una escritura impulsiva ni empujada por acontecimientos, eso hace que no caduque, creo.

Encabezas el poemario con un cita de Henri Miller y concluyes con una referencia a Walter Benjamin. ¿Qué grado de influencia han tenido en la composición del poemario? ¿Tiene algún significado especial o decisivo con el que conducirte?

El motivo de cada una es bien distinto. La visión urbana de Benjamin me interesa mucho. Tal vez, aquí sí está un poco de esa yo de sendas ajenas a la poesía sobre la que me preguntabas. La simbiosis entre espacio –espacio urbano, especialmente– y literatura es lo que vengo estudiando desde hace años en la ciudad de Tánger. Me apasiona entender cómo el hombre construye no solo el espacio en el que vive, sino que también lo escribe. Se produce, por tanto, una doble creación de un mismo espacio. Ahí Benjamin tiene mucho que decirnos.

La cita de ‘Trópico de Cáncer’, de Miller, la metí cuando el libro estaba casi terminado. Un día, al leerla, entendí que eso era lo que yo estaba haciendo: “Lo esencial es querer cantar”, dice Miller, y yo pensé que eso era: que yo quería cantar. Y canto tan terriblemente mal que menos mal que puedo escribir; y ese es mi canto.

Igualmente, acontecen Pessoa, Ángel González, Ángeles Mora, Leopoldo María Panero y Paul Auster.

Sí, yo necesito lecturas. El poema ‘Necesidad’ está dedicado precisamente a eso. Es el reconocimiento de que, para escribir yo, necesitaba deshacerme de las palabras de los demás. También el título responde en cierto modo a lo mismo. Me gusta decir que quise copiarle a Cortázar el título de ‘Casa tomada’, adaptarlo, pues yo estoy habitada por palabras a las que no identifico en muchos casos y con las que me he acostumbrado a vivir. Lo que espero es no acabar como los hermanos del cuento, que no puedan conmigo. Yo no quiero irme y tirar la llave. Por eso me encanta leer a Panero, las palabras se apoderaron de él y de ahí surge su genialidad.

Pessoa creo que no necesita explicación, no hay poesía sin Pessoa. Ángel González es uno de los poetas españoles que más leo y releo, es uno de mis escritores de cabecera, si es que ese tipo de expresiones tan manidas pueden seguir diciéndose. Pero es que es la verdad. Entiendo versos suyos como si me los estuviese dictando.

Leer ‘Ficciones para una autobiografía’, de Ángeles Mora, fue para mí una sorpresa, casi un susto. Estaba leyendo lo que yo quería haber escrito. Tenía la sensación de que teníamos poemas que lidiaban con ideas tan parecidas que tuve que pensar fríamente y calcular que el manuscrito de ‘Habitada por palabras’ hacía ya meses que estaba en manos del editor cuando yo leí, por primera vez, a Mora; por tanto, yo no había parafraseado nada. Era como mirarme a un espejo.

Paul Auster tal vez es el escritor que menos encaja en esta secuencia, pero siempre ha sido uno de los novelistas que me han gustado, He leído todas su novelas y diarios. Me encanta como juega con la magia, el misterio de lo inesperado. Como si escribiese realismo mágico en Nueva York. Cuando publicó su poesía completa (está en edición bilingüe), descubrí a un escritor diferente, más racional; me interesó mucho. Esa línea es la que ha seguido en sus últimas publicaciones y la novela ‘4, 3, 2, 1’ es sublime. Una oda a la fuerza de lo insignificante en el devenir de la vida.

Rocío-Rojas Marcos recita para el Instituto Cervantes de Tánger el poema ‘Bulevar’, perteneciente a su poemario inédito ‘GMMTT’, inspirado en la ciudad de Tánger.

¿A qué responde que hayas estructurado el poemario en dos partes?

A la dicotomía entre interior y exterior. El poemario entero gira en torno a la vida compartida, al amor y el desamor, a la incertidumbre y la soledad. La primera parte es la vida interior, la que lucha la voz de los poemas desde las pareces de su casa, pero en la segunda parte aparece con más fuerza la ciudad, las calles se entremezclan con la vida. Surge un caos que no es tan controlado como el que se mantiene dentro de las pareces de una casa.

Los conceptos de soledad, huida, incomunicación, abandono y vacío están muy presentes a lo largo ‘Habitada por palabras’. ¿Sintetizan, en buena medida, el estado emocional de tu poemario?

Sí, sin duda. Quería reflexionar sobre los vaivenes de la vida, sobre la mentira de la linealidad del tiempo de nuestra vida y la sinuosidad real que compone nuestra existencia, pero creo que pudo conmigo la desazón en muchos de los poemas. Darme cuenta que somos, a pesar de las muescas. La última antología que acaba de publicar Margarit (Joan) la ha titulado ‘Sin el dolor no habríamos amado’; creo que es el verso perfecto que explica mi obra.

En tu poema ‘Diluidos’ se entrevé una cierta metáfora entre casa y cuerpo.

Sí, puede leerse así, sin duda. Esa es la dicotomía a la que antes me refería. La unión entre el yo de los poemas y su encierro en la casa donde existe y está, en cierto modo, protegido a pesar del frío, pues ese frío es interior.

¿Consideras que el tono general de los poemas dibuja una atmósfera austera en la que los escasos objetos mencionados adquieren un extraordinario valor simbólico?

Está también relacionado con lo anterior. Son objetos normales, vulgares. Hay lápices, sillas, horquillas, zapatos planos para andar cómoda. Una lista de objetos cotidianos, porque la vida es cotidianeidad y tiempo.

De volver al pasado / solo puedo decirte una cosa: / ya no me interesa”. El poema ‘Reinventarme’ encierra toda una declaración de intenciones. Sin embargo, ¿cómo gestionas todo lo pretérito?

Bueno, repitiendo lo que acabo de decir: la vida es cotidianeidad y tiempo y el tiempo pasa y no se detiene. Eso lo sabemos, por tanto, si queremos aprender a vivir tranquilos (no me atrevo a decir felices) hay que intentar no mirar mucho hacia atrás. Cualquier pasado no es verdad que fuese mejor, simplemente está pasado. La literatura enseña a vivir así, pero hay veces que cuesta entender en tu vida lo que aceptas en unas páginas. No tienes por qué quererlo.

Desde el marco de mi ventana / encuadrado por la madera, / pin…pon / el cielo es solo un trozo recortado”. ¿Qué mira ahora desde su ventana ‘El niño del cuarto’?

El niño del cuarto es la vida más allá de las pareces de la casa. El Pepito Grillo que nos ayuda a saber que el mundo está al otro lado de la ventana, aunque tengamos poco ángulo de visión. La ciudad, que es la vida en sociedad, sigue ahí. La verdad es que esto, precisamente ahora, parece rozar lo utópico, pero ojalá pronto otro niño en otro piso moleste a todos los vecinos y les recuerde que somos seres sociales y nos necesitamos.

La escritora Rocío Rojas-Marcos. Fotografía cortesía de la autora.

Merche Medina

Poesía virtual para una cultura ecológica en el CCCC

‘Laboratorio Ecopoético’ | ‘#CCCCenCasa’
Centre del Carme Cultura Contemporània (CCCC)
Martes 14 de abril

El Centre del Carme Cultura Contemporània traslada su ‘Laboratorio Ecopoético’ a las redes sociales, dentro de su programa ‘#CCCCenCasa’. Este laboratorio se fundamenta en el intercambio de saberes entre personas mayores y jóvenes en torno a la ecología, con la poesía como medio de expresión.

Tras varias sesiones celebradas en el Centre del Carme y que fueron interrumpidas por la COVID-19, el taller, en el que participan principalmente personas mayores, continúa ahora su proyecto desde el ámbito virtual como fórmula para combatir la soledad y el aislamiento que afecta especialmente a estas personas, consideradas grupo de riesgo.

Los talleres están organizados por Polyforum València y el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana, y coordinados por David Trashumante, director de Vociferio.

En sus sesiones, un equipo transdisciplinario de poetas, periodistas, historiadores e integradores sociales buscan generar un corpus poético en torno a diversos temas como la sostenibilidad, la especulación urbanística, la vuelta al mundo rural o el feminismo.

Así, en los próximos días las redes sociales del Centre del Carme ofrecerán diversos recitales poéticos a cargo de las personas integrantes de estos talleres, que presentarán los primeros resultados de su trabajo.

El director del Centre del Carme, José Luis Pérez Pont, ha manifestado que “estas acciones permiten visibilizar a un sector de la población especialmente vulnerable en estos momentos”, y ha recordado que “nuestro programa de mediación cultural busca diversas formas de aproximación al arte y a la cultura creando espacios para la palabra, para el diálogo, como fórmulas de integración social y de participación ciudadana”.

La propuesta virtual del ‘Laboratorio Ecopoético’ se suma a la iniciativa de ‘La merienda’, dirigida también a personas mayores, y coordinada por la mediadora Alba Cacheda, que ha continuado desarrollándose a través de entrevistas telefónicas, compartiendo afectos, escucha y cuidados en una situación que afecta directamente a este grupo de personas.

Pérez Pont ha señalado que “con el ‘#CCCCenCasa’ estamos desarrollando un proyecto cultural virtual que integre a todas las disciplinas artísticas para que la cultura no pare y para seguir apoyando al sector creativo valenciano y a sus artistas”.

Programación semanal

Dentro de ‘#CCCCenCasa’, esta semana las artistas Mónica y Gema del Rey Jordà (Art al Quadrat) nos abren las puertas de su estudio para adentrarnos en su proyecto creativo.

Su exposición del Centre del Carme, ‘De coros, danzas y desmemoria’, es una investigación sobre la recuperación de la memoria histórica a través del lenguaje contemporáneo y de la tradición oral. La exposición les permite mostrar la represión que impuso el franquismo en toda España, especialmente en la vida de la mujer. El objetivo de Art al Quadrat es trascender el relato histórico para recuperar la memoria de las damnificadas, con historias que resuenan ahora a través de sus cantos.

Inspirado en esta muestra, el programa de educación y mediación ‘#CCCCHabitantEspais’ propone esta semana un taller en el que experimentar con los sonidos. En la exposición de Art al Quadrat, el canto de diversas mujeres nos permite conectar con la memoria, modificando el significado de los escenarios presentados y alentándonos a generar nuevos espacios de compromiso y libertad.

Este taller propone a las familias diferenciar entre oír y escuchar, trabajando con los ruidos de la casa. El sonido nos ayudará a identificar la forma del espacio, sus dimensiones y sus usos en función de nuestra memoria, pero también en función de las reverberaciones y las reflexiones que produce en el espacio. Así, se proponen diferentes acciones desde la experimentación con el eco, la composición de una banda sonora con sonidos cotidianos, descubrir qué es el sonido holofónico o componer su propia fonoteca de la casa.

Además, esta semana ‘CCCC_Arquilecturas’ propone a las familias explorar la vivienda siguiendo ‘El curso del agua’, un taller didáctico donde invitar a las y los pequeños a reconocer de dónde viene el agua que sale de los grifos: buscar las llaves de paso, las alcantarillas de la calle desde la ventana y la fuente de calor que hace posible que podamos ducharnos con agua caliente.

Hay que recordar que cada semana estos talleres se van sumando a un conjunto de propuestas didácticas en familia que se encuentran disponibles en la web del Consorci de Museus como los talleres ‘El plano de mi casa’, ‘Aburrimiento’, ‘¿Dónde están las flores?’, que toma como base la muestra de Escif ‘Qué pasa con los insectos después de la guerra’, o la propuesta ‘Desde mi ventana’ inspirada en la exposición sobre Carlos Pérez. A esta última iniciativa, que busca convertir las ventanas en espacios de creación, se han sumado numerosas ilustradoras e ilustradores, diseñadores y artistas como Javier Mariscal, Escif, Juan Berrio, Paco Roca, Iván Solbes, Marta Colomer (Tutticonfetti), Lina Vila, Ortifus, Boke Bazán, Ibán Ramón, Alex Cervantes, Tomás Gorría, Calpurnio, Lucía Meseguer, Martín Forés y Mai Hidalgo, entre otros.

Las propuestas ‘#CCCCHabitantEspais’ están coordinadas por el equipo Arquilecturas, proyecto seleccionado dentro de la convocatoria Tangent, de mediación cultural del Consorci de Museus.

Conciertos ‘Sonoras’ y ‘TheCCCC’

Este próximo sábado 18 de abril las redes sociales del Centre del Carme ofrecerán una nueva propuesta sonora poniendo al alcance de sus seguidoras y seguidores los conciertos celebrados durante las primeras ediciones de los festivales ‘Sonoras’ y ‘TheCCCC’ en el Centre del Carme.

CCCContesenCasa’, Joanjo García

Este próximo domingo 19 de abril el canal de pódcast del Centre del Carme contará en su programa ‘#CCCContesenCasa’ con la intervención de Joanjo García, historiador y escritor de literatura en valenciano. Ha ganado el Premi Enric Valor de la Diputación de Alicante por ‘Quan caminàrem la nit’, el Premi de Narrativa Antoni Bru por ‘Tota la terra és de vidre’ y el Premi de Novel·la Ciutat d’Alzira por ‘El temps és mentida’.

La primera parte de este cuarto programa contará como siempre con uno de los ‘Cuentos por teléfono’ de Gianni Rodari. A continuación se ofrecerá una reseña de ‘Cors de gofra’, de la escritora noruega Maria Parr, editado por Nórdica Libros.

El podcast finalizará con dos cuentos: ‘La princesa y la felicidad’ y un cuento creado por el alumnado de la escuela para adultos Vicent Ventura en los talleres de narrativa de Rebombori Cultural, donde las alumnas y los alumnos ponen en marcha su creatividad con historias de los cinco continentes.

‘#CCCContesenCasa’ quiere invitar al público a participar incluyendo los audios de niñas, niños y familias que quieran compartir sus reseñas de libros, recomendaciones o comentarios sobre por qué les gusta leer o qué están leyendo durante la cuarentena. Los mensajes se pueden enviar por Whatsapp al 603 83 22 52 o al correo info@rebomboricultural.com.

Visitas virtuales

Dentro de su programa ‘#CCCCenCasa’, el Centre del Carme activa nuevas visitas virtuales que permitirán al público recorrer cada una de sus salas, de un modo inmersivo. Así, esta semana el Centre del Carme incorpora el recorrido por la muestra ‘Viaje a Corfú. Carlos Pérez. El hombre-museo’, una experiencia que se suma a la ofrecida en la exposición ‘(Escif). Qué pasa con los insectos después de la guerra’.

Todos los contenidos del programa online del Centre del Carme ‘#CCCCenCasa’ están disponibles en www.consorcimuseus.gva.es y a través de las redes sociales del @centredelcarme.

MAKMA

‘Hotline Poetry’ o caldear la poesía en estado de alarma

‘Hotline Poetry’ | Happening Poético/ Poesía vis a vis
Marzo de 2020

Hijo primogénito del original ‘Poetry Brothel’ de NY, dirigido en Barcelona, Madrid y València por la actriz y performer Sonia Barba, este colectivo transdiciplinar, compuesto básicamente por poetas, músicos y performers, convierten cada evento en un campo de pruebas donde la poesía en privado y al oído le echa un pulso a los típicos recitales de poesía al uso.

Después del aluvión de cancelaciones que han tenido que afrontar debido a la pandemia de coronavirus, han decidido continuar haciéndolo reinventándose bajos el dispositivo de una “Línea Roja” o “Hotline”, pero, en este caso, al otro lado de la línea lo que sus clientes encontrarán serán vis a vis de poesía, directamente de poeta a consumidor de poesía.

¿Cómo valoramos el acto poético en un momento como el que nos está tocando vivir? ¿Es la máscara de un alter ego una buena herramienta para acercar a los hogares la temida poesía? Poesía inédita en estado puro. Irreverencia. Descaro. Juego de complicidad. Reivindicación del acto íntimo de recitar.

Después de diez años de actividad en Barcelona, dos de conquistar al público de Madrid y habiendo acabado de abrir sede también en València, las poetas del Prostíbulo Poético, capitaneadas por Madame Taxi, adaptan su formato habitual, en estos días extraños, para poder seguir haciendo lo que más les gusta: “incentivar el vicio por la poesía en privado”

En palabras de su directora, Sonia Barba,“en este tipo de encuentros telefónicos con las poetas se dispara la empatía, la curiosidad por el otro, la emoción, la gente abre la puerta a sus emociones, consigue profundizar o hasta reírse de algunas de ellas después de escuchar a las poetas”. De este modo, “os animo fervientemente a probarlo, a conocer a las poetas: tenemos un ejército, un coro, un cuerpo de baile, una troupe fabulosa de magníficas poetas esperando con deseo encontraros al otro lado de la línea para compartir sus versos”.

Las poetas que estarán atendiendo las llamadas estos días forman parte de alguno de los ‘Burdeles de Fantasía’, como les gusta llamarlos en Barcelona, Madrid y València. Sin embargo, desde la organización indican que habrá sorpresas durante los fines de semana, ya que algunos actores, escritores y músicos más populares ya se han puesto en contacto con ellas queriendo unirse a la iniciativa.

Para terminar, Sonia Barba apunta que “ni que decir tiene que cada una de vuestras llamadas conseguirá que este barco de poetas pueda seguir surcando los anchos mares, a pesar de la enorme tormenta económica en la que navegamos”.

Horarios
Mañanas de 11:00 a 13:00 | Tardes de 16:00 a 18:00 | Noches de 21:00 a 23:00.
Todos los días de la semana hasta que se suspenda el decreto de estado de alarma.

Parte de la troupe de poetas de Prostíbulo Poético, capitaneados por Sonia Barba. Fotografía cortesía de la organización.

MAKMA

En privado y al oído: Prostíbulo Poético

Prostíbulo Poético | Happeging poético y poesía vis a vis
La Fábrica de Hielo
Pavia 37, València
Viernes 17 de enero de 2020 a las 20:30

Hijo primogénito del original Poetry Brothel de Nueva York, dirigido en Barcelona y Madrid por la actriz y performer Sonia Barba, este colectivo transdiciplinar, compuesto básicamente por poetas, músicos y performers, convierten cada evento en un campo de pruebas donde la poesía en privado y al oído le echa un pulso a los típicos recitales de poesía al uso.

¿Puede ser divertida y excitante la poesía aun descubriendo el lado más oscuro o atormentado de un alma? ¿Cómo valoramos el acto poético en la sociedad contemporánea? ¿Es la máscara de un alter ego una buena herramienta para acercar al gran público la temida poesía?

Bajo la apariencia de un burdel fantástico del siglo pasado, las poetas venden sus versos al público asistente una vez han sido presentadas por la Madame que describirá al público las siguientes interrogantes: ¿Cómo han ido llegando hasta allí? ¿En qué condiciones? ¿Qué les diferencia del resto de sus compañeras?

A la pregunta sobre cómo reaccionan los clientes que se acercan a sus eventos, la actriz, dramaturga y poeta Sonia Barba ha comentado que “por lo general, nadie viene preparado para lo que van a recibir, que básicamente es un baño de la realidad del otro. La gente quiere compartir experiencias, anécdotas, heridas semejantes. Se dispara la empatía, la curiosidad por el otro, hay personas que piden a la poeta que les deje solos, otras rompen a llorar. Es muy emocionante”.

Miembros de Prostíbulo Poético. Fotografía: Bluetomatophoto.

Dispuestas a revolucionar también la escena valenciana, después de diez años de actividad en Barcelona y dos de conquistar al público de Madrid, las poetas del Prostíbulo Poético, capitaneadas por su Madame, abren sede en estas tierras y no han podido encontrar mejor lugar que La Fábrica de Hielo, espacio con resonancia a tiempos pasados y experto en hospedar encuentros y situaciones de intercambio, donde la cultura, el ocio y la gastronomía van de la mano, que acogerá el evento el próximo viernes 17 de enero de 2020, a las 20:30.

El elenco de poetas estará compuesto por una selección de algunas de las veteranas poetas de Barcelona y una nueva hornada de poetas de València reunidas por Sonia Barba.

En definitiva, poesía inédita en estado puro. Irreverencia. Descaro. Juego de complicidad. Reivindicación del acto íntimo de recitar.

Integrantes de Prostíbulo Poético vestidas con la lencería de la diseñadora Rosario Puñales. Fotografía: Carles Mercader.

MAKMA

Hacia la profesionalidad del artista visual

#EncuentrosCañadaBlanchEnElSporting
Organizan: Fundación Cañada Blanch, Sporting Club Russafa Carlos Moreno Mínguez y MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea
Sporting Club Russafa
Sevilla 5, València
Viernes 17 de mayo de 2019 a las 19:00

La Fundación Cañaba Blanch y el Sporting Club Russafa Carlos Moreno Mínguez, en colaboración con MAKMA, Revista de Artes Visuales y Cultura Contemporánea, organizan los #EncuentrosCañadaBlanchEnElSporting, cuya primera edición, que tendrá lugar entre mayo y junio de 2019, se postula bajo el lema ‘Hacia la profesionalidad del artista visual’, con el objetivo de procurar un diagnóstico fidedigno y actual –mediante el desarrollo de una mesa redonda– de las diversas circunstancias y vicisitudes laborales en las que se encuentran numerosos creadores, a la par de ofrecer, a través de un seminario, un mapa de herramientas y estrategias con las que reorientar y enmendar su situación de inestabilidad profesional.

MESA REDONDA (VIERNES 17 DE MAYO DE 2019)

#EncuentrosCañadaBlanchEnElSporting iniciará sus contenidos con la celebración de la mesa redonda ‘Hacia la profesionalidad del artista visual’, que tendrá lugar en la sede del Sporting Club Russafa (Sevilla 5, València), el viernes 17 de mayo de 2019 a las 19:00.

Formarán parte del debate Marisa Giménez Soler –comisaria y galerista del Museo del Ruso (Alarcón, Cuenca), Emilio Gallego –artista y representante de la Asociación de Artistas Visuales de València, Alicante y Castellón (AVVAC)–, Felicia Puerta –artista y profesora de Metodología de Proyectos de la Facultad de Bellas Artes de San Carlos (UPV)–, Ismael Teira –artista y miembro del consejo editorial de MAKMA– y Lucía Peiró –artista y representante del Sporting Club Russafa Carlos Moreno Mínguez–, quienes serán moderados por Salva Torres, en calidad de periodista cultural de El Mundo Comunidad Valenciana y director de la revista MAKMA.

Un instante del happening poético ‘¿De qué viven los artistas?’, con Rosa González y Javier Seco. Fotografía cortesía de Laquerencia Producciones.

Esta primera jornada de los #EncuentrosCañadaBlanchEnElSporting será rubricada con la escenificación, a partir de las 20:00, de la pieza ‘¿De qué viven los artistas?’, de Rodrigo García, Pedro Gabo y Javier Seco, y protagonizada por Rosa González y Javier Seco, de la compañía Laquerencia Producciones; un mordaz e hilarante happening poético interdisciplinar “cargado de denuncia y sátira, que cuestiona los papeles que juegan el azar, el dinero, el prestigio o el triunfo en la práctica artística, propiciando, junto al espectador, un viaje lúdico y experimental. En definitiva, “las contradicciones e inseguridades de un alma artista y su batalla diaria con el ego y las apariencias”.

SEMINARIO (VIERNES 7 Y SÁBADO 8 DE JUNIO DE 2019)

Bajo el título ‘El artista y la autogestión: emprender en el mundo del arte’, Marta Pérez Ibañez –historiadora del arte, gestora cultural, miembro del Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) y docente en la Universidad de Nebrija, entre otras instituciones– impartirá en el mes de junio un seminario de doble jornada (viernes 7, de 16:00 a 20:00, y sábado 8 de junio, de 10:00 a 14:00).

Los contenidos fundamentales del curso, que clausurará la primera edición de los EncuentrosCañadaBlanchEnElSporting, se aproximarán a la figura del artista profesional mediante la intercesión de conceptos como branding, mercado del arte, comunicación offline (objetivos y estrategias, imagen, composición curricular, etc.) y autogestión (administración y economía,
aspectos legales y derechos del artista, entre otros), así como perfilarán un mapa del artista “ante el reto del nuevo mercado global”, en términos de autogestión sostenible y nuevos modelos de negocio, sustentados por razones de “equilibrio y coherencia para conseguir los mejores
resultados”.

La participación en el seminario ‘El artista y la autogestión: emprender en el mundo del arte’, destinado a un máximo de 40 alumnos y con un coste de 20€ por participante, se llevará a cabo mediante inscripción previa a través del correo convocatorias@makma.net, indicando en el asunto “Seminario EncuentrosCañadaBlanchEnElSporting” e incluyendo en el cuerpo del mail los siguientes datos: nombre completo, NIF y teléfono de contacto.

El criterio de selección final de alumnos se implementará por orden estricto de recepción de solicitudes. El equipo de organización de los #EncuentrosCañadaBlanchEnElSporting se pondrá en contacto directo con la nómina definitiva de participantes para proceder con los trámites
económicos correspondientes al pago del seminario.

MAKMA

Los versos robados con admiración por Moisés Yagües

Versos robados, de Moisés Yagües
Galería Alba Cabrera
C / Félix Pizcueta, 20. Valencia
Hasta el 12 de junio de 2018

Ha robado (“la verdad es que suena mal”) versos de grandes poetas: Miguel Hernández, Caballero Bonald, Luis Cernuda, Cristina Peri Rossi, Antonio Gamoneda, Juan José Téllez, Ana Merino… Aunque lo ha hecho “con buena intención”: la de trasladar a su particular universo creativo la hondura de sus admirados poetas. De hecho, Moisés Yagües reconoce en ellos su verdadera vocación: “Más que pintor, me hubiera gustado ser poeta”. Y la verdad es que viendo su obra, diríase impregnada de ese aliento poético que tanto anhela.

A veces confundo el amor con una escalera, de Moisés Yagües. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

A veces confundo el amor con una escalera, de Moisés Yagües. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Los Versos robados que dan título al conjunto expositivo que presenta en la galería Alba Cabrera le han permitido indagar en las relaciones humanas, con esa mezcla de profundidad e ironía que caracteriza su trabajo. Si comedia es igual a tragedia más tiempo, como dice uno de los personajes de Delitos y faltas (Woody Allen), la obra de Yagües estaría atravesada de esa vis cómica, bajo cuya apariencia emerge una sutil amargura. “La vida es un poco tragicomedia”, secunda el artista murciano, que el 15 de mayo inaugura en su natal Molina de Segura otra exposición, esta vez en torno a las fronteras, realizada con la ayuda de sus alumnos de primaria.

De nuevo la poesía y la realidad, en forma de drama migratorio, dándose la mano entre una exposición y otra, y en el interior de cada una de sus obras. Un conjunto de versos robados, de cuyo proyecto seleccionó Graciela Devincenzi, responsable de Alba Cabrera, las piezas que integran la muestra. “No soy un especialista en poesía, pero he ido anotando en una libreta ideas de los poetas que leía”. Ideas que ha trasladado a su pintura, a veces partiendo de los versos y otras simplemente dejándose llevar.

Qué le voy a hacer si yo nací en el Mediterráneo, de Moisés Yagües. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Qué le voy a hacer si yo nací en el Mediterráneo, de Moisés Yagües. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

“Jugar con el lenguaje es una de las cosas que más admiro”. Un juego en el que los poetas se la juegan de tanto buscar en el interior de las palabras su esencia. “Es una cosa que no está valorada. Ningún poeta vive de la poesía, ni siquiera los que tienen una gran trayectoria”. Por eso proclama Moisés Yagües: “Los poetas son gente admirable, porque trabajan verdaderamente por amor al arte”. Un arte basado en “contar tanto con tan pocas palabras”. A rebufo de ese espíritu lacónico, pero intenso, él también juega con los colores, sus entrañables personajes y las ideas que le pasan por la cabeza, destilando un sinfín de sugerentes historias.

“Siempre intento contar algo con las imágenes y los títulos”. Imágenes protagonizadas por unos seres que quieren comunicarse entre sí, pero que hallan dificultades para hacerlo, a pesar de las escaleras y los puentes trazados entre ellos. “La incomunicación está ahí y yo creo que, a raíz de Internet y la aparente comunicación existente, incluso ha empeorado”. Y agrega: “La tecnología puede ser maravillosa en un sentido, pero en otro empobrece”. De nuevo la faz amable y su envés amargo manteniendo un pulso en su trabajo.

Es bonito el amor cuando se hace, de Moisés Yagües. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Es bonito el amor cuando se hace, de Moisés Yagües. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Hay alusiones a sus admirados poetas, pero también a la música (Serrat, Rosendo, Burnbury, Rafa Berrio) y el cine (La estrategia del caracol, de Sergio Cabrera). Y gustándole jugar con todo ello, una veces impulsado por la admiración y otras por la ironía (Enrique Iglesias y su spanglish I want to be contigo), insiste en lo difícil que es la comunicación, tanto en la vida como en su obra, reflejo de aquella. “Que dos personas lleguen a conectar y permanecer juntas es uno de los misterios de la vida”. Como misterioso, más bien trágico, es que no nos demos cuenta de lo que sucede en ese “Mediterráneo en el que nos bañamos en verano”. “Se están muriendo miles de personas y, a ese ritmo, va a ser con el tiempo una bestialidad que pasará a la historia como lo ocurrido con los nazis”. Eso sí, pese a todo, Moisés Yagües proclama: “Siempre son buenos tiempos para la lírica”. Sus Versos robados lo demuestra.

No dejes que tus ideas se pierdan en el fondo de tu cabeza, de Moisés Yagües. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

No dejes que tus ideas se pierdan en el fondo de tu cabeza, de Moisés Yagües. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Salva Torres

Estellés y Hernández, juntos por primera vez

Miguel Hernández / Vicent Andrés Estellés. La palabra toma parte
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 15 de abril de 2018

Hablaban idiomas distintos, en pueblos distintos y en un tiempo atravesado por una misma convulsión bélica, si bien igualmente distinto en cuanto a sus consecuencias. Y, a pesar de todo, les terminó uniendo un idéntico sentimiento ligado a la pasión poética. Miguel Hernández nació en Orihuela en 1910, un poco antes de que lo hiciera Vicent Andrés Estellés en Burjassot 14 años después. De manera que no llegaron a cruzar sus vidas, puesto que el poeta alicantino falleció muy pronto por culpa de una tuberculosis derivada de su estancia en la cárcel. Y, a pesar de todo…

“Per tu, amic meu, que mai no he conegut, que mai no he vist, però que et sent a prop, molt a prop meu, del meu dolor més gran”. Así reconoce Estellés a ese amigo suyo que, sin haber conocido, ni visto nunca, lo siente muy próximo, porque el dolor les hermana. La frase en valencià está extraída de la exposición Miguel Hernández / Vicent Andrés Estellés. La palabra toma parte, que el Centre del Carme acoge para unir por primera vez sus respectivos legados poéticos. Lo hace mostrando esas palabras de su honda poesía colgadas en diversas instalaciones metálicas, a modo de hierro que viene a fijarlas con vocación de eternidad.

Vista de la exposición sobre Miguel Hernández y Vicent Andrés Estellés. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Vista de la exposición sobre Miguel Hernández y Vicent Andrés Estellés. Imagen cortesía del Centre del Carme.

“Queríamos tender puentes entre estos dos grandes poetas valencianos que se expresaron en las dos lenguas oficiales de la Comunitat Valenciana”, señaló José Luis Pérez Pont, director del Consorcio de Museos. Rubén Trenzano, director general de Política Lingüística, incidió en esa misma coexistencia del valencià y el castellano, poniendo en valor a quienes enriquecieron ambas lenguas con su brillante poesía: “Hemos sido capaces de poner en valor en una misma exposición a nuestros dos poetas más importantes del siglo XX”.

“Hay temas comunes como la vida y la muerte, la naturaleza. Intentamos recuperar el ambiente en el que vivieron; la quintaesencia de su poesía”, apuntó Carmen Alemany, comisaria junto a Vicent Salvador y Nacho París, de la exposición que permanecerá en la Sala Refectori del Centre del Carme hasta el 15 abril. “Queremos que sea itinerante”, destacó Pérez Pont, teniendo previsto que se exponga en los municipios natales de ambos poetas. “Hablaron dos idiomas distintos pero de una manera fraterna”, incidió Alemany, como diferencia que les unió en lugar de mantenerlos separados en los compartimentos estanco de sus respectivas lenguas.

“La intención era hacer visible la poesía, por eso no queríamos una exposición al uso bibliográfico, sino que las palabras nos entren”, explicó París, encargado del montaje expositivo, repleto de fotografías, poemas, ejemplares de la revista Hoja de España, carteles de Renau, un libro escultura de Jaume Plensa y diversos audiovisuales. “Son dos poetas que no vivían en su torre de marfil, sino que eran parte de su tiempo”, precisó París.

Vista de la exposición sobre Miguel Hernández y Vicent Andrés Estellés. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Vista de la exposición sobre Miguel Hernández y Vicent Andrés Estellés. Imagen cortesía del Centre del Carme.

“Aquella mort que no trobava terme”, señala Estellés en uno de los poemas impresos como si fueran hierro candente. “Las palabras tienen peso, no se las lleva el viento”, afirmó Pérez Pont, para subrayar la importancia de esa poesía cuya lectura puede propiciar cambios en la vida. “Mis abarcas heladas, mis abarcas desiertas”, se puede leer en otro de los poemas, esta vez de Miguel Hernández, quien a su vez dice: “Agredimos al tiempo con la feliz cigarra”. También: “El hombre acecha al hombre”.

Este último pensamiento, que evoca a Hobbes (el hombre es un lobo para el hombre), da fe de la propia experiencia en la cárcel, motivada por sus ideas políticas y su resistencia a la guerra. “Queríamos traer la poesía al presente; la poesía a los días de hoy”, subrayó París. Vicent Andrés Estellés y Miguel Hernández eran “hombres comprometidos”, destacaron los responsables de la exposición, de manera que su poesía, a ras de suelo, pedía a gritos esa forma de exponerla.

La muestra, organizada en seis módulos o estructuras portátiles que vienen a sostener las intensas y emotivas palabras de ambos poetas, recoge el contexto histórico, una pequeña biblioteca elocuentemente titulada La paraula encesa en una mà, así como otros paneles que vienen a hacerse eco de esa búsqueda de la palabra precisa que les atormentaba. Un mural audiovisual relaciona finalmente el trabajo de Estellés y Hernández con otras formas de producción cultural. Juntos por primera vez, Miguel Hernández y Vicent Andrés Estellés dialogan en el Centre del Carme sobre el amor, la vida y la muerte de la que se nutrieron mutuamente.

Estellés y Hernández

Vista de la exposición sobre Vicent Andrés Estellés y Miguel Hernández. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Salva Torres