La memoria melanítica de la XXX Semana Negra de Gijón

XXX Semana Negra de Gijón
Antiguo astillero de naval de Gijón
Del 7 al 16 de julio de 2017

Con cronológica regularidad estival, el antiguo astillero naval de Gijón acoge la trigésima edición de la Semana Negra, vertebrando un cronograma de diez jornadas que transitan desde el inmediato viernes 7 al domingo 16 de julio de 2017, a través de las que conmemorar implícitamente tres décadas erigidas en referencia del mapa noir peninsular y transoceánico, a partir de cuyos mimbres el festival literario se ha ido nutriendo de territorios y extremidades consanguíneos al género negro y consolidando una morfología excepcional que responde a todas las acepciones del término.

Miembros de la organización de la Semana Negra y representantes institucionales junto al cartel de su trigésima edición, obra de Carme Solé Vendrell, durante el encuentro con los medios celebrado en la Carpa del Encuentro. Fotografía: Merche Medina.

Miembros de la organización de la Semana Negra y representantes institucionales junto al cartel de su trigésima edición, obra de Carme Solé Vendrell, durante el encuentro con los medios celebrado en la Carpa del Encuentro. Fotografía: Merche Medina.

En un encuentro con los medios en la ‘Carpa del Encuentro’, aún con los paños menores propios de las ultimaciones del montaje, José Luis Paraja -director del comité organizador- y Ángel de la Calle -director de contenidos del festival- han rubricado los definitivos acentos que conformarán la presente edición, en compañía institucional de Jesús Martínez Salvador -concejal de Turismo del Ayuntamiento de Gijón- y de José Ramón Tuero -Director General de Deporte en el Gobierno del Principado de Asturias-, amén de la presencia de Monserrat López -concejala de Cultura- y diversos representantes políticos de la ciudad, como Mario del Fueyo -XSP-, Aurelio Martín -IU-, Lara Martínez y José María Pérez -PSOE- y Joaquín Merediz -Ciudadanos-.

Provisto con el lirismo propio que reporta la efeméride del presente julio, José Luis Paraja ha apelado a los vestigios, al pulso de la memoria asentada bajo el curso de veintinueve ediciones, recordando que el noir “era un género sin consolidar y en busca de espacio”, allá por 1988, año en el que se incoaba un encuentro que ha contemplado una “diáspora de festivales” ulteriores, ramificados como “hijos de la Semana Negra”.

Quizás por ello (e igualmente fruto de las incertidumbres y vicisitudes económicas que han singularizado los últimos meses), la programación prevista pretende “emular aquel espíritu”, invitando a referentes del género que entonces principiaban, como Juan Madrid o Lorenzo Silva, quienes se aventuraban por el territorio en compañía de un ignoto Leonardo Padura, convertido en la actualidad en paradigma indubitable que “aquí encontró su camino”.

Imagen del poeta asturiano Ángel González, fallecido en 2008, a quien la Semana Negra rinde homenaje, Fotografía cortesía del festival.

Imagen del poeta asturiano Ángel González, fallecido en 2008, a quien la Semana Negra rinde homenaje. Fotografía cortesía del festival.

Uniformada con la melanítica ilustración de Carme Solé Vendrell -quien firma el cartel del presente año- y los tejados de la incertidumbre sobre los que toca el violín el emblemático Rufo -gestado por el diseñador Kike Herrero-, la XXX Semana Negra de Gijón traza un horizonte de un centenar de actividades con el sello de más de ciento treinta autores nacionales e internacionales -mayoritariamente de habla hispana-, con los que procurar una aproximación a diversos órdenes temáticos, tales como la justicia en la novelística negra -con Carlos Quílez y Graciella Moreno Graupera-, la ecología, el medioambiente y el cambio climático -con Euginio Fuentes y María Inés Krimer, entre otros-, la ciencia ficción y la fantasía -entre los que destacan con emergencia Miguel Aguerralde y Alberto Caliani-, así como la novela histórica -en compañía de Javier Azpeitia o Luis García Jambrina- y la fonética internacional de Sophie Hénaff o Cecilia Ekbäck.

La prosodia que nutre el género negro latinoamericano se encontrará representada por imprescindibles e ínclitos como Paco Ignacio Taibo II -creador y director in arsentia de la Semana Negra-, Tatiana Goransky, Fernando López -responsable del festival argentino Córdoba Mata-, Vladimir Fernández o Jorge F. Hernández, quienes procurarán compañía literaria a representantes de la literatura oriunda de Asturias -como Alejandro M. Gallo, Miguel Barrero, Pilar Sáncehz Vicente o Julio Rodríguez- y del consagrado orbe peninsular -como Rosa Montero, Ramón Pernas, Marta Robles o los mencionados Juan Madrid y Lorenzo Silva-.

El pulitzer asturiano Javier Bauluz refrenda un nuevo ‘Encuentro de Fotoperiodismo’, mientras que cuarenta originales producidos en Francia, Argentina, Gran Bretaña y España -gestados por Marika Vila, Susanna Martín o Iñaki Echeverría- posibilitan la exposición ‘Visualizando el maltrato: la violencia de género en el cómic’. Por su parte, los poetas Carlos Salem y Escandar Algeet, acompañados de Olaia Palacios, María Nieto y Andrés Treceño, procuran la lírica sabatina y nocturna habitual a una Semana Negra que, memoria mediante, rinde homenaje a la figura y vestigios del vate asturiano Ángel González, quien durante las venturosas ediciones de mediados de los noventa posibilitó la injerencia de su voz poética, tan radiográfica como los meandros dipsómanos y prosaicos del género.

De este modo, la XXX Semana Negra de Gijón, uniformada con el mixto overol de la cultura popular se asienta durante diez jornadas “en un erial convertido en una celebración cultural” que “nunca ha perdido de referencia el contexto social ni el compromiso” y determina su propedéutica con la “tentación de mirar atrás” para refrendar la idiosincrasia de su presente.

Miembros de la organización de la Semana Negra y representantes institucionales frente a la figura de Rufo, durante el encuentro con los medios celebrado en la Carpa del Encuentro. Fotografía: Merche Medina.

Miembros de la organización de la Semana Negra y representantes políticos e institucionales frente a la figura de Rufo, durante el encuentro con los medios celebrado en la Carpa del Encuentro. Fotografía: Merche Medina.

Jose Ramón Alarcón

 

Géneros de la técnica y el espanto en ‘Arquitectura y Terror’

‘Arquitectura y Terror’, nº8 de la revista Canibaal
Colegio Mayor Rector Peset
Horno de San Nicolás 4, Valencia
Viernes 26 de mayo de 2017 a las 19:30

La revista valenciana Canibaal (Revista de Arte, Literatura y Filosofía del colmillo) presenta el viernes día 26 de mayo su octavo número, dedicado en esta ocasión a una sugerente doble temática: ‘Arquitectura y Terror’. Como ya viene siendo habitual, la presentación tendrá lugar en el Colegio Mayor Rector Peset de Valencia (Plaza del Horno de San Nicolás, 4), situado en pleno dentro del barrio de El Carmen. El acto dará comienzo a las 19:30.

Canibaal. Makma

Inma Coll (imagen de cubierta), Jesús Palacios, José Luis Jover, Juan Francisco Ferré, Bárbara Traver, Susi Lizondo o Álvaro Colomer son solo algunos de los más de 50 colaboradores (artistas plásticos, fotógrafos, pensadores, poetas y escritores) que han participado en un número en papel de más de 150 páginas. Se ha reflexionado de forma interdisciplinar sobre vanguardia, crisis y actualidad de la arquitectura, literatura y arte que tienen al terror como principal motivo y, finalmente, sobre algunas de las inquietantes intersecciones clásicas entre ambos temas: la mansión gótica, la Torre de Babel, el monumentalismo, con especial atención a confluencias actuales no exentas de una mirada crítica en términos sociales, morales y estéticos: los nuevos «muros», los campos de refugiados, la pervivencia de construcciones vinculadas a los totalitarismos.

Encrucijadas y confluencias que abarcan un número imaginativo de episodios y referentes: del cine de Hitchcock a Birdie de la Compañía Señor Serrano, Guantánamo, la valla de Melilla, casas del bosque, albergues incendiados en el corazón de Europa, el hotel Overlook (El Resplandor), la casa de los Usher de Poe, el «no lugar» del antropólogo Marc Augé, las ruinas, King Kong en la cumbre del Empire State y muchos otros.

Imagen del ínclito Hotel Overlook, edificación protagónica de 'El Resplandor' (Stanley Kubrick, 1980).

Imagen del ínclito Hotel Overlook, edificación protagónica de ‘El Resplandor’ (Stanley Kubrick, 1980).

Se consagra la polémica sección de crítica del delegado en España de FIPRESCI, Oscar Peyrou, sobre películas que no ha visto, el ensayo, la poesía y los ecos que el doble leitmotiv del número suscita en los ámbitos artístico, literario, musical y cinematográfico, así como las nuevas secciones de pensamiento con reflexiones en clave feminista (la metáfora del «techo de cristal») y socioeconómica: suburbans, Lager, espacios de ocio de acuerdo con la crítica ya clásica de Marcuse, metáforas arquitectónicas y clases sociales (J. G. Ballard), los Centros de Internamiento de Extranjeros o las Torres Gemelas de Nueva York.

Fotograma de la película 'King Kong' (Cooper & Schoedsack, 1933), aupado sobre el Empire State Buiilding de Nueva York.

Fotograma de la película ‘King Kong’ (Cooper & Schoedsack, 1933), aupado sobre el Empire State Buiilding de Nueva York. 

Poesía a la escucha

Voces del Extremo. Poesia i Escolta
Barrios de Zaïdia, Carmen, Cabanyal y Benimaclet. Valencia
Del 28 al 20 de abril de 2017

El último fin de semana de abril tendrá lugar por primera vez en Valencia el encuentro Voces del Extremo. Bajo el epígrafe ‘Poesía y escucha’ pretende crear un encuentro, que no festival, entre movimientos sociales de la ciudad, teniendo lugar los días 28, 29 y 30 de abril en los barrios valencianos de Zaïdia, Carmen, Cabanyal y Benimaclet.

Esta convocatoria nace de la inquietud de un grupo de poetas de la ciudad para hacer un alto en el camino y reflexionar sobre el papel de la poesía y del arte en la sociedad actual. Como señalan en su manifiesto: “Sin poemas en la lengua: hemos llegado a la conclusión, después de tantos recitales de poesía, después de tanta poesía de la conciencia crítica, después de tanto canon y egos siempre inoportunos, que ya no hacen falta más poetas”.

Pancarta en la Avenida del Cid de Valencia. Imagen cortesía de Voces del Extremo.

Pancarta en la Avenida del Cid de Valencia. Imagen cortesía de Voces del Extremo.

Durante el año 2008 apareció colgada de uno de los puentes de la Avenida del Cid en dirección hacia Madrid, una pancarta con un poema de Antonio Orihuela. Esta intervención anónima sirvió para que “fuese el poema más leído de la literatura contemporánea”, bromea el poeta Enrique Falcón en el acto de presentación del Encuentro que se celebró en el contexto de la 17ª Mostra del Llibre Anarquista de Valencia la primera semana de abril de este año.

Dentro de este acto, vecinos y miembros de la Asamblea de Voces del Extremo Valencia pintaron una nueva pancarta con el poema de Antonio Orihuela que acompañará los actos principales de este fin de semana a modo de mantra espiritual o declaración de intenciones.

Los encuentros de poesía de Voces del Extremo nacieron en los años 90 en Moguer (Huelva), con el objetivo de servir como espacio para la conexión de prácticas poéticas con el establishment cultural y artístico del momento. Lo que hoy en día se ha pasado a llamar ‘Poesía de la Conciencia Crítica’, que en la ciudad de Valencia ha estado muy presente siempre, nace de aquellos modestos hermanamientos de poetas en la localidad de Juan Ramón Jiménez.

A lo largo de estos casi veinte años se han celebrado otras ediciones del Encuentro también en Logroño, Madrid, Tenerife entre otros. Pero los poetas de la Asamblea de Valencia quieren dar un giro, según el análisis que llevan realizando desde el mes de octubre, a esos encuentros: un espacio de poetas para poetas.

Haciendo una crítica de la desconexión de la poesía con la realidad actual, cuestionó si la poesía y el arte en general acompañan las luchas sociales y políticas que se están dando en la actualidad en nuestras calles. Es decir, repensar la pregunta de siempre y plantearla desde unas coordenadas culturales, físicas y políticas diferentes.

Desde la Asamblea valenciana de Voces del Extremo se llegó a la conclusión que había llegado el momento de escuchar. Que los poemas y los poetas empiecen a poner en práctica su labor, que consiste, desde su punto de vista, uno de los trabajos más urgentes que ha de imperar en cualquier práctica cultural, poética y/o política actual.

Cartel del encuentro Voces del Extremo. Imagen cortesía de la organización.

Cartel del encuentro Voces del Extremo. Imagen cortesía de la organización.

Es por esto, que desde hace meses se empezó a dar forma a este experimento: la poesía como excusa para la creación de un espacio de encuentro político y personal, un mecanismo para la vinculación. Al mismo tiempo que esa práctica de llevar el arte a la realidad a pie de calle, ofrezca una clave para poder proyectar algún tipo de propuesta cultural políticamente honesta.

El contacto con movimientos sociales y vecinales ha sido la tarea principal desde la organización del encuentro. Estos colectivos y asociaciones ofrecerán, no sólo el espacio donde trabajan, sino su participación activa en torno a los debates y lecturas programados. En la práctica, todo esto se traduce en un Encuentro donde no habrán recitales, propiamente dichos, sino Rutas de la Escucha y Recitales/Asamblea.

Esta edición de Voces del Extremo será itinerante dentro de la ciudad de Valencia. Partiendo desde Ciutat Vella los participantes se acercarán a los diferentes barrios de la ciudad donde los colectivos colaboradores los introducirán en las problemáticas de cada uno de los barrios, cuáles son sus líneas de lucha y cómo se organizan en su día a día.

Serán en los trayectos del tranvía donde tendrán lugar lecturas poéticas improvisadas, y durante las tardes del sábado y domingo se realizarán recitales/asamblea donde los diferentes colectivos y público en general podrán debatir sobre un corpus de poemas predeterminado en formato libro que se distribuirán antes de cada recital entre los asistentes. Y para no dejar a los más pequeños fuera de este experimento se ha creado el Espacio Vocecitas.

No hay autores invitados ni cabezas de cartel, únicamente los poetas que se han sumado a la invitación general de participar como escuchadores. En total hay unos cien poetas de todo el Estado Español confirmados. Los únicos nombres destacados serán los de los poetas valencianos Antonio Martínez i Ferrer (Alzira, 1939) y Marc Granell (València, 1953), que serán homenajeados antes de los recitales/asamblea durante el sábado y domingo.

Con nombre propio también participan el Niño de Elche, que tituló su álbum del 2015 ‘Voces del Extremo’, refiriéndose a los Encuentros de Moguer, que hará llegar un pregón desde Atenas; y el artista visual Isaías Griñolo, que documentará esta edición valenciana para una exposición titulada ‘Notificaciones’ que se realizará en el Centre del Carme a partir de mayo.

 

La dificultad de ser uno mismo

Círculo íntimo. El mundo de Pepe Espaliú
IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Hasta el 26 de marzo de 2017

“Todo arte procede de terroríficos fracasos y terroríficas necesidades que tenemos. Trata de la dificultad de ser uno mismo”. Lo dice Louise Bourgeois en la antesala de la exposición ‘Círculo íntimo. El mundo de Pepe Espaliú’, que sin duda es aplicable al propio artista homenajeado por el IVAM. “Algunos creen que el arte es una forma de entender el mundo. En mi caso, siempre fue la manera de no entenderlo, de no oírlo”, comenta Espaliú en esa misma antesala. De manera que Espaliú persona y Espaliú artista se dan la mano en esa obcecación por hacerse un hueco en un sistema social “impuesto del que estamos excluidos [los homosexuales] con el que nada tenemos que ver”, apostilla.

Círculo íntimo. El Mundo de Pepe Espaliú. Imagen cortesía del IVAM.

Círculo íntimo. El Mundo de Pepe Espaliú. Imagen cortesía del IVAM.

José Miguel Cortés, director del IVAM, resumió el quehacer artístico de Espaliú, ligado a su intensa vivencia personal, como atravesado por “una profunda soledad”. Soledad que atraviesa las 75 obras expuestas en la Galería 1 a modo de círculo, que arranca con referencias a Bourgeois, Cristino de Vera, Robert Mapplethorpe, Marcel Mariën o Joan Brossa, y finaliza con las jaulas que evocan de nuevo a Bourgeois y sus celdas, sin caer en lo siniestro de la artista francesa. “No tiene una visión pesimista, sino que habla de la capacidad de liberación del ser humano”, explicó Cortés.

Fallecido prematuramente a causa del sida con tan sólo 38 años, Pepe Espaliú (1955-1993) hizo de la enfermedad no un estigma, sino un acicate para reivindicar mediante el arte (“mi gran coartada”) su “diferente forma de ser y de amar”, como señaló el propio artista. Diferencia de la que se empapó su corta pero intensa trayectoria, caracterizada por lo “poético y reivindicativo”, subrayó Cortés. Reivindicación más que política “micropolítica”, porque, según precisó el director del IVAM, Espaliú se centró en lo que afecta a nuestras vidas, “pero no de un modo panfletario”. “No grita, sino que lo dice todo con silencios y soledades”, agregó Cortés.

Rumi, de Pepe Espaliú. Imagen cortesía del IVAM.

Rumi, de Pepe Espaliú. Imagen cortesía del IVAM.

La celebración del Día Mundial del Sida (1 de diciembre) y la inauguración de la muestra de Pepe Espaliú no fue pura coincidencia, sino un acto premeditado de homenaje del IVAM a su figura. “Entendemos que su obra no está circunscrita al sida, sino que se refiere a cualquier enfermedad” y al dolor “ya sea físico o psicológico”. Por eso  hay muletas, que lejos de sostener el cuerpo malherido dificultan su andadura dada la pesadez de la pieza, máscaras y caparazones, a modo de refugio frente a esa sociedad “que no nos concierne”, escribe el artista, ni políticamente ni desde el modelo religioso reaccionario contra la homosexualidad.

“Extraña contradicción: dibujar ausencias, definiendo así la más entera presencia”, señala Espaliú poéticamente. Ese tenso diálogo entre lo ausente y lo presente atraviesa igualmente la exposición, dibujando ese círculo en el que parece atrapado el artista que se atrevió a revelar públicamente haber contraído el sida, en unos años en que la enfermedad era objeto de oprobio. “Su obra es un canto a la libertad”, sostuvo Cortés, quien explicó el sentido de las jaulas que cierran el recorrido expositivo como fruto de un encierro siempre abierto.

Círculo íntimo. El mundo de Pepe Espaliú, en el IVAM.

Círculo íntimo. El mundo de Pepe Espaliú, en el IVAM.

En el video ‘El nido’, Espaliú se va despojando de su ropa hasta quedarse desnudo para construir en lo alto de un árbol el nido al que alude el audiovisual. Un nido apegado a la naturaleza íntima y contradictoria de un artista que veía en la desnudez cierta verdad primigenia, de ahí su malestar en la cultura. Y en ‘Carrying’, el artista es transportado en brazos por diferentes parejas de personas, en una acción reivindicativa de denuncia contra quienes marginaban a los enfermos de sida. Al final del trayecto, realizado descalzo, toma tierra mostrando su fragilidad y su fuerza, ya que en la acción desarrollada en su día en Madrid terminó abriendo con sus pies desnudos las puertas del Museo Reina Sofía donde concluía el recorrido.

Toda la obra de Pepe Espaliú se halla movilizada por esa fragilidad del individuo inadaptado socialmente, que encuentra en el arte una forma de mostrar su extrañeza, la dificultad de la que habla Bourgeois de ser uno mismo. Dificultad que, en palabras del propio Espaliú, tenía mucho que ver con el límite existencial “que siempre rondé sin conocerlo del todo”.

Tres jaulas de Pepe Espaliu. Imagen cortesía del IVAM.

Sin título (Tres jaulas), de Pepe Espaliu. Imagen cortesía del IVAM.

Salva Torres

‘Paterson’. Tras la razón poética de Jarmusch

‘Paterson’, de Jim Jarmusch
Estreno en España: 7 de diciembre de 2016
Cines Babel
Vicente Sancho Tello 10, Valencia

Atendiendo a un devenir cinematográfico tan hiperbólicamente subjetivo -por oposición a la tendenciosa razón ecuménica- como el que porta el talludo y elevado director Jim Jarmusch, no debe desatenderse ápice alguno de aquellos elementos/destellos que conforman el desarrollo, no sólo de su formación como cineasta, sino de su ubicación en el mapa de los diletantes confesos.

De las gélidas, pioneras e industriales tierras de Ohio hasta la Universidad de Columbia en el Alto Manhattan -”In lumine tuo videbimus lumen”- se cubren apenas 700 kilómetros y veinte años de errática evolución académica en la biografía de Jarmusch, cuyas inquietudes primigenias desembocan en su constitución como poeta novel, co-editor de la revista literaria ‘The Columbia Review’ y avezado alumno de Kenneth Koch, quien, junto a otros coetáneos vates como Frank O’Hara, John Ashbery y Ron Padgett, verbigracia, formaría parte de la nómina de disolutos miembros de la denominada Escuela de Nueva York, insurrecta y antiacademicista propalación de un nuevo horizonte poético, de ineludibles imbricaciones (a mi juicio, más geográficas y cronológicas que proposicionales) con los egregios iconos del expresionismos abstracto -Pollock, Kline, de Kooning, etc- durante la década de los cincuenta del siglo pasado.

Paterson. Makma

De este modo, ‘Paterson’ -duodécima película del director, amén de sus dos incursiones en el género documental- no podría concebirse sin tales antecedentes en la heterodoxa instrucción de Jarmusch, en tanto que el filme responde a aquellos influjos y concluye erigido en una proposición poética de 113 minutos, en la que morfología y sintaxis audiovisual propician el objeto semántico.

Si la Escuela de Nueva York se desabrigaba de ortodoxias y temáticas formales, propias de la literatura anglosajona hasta mediados del siglo veinte, y focalizaba su atención en nuevos referentes adheridos a la cotidianidad como vehículo de información desestructurante de la existencia urbana, Jarmusch consuma con ‘Paterson’ una contumaz (y anestésica) elevación contemporánea de tales planteamientos estructurales, hallando en la sobria reiteración -con progresivas y comedidas variaciones- un lúcido y personalísimo modo de propiciar una lírica de lo cotidiano.

Paterson. Makma

No por insospechables motivos ‘Paterson’ germina en ciudad y protagonista homónimos y ramifica su discurso en base a sucesivas secuencias, en apariencia, pleonásticas. Para profundizar en los libérrimos dictados de Kenneth Koch, O’Hara y compañía y, por ende, en el aprendizaje discipular y poético de Jarmusch, se antoja indispensable recurrir a la figura del escritor neojerseíta William Carlos Williams -arbotante del filme y oportunamente referido en una de las escenas que conforman el decisivo epílogo de la película-, celebrado autor del imagismo norteamericano, cuya obra poética viene a situarse como paradigma de experimentación, implementando el verso escalonado o el pie variable, en obsesiva búsqueda por capturar formalmente el ritmo y la prosodia del lenguaje norteamericano, rubricando en los cinco volúmenes de su monumental poemario ‘Paterson’ un compendio de estilos y géneros prácticos, sirviéndose del collage, las misivas personales, entrevistas y textos en prosa, para capturar el acento diacrónico de la ciudad y de sus habitantes. Un tipo de gravedad asentada sobre el proceso mismo de la creación que igualmente se posibilita en la película de Jarmusch.

Tal vez, para un espectador/lector hispanohablante será tarea casi infructuosa e insípida aproximarse o pretender aprehender la traducción de los elementos estilísticos que constituyen la literal prosodia poética de ‘Paterson’ y baste, además de dejarse inocular por el narcotizante sístole de imágenes y acontecimientos, escuchar los inconclusos versos leídos en voice over al ritmo del proceso por Adam Driver -escritos por el referido Ron Padgett-, quien encarna al personaje de Paterson, cuya ciudad principia y termina siendo epónima del protagonista y territorio para extraer la belleza mínima que mora en el universo de lo consuetudinario, situando a los personajes y al resto de elementos de este particular microcosmos como significantes últimos de la razón poética que habita, definitivamente, en la forma.

Paterson. Makma

Jose Ramón Alarcón

 

 

 

 

 

 

 

 

“Me gusta el silencio de la poesía”

Travesía, de Lola Andrés
Ediciones Contrabando

Escribía Silvia Plath en sus diarios, de reciente publicación, que “los poemas son monumentos a algunos instantes”. Para Lola Andrés la poesía es un estado natural, una forma de ser, de sentirse en el mundo y relacionarse con los demás. “No me tienta escribir en otro género”, dice. “La poesía es mi canal de comunicación con los demás. El hecho de que sea un género minoritario tampoco le resta un ápice de entusiasmo y de riesgo. Me gusta su silencio y a la vez el alto tono con el que significa la realidad”.

Tras ‘Moléculas y astros’, ‘Jocs de llum’, ‘Materia’, ‘Pendiente del aire’ y ‘Cielo líquido’, aparece ‘Travesía’ (Ediciones Contrabando), un libro que nace y se escribe al tiempo que ‘Cielo líquido’, editado por Amargord en 2015.  “Con éste  he ido un poco más allá, permitiéndome licencias que no suelen aparecer o que no están bien consideradas en poesía”, señala Andrés. “Se trata del trayecto de una criatura consternada, mutante, a la que su “tiempo” expulsa. Durante ese viaje asiste al hundimiento de su entorno y acaba ocultándose. También hay una llamada al amor y a la belleza”.

Cubierta de 'Travesía', de Lola Andrés.

Cubierta de ‘Travesía’, de Lola Andrés.

En el prólogo del libro el poeta José Luis Falcó trenza el hilo de Ariadna que guía al lector por el laberinto. La escritura del cuerpo, de la restauración del instinto con la finalidad de comprenderse, el eco de otras voces, la evocación de la infancia, el duelo por las pérdidas.

“Cambia la escritura como cambia la vida”, dice Andrés sobre su evolución en los veinte años que lleva consagrada a la poesía. “Ahora el poema se despoja más de artificios innecesarios. La lectura y la escucha son sabias compañeras en el proceso de la escritura.  Aunque no reniego de ninguno de mis libros”.

Cubierta de 'Jocs de Llum', de Lola Andrés.

Cubierta de ‘Jocs de Llum’, de Lola Andrés.

Escritora en español y valenciano comenta: “Acepto con naturalidad este bilingüismo. Amo profundamente el valenciano, aunque mi lengua materna sea el castellano. En su momento, cuando apareció ‘Jocs de llum’ en Bromera, me planteé esta disyuntiva, sobre todo porque una lengua minoritaria necesita más atención, más visibilidad. Pero con el tiempo y de manera natural, también escribía en la otra. De manera que habitualmente tengo en danza poemas en valenciano y en castellano. Que salgan editados en una lengua u otra depende de factores externos”.

Nacida en 1961 y licenciada en Filología por la Universitat de València, Lola Andrés ha recibido premios como el Gerardo Diego o el Alfons el Magnànim.  Ha traducido al castellano Atlas, de Pere Salinas y Joan Navarro. Ha colaborado en diferentes revistas siendo incluida en diversas antologías. Sus poemas han aparecido en publicaciones nacionales e internacionales y ha formado parte de proyectos interdisciplinarios: poesía, música, danza y pintura. Por ejemplo, la exposición ‘Ángulos del vacío’, en el Centre del Carme, con el pintor Pere Salinas y las pintoras Carolina Ferrer y Encarna Sepúlveda. También formó parte del proyecto SonEn4 junto la violinista Ester Vidal, la viola Pilar Parreño y la artista en arte sonoro, Ramona Rodríguez, que  realizó una potente propuesta de videoarte para la presentación de Travesía.

También ha traducido  parte de la obra de Joan Navarro al español. “Su poesía es de una calidad altísima”, afirma, “aunque a veces es difícil el reajuste a otra lengua, lo tengo a él para consultar dudas”

Andrés considera que “la poesía goza de una salud espléndida”. Tanto la catalana contemporánea como la que se escribe en español o en otras lenguas “tiene nombres en mayúscula como Louise Glück, Joan Navarro, Chus Pato, Antonio Gamoneda u Olvido García Valdés, por citar algunos. Habrá quien diga que hay pocos filtros, que las redes sociales son un saco donde cabe todo. Sí, pero esto no es malo, a mi juicio, el buen lector es sabio y elige, siempre elige”

“En Valencia, añade, “se está haciendo una poesía espectacular. Me interesan especialmente poetas como José Luis Falcó, Antonio Cabrera, Víktor Gómez, Maria Josep Escrivà, Mar Benegas, Anna Montero, Antonio Méndez Rubio, Laura Giordani o Joan Navarro. De entre los más jóvenes, Rubén Luzón, Lucía Boscà o Luci Romero. Y se me quedan en el tintero una barbaridad”, concluye Lola Andrés.

Lola Andrés. Imagen cortesía de la autora.

Lola Andrés. Imagen cortesía de la autora.

Bel Carrasco

Un alumbramiento de vértigo

Ángulos del vacío, de Carolina Ferrer y Encarna Sepúlveda
Centre del Carme
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 5 de febrero de 2017

“Muy inquietante y desasosegante”, acertaron a decir dos jóvenes cuando Carolina Ferrer y Encarna Sepúlveda les preguntaron acerca de la instalación que recoge el título del conjunto expositivo: ‘Ángulos del vacío’. Y no es para menos. Los 16 módulos cuadrangulares, dispuestos sobre un gran espejo, iluminados como grandes luciérnagas en la noche cerrada, desconciertan. De manera que el alumbramiento de la primera instalación que juntas realizan, después de compartir estudio durante años y trayectorias por separado, resulta de vértigo. Un vértigo que asumen como parte intrínseca del propio proceso creativo.

“La verdadera herramienta del artista es la incertidumbre”, comentan. Incertidumbre nacida del mismo instante en que la comisaria Isabel Justo les propuso la realización de la que a la postre ya es su primera exposición conjunta. Y visto lo visto, exclaman: “¡No concebimos cómo no se nos ha ocurrido antes!” Lo cierto es que ahí está, invitando al espectador, en la Sala Refectorio del Centre del Carme, a perderse por el infinito túnel de geometría y luz que Sepúlveda y Ferrer construyen a modo de inquietante sueño.

Instalación de Carolina Ferrer y Encarna Sepúlveda en 'Ángulos del vacío'. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Instalación de Carolina Ferrer y Encarna Sepúlveda en ‘Ángulos del vacío’. Imagen cortesía del Centre del Carme.

“Queremos que el espectador se sienta inmerso en otro mundo”. Siguiendo a Paul Éluard, que dijo aquello de “hay otros mundos, pero están en éste”, las artistas ensayan en ‘Ángulos del vacío’ a sentir esa experiencia. Lo hacen sumando sus respectivos lenguajes: más geométrico, lineal, poblado de repeticiones, en el caso de Encarna Sepúlveda, y más lumínico, alentando cierta poética del vacío, en el caso de Carolina Ferrer. De ahí que, sumadas ambas visiones, a la poetisa Lola Andrés se le ocurriera el título que ha dado forma a la exposición realizada ex profeso para las salas Refectorio y Contrafuertes. Suyos son, al mismo tiempo, los poemas que acompañan la muestra.

“La instalación no tiene fin y posibilita múltiples puntos de vista”, explican a pie de obra. Esa multiplicación obedece al modo en que ha sido concebida tan enriquecedora fusión de elementos. Y en semejante marco. “Lo gótico y lo futurista conviven felizmente”. De manera que el Refectorio del Centre del Carme, al tiempo que remite a una época pretérita, se proyecta hacia delante estirando ese tiempo como suele hacerse en los mejores sueños y las peores pesadillas. “En el arte no hay propósitos, sino descubrimientos. Los artistas no sabemos lo que buscamos”, explican ambas artistas.

Esos descubrimientos, alumbrados en la exposición tras hurgar en lo desconocido (el propio ensamblaje de sus respectivas trayectorias), convierten ‘Ángulos del vacío’ en una experiencia creativa en toda regla. Experiencia ofrecida al espectador con la intención de “hacerle sentir algún tipo de emoción”. Para ello, se hace necesario, dicen, “dejarse embargar” por la instalación, que “ha de verse en soledad”. Porque Ferrer y Sepúlveda conciben así el arte, como un acto que “requiere contemplación y un ejercicio lento de asimilación”.

Carolina Ferrer (izquierda) y Encarna Sepúlveda (en el centro hablando), con José Luis Pérez Pont, director del Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana, entre ambas, durante la presentación de 'Ángulos del vacío'. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Carolina Ferrer (izquierda) y Encarna Sepúlveda (en el centro hablando), con José Luis Pérez Pont, director del Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana, entre ambas, durante la presentación de ‘Ángulos del vacío’. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Esa lentitud, en una sociedad agitada por las prisas y la “sobredosis informativa, icónica”, ya es de por sí un acto de resistencia. “Sí, pensamos que es un ejercicio de resistencia, porque te obliga a entrar en un espacio regido por otros parámetros”. Y aunque el espectador tiene siempre la última palabra, se atreven a decir: “Ojalá tuviera nuestra obra el poder de sugerir, evocar, formular preguntas” y, en última instancia, “suscitar la reflexión”. En todo caso, como dijeron los jóvenes que en ese momento observaban la instalación, “impresiona”.

Es a partir de esa impresión que la obra de Sepúlveda y Ferrer puede dar pie a la reflexión. Para ello sólo es necesario sumar el espejo, a modo de profundas aguas, la repetición de los módulos cuadrangulares, la intensa y cautivadora luz de las fluorescentes y el reflejo que producen conjuntamente la “sensación de abismo”, a la que aluden las propias artistas. Abismo hacia el mundo telúrico vertical y hacia el espacio infinito horizontal que remite al sueño o la pesadilla.

Instalación de Carolina Ferrer y Encarna Sepúlveda en 'Ángulos del vacío'. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Instalación de Carolina Ferrer y Encarna Sepúlveda en ‘Ángulos del vacío’. Imagen cortesía del Centre del Carme.

-¿A ti qué te sugiere?, cuestionan ahora las artistas.

-Me viene la secuencia final de ‘La dama de Shanghai’, en la que un desencajado Orson Welles dispara contra sucesivos espejos intentando matar a su antagonista reflejado en multitud de cristales. La sensación, tan contemporánea, de fractura del yo dada la dificultad para construir una identidad que ya no es uniforme.

Y vuelven a evocar la tarea del espectador, a quien corresponde interpretar su obra. “Como autoras, no disponemos de más respuestas que los espectadores”, subrayan. Además, explican que a la hora de producir son “lentas”, porque controlan mucho el proceso. Aún así, atesoran una larga trayectoria artística, representada en numerosas colecciones y jalonada de premios. Trayectorias que ahora desembocan en su primera exposición común y su primera instalación. Carolina Ferrer ya tuvo una experiencia similar antes, mientras que para Encarna Sepúlveda es su estreno, aunque no dudan a la hora de señalar el buen sabor de boca que les ha dejado tan feliz descubrimiento.

“Sí, pensamos repetir, seguir haciendo nuevas instalaciones”. Como piensan seguir ahondando en la creación: “Es lo que nos da vida”, apuntan iluminadas por la cercanía de su más reciente instalación y por la propia pasión creativa. Agradecidas por el apoyo de las empresas Cristalería Berol, Alumida, Re-habitStudio o Bodegas Chozas Carrascal, que patrocina a su vez el concierto del 20 de diciembre en la Sala Refectorio a cargo de la soprano Isabel Monar con Conchita Sánchez-Ocaña al piano, Ferrer y Sepúlveda apuntan el vértigo que les provoca cada nueva obra. Un vértigo al que no se pueden resistir.

Instalación de Carolina Ferrer y Encarna Sepúlveda en 'Ángulos del vacío'. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Instalación de Carolina Ferrer y Encarna Sepúlveda en ‘Ángulos del vacío’. Imagen cortesía del Centre del Carme.

Salva Torres

Sindokma, festival del libro de editores independientes

Sindokma, Festival del Libro
Ruzafa Gallery
C / Pedro II el Grande, 11. Valencia
Del 18 al 20 de noviembre

El festival del libro Sindokma nace en Valencia “con la pretensión de dar visibilidad a los sellos independientes”, tal y como explicaron Jose Ramón Alarcón y Vicente Chambó, dos de sus organizadores, durante el acto de presentación en la Sala Russafa. Un total de 30 expositores y 40 actividades conforman lo que pretenden sea el escaparate de los “outsiders” de la cultura: librerías y editoriales pequeñas carentes de un espacio donde poder dar a conocer sus trabajos. Sindokma salta a la palestra con ese objetivo.

El festival tuvo su precedente en 2014 con Russafa Book Weekend, ahora rebautizado porque, según sus organizadores, nace con la vocación de “crecer, no sólo supeditado al barrio de Ruzafa, sino con la intención de abarcar nuevos escenarios de la ciudad en futuras ediciones”. En esta ocasión, el festival quedará ubicado en Ruzafa Gallery (Pedro III el Grande, 11), donde se celebrarán del 18 al 20 de noviembre la gran mayoría de actividades, salvando las dos que se llevarán a cabo en Ubik Café y Café 33 siempre dentro del barrio de Russafa.

El trapecista, fotografía de Jürgen Schadeberg, que hablará de su trabajo en Sindokma.

El trapecista, fotografía de Jürgen Schadeberg, que hablará en Sindokma de su trabajo.

El festival, coorganizado por Makma, la asociación Mostra LIJ y la Conselleria de Cultura, busca dinamizar el sector para que el talento pueda encauzarse y generar industria cultural, riqueza y empleo, sin por ello renunciar al entretenimiento a través de lo didáctico pensando en los más pequeños que en ocasiones “huyen de lo solemne en eventos relacionados con la cultura”, subrayó Chambó. “El perfil de pequeño editor independiente, intrépido, con iniciativa, aunque tenga muchas ganas de salir adelante, lo tiene difícil para hacerse ver y nosotros lo que hacemos es darles voz”, agregó.

El IVAM dispondrá de un espacio donde mostrar una selección de sus publicaciones, mientras que el estudio Pinta Valencia se encargará de una serie de talleres infantiles donde se realizará un libro de artista inspirado en la Ruta de la Seda y Valencia. “Por sus características y estructura, no hay otro festival igual en la ciudad y probablemente sea muy difícil de encontrar en ninguna otra capital a la hora de reunir géneros tan distintos en torno al libro”, esgrimió Chambó. “No pretende ser un festival que anule a las otras ferias, porque venimos a sumar”, “Cuando el binomio distribuidor pequeño editor no funciona, es necesario buscar vías para que lo registros de calidad lleguen al público”, agregó.

Portada del número 7 de Canibaal, revista que será presentada en Sindokma.

Portada del número 7 de Canibaal, revista que será presentada en Sindokma.

“El objetivo final no es tanto la venta, que también, como la comunicación”, afirmó Alarcón, que fue luego desgranando el contenido de un programa que incluye charlas, conferencias, mesas redondas, cuentacuentos, exposiciones y performances. Gandía Blasco aporta el mobiliario del festival y Cerveza Turia el patrocinio junto al Ayuntamiento de Valencia y la Diputación, más el apoyo de 15 negocios del barrio de Russafa.

El aluvión de actividades (“no son contenidos blockbuster”) comenzará el viernes con la inauguración de la exposición de catálogos del IVAM, a la que seguirán presentaciones diversas, entre ellas las de Pol Coronado hablando de la revista ‘Dirty Valencia’, la literatura de ‘Contrabando’, la performance de Graham Bell Tornado y la presentación de “Impure”, proyecto de la artista Anna Maria Staiano, el libro ilustrado y de diseño de ESAT o el Espai Joan Fuster, concluyendo el domingo con la presentación de otra revista, el número 7 de Canibaal.

Impure, de La Erreria (Anna Maria Staiano y Graham Bell Tornado), que será presentado en Sindokma.

Portada de “Impure”, de Anna Maria Staiano, que será presentado en Sindokma. Imagen cortesía de La Erreria (Anna Maria Staiano y Graham Bell Tornado).

Sindokma, como destacó Alarcón, “pone el foco en el libro en todas morfologías posibles, vertebrado por una apuesta de contenidos y perfiles heterodoxos” y mediante “formatos poco convencionales”. Además, se rescatarán publicaciones “atemporales”, porque el festival “no está supeditado a la urgencia cronológica del mundo editorial”, añadió. Más que novedades, lo que el festival busca “es crear un espacio de encuentro entre sellos cuya singularidad apenas tiene espacios propios de difusión”, concluyeron sus organizadores.

Vicente Chambó (izquierda) y Jose Ramón Alarcón, en la presentación de Sindokma.

Vicente Chambó (izquierda) y Jose Ramón Alarcón, en la presentación de Sindokma en Sala Russafa.

Más ‘Bodas de Sangre’ en Flumen

Bodas de sangre, de Jose Saiz
Teatro Flumen
C / Gregorio Gea, 15. Valencia
Del 22 de octubre al 20 de noviembre de 2016

El Teatro Flumen se viste de gala con los nuevos estrenos. Tras el éxito de ‘Bodas de Sangre’ la pasada temporada, repone este espectáculo producido por Teatro Flumen bajo la dirección de Jose Saiz. El reestreno oficial fue el jueves 27 de octubre y se mantendrá en cartel hasta el 20de noviembre. Por otro lado, el viernes 28 de octubre inauguró un nuevo espectáculo de Saga Producciones bajo la dirección igualmente de Jose Saiz, ‘Dulce Condena – Historia no oficial de Los Rodríguez’, que estará en el Flumen hasta el 19 de noviembre.

Bodas de sangre, de Jose Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

Bodas de sangre, de Jose Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

‘Bodas de Sangre’ nos cuenta la tragedia poética de Lorca al compás del flamenco más puro. Esto es lo que dice la sinopsis: “Un pueblo andaluz. Una boda. Dos familias enfrentadas. La novia sigue enamorada de su antiguo novio Leonardo. Una vez celebrada la ceremonia, se entrega a él y huyen juntos apasionadamente. El esposo abandonado los persigue y, cuando encuentra al amante de su mujer, lo desafía a un duelo de navajas”.

El sentido trágico de la vida, la muerte y la violencia que acompaña a los hombres durante toda su vida, se va manifestando a través de los presagios y el dolor de la madre en la reposición de ‘Bodas de sangre’.

‘Dulce Condena – Historia no oficial de Los Rodríguez’ permitirá revivir los grandes éxitos de Los Rodríguez, en este homenaje teatralizado como nunca antes se había visto. El espectáculo cuenta de manera extra oficial la vida y obra de este grupo mítico.

Madrid 1990. Julián Infante y Ariel Rot deciden volver a unirse tras ‘Tequila’. Para ello cuentan con Germán Vilella a la batería y traen desde Argentina a Andrés Calamaro. ¡Qué mejor forma de empezar nuestra historia!

Bodas de sangre, de Jose Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

Bodas de sangre, de Jose Saiz. Imagen cortesía de Teatro Flumen.

 

“El arte está muerto y el artista mucho más”

Intramurs
Diferentes espacios del Casco Histórico de Valencia
Del 21 al 30 de octubre de 2016
Encuentro con los artistas Fernando Baena, Miguel Canseco, Inma Luna, Yanice Martins y Marta R. Seobrecueva

Fueron reunidos en la Asociación Cultural Princesa 2.0, sede de Intramurs en Valencia, donde estos días muestran su obra. Lo hacen por pura necesidad, sabedores de que el Arte con mayúsculas no va con ellos; que ese Arte va por los derroteros que impone el mercado. Se limitan a constatarlo y, de paso, reivindicar el arte con minúsculas, el que ausente de los grandes titulares constituye la letra pequeña de toda cultura que se precie. Hablaron, unas veces en tropel estimulados por la conversación, y otras desgranando lo que para cada cual representaba el arte.

Obra de Fernando Baena colgada en un balcón entre la Calle Alta y la Calle Baja de Valencia. Foto de Enrique Miravalls por cortesía de Intramurs.

Obra de Fernando Baena colgada en un balcón entre la Calle Alta y la Calle Baja de Valencia. Foto de Enrique Miravalls por cortesía de Intramurs.

Fernando Baena, Miguel Canseco, Inma Luna, Yanice Martins (que enseguida tuvo que ausentarse porque le tocaba actuar) y Marta R. Sobrecueva hablaron, en ocasiones, del arte como algo muerto y de los artistas como muertos vivientes que tratan de inyectar vida allí donde apenas hay aliento. Pero, en otras, hablaron y mucho de ensanchar los límites, de trascenderlos, de habitarlos para que la energía creativa corriera a sus anchas. Y todo ello, sabedores también del escaso interés que despierta en los poderes públicos, que siguen viéndolo como un hobby, un pasatiempo, un espacio donde pasar el rato tras haber dedicado tiempo a cosas más importantes.

Marta R. Sobrecueva durante su recital. Foto de Estrella Jover por cortesía de Intramurs.

Marta R. Sobrecueva durante su recital. Foto de Estrella Jover por cortesía de Intramurs.

Sobrecueva arrancó diciendo que todo artista lo que busca “es una forma distinta de mostrar las cosas”. Una búsqueda sentida como “necesidad”, para la cual “hacemos uso de distintos materiales, ya sea el papel, la palabra, la acción o un coche” (en alusión a Cancedo que utiliza un 4L para su instalación de Intramurs). “Más que una necesidad, para mí es una suerte”, señaló Luna, que agradecía a la poesía la posibilidad que le brindaba de ir “más allá de la vida diaria”.

“Yo soy apóstumo”, terció Baena, que enseguida se embaló: “Vamos a ver, ¡qué puñetas es eso del arte, con las millonadas que mueve! Si el arte está muerto, el artista mucho más. Y los comisarios lo que hacen es utilizar a los artistas como si fueran una granja de producción. Nosotros hablamos aquí de creatividad, pero no de arte, que va por otros derroteros. Nada que esté jodiendo al poder está en el candelero”. A Martins le interesaba el arte “para estar cerca de las personas”. Y añadió: “Trabajo fuera de los museos, de las galerías, de esos espacios, porque la calle me parece un espacio de mercado. También está dentro de ello. Tiene que haber diálogo entre todos, sin guetos. Si somos artistas, somos todos artistas…”

Yanice Martins en su instalación. Foto de Paula Felipe por cortesía de Intramurs.

Yanice Martins en su instalación. Foto de Paula Felipe por cortesía de Intramurs.

Artistas todos ellos que tienden a ensanchar los límites del lenguaje, ya sea para cuestionarlo o para investigar sus posibilidades. “Yo es que no tengo planteamiento de cuestionar algo y, aunque así suceda, desde luego no es mi intención”, afirmó Canseco. Baena explicó que era artista desde los nueve años y que aunque cualquier ilusión estaba perdida había que seguir, “por mucho que caigan todas las caretas y todos los ídolos”. Y, en ese seguir, “se trata de habitar los límites”, apostilló. “Me interesan más los intersticios que los límites”, subrayó Luna. Pero Baena insistió: “El arte puede, en todo caso, ensancharlos, pero trascenderlos es otra cosa. No hay afuera del lenguaje, hay que asumirlo. El lenguaje es el gran fascista, porque no se puede salir de ahí”.

¿Sois artistas que os gusta provocar? “A mí la provocación como objetivo no me interesa”, apuntó Luna, para quien “tal vez en el mundo performático la provocación sea una de las claves, buscar la risa, el asombro. No sé”. “Abel Azcona, que viene a Intramurs, es uno de esos. No sé, la búsqueda de la provocación per se no me gusta”, destacó Baena. Lo que sí pensaba es que la sociedad, con tanta corrección política, había dado “pasos atrás en muchos sentidos”. Canseco no lo tenía tan claro: “Es relativo, porque alguien de una ciudad como Valencia, Barcelona o Madrid igual no se escandaliza por algo, que en un pueblo o una aldea sí”. Para Luna, la corrección política estaba haciendo “mucho daño al arte, porque constriñe e impide expresarse libremente”.

Inma Luna en un momento de su recital. Foto de Estrella Jover por cortesía de Intramurs.

Inma Luna en un momento de su recital. Foto de Estrella Jover por cortesía de Intramurs.

“Antes no existía lo políticamente correcto, pero había una censura terrible”, argumentó Canseco, mientras Baena pensaba que no era “cuestión de cantidad, como si más riesgo fuera mejor, sino de oportunidad. En el arte de acción es importante la oportunidad, el momento de justo”. “Para mí es fundamental la honestidad. No me interesa tanto la ficción como que lo que se cuenta salga de dentro”, dijo Luna.

Con respecto al papel de la Administración pública en el terreno cultural, Baena fue escéptico: “Debería dar ejemplo y pagar cuando monta una exposición o se proyectan videos en un espacio público, y no lo hace porque piensa que con el catálogo ya es suficiente”. Canseco tiró de ironía: “Sí paga, a los electricistas, a los carpinteros, al transportista, a todos menos al artista”. Luna manifestó que los políticos seguían pensando “que esto es un hobby y que ellos están para cosas más importantes; utilizan la cultura para pasar el rato”. Baena fue más concluyente: “Hace poco tuvo un desliz una presentadora de televisión que para referirse al granero de votos del PSOE habló de granja de votos. Fue un hallazgo, porque efectivamente nos ordeñan votos como nos ordeñan obras a los artistas. Somos los tontos útiles”.

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Instalación de Miguel Canseco.

Instalación de Miguel Canseco en el Centre del Carme. Foto de Enrique Miravalls por cortesía de Intramurs.

Salva Torres