Prostíbulo Poético, íntimo lupanar heterodoxo

Posted on 3 julio, 2020 por MAKMA

Prostíbulo Poético | ‘Happeging Poético/ Poesía Vis a Vis’
La Fábrica de Hielo
Pavia 37, València
Jueves 9 de julio a las 21:00
Viernes 3 de julio de 2020

Hijo primogénito del original Poetry Brothel de NY, dirigido en Barcelona y Madrid por la actriz y performer Sonia Barba, este colectivo transdisciplinar compuesto básicamente por poetas, músicos y performers, convierten cada evento en un campo de pruebas donde la poesía en privado y al oído le echa un pulso a los típicos recitales de poesía al uso.

¿Puede ser divertida y excitante la poesía aun descubriendo el lado más oscuro o atormentado de un alma? ¿Cómo valoramos el acto poético en la sociedad contemporánea? ¿Es la máscara de un alter ego una buena herramienta para acercar al gran público la “temida” poesía?

Poetas integrantes de Prostíbulo Poético. Fotografía cortesía de la organización.

Bajo la apariencia de un burdel fantástico del siglo pasado, las poetas venden sus versos al público asistente una vez han sido presentadas por la Madame, quien dará respuesta a diversas interrogantes: ¿cómo han ido llegando hasta allí? ¿en qué condiciones? ¿qué les diferencia del resto de sus compañeras?

Poesía inédita en estado puro. Irreverencia. Descaro. Juego de complicidad. Reivindicación del acto íntimo de recitar.

Durante los últimos meses, debido a la suspensión de eventos y al estado de alarma, el colectivo se reinventó, activando desde sus redes una línea de teléfono en la que podías contactar con tu poeta elegida; recaudaron fondos para la iniciativa ‘Descorónate’, invitando a actrices de la talla de Maggie Civantos, Alberto Velasco o Bárbara Santa-Cruz a que atendieran la línea los domingos y donando lo recibido, consiguieron sacar a la luz su antología anual, el ‘Libro Rojo’ del Prostíbulo Poético y consiguieron mantenerse a flote pese a las difíciles circunstancias.

Después de diez años de actividad en Barcelona y dos de conquistar al público de Madrid, Madame Taxi (Sonia Barba) ha abierto sede también en València el pasado mes de octubre. Los espacios a los que nos tienen acostumbrados guardan, por lo general, resonancia a tiempos pasados y son expertos en hospedar encuentros y situaciones de intercambio, donde la cultura, el ocio y la gastronomía suelen ir de la mano. Así ocurre en la ya mítica Sala Equis de Madrid o el Tinta Roja en Barcelona, y sucederá lo propio, de nuevo, el próximo jueves 9 de julio, en La Fábrica de Hielo de València.

Sonia Barba, directora de Prostíbulo Poético, encarnando a Madame Taxi. Fotografía cortesía de la organización.

El elenco de poetas estará compuesto por una selección de la nueva hornada de poetas reunidas por Sonia Barba y algunas de las asiduas que ya tienen una trayectoria más afianzada dentro del mundo de la poesía y la escena. Tras sus alter ego podréis encontraros con veteranas de la talla de Pilar Astray Boadicea, o Diego Mattarucco, en Madrid, la actriz Lorea Uresberueta, o Alicia Verdú en Barcelona, y Carlos Luna del grupo, Luna y Panorama de los insectos, o Nelo Sebastián Vera, de la CIA Vudú Teatro en València. Entre sus jovencísimas, descaradas e irreverentes poetas están Elsa Viegas o María Sánchez (Val), Juliana Mandolesi y Raúl Ornelas, (BCN) y Alicia Louzao o Blas Nusier que mantienen una actividad constante en la escena poética y cultural de las capitales.

En relación a los ‘Vis a Vis’ de poesía, marca de la casa, entre “cliente” y poeta, han ideado nuevas fórmulas de encuentro que van desde el juego con sombras chinescas, hasta la realidad virtual o la intensidad a través del contacto visual.

A la pregunta sobre cómo reaccionan los clientes que se acercan a sus eventos, Sonia Barba comenta que “por lo general, nadie viene preparado para lo que van a recibir, que básicamente es un baño de la realidad del otro. La gente quiere compartir experiencias, anécdotas, heridas semejantes. Se dispara la empatía, la curiosidad por el otro, hay personas que piden a la poeta que les deje solos, otras rompen a llorar. Es muy emocionante”.

+ Info en www.prostibulopoetico.com

Poeta y «cliente» durante un instante de Prostíbulo Poético. Fotografía cortesía de la organización.

MAKMA

Nuestro lugar en la Fase 1: ‘We’re Here’

Posted on 6 junio, 2020 por Eduardo García Agustín

#MAKMAOpinión #MAKMAPantallas | Nuestro lugar en la Fase 1
‘We’re Here’, de Stephen Warren y Johnnie Ingram
HBO, 2020
Sábado 6 de junio de 2020

El 13 de abril de 1990 tuvo lugar la primera acción política de Queer Nation, un movimiento LGTB neoyorkino que surgió como reacción a la tremenda discriminación hacia las personas LGTB y a una escalada de violencia hacia este sector de la población en las calles de Nueva York. Esta acción tuvo lugar en el bar Flutie, un bar hetero, y cuyo objetivo era reclamar un espacio de ocio y socialización de la gente LGTB que no estuviera limitado dentro del ambiente. Entre las numerosas consignas que estos outsiders coreaban estaba el ya mítico “We’re Here, We’re Queer, Get Used to It!”, algo así como “estamos aquí, somos maricas, acostúmbrate a ello.” Esta frase expresaba toda una declaración de intenciones: reclamamos un espacio dentro de la sociedad heteronormativa, estamos orgullosos de nuestra diferencia y, sobre todo, trasladamos la agencia a un nivel global. No es que tengamos que asimilarnos socialmente, sino que es esta sociedad la que tiene que aprender a reconocernos y respetarnos. Era ya la hora de empezar a añadir más letras a un colectivo que cada vez incluía a más personas.

“We’re Here, We’re Queer, Get Used to It!». Primera acción política del colectivo LGTB Queer Nation. 13 de abril de 1990.

También fue en 1990 cuando Judith Butler publicó uno de los libros más influyentes de la teoría queer y el feminismo: ‘Gender Trouble’ (‘El género en disputa’). En él, Butler plantea la concepción de género y sexo como constructos y la posibilidad de subvertirlos para poder enfrentarse así a una ley heteronomativa –y, principalmente, masculina–. Frente a la performatividad del género, es decir, de la repetición de actitudes y modos socialmente construidos que se asumen como reales, ella propone la posibilidad de una performance, de “actuar” dicho género. Esta compleja y fascinante distinción entre performatividad y performance puede intentar simplificarse de este modo: yo, como sujeto-hombre, reproduzco en mi cuerpo de manera inconsciente una serie de conductas y patrones que se asumen socialmente como masculinas. Esto es la performatividad de mi cuerpo. Por otro lado, puedo llevar al extremo mi masculinidad actuándola, jugando con ella, incluso parodiándola, y para ello la puedo reforzar con un frondoso bigote y con un uniforme. Puedo incluso reproducir movimientos y actitudes propias de Clint Eastwood en ‘Harry el sucio’ (1971) –o en cualquiera de sus películas–. Esto sería la perfomance. E, incluso, se podría llevar la perfomance al extremo de construir en mi cuerpo una feminidad que, teóricamente, no corresponde con mi género ni mi sexo. Y es aquí donde surge la esencia de lo drag.

El documental ‘Paris is Burning‘, rodado también en 1990, mostraba la escena drag neoyorkina de la época: hombres y mujeres que, a través del vogue, actuaban unas masculinidades y unas feminidades que no encajaban con sus cuerpos. Creaban un efecto de realidad a través de una revisión y reapropiación de unos constructos sociales de género y sexo que les oprimían en sus vidas cotidianas y que, en muchos casos, les condenaba a vivir en el margen, fuera de ese here, ese espacio reclamado por Queer Nation. Sin embargo, el voguing reforzaba a su vez la idea de pertenencia: cada uno pertenecía a una de las distintas casas que surgían en torno a una mamá drag que les preparaba para las competiciones. Es cierto que Madonna popularizó el voguing en su archiconocido ‘Vogue’ (1990), pero la esencia del vogue, no como un baile inspirado en las poses de las modelos de la famosa revista de moda, sino su carácter de empoderamiento de cuerpos no normativos, de latinos, afroamericanos, personas con sobrepeso, alcanza su cota más alta de popularidad gracias a ‘RuPaul’s Drag Race’. Palabras como realness, shade, sashay away, herstory o squirrel friends se convierten en términos de uso global no solo dentro de la escena queer tras 12 temporadas, programas repesca de antiguos concursantes, como ‘RuPaul’s Drag Race All Stars’ o franquicias internacionales como la versión británica.

La *drag queen* y diseñadora de moda Pepper LaBeija durante una escena del documental ‘Paris is Burning‘ (1990), de Jennie Livingston.

30 años más tarde, HBO estrena ‘We’re Here’, una especie de spin-off de telerrealidad en la que tres antiguas participantes de ‘Drag Race’ – Shangela, Eureka O’Hara y Bob the Drag Queen, tal vez tres de las drag queen del programa con cuerpos y personalidades menos normativas– recorren diversas localidades de los Estados Unidos que distan mucho de parecerse a la América deslumbrante de las series televisivas. Su llegada a las diversas localizaciones, montadas en coloridos vehículos con forma de bolso y en sus plataformas, recuerda a la travesía por los desiertos australianos de las protagonistas de ‘Las aventuras de Priscilla, reina del desierto’ (1994).

Una vez llegan a la ciudad en torno a la que gira cada uno de los episodios, ya sea Twin Falls (Idaho) o Farmington (Nuevo México), se suceden una serie de planos fijos en los que el protagonista es el espacio vacío, sin música, de las calles de la ciudad. El ‘We’re Here’ del título sería el grito de estas drags advirtiendo de su llegada para organizar un show de drag en la ciudad, como si su colorida y popular presencia no fuera ya en sí suficiente declaración de intenciones. En cambio, lo que se encuentran en las calles y locales de las ciudades son miradas de recelo, algunas de ellas incluso amenazantes, recordando que ese espacio está aún por conquistar y que, a pesar de que ya han pasado treinta años desde 1990, hay lugares donde el tiempo para la diferencia se ha detenido. Lo que no puede evitarse es que la diferencia esté allí, que esté luchando por encontrar su propio espacio alternativo, que quiera sentirse parte de la comunidad.

Debajo de la superficie aparentemente uniforme de cada ciudad también es posible encontrar diversidad: hombres heterosexuales que están dispuestos a modificar modelos de masculinidad tóxica que han tenido que adoptar para sobrevivir; gays nativo-americanos que intentan encontrar su identidad dentro de esa tierra de nadie que es pertenecer a dos grupos sociales al mismo tiempo; mujeres que asumen una masculinidad que no afecta a su concepción de género; y madres cuyo sufrimiento tiene su origen en ver cómo sus hijos niegan su identidad para no ser señalados.

Shangela, Bob y Eureka les ayudan a montar el show y todo acaba resultando ser una experiencia liberadora. Podrían ser la versión drag del equipo de ‘Queer Eye’ en las que llegan, transforman a la persona a la que adoptan y se van, dejando a su bebé drag de nuevo en su aislamiento social. Sin embargo, esto no es así: en su performance llena de maquillaje, pelucas y tacones vertiginosos, cada uno de los protagonistas experimenta la sensación de poder que otorga el mostrarse, paradójicamente, tal y como uno es y la aceptación por parte de una comunidad, que también celebra la diferencia. Cada uno se apropia del ‘We’re Here’ de presentación de las tres drags protagonistas para reclamar su posición dentro de sus ciudades. A pesar de la uniformidad imperante, están aquí y, además, están aquí para quedarse.

A través de la pantalla, es difícil no sentir empatía por cada uno de los protagonistas de los diversos capítulos e intentar ponerse en su piel y sentir ese dolor que, en algún momento de nuestras vidas, todos hemos sentido y, desgraciadamente, volveremos a sentir. Todos queremos pensar que en treinta años no es necesario reclamar un espacio social para nuestra diferencia.

Todos esperábamos que esta crisis sanitaria y pandémica haría resurgir todos los valores positivos de la sociedad, pero esas mismas pantallas nos presentan también una sociedad en la que el otro se ha convertido en un potencial enemigo, en donde la movilidad física y social está limitada, en donde un hombre afro-americano muere asfixiado por la acción brutal de un policía y en donde, en un pleno del Congreso, un representante político puede proclamar, ante el aplauso mediático de un número considerable de individuos, que “Decir ¡Viva el 8-M! es decir ¡Viva la enfermedad! Y ¡Viva la muerte!”. Es en esos momentos cuando nuestras vidas se convierten en ese plano fijo de un Branson (Missouri) que necesita llenarse de música, maquillaje y fantasía.

Shangela, Eureka O’Hara y Bob the Drag Queen, protagonistas de la serie ‘We’re Here’. Fotografía cortesía de HBO.

Eduardo García Agustín

Arte a martillazos

Posted on 21 enero, 2020 por Bel Carrasco

Under Destruction, de Ovidi Benet
Vbospagna
C / Cirilo Amorós, 48. Valencia
Hasta el 11 de marzo de 2020

Construir y destruir. Levantar muros para luego derribarlos. Erigir civilizaciones e imperios que con el tiempo se derrumban, se desvanecen. La actividad humana pivota entre ambos extremos, opuestos y también complementarios. La acción destructiva suele ser traumática, dañina y trágica. Pero en ocasiones es también una forma radical de abrir puertas a lo nuevo, al futuro. Alumbrar nuevas visiones.

Este concepto positivo y revolucionario del acto de aniquilar se plasma en una singular instalación, Under Destruction, que se puede visitar en Vbospagna (Cirilo Amorós, 48) hasta las próximas Fallas. Concretamente, hasta el 11 de marzo. Se trata de un proyecto conjunto del artista millennial alicantino Ovidi Benet, la firma italiana de iluminación Vbospagna y el estudio creativo valenciano CuldeSac. Una performance integrada en el ciclo 4 stagioni de la firma de iluminación que ofrece a artistas y diseñadores la posibilidad de crear su propia instalación, con la luz como protagonista y abierta a la participación ciudadana.

Under Destruction, de Ovidi Benet. Imagen cortesía del autor.

La idea se materializa en un espacio blanco y diáfano de forma rectangular de 30 metros cuadrados, cuyas paredes están recubiertas de planchas de pladur. Una colección de pequeños martillos dorados presentados como joyas más que como armas o herramientas se ofrecen al visitante. Con ellos se golpean las paredes para abrir pequeños o grandes boquetes por los que brotan las luces que hay en el interior.

«La idea surgió en CuldeSac junto con Pepe Garcia, co-fundador de CuldeSac y director creativo de CuldeSac Custom, así como con el equipo de viabizzuno y yo como parte del equipo creativo de CuldeSac y director de Observatory», dice Benet. «Una perfecta sinergia para generar una instalación que hable de las tres marcas implicadas en el proyecto, y a la vez una forma de expresar la frustación ante el arte de la generación de millennial a la que pertenezco», dice Ovidi Benet. Nacido en Dénia hace 29 años, Benet estudió en la escuela ARTE10, en el Instituto Europeo de Madrid (IED) y profundizó en el diseño experimental en el Domaine de Boisbuchet en Lessac (Francia). Actualmente, forma parte del equipo de CuldeSac como experto en materiales y conceptualización de los proyectos.

«Me gusta combinar el arte y elementos del diseño de interiores como la iluminación con un sentido estratégico», afirma, «creando sinergias». Esta performance incluye «un componente de arte callejero al involucrar al público en la obra a base de hacer agujeros que espontáneamente adoptan figuras como falos o estrellas. Me satisface lanzar una propuesta, destrucción sin límites, y llevar a la gente a mi terreno».

De vez en cuando algún trastornado burla las estrictas medidas de seguridad de un museo y atenta contra una escultura o un lienzo. En el caso de Under Destruccions el simbólico acto vandálico, romper paredes a martillazos reivindica un mensaje completamente distinto. A lo largo de seis meses Benet y sus colaboradores concibieron un espacio construido y esculpido a partir de su propia destrucción. «Los asistentes son quienes, a golpe de martillo, se convierten en voluntarios artífices de la revelación de la luz que esconden las ruinas y la decadencia».

Esta insólita obra de arte experimental se plantea pues como «una alegoría de la sociedad actual, en la que las nuevas generaciones de pensadores y creadores ven en la destrucción el fin de un ciclo para avanza hacia un futuro que ya está aquí y que exige compensar los efectos del periodo anterior en una unión imprescindible de la ética y la estética de manera transparente, consecuente y horizontal».

Desde el núcleo del proyecto hasta la concepción de la propuesta definitiva, se siguió un proceso para averiguar cómo conseguir que el espectador juegue con la luz y que, a través de la interactuación, desempeñe un papel vital dentro de la instalación. Tres líneas de perfil 13×8 dan la bienvenida a los visitantes marcando los ejes que definen el espacio. A medida que la construcción va destruyéndose, da lugar a un juego de luces y sombras que los productos de Vbospagna han potenciado mediante la implementación de innovadora tecnología. Gracias a ella la iluminación evoluciona cambiando sus colores e intensidad.

Benet comenzo su trayectoria artística, en 2018 con esculturas que combinan la estética con la funcionalidad. En el corazón del Cabanyal creó su propio estudio, Observatory, donde experimenta con distintos materiales, sobre todo plásticos, texturas, aluminios y fuentes de luz. «La luz es especialmente interesante por ser un ente mágico, intocable, que se percibe de distinta forma. Con juegos de luces puedes conseguir efectos y generar reacciones inesperadas en la gente», concluye Benet.

Bel Carrasco

‘Hangar 52’, de la mano del mago Yunke

Posted on 27 noviembre, 2019 por Irene Valdés

‘Hangar 52’ , de la mano de Mago Yunke
Auditorio Cultural Leopoldo Peñarroja
Polígono la Moleta, 1, 12600 la Vall d’Uixó, Castellón
22 de noviembre 2019

El Auditorio Leopoldo Penarroja de La Vall d’Uxó acoge a uno de los mejores magos del mundo para inaugurar su gira llamada ‘Hangar 52’. Hablamos de Yunke, un ilusionista de origen castellonense que comenzó haciendo trucos de magia en comuniones y eventos “sin importancia” pero que, tras varios años trabajando y estudiando para ser el mejor en lo que hace, lo consigue.

Yunke cuenta con el máximo reconocimiento en el mundo de la magia, habiendo logrado alzarse con el Premio Mundial de Grandes Ilusiones en el Campeonato de Magia de 2018, que ya logró ganar anteriormente en Lisboa en el 2000.

Yunke haciendo viajar al público al Antiguo Egipto – Imagen realizada por Irene Valdés durante el espectáculo

En este espectáculo, el mago de larga trayectoria mezcla desde grandes secretos nunca desvelados de Leonardo Da Vinci, hasta experimentos de la NASA de teletransportación, pasando por puertas interestelares del antiguo Egipto, rituales de guerreros de la Gran Muralla China y aviones desaparecidos de la Segunda Guerra Mundial, a través de increíbles efectos de luz, fuego, músicas – que transmiten sensaciones tales como tensión, melancolía o alegría- y sonido, resultando una coreografía para el espectador sencillamente memorable.

Secretos de Leonardo Da Vinci – Imagen realizada por Irene Valdés durante el espectáculo

Cabe añadir, además, que la performance hace uso de una gran cantidad de medios audiovisuales, como son la cámara mediante planos secuencia en directo (con el típico “fallo” del retardo del sonido con la imagen), iluminaciones claras, oscuras, con tonos cálidos y fríos, y la propia voz en directo que capta el micrófono del gran ilusionista. No obstante, aunque sea una demostración hecha para captar la atención del público y su inconsciente, no deja atrás el humor en ningún momento.

Yunke en una de esas ‘ilusiones’ que provoca al espectador – Imagen realizada por Irene Valdés durante el espectáculo

Tras su periplo internacional, vuelve a España estrenando su espectáculo poniendo como condición que sea en su tierra natal. Hangar 52 «vuela» a Madrid, donde permanecerá del 5 de diciembre al 12 de enero. Sin duda, un viaje que vale la pena hacer.

Irene Valdés

Perdernos y encontrarnos a través de lo salvaje

Posted on 23 mayo, 2019 por María Ramis

‘Judith Egger. Lost in Shrubland’
Comisaria: Laura Sánchez Serrano
Galería Aural
Labradores 17, Alicante
Hasta el 28 de junio de 2019

Lo natural, lo salvaje, aquello intrínsecamente asociado al ser humano, es un pauta que se puede observar en una gran cantidad de artistas actuales. La preocupación por el medio genera en la actualidad una serie de corrientes, preocupaciones, si se prefiere, cuyo transporte se convierte en el hecho artístico interpretado a través de la multidisciplinariedad que le caracteriza. En el caso de Judith Egger, se puede rastrear a lo largo de su producción cómo coloca en el mismo eje analítico naturaleza, arte, ciencia y humanidad; radicando en la experiencia observativa y en el resultado en clave de humor su originalidad. Por lo tanto, aunque no sea la primera vez que la naturaleza y el arte se encuentran, ‘Lost in Shrubland’ (o perdida entre matorrales) desgrana esta relación con el objeto al ir descubriendo poco a poco la forma en la que la sociedad contemporánea se vincula con su propio sentido de lo salvaje, como una manera de reconectar con lo natural propio del ser humano, incluso en el entorno sintético que le rodea. Egger introduce, así, su relación con la naturaleza creando una imagen que implica lo físico y lo espiritual en un mismo formato, y que se transmite a través de su interpretación de la sociedad vigente.

La idea de lo “salvaje” se ha asociado en Historia del Arte a estudios relacionados con el fenómeno de los primitivismos de la primeras vanguardias. Paul Gauguin, los artistas de la Worpswede, expresionistas, fauvistas y, por supuesto, Pablo Picasso, reinventaron el sentido de lo “salvaje”, una mezcolanza de tradiciones y estéticas procedentes del colonialismo decimonónico, donde la definición poseía numerosas connotaciones peyorativas derivadas del contexto social del momento. Egger recoge, en una publicación muy cuidada, su propio concepto de lo “salvaje”; esta publicación-caja recoge material fotográfico de archivo, impresos de formas vegetales, registros, apuntes y todo tipo de material que ayudan al observador a adentrarse en su propio imaginario. Un libro abierto a la iconografía de la artista.

Judith Egger, documentación de performance, 2010. Imagen cortesía de Galería Aural.

En las primeras piezas de ‘Lost in Shrubland’ ya se puede identificar un personaje central que actúa de enganche: la artista mimetizada entre ramas y matorrales; un personaje divertido que, sin duda, conecta con el espectador y que genera cuestiones sobre la implicación y el esfuerzo continuo que realizamos por encajar. Otro de los ejes transversales, y relacionados con esa necesidad de complicidad, es, sin duda, la sobreinformación que recae sobre nuestras mentes y que la artista trata de materializar a través de un audiovisual, donde carga en su cabeza diversos cuencos unidos por una estructura casi imposible; dichos cuencos van llenándose de agua de lluvia hasta que su cuello no aguanta más peso.

Así es cómo lo orgánico se convierte en el sello en los diversos materiales utilizados. Un ratón real proyectado en queso, grabado y posteriormente perpetuado en escultura, o los hoteles de lujo para insectos son algunas de las pistas que la artista va dejando sobre su línea investigativa y que se complementan a través de dibujos y estudios inherentes al proceso creativo. Judith Egger parte del concepto del filósofo francés Henri Bergson élan vital, ese impulso hipotético que genera el comienzo de la transformación, del crecimiento e, incluso, de la evolución. Esa fuerza vital, reformulada por la artista como ‘Schwellkraft’ –palabra alemana que, literalmente, significaría la capacidad de agrandar o enriquecer–, es la que trata de perseguir en su producción. Mayoritariamente performática, pero también interesada en propuestas colaborativas, en ‘Lost in Shrubland’ Judith Egger muestra el estado anímico en el que nos encontramos los seres humanos: desorientados en la naturaleza, a la que al final, por falta de entendimiento, tratamos de doblegar para destruir. Por lo tanto, esa conexión, que incluso ella trata de alcanzar usando ramas como antenas por las calles de París en la pieza ‘Transmission wood’, se convierte en el camino de la certidumbre, un atisbo de lucidez que tratamos de alcanzar en la búsqueda de nuestra particular naturaleza.

Judith Egger, detalle de la *performance* ‘Transmission wood’, 2018. Imagen cortesía de Galería Aural.

María Ramis.

Artes Vivas y heterodoxas en Dansa València

Posted on 12 abril, 2019 por MAKMA

XXXII Dansa València
IVC Teatro Principal, Teatro Rialto, Sala Matilde Salvador, Carme Teatre, Espacio Inestable, TEM, Espai Rambleta, La Mutant, CCCC y Plaza del Patriarca
Hasta el 14 de abril de 2019

Una de las novedades de esta edición del festival Dansa València es su apertura a las Artes Vivas, un territorio transversal que huye de las etiquetas y que quiere generar preguntas alrededor de la creación contemporánea más heterodoxa.

La cuarta jornada del festival, la del viernes 12 de abril, la protagonizan tres propuestas que huyen de las etiquetas convencionales: ‘Fucking Stage’, de Santiago Ribelles Zorita; ‘Likes’, de Nùria Guiu; y ‘Crisálida (o la venganza de Leteo)’, de Antes Collado.

‘Fucking Stage’, a las 18:00 en la Sala Matilde Salvador de La Nau, es una propuesta del coreógrafo y director escénico Santiago Ribelles que indaga en los convencionalismos del teatro y la danza, y en la relación entre la pieza artística que se representa y el espectador que la contempla.

La manera de interpretar (o de leer) lo que hay sobre el escenario es la idea general que preside ‘Fucking Stage’, que interactúa con los espectadores a través de diferentes mensajes escritos en una pantalla, recurriendo a lugares comunes en los discursos sobre danza, teatro, arte o política.

Un instante de la propuesta coreográfica ‘Fucking Stage’. Fotografía cortesía de Dansa València.

La bailarina barcelonesa Nùria Guiu presenta su nueva performance ‘Likes’ en la Sala Carme Teatre mañana a las 20:00. Una reivindicación del cuerpo a cuerpo frente a la intoxicación de Internet. Una performance con base antropológica y movimientos extraídos de vídeos populares de YouTube, donde, eso sí, el espectador tendrá que sacar sus propias conclusiones.

El último proyecto de la compañía Antes Collado gira en torno a la noción de cuerpo marginal y a la creación de mundos escénicos metafóricos. ‘Crisálida (o la venganza de Leteo)’ busca recuperar la potencia de la naturaleza más perversa y propone la restitución de viejas formas olvidadas que, paradójicamente, son capaces de generar nuevas maneras de vivir.

Nùria Guiu durante un instante de su performance ‘Likes’. Fotografía cortesía de Dansa València.

El underground de Sansanonasnas en ME Madrid

Posted on 22 enero, 2019 por MAKMA

‘sansanonasnas X ME: Pasati di Modena’
ME Madrid
Plaza de Santa Ana 14, Madrid
Jueves 24 de enero de 2019 a las 19:30

ME by Meliá, la firma hotelera de Meliá Hotels International vinculada al arte contemporáneo, a la música y al diseño, da la bienvenida a 2019 con la acción ‘sansanonasnas X ME: Pasati di Modena’ que tendrá lugar en el hotel ME Madrid en enero.

Con ‘sansanonasnas X ME: Pasati di Modena’, ME by Meliá va un paso más allá en su filosofía y arranca su nuevo programa cultural de 2019, integrado por destacadas y potentes activaciones que se extenderán durante todo el año. Con ello, la marca se sumerge de lleno en innovadores universos creativos, apoyando a nuevas voces artísticas locales y generando fuertes lazos con el panorama urbano. Gracias a esto, los hoteles de la marca se convierten en uno de los principales focos culturales y se posicionan como enclaves de referencia en todas y cada una de las ciudades en las que están presentes.

El artista y performer Sansanonasnas visto por Juan Gatti. Fotografía cortesía de los organizadores.

“En 2019, desde ME Madrid apostamos de nuevo por la creación de sinergias creativas con artistas influyentes y representativos de Madrid como es el caso de Sansanonasnas, posicionándonos con ello como punto clave y place-to-be dentro del panorama artístico y cultural de la capital” apunta Belén Díaz, General Manager del hotel ME Madrid.

La obra de Sansano, centrada en su persona y cuerpo como motivos de expresión, se mueve entre la perfomance, la moda y la música, generando ese completo amalgama de disciplinas que lo define como artista y animal escénico haciéndolo único.

‘Pasati di Modena’ se compone de dos acciones que ocurrirán en ME Madrid durante el mes de enero. Por un lado, una exposición integrada por un total de 21 retratos del creador realizados por algunos de los fotógrafos más reputados del panorama internacional como Juan Gatti, creador de la cartelería del icónico director Pedro Almodóvar, Álvaro Villarrubia y Alberto Van Stokkum, entre otros, será instalada en diferentes puntos del hotel y podrá ser disfrutada por todos los visitantes durante un mes.

La terraza del ME Madrid acogerá la acción ‘sansanonasnas X ME: Pasati di Modena’. Fotografía cortesía de los organizadores.

Como complemento a la exhibición, se celebrará un desfile en RADIO ME Madrid Rooftop Bar protagonizado por los looks más icónicos de Sansanonasnas, llevados por amigos, influencers y celebrities y entre los que destaca Josh Quinton, imagen de la última campaña de Burberry X Vivienne Westwood.

Durante la noche del 24 de enero, los asistentes serán testigos de una verdadera apología al underground subida a la pasarela, todo ello con un telón de fondo inmejorable como son las vistas 360ºdel skyline madrileño que ofrece RADIO ME Madrid Rooftop Bar.

Asimismo, el desfile será interactivo, retransmitiéndose en directo en los perfiles sociales del propio artista y de RADIO ME Madrid, generando un diálogo a través de la red que universaliza y dota de un carácter global a la propuesta y al discurso de ME by Meliá.

 Artistas participantes en ‘sansanonasnas X ME: Pasati di Modena’

Daniel del Valle
Javier Garceche
Juan Gatti
Inri 3721
Kito Muñoz
César Segarra
Pablo Sola

El artista y performer Sansanonasnas visto por César Segarra. Fotografía cortesía de los organizadores.

Homenaje a Carles Santos en Fundació Caixa

Posted on 4 enero, 2019 por MAKMA

Homenaje a Carles Santos
Sala San Miguel de la Fundació Caixa Castelló
Plaza de la Hierba, s/n, 2º
Castellón

Es imposible definir la personalidad artística de Carles Santos (Vinaròs, 1940-2017). Es un creador que ha roto todas las fronteras a través de un universo renacentista personalísimo. Músico de formación clásica. Desde 1978 y hasta 2017 se dedicó exclusivamente a la composición e interpretación de su propia obra. Aparte de la producción musical creó una serie de obras que por sus características pluridisciplinares son presentadas en el ámbito teatral.

Carles Santos también se aventuró en el mundo de la imagen, dejando un considerable legado de grabaciones, que completaría con su trabajo como compositor de música cinematográfica y guionista. A toda esta labor se le añadirá el texto poético, el diseño, la obra gráfica, y todo medio en el que pueda encontrar un vehículo de expresión de su creatividad, realizando el recorrido que va desde la acción y la performance hasta el espectáculo musical y la ópera.

Carles Santos. Foto de Miguel Lorenzo por cortesía de Fundació Caixa Castelló

Hay que recordar las composiciones musicales para grandes eventos como las Fanfarrias de las Ceremonias Olímpicas y Paralímpicas de Barcelona ’92, la ‘Fanfàrria Biennal per a 2001 músics’ con motivo de los actos de inauguración de la Bienal de las Artes de Valencia y en noviembre de 2001 la versión escénica de la Cantata ‘El adiós de Lucrecia Borgia’, estrenada en Valencia el mismo año, para la inauguración de la nueva sede del Teatre Lliure en Barcelona.

Carles Santos, recibió varias menciones de su labor y proyección artística: Premio Ciudad de Barcelona a la Proyección Internacional 1996, Premio Ciudad de Barcelona Música 1993, Creu de San Jordi 1999, FAD 1998, Premio Nacional de Composición de la Generalitat de Catalunya 1990, Premio Nacional de Teatro 2001 de la Generalitat de Catalunya, Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes 2007, mejor obra para-teatral 2008 por la Asociación de críticos de Barcelona por “Brossalobrossotdebrossat” 2008, Medalla de Oro de la Universidad Jaume I de Castellón. Durante su trayectoria recibió 13 premios MAX y fue galardonado con el Premio Nacional de Música en el año 2008.

Hablamos pues de un artista cuya trayectoria, cargada de puntos de referencia artísticos, estéticos e ideológicos, abarca una producción extensa y variada, generando un discurso que da cuenta de un creador sobre el que se cruzan los avatares y contradicciones del pensamiento y de la vanguardia artística de las últimas décadas.

La Fundación Caja Castellón, con la colaboración de la Diputación de Castellón, la Univeritat Jaume I, la Fundació Caixa Vinarós y la Galeria Cànem de Castelló, evoca la prolífica obra de un experto en vanguardias, entre la transgresión y la crítica social, sin perder de vista la investigación en las artes escénicas, con el objetivo, una vez más, del reconocimiento a la trayectoria y personalidad extraordinarias de esta figura irrepetible, artista imprescindible y creador integral.

Carles Santos. Imagen cortesía de Fundació Caixa Castelló.

REBOTA REBOTA Y EN TU CARA EXPLOTA

Posted on 27 diciembre, 2018 por José Antonio López

‘REBOTA REBOTA Y EN TU CARA EXPLOTA’ de Agnés Mateus y Quim Tarrida
Sala Mutant
Carrer de Joan Verdeguer, 16. Valencia.
22 de Diciembre de 2018.
El pasado 22 de Diciembre tuvo lugar la performance ‘REBOTA REBOTA Y EN TU CARA EXPLOTA’ de Agnés Mateus y Quim Tarrida en la sala Mutant.

‘REBOTA REBOTA Y EN TU CARA EXPLOTA’ es una performance directa: a las mujeres se las asesina, los feminicidios están a la orden del día y la respuesta de nuestra sociedad nunca llega, entretenida en cosas banales y mirando hacia otro lado. Agnés Mateus a través de su humor y descaro lleva al público hasta la indignante cifra real de mujeres, niñas y niños asesinados.

Agnés Mateus, intérprete y creadora de la obra ‘REBOTA REBOTA Y EN TU CARA EXPLOTA’

La obra continuamente hace reflexionar al espectador, planteando cuestiones sobre la cultura que nos han inculcado, conceptos, insultos, trato, privilegios, etc. El machismo impregna todo lo que nos rodea: los cuentos de hadas, los libros, cine, deportes,… Los nombres de mujeres relevantes quedan relegados a un segundo puesto o directamente al desconocimiento. La performance nos habla continuamente de lo injusta que supone la realidad por el simple hecho de haber nacido con unos genitales concretos.

El olvido es otro de los conceptos con los que juega ‘REBOTA REBOTA Y EN TU CARA EXPLOTA’. Olvidar es el superpoder del ser humano y se suele recurrir a él muy a menudo. La distracción juega mucho con este olvido creando estímulos con la televisión, publicidad, deportes, videojuegos, noticias banales, etc., consiguiendo que apartemos nuestra mirada de lo que verdaderamente importa, en este caso la violencia de género. Agnés Mateus ni olvida ni perdona, no perdona las vejaciones que reciben las mujeres dia a dia, ni los asesinatos, ni nada.

Agnés Mateus, intérprete y creadora de la obra ‘REBOTA REBOTA Y EN TU CARA EXPLOTA’

Agnés Mateus Continuamente juega con las distracciones en la obra, haciendo al espectador mirar hacia un lado, pero este no tiene por qué ser el correcto. La obra es una representación del maltrato, empezando con insultos hasta el trágico final, el asesinato. Se pasa de las risas del principio a la total seriedad e impotencia del final.

Es una obra que permite reír, estremecerse, estar en tensión, sentirse incómodo o triste al mismo tiempo y levantarte de la butaca con una reflexión taciturna un largo tiempo. No se mostrarán imágenes de la obra, ya que perdería parte de la magia que se crea dentro de la sala. Os invito a ir al siguiente bolo de ‘REBOTA REBOTA Y EN TU CARA EXPLOTA’ y reflexionar tras la magnífica actuación de Agnés Mateus.

Agnés Mateus, intérprete y creadora de la obra ‘REBOTA REBOTA Y EN TU CARA EXPLOTA’

«Todos los artistas hacemos autorretrato»

Posted on 18 diciembre, 2018 por María Ramis

‘Embody’, entrevista a Elvira Carrasco
Galería Mark Hachem
28 Place des Vosges, París
Del 18 al 28 de diciembre de 2018

La artista Elvira Carrasco, nacida en Cuenca pero afincada en Valencia, proviene de una familia donde la influencia cultural fue una constante desde que era pequeña. Decidió estudiar Historia del Arte pero en los últimos años su faceta artística ha resurgido y, a partir de su formación fotográfica en Londres, entró en la escena artística con su característico ‘Faces project’. Este proyecto llama la atención por lo versátil y colorido, así como por la aplicación del “conócete a ti mismo”. Su obra puede encontrarse en distintas galerías repartidas por la geografía española e internacional. En Valencia, sus obras puedes encontrarse en la Galería Maika de Valencia. Si bien Elvira produce su su obra principalmente en Valencia, tiene una gran repercusión en el extranjero, contando con el apoyo de galerías extranjeras como Mark Hachem, donde se expondrá su obra con motivo de la exposición ‘Embody’. Makma contacta con ella para acercarse un poco más a su producción.

Sé que probablemente es una pregunta que te hacen mucho pero ya que me gustaría empezar por tus estudios, ¿cómo influye a la hora de tomar referentes en tu producción el hecho de ser Historiadora del Arte?

Influye de manera muy contundente. Por supuesto, un rico y amplio conocimiento de la Historia del Arte, te ayuda a poder crear algo nuevo partiendo de tus predecesores e incluso contemporáneos. Me he dedicado durante, los años previos a “Faces Project”, a estudiar a fotógrafos creativos que me dieron una visión totalmente diferente de lo que para mí, hasta entonces, había sido la fotografía. Descubrí un mundo nuevo, lleno de posibilidades y quise, por supuesto, añadir mi granito de arena al mundo del arte con un proyecto innovador, que aportase algo distinto a lo ya conocido y realizado. Trabajé con varios proyectos hasta decantarme definitivamente por el actual y darle mayor protagonismo en mi carrera. Sin embargo, a pesar de estar más focalizada en fotógrafos en estos últimos años, cierto es que durante la carrera aprendí muchísimo sobre artistas, sus épocas, vivencias y producción; llamándome la atención numerosos de ellos, aunque no fue hasta que terminé mis estudios cuando me di cuenta de que yo quería formar parte de esta apasionante historia.

‘Panacea’. Imagen cortesía de la artista.

En tu obra podemos ver como unes diversas técnicas (body painting, fotografía, dibujo…) para lograr un resultado final que, en realidad, aparenta ser muy improvisado…

En cada autorretrato doy una parte de mí. Ciertamente parece improvisado y, hay que darle rienda suelta a la improvisación, al nervio que te corre por el cuerpo a la hora de enfrentarte al “lienzo en blanco”, en este caso, mi rostro. Antes de comenzar cada obra, analizo y pienso qué colores quiero emplear, qué quiero transmitir a través de ellos y, no nos olvidemos, del papel tan importante que tiene la mirada en mis fotografías, te lleva a sentimientos y sensaciones placenteras o inquietantes. Juego con bocetos, anotaciones, composiciones de color. Pienso qué quiero conseguir y a dónde quiero llegar y después, el “nervio” o comúnmente llamado “genio creativo” hace su trabajo. No sé cómo explicar lo que se siente cuando vas a pintar o a crear algo, incluso a recitar un poema que sientes que te atraviesa el pecho… Es energía, vibración, miedo, angustia, frenesí y, el conjunto de todas esas emociones y sentimientos, ayudan a la ejecución de la obra.

Recientemente has empezado a trabajar la escultura en ‘Faces Project’, ¿cómo te estás enfrentando a este nuevo reto?

Pues con muchísima ilusión. Era algo que llevaba bastante tiempo pensando, dándole vueltas en mi cabeza para encontrar el mejor modo de conseguir esculturas para poder pintarlas como hago actualmente. Como suelo decir, son mis pequeñas joyas que produzco como complemento para seguir investigando “Faces Project” y materializar algo que, en mi rostro, acaba siendo fugaz. Además, esta técnica me permite también añadir complementos (ramas, huesos, collage…) a las figuras, lo cual me resulta extremadamente creativo y revitalizante.

Aunque la técnica cambie, el soporte siempre es el mismo: tu rostro. El uso del cuerpo y su experimentación en el arte está ligado muchas veces al concepto de identidad, ¿es este tu caso?

Considero que cuando un artista trabaja, ya sea consigo mismo o sobre un lienzo, está dándole al espectador (y por qué no, a sí mismo) un hilo del que tirar en cuanto a su personalidad se refiere. Todos los artistas hacemos autorretrato. Nuestras obras son parte de nosotros mismos, de nuestro interior y de nuestro propio mundo. Por supuesto que creo fielmente que los artistas nos cuestionamos cosas que para el resto del mundo seguramente pasen desapercibidas, tenemos dudas existenciales, cuestiones acerca de quiénes somos y por qué hacemos lo que hacemos para seguir vivos. El arte es un veneno que te ayuda a seguir hacia delante, es la mecha que enciende cada uno de nuestros días.

El autorretrato contemporáneo tiene muchas versiones. Por ejemplo, Cindy Sherman lo utilizó en su momento desde una perspectiva feminista, o Gillian Wearing con sus máscaras para mostrar la sociedad actual oculta; ¿te interesa explotar el autorretrato desde varias perspectivas?

Me interesa el autorretrato en todas sus versiones. Recuerdo que fui al IVAM de Valencia a ver la exposición que se hizo de Gillian Wearing y quedé realmente fascinada. Es una gran artista, me transportó a otro mundo, algo que grabo con gran ilusión dentro de mí. Incluso recuerdo la escultura de una de sus manos, también recuerdo los vídeos en los que la gente hablaba de sus miedos, inseguridades y preocupaciones, siempre dentro de una máscara que tapase su identidad. Creo que tanto Wearing como Sherman han abierto un gran debate en cuanto al autorretrato se refiere. Yo, sin embargo, podría hablar del autorretrato como soporte, como lienzo, dándole también valor a la obra de Yves Klein cuando utilizaba a esas mujeres llenas de pintura para sus creaciones. Lo tomo como el lienzo sobre el que expresaré con abstracción, forma y color, un mundo de posibilidades. Sin embargo, hay algo en lo que sí quiero hacer énfasis y es el uso de la mirada como referente, punto de encuentro entre el espectador y yo, de conexión mutua, como podría verse en los ojos de cualquier personaje de un museo, atravesando el lienzo.

‘The Garden’. Imagen cortesía de la artista.

Hay algo de performático que, unido al concepto de lo efímero, hace que ‘Faces project’ pueda interpretarse desde lo multidisciplinar…

El proyecto abarca diferentes disciplinas artísticas. Se trata de una performance oculta al público, desde la soledad e intimidad de mi estudio, que se materializa en forma de fotografía. La pintura del rostro acaba formando parte del olvido, muy a mi pesar, y cambia de estado del propio cuerpo al soporte fotográfico. Sin embargo, todo este proceso, para mí, es un ritual, un momento en el que me encuentro sola conmigo misma, delante de diferentes pinturas, pigmentos y colores con los que realizaré un baile para conseguir mi objetivo final, el momento en el cual decido que la obra está preparada para ser fotografiada. A pesar de dicha soledad, sí que me planteo hacer performance delante de un público, algo que espero no tarde mucho en producirse.

¿Puedes adelantarnos algo de tus próximos proyectos?

Ahora mismo estoy ultimando detalles antes de empezar el nuevo año. 2019 viene cargado de viajes y nuevas exposiciones importantes para mi carrera, además de ferias de arte. Milán, Taiwán, Barcelona o Nueva York son algunas de las ciudades que puedo adelantar. En cuanto a ‘Faces Project’, sigo investigando cada día una nota nueva, sé que en mi cabeza todavía quedan miles de melodías por tocar y es eso lo que al final continúa moviendo mi motor.

¿Qué opinas sobre el panorama actual artístico?

El arte actual está colmado de sabiduría y experiencias. Los artistas más jóvenes nos movemos en los mundos de la tecnología y las redes sociales, lo cual nos permite exponer nuestro trabajo de forma eficiente. Miles y millones de personas estamos conectadas a través de aplicaciones en las que subimos nuestras creaciones para que un porcentaje elevado de gente pueda saber qué hacemos, cómo y por qué. El mundo está cada vez más globalizado, tendemos a unirnos cada vez más. Considero que, el estudio incansable de la Historia del Arte (desde sus inicios hasta hoy) llena de posibilidades una esfera que necesita artistas nuevos, apasionados y hábiles para llegar a las grandes galerías del mundo. Me considero afortunada por estar entrando en este bucle, tan importante a la vez que sufrido, en el que todo se convierte en una lucha constante del propio ser humano.

El giro constante del planeta nos lleva a los artistas a producir, pensar, viajar, distribuir y, poco a poco, crear una atmósfera reconocible y seria que pueda ser entendida por el público en general.

‘Rock Gold’. Imagen cortesía de la artista.

Con esta reflexión sobre la hiperconexión actual y su ya inevitable incursión en gran cantidad de producciones artísticas, Elvira Carrasco presenta su personal proyecto ‘Faces project’ haciendo hincapié no solo en la parte técnica, sino en aquella que explora sus inquietudes, profundizando en la historia de la retratística y siempre con nuevos proyectos en mente. Para más información, se puede consultar su web www.elviracarrasco.com

María Ramis.