Nuevos escenarios de reflexión sobre Oteiza

‘Macla, mamua, bismuto, vicario’, de Karlos Martínez B. y Javier Arbizu
Museo Oteiza
Calle de la Cuesta 7, Alzuza (Navarra)
Hasta el 30 de noviembre de 2018

El Museo Oteiza presenta el proyecto expositivo ‘Macla, mamua, bismuto, vicario’, una intervención expositiva en torno a la obra de Oteiza, realizada expresamente por los artistas Karlos Martínez B. y Javier Arbizu para el centro de Alzuza y que constituye la primera intervención perteneciente al programa Hazitegia (semillero).

Se trata de la primera intervención de este programa, promovido por el Museo Oteiza y el Centro de Arte Contemporáneo de Huarte y surgido de la voluntad de conjugar los ámbitos de producción y exhibición de los dos centros que lo promueven, para generar nuevos escenarios de reflexión en torno a la obra de Jorge Oteiza desde la creación contemporánea.

Imagen de una de las piezas pertenecientes a laintervención expositiva de Karlos Martínez B. y Javier Arvizu. Fotografía cortesía del Museo Oteiza.

Imagen de una de las piezas pertenecientes a laintervención expositiva de Karlos Martínez B. y Javier Arvizu. Fotografía cortesía del Museo Oteiza.

El proyecto se inició con la residencia de investigación y producción que ambos artistas realizaron el pasado año en el Centro Huarte. Esta residencia permitió a los autores definir un proyecto que se materializó en una primera intervención realizada en la célebre Casa Huarte de Madrid, edificada en 1966 por los arquitectos Corrales y Molezún, y que se desarrolló durante un única jornada el pasado 17 de febrero de 2018, producida por Caniche Editorial.

‘Macla, mamua, bismuto, vicario’ continúa ahora en la intervención expositiva que acoge el Museo Oteiza, entre el 27 de julio y el 30 de noviembre de 2018, y que ha contado con la colaboración de Fundación “la Caixa” y la Fundación Caja Navarra, dentro del programa Innova Cultural, y del Ayuntamiento de Egüés.

El punto de partida de este proyecto es la idea de macla, asociada a la serie de obras así denominadas por Oteiza, originadas por la fusión o encuentro de dos o más volúmenes y activadas por la relación de sus partes. A partir de ese momento, esta intervención propone una particular manera de asociar lo escultórico con lo objetual, mediante sutiles intervenciones que trastocan las características propias materiales y objetos, que generan un nuevo repertorio de significados que lo vinculan de manera libre con el espacio del museo, los modos constructivos de la obra de Oteiza y la consideración de lo escultórico como un proceso en permanente transformación.

Detalle de uno de los aditamentos expositivos que conforman ‘Macla, mamua, bismuto, vicario’. Fotografía cortesía del Museo Oteiza.

Detalle de uno de los aditamentos expositivos que conforman ‘Macla, mamua, bismuto, vicario’. Fotografía cortesía del Museo Oteiza.

La presencia del bismuto –mineral que cristaliza en formas geométricas y concéntricas– es uno de los hilos conductores de la propuesta, que trabaja sobre la idea del cuerpo suturado y de la cuestión del doble como esencia de una escultura “permanentemente insatisfecha”, tal y como la definió Jorge Oteiza.

El proyecto no está concebido como una mera exhibición de obras, dado que las diferentes piezas –un total de 17– componen una misma intervención, que se muestra en diferentes espacios del Museo Oteiza, incluyendo el exterior del edificio. Cada una de ellas está concebida como elemento activador del propio espacio del centro y catalizador de los escultórico desde el uso de materiales y procesos compositivos contemporáneos.

La intervención se rubrica con la edición de una publicación homónima, que incluye un completo recorrido visual por las dos intervenciones, y que se complementa con un texto de Rosa Lleó, comisaria y directora de la Plataforma Green Parrot.

Jorge Oteiza revisado en 'Macla, mamua, bismuto, vicario' por Karlos Martínez B. y Javier Arvizu. Fotografía cortesía del Museo Oteiza.

Jorge Oteiza revisado en ‘Macla, mamua, bismuto, vicario’ por Karlos Martínez B. y Javier Arvizu. Fotografía cortesía del Museo Oteiza.

 

Carlos Irijalba revisited

Decía Guy Debord, en La sociedad del espectáculo, que los personajes admirados, en quienes se personifica el sistema, son bien conocidos por no ser lo que son; se han convertido en grandes hombres a fuerza de descender por debajo del umbral de la más mínima vida intelectual, y ellos lo saben. La rebelión meramente espectacular puede, así, coexistir con la resignada aceptación de lo establecido, como si se tratase de lo mismo: poniendo de manifiesto el hecho de que la propia insatisfacción se ha convertido en mercancía y el sistema, basado en la abundancia económica, se ha vuelto capaz de ampliar su producción hasta convertir la insatisfacción de las personas en una materia prima más.

Carlos Irijalba. Switch off all devices. Cortesía del artista.

Carlos Irijalba. Switch off all devices. Cortesía del artista.

En ese contexto de pensamiento transita el trabajo de Carlos Irijalba (Pamplona, 1979). Realizaremos un recorrido a través de algunas de las series fotográficas producidas en años anteriores, con piezas de la serie Environment, iniciada en 2004, en la que se nos presentan volúmenes arquitectónicos suspendidos, como paisaje irreal en el que la arquitectura adquiere el grado de deidad terrena, necesariamente cimentada pero simbólicamente elevada a los niveles de representación del poder. Switch off all devices es parte del desarrollo fotográfico del proyecto Überlegung, su conocido prototipo de no-coche, un objeto en el que la estricta simetría aplicada en su diseño lejos de tranquilizar inquieta al observador.

Carlos Irijalba. Devices. Cortesía del artista.

Carlos Irijalba. Devices. Cortesía del artista.

Los vectores opuestos se encuentran en el eje común de sus ruedas en un ejercicio de dislocación de la lógica, cuestionando la idea de progreso que comunica el automóvil. La evolución de esta serie fotográfica lleva a la propia omisión del artefacto creado por Irijalba, elaborando una escena suburbana en la que la luz opuesta proyectada sobre el suelo narra la intencionalidad en la manipulación del entorno, el modo en el que se reclama nuestra atención sobre un “vacío” convenientemente iluminado.

Carlos Irijalba. Devices. Cortesía del artista.

Carlos Irijalba. Devices. Cortesía del artista.

A la inversa, la serie Devices supone una evolución de ese estudio acerca del significado de la iluminación en la confección espectacular de la realidad, pero dando un giro en redondo dirige su objetivo sobre el propio instrumento. Los focos adquieren directamente el protagonismo de la mirada, recortados sobre un fondo negro aterciopelado, creando unos singulares bodegones en los que, desaparecida la percepción cercana de la miseria, inmersos en un tiempo de ficticia abundancia, las viandas han perdido la relevancia que las hacía perceptoras de exaltación. El nuevo bodegón se dedica al foco, objeto presente de veneración, dueño de una luz capaz de hacernos mirar hacia donde no habíamos pretendido mientras deja tanto en la penumbra. Nos ciega, nos muestra lo que debemos ver, pero no vemos lo que se oculta tras él.

Carlos Irijalba. Outside comes first. Cortesía del artista.

Carlos Irijalba. Outside comes first. Cortesía del artista.

Outside comes first, es una serie realizada entre Pamplona y Nueva York, evidencia la inevitable tensión que se establece entre la necesidad de realidad y la potencia de la imagen espectacular. En ese pulso una gran lámina de cristal se convierte en filtro dispuesto a enmarcar fragmentos de realidad, entornos urbanos y retazos de naturaleza sometidos a una obligada mediación: signos de sometimiento.

Carlos Irijalba. Twilight. Cortesía del artista.

Carlos Irijalba. Twilight. Cortesía del artista.

Twilight sigue en su línea de cuestionamiento acerca de las formas de representación de lo espectacular, el artista toma como referencia las torres de iluminación de un campo de fútbol –nuestro particular circo romano- y traslada una de ellas al interior de una de las últimas selvas de Europa, en Iratí, al norte de Navarra. Con la extrapolación de este elemento, y su ruidoso grupo electrógeno como fuente de alimentación, se obtiene la evidencia del absurdo a través del que podríamos llegar al origen, a la base misma de insensatez, que hace del mundo un lugar inhabitable para la mayoría. En esta ocasión el trabajo fotográfico se ve arropado por una pieza de vídeo que contribuye positivamente al desarrollo de la idea, como clave de comprensión para el espectador.

Carlos Irijalba. Light alone. Cortesía del artista.

Carlos Irijalba. Light alone. Cortesía del artista.

Recuperando palabras de Walt Whitman: “Con frecuencia hemos escrito la palabra Democracia en letras de molde. Sin embargo, no me cansaré de repetir que el significado real del vocablo está aún dormido, pese a las resonancias y a las airadas tempestades en que se han ido formando sus sílabas. Es una gran palabra cuya historia no se ha escrito aún, creo, porque esa historia está todavía por vivirse”.

Carlos Irijalba. Twilight. Cortesía del artista.

Carlos Irijalba. Twilight. Cortesía del artista.

José Luis Pérez Pont

Fotografías de arquitectura moderna

Fotografía y arquitectura moderna en España 1925-1965
Fundación ICO, Madrid
Hasta el 7 de septiembre
Comisario: Iñaki Bergera

De acuerdo con Thérèse Evette, existen dos tipos de fotografías de arquitectura: las que expresan y las que describen. La tensión entre ambos registros es continua aún cuando, en opinión de Alberto Martín, el primero suele aventajar al segundo como fiel suministrador de iconos inmutables y atemporales de la obra arquitectónica. Establecer las relaciones entre arquitectura y fotografía en España a lo largo de cuatro décadas, las que transcurren desde las vanguardias de los años veinte hasta las soluciones derivadas de la crisis del Estilo Internacional en los sesenta del siglo XX, es el propósito que guía el proyecto de investigación Fotografía y arquitectura moderna en España 1925-1965 a cargo de Iñaki Bergera, arquitecto, fotógrafo y profesor de arquitectura en la Universidad de Zaragoza. De su equipo forman parte investigadores de las universidades de Burgos, Coruña, Madrid, Navarra, Sevilla, Zaragoza y Valencia (Universidad Politécnica y Universidad Europea), quienes durante los últimos años han estudiado numerosos archivos públicos y privados para recopilar el material fotográfico que da testimonio de la arquitectura moderna en España.

Señala Bergera que uno de los propósitos que dirigen la investigación es acometer el estudio de la modernidad arquitectónica a través de sus fotografías, con el ánimo conciliar su «arquitecturalidad» con el registro indicial propio de la mirada de cada fotógrafo que, en ocasiones, es la del propio arquitecto: como autor o como responsable del encargo y, casi siempre, de la selección de imágenes para su archivo y difusión en publicaciones de arquitectura. El progresivo cambio en los códigos de representación de la arquitectura, acorde con la irrupción de los lenguajes de vanguardia que afectaron a todas las disciplinas, así como la atención creciente de los medios de difusión ilustrados por la arquitectura, explican que numerosos fotógrafos se especializaran en arquitectura. Atender a todas estas cuestiones, con las que elaborar una base de datos que actúe como «condensador documental» y sea el origen de reflexiones teóricas de carácter interdisciplinar, es el objetivo que este proyecto se plantea a largo plazo.

Uno de los primeros resultados de la investigación es la exposición que con el mismo título se presenta en la sede de la Fundación ICO en Madrid, incluida en el programa de PhotoEspaña, cuyo montaje, a cargo de Íñigo Beguiristáin & Vaillo + Irigaray Architects, es digno de mencionar y elogiar.

La selección de 200 fotografías en exposición no pretende, señala Bergera, ser un álbum completo de imágenes de la historia y etapas de la arquitectura moderna en España, ni tampoco presentar los edificios más destacados, ni siquiera mostrar las mejores fotografías; lo que se busca es componer una de tantas historias posibles de la fotografía: la que registra la arquitectura moderna en España. De esa historia rescatamos las imágenes que dan a ver la arquitectura moderna en la Comunidad Valenciana.

Dado que todas las fotografías seleccionadas de la Comunidad Valenciana corresponden a edificios realizados a partir de la segunda mitad de los años cincuenta del siglo XX, las miradas de los fotógrafos interpretan la nueva arquitectura con profesionalidad, acorde con la tarea que el arquitecto les encomienda, a riesgo de reiterar fórmulas que banalizan los esquemas modernos, como advierte Alberto Martín en el texto incluido en el estupendo catálogo de la exposición. Es obvio que la rigurosa selección de fotografías evita las excesivamente formalistas desde un punto de vista estético.

 

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de Albatera, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1956)

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de Albatera, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1956)

Joaquín del Palacio (Madrid, 1905-1990), conocido como «Kindel», comenzó a colaborar en la Revista Nacional de Arquitectura en los años cincuenta. Sus fotografías más conocidas son las de los Poblados de colonización en las que supo expresar la abstracción y sencillez compositiva de trazados y volúmenes. Así queda reflejado en las imágenes que realizó de los Poblados diseñados por el arquitecto José Luis Fernández del Amo (Madrid, 1914-Ávila, 1995) que, en opinión de Luis Fernández Galiano, se entienden mejor en términos de las artes plásticas: en todos ellos destaca la abstracción que arrojan los volúmenes de estricto rigor geométrico, el tratamiento de texturas y la querencia por lo esencial que evita lo superfluo. En 1953 Fernández del Amo proyectó el poblado de san Isidro de Albatera, en un lugar que había sido campo de concentración de prisioneros durante la inmediata posguerra. Y Kindel lo registró en sus fotografías.

 

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de El Realengo, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1960)

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de El Realengo, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1960)

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de El Realengo, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1960)

Kindel, Poblado de colonización de san Isidro de El Realengo, de José Luis Fernández del Amo (Alicante, 1960)

En 1961, Fernández del Amo presentó en la VI Bienal de Arquitectura de Sao Paulo algunos de los proyectos de Poblados de colonización entre los que seleccionó los de Albatera y este de El Realengo. El jurado presidido por Niemeyer le concedió la Medalla de Oro. Kindel supo captar en sus fotografías la dimensión plástica de la arquitectura de Fernández del Amo. En las dos imágenes del poblado de El Realengo seleccionadas, Kindel incorpora la presencia de algunos de sus habitantes para acentuar los rasgos de la arquitectura, aunque se percibe cierta intención de carácter humanista, sobre todo en la fotografía de los niños jugando al fútbol en un paisaje seco y austero, ajeno al entretenimiento.

 

Finezas, Facultad de Derecho, de Fernando Moreno Barberá (Valencia, 1959)

Finezas, Facultad de Derecho, de Fernando Moreno Barberá (Valencia, 1959)

La saga de fotógrafos de Valencia integrada por Joaquín Sanchís Serrano, su hijo Manuel y su nieto José Manuel, era conocida como los «Finezas» por lo bien que vestían. El autor de las imágenes en exposición es Manuel Sanchís Serrano (Valencia, 1918-1996) que aprendió de su padre el oficio de fotógrafo. Tras lograr la popularidad con sus reportajes de fútbol decidió especializarse en arquitectura, a partir de los años cincuenta y durante los sesenta. Su atención a las peculiaridades que singularizan las obras de los arquitectos que le encargaron las fotografías queda de manifiesto en esta imagen de la fachada de la Facultad de Derecho de Valencia (hoy Facultad de Filosofía y Ciencias de la Educación), por ser precisamente la solución que Fernando Moreno Barberá (Ceuta, 1913-Madrid, 1998) dio a las fachadas según su orientación, uno de los elementos más innovadores del edificio: la norte es un muro cortina de superficies acristaladas sujetas con perfiles metálicos; la soleada queda protegida con un sistema de brise-soleils de hormigón.

 

Finezas, Estación de servicio Oliva, de Juan Haro Piñar (Valencia, 1960)

Finezas, Estación de servicio Oliva, de Juan Haro Piñar (Valencia, 1960)

A Manuel Sanchís Serrano, «Finezas», recurrió el arquitecto Juan Haro Piñar para fotografiar la estación de servicio de El Rebollet. La fotografía en exposición corresponde a la fachada del restaurante que proyectó junto con el servicio de gasolinera. Sergio Grande García ha descrito esta obra tan compleja como atractiva: espacio cubierto por una composición de superficies alabeadas en forma de paraboloide hiperbólico para la zona administrativa y comercial, mientras que los surtidores de gasolina se encuentran protegidos bajo marquesinas fungiformes de diferentes alturas que imprimen dinamismo al paisaje y suscitan la curiosidad del viajero.

 

Navarte, Seminario Mayor de Santa María, de Luis Cubillo (Segorbe, Castellón, 1966)

Navarte, Seminario Mayor de Santa María, de Luis Cubillo (Segorbe, Castellón, 1966)

El autor de la fotografía es Elías Gil Roca (1911-1995) aunque la firma «Navarte», una empresa de importación y venta de artículos fotográficos de Castellón que desde comienzos de los años sesenta hasta su cierre a finales de los ochenta equiparon a los fotógrafos de toda la provincia, además de revelar sus imágenes. Asimismo, la empresa recibía encargos que subcontrataba a fotógrafos profesionales como es el caso de Gil Roca que dejó el testimonio gráfico del empeño del arquitecto Luis Cubillo (Madrid, 1927-2000) por trasladar las soluciones y recursos de la arquitectura moderna a los espacios de liturgia.

 

Pando, Universidad Laboral de Cheste, de Fernando Moreno Barberá (Valencia, 1970)

Pando, Universidad Laboral de Cheste, de Fernando Moreno Barberá (Valencia, 1970)

Juan Miguel Pando Barrero (Madrid, 1915-1992) aprendió fotografía de arquitectura en el estudio de Mariano Moreno aunque no fue hasta la década de los cincuenta cuando trabajó en esa especialidad. Recibió encargos de Gutiérrez Soto, Sáenz de Oiza, Cano Lasso, Fisac o Moreno Barberá, autor de la Universidad Laboral de Cheste. Del arquitecto se ha destacado su obsesión por explorar la correspondencia entre la estructura y la forma, la repetición de elementos o la reducción formal, así como su atención a las condiciones climáticas que ya se han señalado en la Facultad de Derecho de Valencia. Los severos contrastes de luces y sombras de una arquitectura abierta y extraordinariamente rica en recursos permanecen en las dos fotografías de Pando en exposición.

Chus Tudelilla

 

Pedro G. Romero en la galería Isabel Hurley

Málaga Euskadi da de Pedro G. Romero
Galería Isabel Hurley
Paseo de Reding, 39 bajo (Málaga)
Inauguración: el 31 de enero a las 20h
Hasta el 15 de marzo

Cuando la galería Isabel Hurley invitó al Archivo F.X. a enseñar algunos de sus últimos trabajos en una individual, la mayoría de estas nuevas producciones estaban realizadas a partir de archivos de imágenes de Euskadi y Navarra, dentro del proyecto Una violencia pura, cuya primera fase se presentó en el Museo de San Telmo de Donostia/San Sebastián a lo largo de 2013.

Una de las muchas Entradas elaboradas para esa ocasión era Málaga Euskadi da, en alusión directa a un trabajo de 1986 de los malagueños Agustín Parejo School que, más allá de los lógicas del Archivo F.X., se nos aparecía como fundamental puesto que, en muchos aspectos, para Pedro G. Romero, este colectivo es un referente y, además, hace circular algunas ideas interesantes en relación a su obra. La propia idea de la imagen y su trabajo político; pero también -y de ahí la importancia de la institución que acoge la pieza en su colección- la circulación entre el arte radical, la calle y las instituciones, es decir, el continuo cambio de pedestal que una obra recorre para seguir validándose, recuperando potencia.

Por eso, el primer impulso fue mostrar estos materiales de Agustín Parejo School, sus restos, y ha sido grande el esfuerzo de la galería para conseguirlo. Así, gracias a los prestamos del Macba y a la colaboración del MNCARS, el Festival de Cine Opera Prima Ciudad de Tudela, el Colegio de Arquitectos de Málaga, Mar Villaespesa, Juanjo Fuentes y el propio Pedro G. Romero, estos documentos –pegatinas, carteles, fotografías, audios y vídeos- se pueden mostrar.

Además, esta operación es coherente con la lógica de trabajo del Archivo F.X., situada siempre contra el “aparato” Museo, dispositivo hegemónico en las artes visuales desde mediados del siglo XIX. Recordemos que “contra” no significa sólo oposición, también funciona en expresiones como “contra la pared”, es decir, pegado a ésta, poniendo todo el cuerpo en contacto con su piedra.

Desde finales de los años 90 el Archivo F.X. trabaja en torno a las relaciones entre iconoclastia y movimiento radical moderno. La base para estas operaciones la constituye un vasto archivo gráfico de la iconoclastia política antisacramental en España entre 1845 y 1945, imágenes que se ordenan bajo un índice crítico de términos que provienen de las construcciones visuales del amplio campo del proyecto moderno. Es decir, cristos decapitados, iglesias incendiadas y hostias profanadas bajo entradas como Acéphale, Anarquitectura o Art and Crafts. Un caso particular de funcionamiento: la imagen de las ruinas del Convento de las Capuchinas de Manresa quemado en julio de 1909, que contenía una capilla, una escuela, un obrador de dulces, un comedor para los más pobres y un taller de confecciones aparece bajo la entrada La Casa Invisible, el extraordinario centro social y cultural malagueño. Este tipo de ejemplos son los que constituyen el caudal principal del Archivo F.X., su particular juego de lenguaje.

Julio de 1909. Convento de los Capuchinos de Manresa, después de haberse quemado durante la Semana Tràgica.

La Casa Invisible. Convento de las Capuchinas de Manresa, después de haberse quemado durante la Semana Trágica de 1909. Imagen cortesía de Pedro G. Romero /Archivo FX.

Bajo este paraguas de Málaga Euskadi da podíamos subrayar, también, otra cuestión importante. La arqueología sobre la imagen que realiza el Archivo F.X. no trabaja sobre esa convención que se ha venido en llamar Memoria Histórica. Al menos no solamente. Estás imágenes de templos profanados, santos atacados y burla de liturgias son tan pertinentes en Málaga como en Bilbao. No se trata de recordar nada, ni de levantar secretos al pasado, ni de denunciar públicamente este o aquel exceso de propaganda. Esos son, seguramente, efectos colaterales. El nodo del trabajo del Archivo F.X. es la imagen, sus apariciones, desapariciones y reapariciones. Alguna vez se ha escrito que el punto máximo de aparición de una imagen, su exaltación máxima, es el momento, inmediato, que precede a su destrucción. Es sobre este tipo de paradojas que el Archivo F.X. anda operando.

El bloque principal de trabajos muestra parte del Tesauro: Una Violencia Pura (Málaga Euskadi da), un conjunto de 177 imágenes procedentes de distintos archivos relacionados con Euskadi y Navarra que han entrado en el índice del propio Archivo F.X. Podrán verse en el espacio de la galería en una particular disposición, pero también pueden consultarse a través de la página www.fxysudoble.com. Un especial protagonismo, dentro de este tesauro tienen las Entradas: Guggenheim Bilbao/Pompidou Málaga. En este mismo orden de cosas,  puede verse la Entrada: L’Argent, una pequeña teatralización a partir de la película de Robert Bresson de mismo título, en que la pequeña falsificación de un billete de 100 francos provoca una oleada de asesinatos.

L'Argent

Imagen de la entrada L’Argent. Cortesía de Pedro G. Romero / Archivo FX

Entre otras piezas de la exposición, Los Países, un trabajo fotográfico realizado en Euskadi a partir de un encargo del proyecto Construcción y destrucción del territorio de la Universidad Complutense de Madrid y que, recientemente, la editorial Periférica ha convertido en libro y Las Autovías, trabajo en desarrollo que pretende poner en marcha el viaje turístico que, en 1938, el franquista Servicio Nacional de Turismo –una iniciativa del malagueño Luis Antonio Bolín- proponía recorrer para la Ruta del Frente Norte, desde Oviedo hasta Irún: iglesias profanadas y marcos incomparables, campos de prisioneros y plazas de toros, exaltaciones religiosas folklóricas y ciudades en ruinas.

Junto a todo esto se presenta, también, el Boletín número 9. Documentos y materiales, producido por la Fundación Málaga y la propia galería, una publicación del Archivo F.X., de distribución gratuita, que recoge contenidos coincidentes con muchos de los trabajos dados en exposición. El número contiene una mirada especial desde la óptica de El regreso de Martin Guerre, un trabajo seminal de la historiadora Natalie Zemon Davies y un hito de la historia indicial, la microhistória y las historias social y cultural, nombres todos asignados a una indagación histórica inclasificable.

Pompidou-Málaga-380x289

Entrada: Pompidou, Málaga. Imagen cortesía de Pedro G. Romero / Archivo FX

Colectividades y formas contemporáneas de lo social

Simposio: Colectividades y formas contemporáneas de intervención social
25 de octubre de 2013
Coordinado por: José Luis Pérez Pont
Con la participación de: Javier Martín Jiménez (Hablar en arte), Lurdes Fernández (Off Limits), Núria Güell y Chus Tudelilla.
Horario: 11-14 h. y 16-19.30 h.

Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC)
C/ Prim, s/n. Castellón de la Plana

Con el propósito de aproximarnos a otras formas de gestión de proyectos e
intervención en ámbitos sociales, planteamos un acercamiento a modelos que
desde la colectividad o con la colectividad muestran enfoques plurales que
rompen con la idea del comisariado individual, evidenciando el agotamiento de
la figura del comisario “estrella”, así como las posibilidades que ofrecen estos
enfoques más horizontales aplicados al terreno de lo contemporáneo.

Programa:

Lo público es nuestro / 11.00 h
La calle es el lugar de todos, en ella se manifiesta la diversidad y la pluralidad
de una sociedad, sin embargo son numerosos los signos que pugnan en el
espacio público por definir unas formas de vida que reafirman lo individual
sobre cualquier noción de colectividad. Es precisa una relectura crítica de
nuestro entorno social y político.

José Luis Pérez Pont
Crítico de arte y comisario.
Co-director de MAKMA Revista de artes visuales y cultura contemporánea.
Desarrolla proyectos de edición y comisariado desde un enfoque de análisis y
prospección socia. Entre sus proyectos destaca “Del mono azul al cuello blanco. Transformación social y práctica artística en la era postindustrial”, “Geografías del desorden. Migración, alteridad y nueva esfera social”, “Puntas de flecha. Nuevas trayectorias en el arte contemporáneo valenciano. En el ámbito del arte público, trabaja en diferentes convocatorias de intervención en el espacio público urbano. Desde 1998 comisaría anualmente Art públic / Universitat pública, Muestra de arte público para jóvenes creadores, en la Universitat de València. Entre 2001 y 2004 dirigió Proyecto Calle, convocatoria de arte público de Peralta (Navarra). Desde 2006 dirige Intracity, arte público y mediación social (Xarxa Joves.net).

Comisariado desde la colectividad / 12.30 h
En la actualidad, la figura del «comisario individual estrella», aunque sigue y
seguirá existiendo, comienza a estar en entredicho y evidencia un agotamiento
frente a otros modelos que buscan enfoques plurales y muchas veces más
horizontales. Una de las líneas de trabajo de la asociación hablarenarte: propone una ruptura con sistemas tradicionales, firmando comisariados de manera colectiva, conceptualizados por todo el equipo de hablarenarte:, o poniendo en marcha proyectos que provoquen otra forma de trabajo. Es el caso, por ejemplo, de “Curators’ Network”, un proyecto europeo que lleva ya tres años generando una red de colaboración entre comisarios, que da a conocer a artistas de diferentes países y facilita la conexión entre profesionales del arte internacional creando una comunidad. O el proyecto “Jugada a 3 bandas”, que fomenta el comisariado de exposiciones en galerías de arte privadas, lo que fuerza al comisario a adaptarse a un contexto diferente al que habitualmente trabaja.

Javier Martín Jiménez
Miembro fundador de la asociación hablarenarte: (www.hablarenarte.com) y responsable de la gestión de proyectos como “Curators’ Network” (www.curators-network.eu), “Jugada a 3 bandas” (www.a3bandas.org), “Ingráfica, Plataforma Internacional de Arte Gráfico” (www.ingrafica.org) o Lugares de Tránsito (www.lugaresdetransito.net), entre otros.
Licenciado en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid, ha sido
coordinador general de PHotoEspaña 2007, donde previamente fue director de
actividades (PHE06 y PHE05). Anteriormente fue coordinador de redacción de la
Revista Doce Notas y colaborador de publicaciones especializadas como Lápiz y Sublime. Es miembro fundador y secretario de la federación de asociaciones
culturales de Madrid AAIM (Agentes Artísticos Independientes de Madrid, http://aaimadrid.blogspot.com/).

La ética de las consecuencias como lugar de resistencia / 16.00 h
Con un posicionamiento estricto orientado a generar mecanismos para la
disidencia, el trabajo de Núria Güell aborda y reformula los límites de la
legalidad, detectando los abusos de poder cometidos por las Instituciones que
nos gobiernan a través de la legalidad establecida. Sus proyectos se desarrollan
como tácticas disruptivas en contextos específicos que alteran las relaciones de
poder instauradas, donde siempre se involucra, colabora o se alía con agentes o
colectividades, creando redes multidisciplinarias.

Núria Güell
Graduada en Artes por la Universidad de Barcelona, continúa sus estudios en la
Cátedra de Arte de Conducta en La Habana bajo la dirección de Tania Bruguera. Su trabajo se ha exhibido en La Bienal de La Habana, de Pontevedra, de Liubliana y Liverpool, así como en la Trienal de Tallin, y en museos de Barcelona, La Haya, Madrid, Hertogenbosch, París, Nueva York, Chicago, Miami, Formigine, Londres, Estocolmo, Estambul, Leipzig, Bucarest, Zagreb, Cali y Lima así como en diversos centros sociales auto-gestionados.

Co-creando cultura / 17.15 h
“Hola estás haciendo 1 peli” es una experiencia de creación audiovisual
participativa, una categoría creciente de proyectos que, basándose en los
principios de colaboración, co-creación y participación transforman el papel del
espectador y desestabilizan desde la práctica los roles y relaciones de poder
comúnmente aceptados en el desarrollo y recepción de un proyecto artístico o
cultural. ¿Herramientas de empoderamiento y transformación social?
¿consecuencias lógicas de la era de la información? ¿o nuevos y más
sofisticados modelos de imposición de imaginario?. Durante el encuentro
analizaremos “Hola estás haciendo 1 peli” y otros proyectos participativos
desarrollados con la mediación de Off Limits, y las preguntas que generan en
torno al papel de la cultura y sus agentes en la sociedad red.

Lurdes Fernández
Licenciada en Bellas Artes por el San Francisco Art Institut, es Directora de Off
Limits, espacio independiente situado en Madrid dedicado a la experimentación
artística en el ámbito de las artes visuales y escénicas y empresa dedicada a la
mediación cultural.
Lurdes ha sido Directora Técnica de Artistas Visuales Asociados de Madrid
(AVAM) y Gerente de la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales de España
(UAAV). Previamente colaboró con galerías de arte como Malborough, Max
Estrella y Bárcena & Cia. En el apartado de producción y exhibición artística,
dirigió MAD.03, y ha desarrollado dos proyectos independientes: Espacio de
Arte Garage Pemasa (1999-2001) y espacio Off Limits (2006-actualidad).

Colectivo Brecht / 18.30 h
«A fines de los años veinte, cuando el concepto de colectivos literarios y teatrales se convirtió en una moda, esencialmente en Berlín, le dije en una ocasión: ‘para ti el colectivo es un grupo de personas inteligentes que contribuye a lo que una persona quiere; o sea, lo que tú quieres’. Él reconoció con su peculiar pícara sonrisa que podría no estar demasiado equivocado en ello». El testimonio del escritor Carl Zuckmayer incide en la importancia determinante que lo colectivo tuvo en la obra de Bertolt Brecht, quien señaló que «el acto creativo se ha convertido en un proceso de creación colectiva, un continuo de naturaleza dialéctica en el que la invención original en sí misma, ha perdido gran parte de su importancia». Y no obstante, la autoría de Brecht se impuso a la de sus colaboradores, cuyos nombres apenas son conocidos o completamente desconocidos. La conferencia «Colectivo Brecht» vindica a las personas que colaboraron en sus proyectos, e interroga las posibilidades del concepto colectivo.

Chus Tudelilla
Doctora en historia del arte por la Universidad de Zaragoza, comisaria independiente de exposiciones y crítica de arte.
La investigación es el instrumento eficaz en su aproximación al arte español de los siglos XX y XXI. Ha atendido a las manifestaciones artísticas y visuales de las vanguardias históricas y del periodo de posguerra. Su tesis doctoral está dedicada a la figura de Mathias Goeritz en España. Asimismo ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas de artistas actuales, y es autora de numerosos ensayos. En la actualidad trabaja en proyectos que hunden sus raíces en Bertolt Brecht y Walter Benjamin.

INSCRIPCIÓN
PRECIO: 20 €
PRECIO AMICS DEL EACC: 14 €
INSCRIPCIÓN PREVIA: EACC a través de la pagina web. actividades@eacc.es
FORMA DE PAGO: mediante depósito en BANKIA, nº de cuenta 2038 6452 83
6000022900. Al realizar el pago, es necesario indicar el nombre y apellidos del
titular, además del título del simposio para el que se hace el ingreso.
FIN DE LA INSCRIPCIÓN: 23 de octubre o cuando se cubran las plazas.
PLAZAS LIMITADAS
PARA MÁS INFORMACIÓN: actividades@eacc.es (tel. 964 72 35 40)

Carlos García Peláez. Spray. Graffiti técnico, spray sobre muro. Imagen cortesía del artista

Carlos García Peláez. Spray técnico. Spray sobre muro. Imagen cortesía del artista

Symposium: Contemporary Collectives and Forms of Social Intervention

25 October 2013
Times: 11:00 am – 2:00 pm & 4:00 – 7:30 pm

Coordinated by:
José Luis Pérez Pont

With the goal of engaging with other forms of project management and intervention in various social fields, we wish to afford a vision of different models which, from or with collectives, will rehearse multifaceted approaches that break away from the idea of the individual curatorship, laying bare the exhaustion of the “star” curator, while at once examining the potential of these more horizontal approaches applied to contemporary fields of interest.

The Public is Ours / 11:00 am
The street belongs to everyone. It is the place that best expresses a society’s diversity and plurality. That said, there are many signs in the public space striving to define forms of life that reaffirm the individual over any notion of the collective. The situation calls for a critical rereading of our social and political environs.

José Luis Pérez Pont
Art critic and curator
Co-editor of MAKMA visual arts and contemporary culture magazine. Works with publishing projects and curatorships from the perspective of social research and analysis with public and private institutions. Among his projects are “Del mono azul al cuello blanco. Transformación social y práctica artística en la era postindustrial”; “Geografías del desorden. Migración, alteridad y nueva esfera social”; “Puntas de flecha. Nuevas trayectorias en el arte contemporáneo valenciano. In the field of public art, he works with various projects for intervention in the urban public space. Since 1998 he has curated the annual Art públic / Universitat pública, Muestra de arte público para jóvenes creadores, at the University of Valencia. Between 2001 and 2004 he directed Proyecto Calle, a public art initiative in Peralta (Regional Government of Navarra / Town Council of Peralta). Since 2006 he has directed Intracity, a public art and social mediation project (Xarxa Joves.net).

Curatorship from the Collective / 12:30 pm
At the current moment, the «individual star curator», while still very much alive and expected to live for quite some time yet, is beginning to be questioned and there are certain signs of exhaustion in comparison with other models that look for more plural and more horizontal approaches. One of the working lines of the association hablarenarte: advocates a break with conventional systems, addressing curatorship from a collective stance, conceptualised by the whole team of hablarenarte: or implementing projects that are able to introduce other ways of working. This is the case, for instance, of “Curators’ Network”, a European project already with three years experience in creating a collaborative network among curators, focusing on artists from different countries and facilitating connections between international agents in the art world in order to form a community. Another example is the project “Jugada a 3 bandas”, which encourages curated exhibitions in private art galleries, thus forcing the curator to adapt to a context other than the one in which he usually operates.

Javier Martín Jiménez
Founding member of the association hablarenarte: (www.hablarenarte.com) and in charge of managing projects like Curators’ Network (www.curators-network.eu), Jugada a 3 bandas (www.a3bandas.org), Ingráfica, Plataforma Internacional de Arte Gráfico (www.ingrafica.org) and Lugares de Tránsito (www.lugaresdetransito.net), among others.
After graduating with a degree in History of Art from Universidad Autónoma de Madrid, he went on to become general coordinator of PHotoEspaña (PHE07), where he had previously held the post of director of activities (PHE05; PHE06). Prior to that he had worked at the magazine Doce Notas as editorial coordinator as well as contributing to the magazines Lápiz and Sublime. He is a founding member and secretary of the federation of cultural associations of Madrid AAIM (Agentes Artísticos Independientes de Madrid, http://aaimadrid.blogspot.com/).

Co-creating Culture / 4:00 pm
“Hola estás haciendo 1 peli” is an experience of participative audiovisual creation, a growing category of projects based on the principles of collaboration, co-creation and participation that is transforming the role of the spectator and destabilising, from the practice, the commonly accepted roles and power relations in the development and reception of an art or cultural project. Are they tools for empowerment and social transformation? Or the logical consequences of the information era? Or new and more sophisticated models of imposition of imaginary? During the encounter we will analyse “Hola estás haciendo 1 peli” and other participative projects developed with the mediation of Off Limits, and look at the issues that arise around the role of culture and its agents in the network society.

Lurdes Fernández
Graduate in Fine Arts from the San Francisco Art Institute, is Director of Off Limits, an independent space located in Madrid dedicated to artistic experimentation in the field of visual and performing arts and a company dedicated to cultural mediation.
Fernández has been Technical Director of AVAM (Associated Visual Artists of Madrid) and Manager of UAAV (Union of Associations of Visual Artists of Spain). She has also worked with art galleries like Marlborough, Max Estrella and Bárcena & Cia. In the field of artistic production and exhibition, she directed MAD.03, and has developed two independent projects: Espacio de Arte Garage Pemasa (1999-2001) and Espacio Off Limits (2006-ongoing).

«The Ethics of Consequences as a Place of Resistance» / 5:15 pm
Based on a strict positioning conceived to generate mechanisms for dissidence, the work of Núria Güell addresses and reformulates the limits of legality, focusing on the abuses of power committed by the institutions that govern us through established legality. Her projects are conceived as disruptive tactics in specific contexts to alter established power relations, in which she is always involved, collaborates or allied with agents or collectives, creating multidisciplinary networks.

Núria Güell
A graduate in Art from the University of Barcelona, Güell furthered her studies at Cátedra Arte de Conducta, the performance and time-based arts studies program in Havana under Tania Bruguera. Her work has been exhibited at the biennials in Havana, Pontevedra, Ljubljana and Liverpool, as well as in the Triennial in Tallin, and in museums in Barcelona, The Hague, Madrid, Hertogenbosch, Paris, New York, Chicago, Miami, Formigine, London, Stockholm, Istanbul, Leipzig, Bucharest, Zagreb, Cali and Lima as well as various self-run social centres.

The Brecht Collective / 6:30 pm
«In the late twenties, when the concept of literary and theatrical ‘collectives’ became fashionable, especially in Berlin, I once said to him: ‘For you the collective is a group of intelligent people who contribute to what one person wants—that is, what you want.’ He admitted, with his peculiar sly smile, that I might not be so far wrong as that.» The testimony of the writer Carl Zuckmayer reveals the critical importance that the collective had in the work of Bertolt Brecht, who claimed that «the act of creation has become a collective creative process, a continuum of a dialectical sort in which the original invention, taken on its own, has lost much of its importance.» Nonetheless, Brecht’s authorship imposed itself over his collaborators, whose names are barely known if not completely forgotten. “The Brecht Collective» conference defends the people who worked on his projects, and questions the possibilities of the collective concept.

Chus Tudelilla
A doctor with a PhD in History of Art from the University of Zaragoza, Tudelilla is a freelance exhibition curator and art critic.
Research is her most effective tool in addressing 20th and 21st century Spanish art, focusing on artistic and visual expressions of the historical avant-gardes and the post-war period. Her doctoral dissertation was on the figure of Mathias Goeritz in Spain. She has curated many one-person and group exhibitions of contemporary artists, and has penned countless essays. At the current moment she is working on projects related with Bertolt Brecht and Walter Benjamin.

ENROLMENT
FEES: €20
FEES FOR MEMBERS OF AMICS DEL EACC: €14
PRE-INSCRIPTION: by email actividades@eacc.es
PAYMENT: to BANKIA, account number 2038 6452 83 6000022900. When making payment, please specify name and surname, as well as the title of the symposium.
DEADLINE FOR ENROLMENT: 23 October or until places are filled.
PLACES LIMITED
FOR MORE INFORMATION: actividades@eacc.es (tel. 964 72 35 40)