La subcultura alemana de los ’80

‘Geniale Dilletanten’
Haus der Kunst
Prinzregentenstraße 1. Munich
Hasta el 11 de octubre de 2015

‘Geniale Dilletanten’ (dilletantes geniales), el título deliberadamente mal escrito de un concierto celebrado en el ‘Tempodrom’ de Berlín en 1981, se ha convertido en un sinónimo de una breve época de agitación artística en Alemania. La intensa actividad cultural de este periodo se desarrolló sobre todo en y alrededor de las escuelas de arte y estuvo marcada por la experimentación con géneros trasversales y por el uso de nuevos equipamientos electrónicos; la artesanía musical fue despreciado con frecuencia. La aparición de nuevos sellos discográficos, revistas, galerías y discotecas o clubs, así como la gran cantidad de producción independiente de discos, casetes y conciertos, ilustran el crecimiento de la auto-organización y el espíritu del ‘do-it-yourself’ (hacerlo tu mismo) de este período. A través de adaptar el alemán en vez del inglés como idioma de letras, canciones y nombres de los grupos, los protagonistas de este movimiento nuevo se diferencian del ‘mainstream’, de la corriente principal y tradicional, dando crédito a la afirmación del movimiento para representar un nuevo cambio radical. El protesta y la provocación también llevaron la escena artistica alternativa de Alemania a reconocimiento internacional antes de que se agotó en el mercantilismo como ‘Neue Deutsche Welle’ (Nueva Ola Alemana). La amplia gama de la subcultura se ilustra en la exposición a través de obras de cine, el arte, diseño, moda y siete bandas.

FM Einheit. Concierto de 'Einstürzende Neubauten', Bochum, 1982. Fotografóa de Wolfgang Burat.

FM Einheit. Concierto de ‘Einstürzende Neubauten’, Bochum, 1982. Fotografóa de Wolfgang Burat.

Las bandas perfiladas en la exposición incluyen ‘Einstürzende Neubauten’, un proyecto que exploró los límites entre la música y el ruido con instrumentos hechos de chatarra y objetos de uso cotidiano; ‘Die Tödliche Doris’, que experimentó con diversas formas artísticas como música, cine, fotografía, el arte objeto y con la pintura; ‘Der Plan’, que surgió de una galería de arte y actuó en trajes surrealistas, cantando letras irónicos y sarcásticos; y el grupo ‘Freiwillige Selbstkontrolle (FSK)’, fundado por colaboradores de la revista underground ‘Mode & Verzweiflung’, que en particular se centró en los momentos de disparidad cultural y rechazó la idea de autenticidad. Uno de los lemas más conocidos de FSK fue ‘Heute Disco, morgen Umsturz, übermorgen Landpartie. Dies nennen wir Freiwillige Selbstkontrolle’ (‘Disco hoy, la revolución mañana, el día despues de mañana una excursión campestre. Esto es lo que llamamos autocontrol voluntario’) (1980). También se incluye en la exposición la banda ‘Palais Schaumburg’, cuya música ganó su carácter particular de la combinación de sintetizadores y dispositivos de muestreo acompañados de trompeta y voces extrañas y atonales.

'Geniale Dilletanten'. Subcultura de los años 80, vista de la sala de exposición en 'Haus der Kunst', 2015. Fotografía de Wilfried Petzi.

‘Geniale Dilletanten’. Subcultura de los años 80, vista de la sala de exposición en ‘Haus der Kunst’, 2015. Fotografía de Wilfried Petzi.

Además, en desafío a las circunstancias difíciles, varios artistas y músicos del este de Berlín estaban comprometidos en el proyecto de banda vanguardista ‘Ornament und Verbrechen’, que fue influenciado por el jazz, el industrial y la música electrónica. Por último, el dúo ‘Deutsch Amerikanische Freundschaft (DAF)’ combinó textos provocativos con tambores duros, junto con sonidos de sintetizador y un espectáculo en el escenario atrapado entre frenesí extático y tumulto.

La exposición presenta a los protagonistas y lugares del ambiente artístico en diferentes ciudades alemanas y ofrece información sobre una amplia variedad de redes, así como explorar los desarrollos simultáneos del arte, del cine, de la moda y del diseño. Los miembros del movimiento se reunieron en clubs y escenarios como el ‘Ratinger Hof’ (Dusseldorf), la tienda de discos ‘Rip Off’ (Hamburgo), ‘Kumpelnest’, ‘SO36’ y ‘Risiko’ (Berlín) o en la peluquería ‘Penny Lane’ (Colonia) para tocar y escuchar música, beber y bailar, o desarrollar nuevas ideas. Sus actividades artisticas, incluso los conciertos clandestinos se documentaron a través de películas de Super 8. Al mismo tiempo artistas como Rainer Fetting, Salomé, Markus Oehlen y Jörg Immendorff expresaron mediante sus pinturas la estrecha relcación entre el arte musical y pictórico. Estas pinturas se encajan en la selección de las obras junto con las muestras de audio, revistas y vallas publicitarias.

Martin Kippenberger, Bitte nicht nach Hause schicken (Por favor, no mandar a casa), óleo sobre lienzo, 120 x 100 cm, 1983. Colección privada, Cortesía de Martin Kippenberger, Galeria Gisela Capitain, Colonia.

Martin Kippenberger, Bitte nicht nach Hause schicken (Por favor, no mandar a casa), óleo sobre lienzo, 120 x 100 cm, 1983. Colección privada, Cortesía de Martin Kippenberger, Galeria Gisela Capitain, Colonia.

La incorporación de una película de típo entrevista producida especialmente para la exposición, con una amplia variedad de material fotográfico y de video, muestras de audio, revistas, carteles y otros artefactos documenta la escena. Esta presentación hasta ahora es la más completa de la subcultura de Alemania en la década de 1980. También estará acompañado por un programa de actividades que incluye conciertos y simposios de gran alcance. Las películas que se exhiben en la exposición son de Yana Yo, Helge Leiberg, Brigitte Bühler & Dieter Hormel, Norbert Meissner, Christoph Doering, Ramona Welsh, Reinhard Bock, y Knut Hoffmeister.
‘Geniale Dilletanten’ esta concebido como una exposición itinerante del Goethe-Institut y se ha ampliado considerablemente para su presentación en ‘Haus der Kunst’. La exposición ha sido comisariada por Mathilde Weh, subdirectora del departamento de artes visuales del Goethe-Institut.

'Geniale Dilletanten'. Subcultura de los años 80, vista de la sala de exposición en 'Haus der Kunst', 2015. Fotografía de Wilfried Petzi.

‘Geniale Dilletanten’. Subcultura de los años 80, vista de la sala de exposición en ‘Haus der Kunst’, 2015. Fotografía de Wilfried Petzi.

El groove de ForQ, exclusiva en Jimmy Glass

ForQ
VII Ciclo de Verano
Jimmy Glass Jaz Bar
C / Baja, 28. Valencia
Miércoles 8 de julio de 2015, a las 20.45h

El Jimmy Glass ofrece al público una oportunidad única de conocer a uno de los grupos más modernos e impactantes del momento. Por primera vez en España, actuará ForQ, una nueva formación de estrellas asociada al movimiento de jazz fussion Snarky Puppy, con millones de seguidores en todo el mundo.

La banda, que presentará su álbum de debut homónimo, actúa dentro del VII Ciclo de Verano del club como parte de su primera gira europea que les lleva a Dublín, Londres, Manchester, París, Munich y Róterdam.

Integrantes de la banda neoyorquina ForQ. Imagen cortesía de Jimmy Glass.

Integrantes de la banda neoyorquina ForQ. Imagen cortesía de Jimmy Glass.

La formación está compuesta por tres de los integrantes de Snarky Puppy: el bajista Michael League, líder y fundador, ganador de un Grammy; el guitarrista Chris McQuen y el baterista Jason Thomas, miembro a su vez del RH Factor de Roy Hargrove. Completa el grupo el teclista Henry Hey, componente de la contundente Rudder, banda de groove extreme en la que milita el saxofonista Chris Cheek.

SEDE EN NUEVA YORK

Con sede en Nueva York, donde no paran de ganar adeptos y llenar espacios, los de ForQ todavía conservan una voz distinta de sabor tejano, marcada por las raíces culturales de Michael League y Jason Thomas, de nuevo juntos para reavivar su empatía, forjada desde los años en que tocaban con el legendario teclista Bernard Wright.

 

Formación de la banda neoyorquina ForQ. Imagen cortesía de Jimmy Glass.

Formación de la banda neoyorquina ForQ. Imagen cortesía de Jimmy Glass.

Papeles privados en el Cervantes de Munich

Papeles privados
Diálogo entre la Colección Tomás Ruiz y la Colección DKV
Instituto Cervantes de Munich
Alfons Goppel Strasse 7. Munich
Hasta el 16 de enero de 2015

La exposición ‘Papeles Privados’, fruto del diálogo entre la Colección Tomás Ruiz y la Colección DKV,  comisariada por Alicia Ventura y Marta Ruiz Espinós, podrá visitarse en Múnich hasta el 16 de enero de 2015 y después recorrerá, a lo largo de ese mismo año, otras sedes europeas del Instituto Cervantes, entre ellas, la de Berlín, Varsovia, París y Lisboa.

El proyecto expositivo ‘Papeles Privados’, fruto de la colaboración institucional entre el Instituto Cervantes, DKV Seguros y el coleccionista Tomás Ruiz podrá visitarse en la sede del Instituto Cervantes en Múnich. La exposición fue inaugurada el jueves 30 de octubre por el Director del Instituto Cervantes en Múnich, Ferrán Ferrando, el coleccionista Tomás Ruiz, y las comisarias de la exposición Marta Ruiz Espinós y Alicia Ventura.

Dibujo de Juan Carlos Nadal en la exposición 'Papeles privados', diálogo entre la Colección Tomás Ruiz y la Colección DKV en el Instituto Cervantes de Munich. Imagen cortesía de los organizadores.

Dibujo de Juan Carlos Nadal en la exposición ‘Papeles privados’, diálogo entre la Colección Tomás Ruiz y la Colección DKV en el Instituto Cervantes de Munich. Imagen cortesía de los organizadores.

‘Papeles Privados’ muestra importantes obras de algunos de los creadores más interesantes del panorama artístico actual español, resaltando la importancia de la obra sobre papel en las colecciones privadas y corporativas en España a partir de un diálogo entre la Colección Tomás Ruiz y la Colección DKV.

Tomás Ruiz es un importante coleccionista de arte contemporáneo, cuya colección presta una especial atención a la obra sobre papel. Los fondos de la Colección DKV y la Colección Tomás Ruiz convergen en muchos puntos, compartiendo obras no sólo del mismo autor sino incluso de la misma serie, lo que nos da una idea de la complicidad entre estos dos proyectos de coleccionismo. De esta manera, el diálogo entre las dos colecciones permite explorar las múltiples posibilidades temáticas y formales del dibujo contemporáneo.

Dibujo de Xavier Arenós en la exposición 'Papeles privados', diálogo entre la Colección Tomás Ruiz y la Colección DKV en el Instituto Cervantes de Munich. Imagen cortesía de los organizadores.

Dibujo de Xavier Arenós en la exposición ‘Papeles privados’, diálogo entre la Colección Tomás Ruiz y la Colección DKV en el Instituto Cervantes de Munich. Imagen cortesía de los organizadores.

En este sentido, el Instituto Cevantes, coorganizador de este proyecto, continúa impulsando la colaboración entre instituciones públicas y privadas, para mostrar lo mejor de la cultura española en el exterior, siendo una vez más la institución pública de referencia en la difusión cultural de España en el exterior.

La colaboración entre Tomás Ruiz y DKV Seguros no es nueva. La exposición ‘Papeles Privados’ se presentó en 2011 en la Universidad Politécnica de Valencia con un gran éxito de público y de la crítica especializada. A lo largo del año 2015, el Instituto Cervantes va a itinerar la exposición ‘Papeles Privados’ por los Institutos Cervantes con sede en Berlin, Varsovia, París y Lisboa. A partir del año 2016, está previsto que haga escala en otras sedes del Instituto Cervantes.

Este nuevo proyecto expositivo da continuidad al formato de diálogos de la Colección DKV con otras colecciones públicas, privadas y corporativas  como con el Museo Patio Herreriano, la Fundación Banco Sabadell o la Colección Pilar Citoler.

Dibujo de José Luis Serzo en la exposición 'Papeles privados' del Instituto Cervantes de Munich. Imagen cortesía de las colecciones Tomás Ruiz y DKV.

Dibujo de José Luis Serzo en la exposición ‘Papeles privados’ del Instituto Cervantes de Munich. Imagen cortesía de las colecciones Tomás Ruiz y DKV.

El arte como herramienta terapéutica

El arte es un gran estímulo para la innovación, la creatividad y contribuye a mejorar la salud de las personas. Por este motivo, DKV Seguros impulsa un programa de arte, ARTERIA DKV, a través del cual promueve diferentes acciones encaminadas a fomentar la creación artística, como una vía de comunicación y expresión, un motor de salud y una forma de potenciar el pleno desarrollo personal.

Dentro de este programa, se encuentran diversas iniciativas como la Colección DKV, cuyas obras visitan espacios de diferentes ciudades españolas, el concurso Art30 y la iniciativa Fresh Art, que difunden la obra de jóvenes artistas, o la cátedra de empresa DKV Arte y Salud en colaboración con Facultad de  Bellas  Artes de la Universitat Politècnica de València (UPV),  que pretende colaborar en la formación de nuevos artistas.

Dibujo de Juan Cuéllar en la exposición 'Papeles privados', diálogo entre la Colección Tomás Ruiz y la Colección DKV, en el Instituto Cervantes de Munich. Imagen cortesía de los organizadores.

Dibujo de Juan Cuéllar en la exposición ‘Papeles privados’, diálogo entre la Colección Tomás Ruiz y la Colección DKV, en el Instituto Cervantes de Munich. Imagen cortesía de los organizadores.

El EACC se prepara para Chiharu Shiota

Chiharu Shiota. Cartas de agradecimiento
Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC)
C/ Prim, s/n. Castellón
Inauguración: 26 de septiembre, 20 h.
Hasta el 11 de enero de 2015

El trabajo de Chiharu Shiota (Osaka, 1972) no sólo hace referencia al uso de los hilos y nudos, sino también nos muestra el viaje de su historia personal a través de temas como la soledad, la diáspora, la incomunicación del ser humano y, en definitiva, distintas memorias encerradas en los objetos usados por la artista: desde las maletas de su instalación Accumulation: Searching for the Destination, hasta las camas, zapatos, vestidos de novia o pianos. Todos ellos aparecen envueltos en una maraña de hilos que en parte los ocultan y los desproveen de su materialidad hasta convertirlos en evanescentes y sutiles recuerdos.

Desde sus años como estudiante de pintura en la Seika (Universidad de Kyoto), entre 1992 y 1996, previos a su traslado y definitivo establecimiento en Berlín, Shiota ya había estado usando los hilos de lana con los que ataba objetos en los pasillos y las escaleras de la escuela como una manera de desafiar el restrictivo uso de la pintura y del papel y con la voluntad de dibujar líneas en el espacio.

Líneas que se entrelazaban y se separaban las unas de las otras creando «otro» espacio en el espacio, un mundo propio. Ya en estos trabajos previos los hilos entrecruzados (como si estuviera protegida y prisionera a la vez por ellos) funcionaban tanto como una manera de vincular a los seres humanos entre sí como imagen del mundo espiritual de la artista y de sus memorias, en definitiva, un símbolo de las relaciones humanas. Como por ejemplo una de sus primeras exposiciones Breathing from Earth, en Munich, en la que la artista dormía dentro de los hilos negros.

En su instalación Reflections of the Past, una red densa y opaca envolvía y semiocultaba un espejo antiguo roto, entendiendo el acto de romper el espejo como un acto de separación, pérdida o incluso muerte.

La obra In Silence, atrapaba en su red de más de 170 kilómetros un piano antiguo, que como los pianos preparados de John Cage, reduce el sonido del instrumento al puro silencio.

También en el interior de un túnel tejido de hilos negros (State of Being), como una «verdadera mujer araña» (llevando a un plano real las metáforas de las que ser servía la artista Louise Bourgeois), la artista nos mostraba otro de sus objetos «semiocultos». En este caso un solemne vestido de novia colgado del techo que, como ocurre con el resto de los objetos, busca representar la vida de la supuesta persona que lo ha habitado, su memoria.

Algo parecido ocurría con uno de los primeros objetos que Chiharu Shiota colocó en su red de hilos: una reliquia personal, un fragmento del cordón umbilical de la artista que su madre, siguiendo una tradición japonesa, guardaba como símbolo de una permanente conexión entre madre e hija.

El cordón umbilical junto con la sangre explicarían una nueva serie de obras que la artista titula Red line, un conjunto de dibujos realizados con las manos que actúan a modo de pinceles no con pigmento rojo sino con sangre.

La sangre es un fluido que alimenta los órganos vitales y, a la vez, es símbolo de la herida, la enfermedad y la muerte. Porque, como dice la artista: «En la sangre siempre se condensa el rastro de una pertenencia –el país, la nación, la religión, la familia– todo lo que somos se representa en el fluido sanguíneo de las personas». Todo ello desde una clara actitud performativa que atestigua la vinculación de la artista con el trabajo de Marina Abramovic y Rebecca Horn, por no hablar de sus vínculos, eso si mucho más indirectos, con la obra de Ana Mendieta en los que el cuerpo y la naturaleza se fusionan desde un punto de vista ritualístico.

La concentración de los materiales orientados a un proceso físico cobra especial relevancia, situándose al borde de los movimientos contemporáneos del Arte Japonés, entusiasmados por los medios de comunicación electrónicos y, principalmente, la conexión cultural establecida entre la tradición y la adaptación a un mundo hipermoderno.

En ocasiones las instalaciones de Shiota se convierten en una maraña de hilos que envuelven cuerpos y objetos personales donde el espectador es invitado a contemplar este mundo mágico que se esconde tras ellos. Donde las chicas que duermen vestidas de blanco pueden ser insectos atrapados en las redes de una gran araña que está esperando a tener hambre. En cualquier caso se trata de respetar la paz y tranquilidad hasta que despierten y las camas queden vacías.

Vacías como las teclas de un piano rodeadas de hilos. El vacío que provoca el silencio. ¿Y qué sería de la música si sólo existiera un enorme silencio? Chiharu Shiota posee la misteriosa capacidad para dotar a su mundo de una fragilidad cuyas hebras individuales pueden llenar una habitación, remitiéndonos a una experiencia, una vida o a un espíritu infinitamente paciente.

Los hilos que utiliza son en su mayoría de color negro, rojo y en ocasiones su efecto combinado. La tendencia a llenar el espacio es comparable al efecto del humo en el mismo, como si los objetos fueran atrapados en el acto de la quema en silencio los unos con los otros.

A nadie se le escapa la potencia melancólica de sus instalaciones generada mediante redes trenzadas alrededor de recuerdos, de objetos congelados en el tiempo, anclados en un lugar y en un espacio ciertamente inquietante. De este modo, Shiota crea dramatizaciones artísticas espaciales entendidas como reformulaciones constantes de su relación con el arte. De ahí que cada pieza sea una respuesta directa, física y emocional resuelta en paralelo con el espacio expositivo que la acoge.

Para esta artista el sentido del arte sólo existe cuando el creador y el instrumento ha perdido su función respectiva. De este modo Shiota restablece la conexión en el triángulo de percepción del arte que se creía «perdido» en el que las categorías aparentemente autónomas de: «obra de arte», «artista» y «observador», criticadas explícitamente por la performance, se disuelven en favor de una red que constantemente se desplaza del sujeto al objeto.

Chiharu Shiota, actualmente afincada en Berlín, estudió Bellas Artes en la Universidad de Kyoto y posteriormente en Alemania. Expone regularmente en Madrid (Galería Nieves Fernádez), París (La Maison Rouge y Galerie Daniel Templon), Nueva York (Haunch of Venison), Londres (Hayward Gallery), Helsinki (Kiasma Museum), Berlín (Neue Nationalgalerie), Osaka (National Museum of Art) o Hiroshima (Museo de Arte Contemporáneo), entre otras ciudades. Recientemente ha sido seleccionada para representar a Japón en la Bienal de Venecia de 2015.

Para el Espai d’art contemporani de Castelló, Shiota realizará una nueva instalación de carácter específico concebida ex profeso para la sala y el contexto en el que se ubica, contando así con la participación desinteresada de diferentes personas de la ciudad de Castellón y su provincia. Su instalación, titulada Letters of Thanks, ha sido realizada anteriormente en el Museum of Art, Kochi, en Japón.

«El lugar donde uno duerme está destinado a la estrechez íntima del sueño, no a la amplitud pública de la vista panorámica. Las miradas hacia el interior, son siempre, miradas perturbadoras, hirientes, prohibidas…» «La creación con hilos es un reflejo de mis propios sentimientos. Un hilo es un corte o un nudo, una lazada, o suelta, o a veces enredada. Un hilo puede ser reemplazado por sentimientos o por relaciones humanas. Cuando utilizo hilo, no sé cómo mentir. Si estoy tejiendo algo y resulta ser horrible, enredado o anudado, entonces así deben haber sido mis sentimientos mientras estaba trabajando.» Chiharu Shiota

Chiharu Shiota. Letters of Thanks en el Museum of Art, Kochi, en Japón. Imagen cortesía EACC.

Chiharu Shiota. Letters of Thanks en el Museum of Art, Kochi, en Japón. Imagen cortesía EACC.