Cuando fuimos jóvenes

La València d’El Flaco
La Nau de la Universitat de València
C / Universitat, 2. València
Hasta el 27 de agosto de 2017

José García Poveda, más conocido como El Flaco. Treinta años con la cámara colgada del hombro o como máscara. Como un tercer ojo con el que escudriñar y capturar la realidad cambiante de su entorno. Siempre a pie de la noticia; su nombre, a pie de foto. Alto, espigado, lacónico, afable y flemático, El Flaco hace realidad el célebre proverbio “una imagen vale más que mil palabras”. Quien habla poco puede decir mucho a golpe de flash. Y en la exposición que se exhibe en La Nau hasta el 27 de agosto, ‘La València d’El Flaco’ cuenta una historia. Una larga historia que es la de una ciudad que un día vivió vientos de ilusión y grandes cambios que luego quedaron en agua de borrajas. Los nostálgicos melancólicos de lágrima fácil tendrán ocasión de conmoverse al adentrarse  en este laberinto de espejos que nos refleja en un mosaico de rostros y lugares tal como éramos. Tal como fuimos cuando éramos más jóvenes y algunos incluso guapos.

Miralda y Martín. 1985. El Flaco. Imagen cortesía de La Nau

Miralda y Martín. 1985. El Flaco. Imagen cortesía de La Nau

“Tras preparar la muestra La Habana del Flaco para el MuVIM, pensé que estaría bien hacer también una dedicada a Valencia, una suerte de homenaje a esta ciudad que me acogió con los brazos abiertos”, dice García Poveda. “Así que me puse a revisar los archivos y fui seleccionando lo que me parecía más interesante para mí y para el público en un periodo que cubre desde los ochenta hasta 2004, el paso de lo analógico al digital”.

Con la ayuda de Paco Mora, autor de las copias, y de Norberto Piqueras, experto en exposiciones de La Nau, el proyecto antológico fue tomando forma, con el aditamento de un audiovisual obra de Viernes Producciones. En sólo los primeros quince días visitaron la exposición 5.000 personas, y más de uno vuelve a por doble ración.

Chirbes. 1997. El Flaco. Imagen cortesía de La Nau.

Chirbes. 1997. El Flaco. Imagen cortesía de La Nau.

Una galería de más de 300 imágenes en blanco y negro y distinto formato dividida en varias secciones (Cultura, Sociedad, Política, Noche y Ciudad),  en la que el espectador se sumerge en un pasado reciente que a veces parece remoto. Personajes anónimos como el ciclista ecológico o héroes de la calle, como la entrañable Blanquita del barrio del Carmen que murió arrollada por una moto. También otros fallecidos célebres como Ovidi Montllor, Andreu Alfaro, Rafael Chirbes…”Chirbes fue un gran amigo”, comenta García Poveda. “Casi siempre he mantenido muy buena relación con las personas que he fotografiado, sobre todo, con la gente del teatro y artistas en general”.

En una sección de la muestra ha montado un pequeño altar en homenaje a sus queridos perros, Neru y Ona, una gran reproducción al taller de la calle Turia donde trabajaba, y no podía faltar la foto de familia de los fundadores de Cartelera Turia en la que El Flaco lleva toda una vida en imágenes.

La Marxa. 1987. El Flaco. Imagen cortesía de La Nau.

La Marxa. 1987. El Flaco. Imagen cortesía de La Nau.

Su exposición es un caleidoscopio en blanco y negro con múltiples facetas que dibujan un tiempo de sueños a punto de cumplirse, de esperanza en un cambio a mejor, que luego se truncaron. Un momento de efervescencia de la vida nocturna de la ciudad con la revitalización del centro histórico, donde bares y cafés funcionaban como espacios de agitación política y cultural. Muchos de ellos ya desaparecidos: la Marxa, La Torna, Café Malvarrosa, Café Lisboa, Cabaré Pachá… Noches de blanco satén y de estreno en el Valencia Cinema, en Teatro Olympia, o de rock en la Sala Pachá o la Plaza de Toros.

Rita y Camps. 1991. El Flaco. Imagen cortesía de La Nau.

Rita y Camps. 1991. El Flaco. Imagen cortesía de La Nau.

Las imágenes también relatan  la creación de los primeros grandes contenedores culturales para la ciudad, la proyección como capital mediterránea, la Mostra de Cinema, la Trobada de Música, Encontre d’Escriptors, vocaciones culturales que con la llegada de la derecha se esfumaron. Y el inevitable desfile de los políticos desde una juvenil Rita Barberá a un trajeado Camps todavía con pelo en la cabeza, la barba y el velero de Lerma o los rizos de Ciscar, además de la exótica belleza de Carmen Alborch.

El proyecto se completa de un catálogo que aborda aspectos políticos, sociales y culturales de ese periodo, así como un acercamiento personal al autor y a la repercusión de sus imágenes, con textos de Carmen Alborch, Alfons Cervera, Carles Gámez, Javier de Lucas y Abelardo Muñoz.

Rubianes y Joglars en Negrito. 1987. El Flaco. Imagen cortesía de La Nau.

Rubianes y Joglars en Negrito. 1987. El Flaco. Imagen cortesía de La Nau.

Bel Carrasco

Julio Llamazares, la pasión de escribir

Charla de Julio Llamazares
Con motivo de la Festa del Llibre de Muro

Escribir es mi manera de estar solo, mi manera de estar en el mundo. Siempre me recuerdo escribiendo, es más, no sé cómo se vive sin escribir”. Son las palabras de Julio Llamazares en la conferencia que ofreció en Muro en la Festa del Llibre. Llamazares la tituló ‘El oficio de mentir’, una reflexión sobre el género narrativo. 

Llamazares transmite la pasión serena del escritor, el encanto y la magia que puede provocar la lectura de un libro. Infunde ganas de leer, de recuperar el tiempo perdido, añadir más historias a nuestra vida a través de la ficción.

“Una forma de recuperar el tiempo y no perderlo es escribiendo, leyendo, haciendo las cosas que nos hacen pensar más, sentir más, saber más y vivir más. Porque  al fin y al cabo, las novelas son vidas que pudimos vivir pero que no vivimos- explica Julio Llamazares. Cuando lees, estás viviendo la vida de Don Quijote, de Madame Bovary, de Ulises cruzando el Mediterráneo, o de cualquiera de los personajes. Leer te hace vivir mucho más. Para eso sirve la lectura, para ver el mundo con mayor profundidad porque incorporas a tu mirada la mirada de otros escritores o de otros artistas”.

El escritor y periodista leonés ejerce una literatura comprometida, alejada del entretenimiento. “Ahora abunda mucho lo del best-seller que son novelas para entretener. Yo no escribo para entretener a nadie, yo escribo para conmover, para hacer sentir, para hacer pensar. Yo escribo para remover la conciencia de la gente”.

Julio Llamazares en plena charla. Imagen de Fina Bernat.

Julio Llamazares en plena charla. Imagen de Fina Bernat.

La novela, el arte de mentir.

Cuando un escritor, según Llamazares, empieza una novela ejerce el oficio más viejo del mundo que  no es el de la prostitución, sino el de contar mentiras.

“Escribir puede que no  sea más que una manera de seguir mintiendo después de la infancia sin tener que avergonzarnos ante las demás personas. Qué es sino contar mentiras: narrar historias imaginarias y sucesos y anécdotas inventados por personajes que jamás han existido en la realidad”.

La mentira puede ser una herramienta que nos permite conocer algo más.

“Las mentiras sirven para soportar el miedo, para ahuyentar los fantasmas, para entretener las noches y, sobre todo, para tratar de entender la vida”.

Llamazares opina que una determinada novela, un cuadro, una película, una fotografía, un paisaje, influyen sobre nosotros y ya no somos exactamente los mismos.

“Una novela, como un cuadro o una película no es otra cosa al final que el poso, la sensación que nos queda de ella cuando hemos olvidado sus mentiras. Por ejemplo: ‘El Jarama’ o la película ‘Casablanca’. Lo que de verdad Rafael Sánchez Ferlosio, el autor de ‘El Jarama’, o Michel Curtiz, de ‘Casablanca’, querían contarnos con ellas es esa sensación lejana que nos queda cuando hemos olvidado su argumento. Una sensación lejana desolada en una, nostálgica en la otra, melancólica y épica en ambas que permanece en nuestro recuerdo y que ni siquiera el tiempo podrá borrar de nuestra memoria porque ya ha pasado a formar parte de nosotros”.

La fascinación por la mentira es tan hipnótica que con el paso del tiempo el autor ya no recuerda la parte verídica y la inventada de sus relatos.

“A estas alturas de mi vida y de mi obra literaria, yo no tengo ya duda alguna que ese placer de narrar, de contar, de mentir, el placer de ejercer el oficio más viejo del mundo es el único que me mueve cuando me pongo a escribir un cuento o una novela. En cualquier caso confieso que lo hago, lo mismo ahora que de niño, aunque entonces, claro está, no lo sabía,  para engañar al tiempo, mi único, invencible y verdadero enemigo”.

‘La lluvia amarilla’, su libro más vendido.

Su segundo libro ‘La lluvia amarilla’, es su novela más vendida y traducida en todo el mundo.

Julio Llamazares, tras la portada de Las Rosas de Piedra. Imagen de Fina Bernat.

Julio Llamazares, tras la portada de Las Rosas de Piedra. Imagen de Fina Bernat.

Llamazares explicó que pensaba no iba a tener tanta repercusión.

“En plena época de la Movida escribir una novela sobre la desaparición del mundo rural, sobre la historia del último habitante de un pueblo abandonado, era una provocación. Cuando mandé la novela a la editorial, le dije a Mario Lacruz, director de Seix Barral: ojo, que con esta novela no vamos a vender ni mil ejemplares. Era una novela sobre el mundo rural en extinción y un monólogo de 200 páginas. Y me dijo Mario Lacruz: bueno, ya veremos”.

Llamazares nació en Vegamián, un pueblo de León que fue inundado para el embalse del Porma. Su población es la base de su novela, ‘Distintas formas de mirar el agua’, la novena que escribe y la última hasta el momento.

“Yo nací allí por casualidad, mi padre era el maestro de la escuela. La primera vez que vi mi pueblo lo vi con 28 años, cuando vaciaron el embalse. Estuve en la casa donde nací, llena de algas y truchas muertas. Esto es como si tu ves a tus padres por primera vez cuando sacan los huesos de la tierra. Yo empecé a tomar conciencia a raíz de ver las ruinas de mi pueblo cuando vaciaron el pantano. Hablando con mucha gente noté lo que significa  ese desarraigo de no poder volver jamás”.

“Estaba condenado a contar esa novela y la publiqué el año pasado. Es la novela que más rápido he escrito y lo hice en un año. Y surgió sin pretenderlo. Empezó a brotar como la fuente de la memoria. Habla de la experiencia a través de la mirada de toda una familia de 17, 18 miembros que van a tirar las cenizas del abuelo. Cada capítulo es lo que piensan la viuda, los hijos, los yernos, la nuera, los nietos y cómo la memoria se va difuminando”.

Algunas de sus obras en una imagen de Fina Bernat.

Algunas de sus obras en una imagen de Fina Bernat.

Julio Llamazares habla de la España creciente y la menguante. La segunda es la escondida, de la que no se habla casi nunca, que coincidiría geográficamente con la zona interior del país. Recalca que ‘La lluvia amarilla’ sigue vigente porque en España hay en estos momentos más de 5 mil pueblos abandonados y se calcula que de aquí al 2020 quedarán vacíos otros dos mil o tres mil.

Considera que existe un menosprecio hacia los pueblos.

“Hay una cierta mirada despectiva en España sobre lo rural, sobre los pueblos. Vivimos en una sociedad que curiosamente desprecia todas sus raíces”.

Ahora prepara el segundo volumen de ‘Rosas de piedra’, la segunda entrega del libro de viajes por las catedrales de España. Recientemente ha visitado lo que denomina las catedrales de Levante que son las de Segorbe, Valencia, Orihuela y Murcia.

En un coloquio con los alumnos del Instituto de Muro explicó por qué no quiere recibir premios.

“El único premio para un escritor es que le lean, todo lo demás forma parte de la sociedad del espectáculo y de la corrupción literaria”.

Carles Figuerola

Somshow: Querido Cabaret

Somshow, por 1920 Company
Con Carmen Cardo, Luis Llamas, Pascal Peris y Annie Tebar
Sala Russafa
C/ Denia, 55. Valencia
Todos los sábados de noviembre, a las 23.00h

Medias de red, taconazos, corsés, boas de plumas, purpurina. Kilos de maquillaje y kilómetros de pestañas postizas. Desfachatez, provocación, ilusionismo, frivolidad, impostura. Mujeres voluptuosas que resultan ser hombres y viceversa. Canciones, contoneo de caderas y chistes subidos de tono. Erótica pícara y desenfadada. Humor de sal fina y gruesa. La realidad reflejada en espejos deformantes que la transforman y la hacen más brillante y atractiva.

Los cuatro integrantes de Somshow. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Los cuatro integrantes de Somshow. Imagen cortesía de Daniel Santo Coronado.

El viejo cabaret nunca muere y se mantiene en plena forma. Para demostrarlo ahí está ‘SomShow’, la apuesta de esta temporada dentro del  ciclo Las Golfas de Russafa, que se representa los sábados, a las 23 horas en la sala de este nombre.  Es el sonado regreso de la mítica 1920 Company, cuatro actores y amigos: Pascal Peris, Carmen Cardo, Luis Llamas y Annie Tebar.

Treinta años después de su iniciación en el género, vuelven para demostrar que el tiempo no ha hecho mella en ellos y, de paso, despertar la risa a un público con ganas de olvidar la eterna crisis y la oleada de corrupción que invade las noticias diarias. El éxito de las primeras funciones augura una prolongación de su número hasta diciembre.

“Decidimos volver a revivir el cabaret por la amistad que nos une y para hacernos un regalo a nosotros mismos”, dice Peris. “La sorpresa ha sido ver la gran aceptación por parte del público”.

Cartel anunciador del espectáculo Somshow. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Cartel anunciador del espectáculo Somshow. Imagen cortesía de Daniel Santo Coronado.

A lo largo de casi una hora ininterrumpida de marcha, ‘Somshow’ ofrece un recorrido por las distintas facetas del cabaret: revista vodeville, music hall, erotismo, transformismo, etcétera. “El espíritu del cabaret ofrece una visión lúdica de la vida”, afirma Peris. “Una visión sin complicaciones  con un punto de crítica pero sin mala leche ni ensañarse”.

Durante los años ochenta, década de transgresión y libertad, el cabaret vivió en Valencia una edad dorada con locales míticos como Belle Époque, La Bôheme, y figuras como Miguel Bras o Margot, cuyo nombre oficial es Antonio Campos, sobre quien Quique Belloch proyecta un audiovisual que  cuenta su vida y milagros.

“Nuestro montaje es un homenaje al cabaré valenciano de los ochenta pero actualizado, con la mirada de quien ha aprendido de la vida y se ríe con más ganas. La mirada de quien no se deja amargar por la experiencia, sino que encuentra en ella un gancho de complicidad con los espectadores”, dice Peris.

Escena del espectáculo Somshow. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Escena del espectáculo Somshow. Imagen cortesía de Daniel Santo Coronado.

La noche valenciana en los ochenta cobijaba una docena de salas en las que se ofrecían espectáculos de cabaret y afines. Una válvula de escape a las penalidades de la Transición. “Ahora la noche está muerta en ese sentido”, dice Peris. ”Tal vez a esa ausencia se debe en parte el éxito que ha cosechado nuestro espectáculo. Sobre todo entre gente de más de 40 años que añora el pasado y tiene ganas de reírse un rato y olvidar sus penas”, concluye Peris.

El espectáculo remite pues a un contexto similar al de los años de la Movida, cuando los shows de variedades y transformismo, que tenían como referencia el cabaret de los años veinte, triunfaban en España. ‘Somshow’ evoca esa época, desvelando lugares, anécdotas, personajes y estilos que marcaron una escena hoy prácticamente olvidada.

Los dramaturgos Jerónimo Cornelles, Chema Cardeña, Nacho de Diego y Eduard Costa han colaborado en el guión, aportando su particular versión de la actualidad. ‘SomShow’ reivindica y actualiza un estilo de enfrentarse a la realidad muy nuestro, plagado de sentido del humor e ironía, en un musical desenfadado y atípico.

Los cuatro integrantes de Somshow. Imagen cortesía de Sala Russafa.

Los cuatro integrantes de Somshow. Imagen cortesía de Daniel Santo Coronado.

Bel Carrasco

Guía para aterrizar en MARTE

Programación de actividades de MARTE:

La Feria Internacional de Arte Contemporáneo Marte tiene entre sus objetivos la socialización del arte, por eso tiene entrada libre el jueves 11 de septiembre de 17h a 20’45h y de viernes a domingo de 11h a 14’30h y de 17h a 20’45h. Todas las actividades programadas son gratuitas.

Palau de la Festa 1

Este es el arte que defienden en su BASE SPACE:

Fundada en 1992, Cavecanem (Sevilla) parte de la idea tradicional de una galería para adaptarse y reinventarse ahora, veinte años después de su creación, en una oficina de servicio integral para el coleccionista de arte contemporáneo que ofrece asesoramiento, formación y divulgación, que se acerca a la innovación a través de las artes plásticas y pretende servir de plataforma para nuevos artistas. Presenta fotografías de Laura León (Sevilla, 1976) reportera gráfica de The New York Times, Der Spiegel, Le Monde y Times Magazine, entre otros, y Ocaña, que con su arte sentó las beses de la nueva cultura underground de la movida de Barcelona y posteriormente la madrileña.

Espacio Valverde (Madrid) tiene algo mágico y espontáneo. Jacobo Fitz-James Stuart, co-director junto con Asela Pérez, considera que la clave de su espacio está en la autenticidad, y por eso muestran las originales obras de  Robert Ferrer (Valencia, 1978),  Hugo Bruce (Reading, 1969) y Luis Vassallo (Madrid).

Robert Ferrer. Circles. Díptico en papel, tela y metacrilato, 2012. Cortesía de MARTE.

Robert Ferrer. Circles. Díptico en papel, tela y metacrilato, 2012. Cortesía de MARTE.

La Galería Sicart (Vilafranca del Penedès, Barcelona), aporta una de las apuestas más atrevidas de artistas jóvenes, haciendo especial hincapié en expresiones artísticas como la fotografía, el video, el dibujo, la pintura, los objetos y la instalación. Podemos ver una selección de obras de sus artistas Arturo Aguiar, Alejandra Alarcón, Nicanor Araoz, Lluís Barba, Diego Beyró, Muu Blanco, Calderón & Paulete, Marta Espinach, Patricio Gil Flood, Lidó Rico, Ruth Morán, Navarro Vejo, Gisela Ràfols, Silva Hauyón, Eulàlia Valldosera y Santiago Ydáñez.

La Galería Cànem (Castellón) era indispensable. Su labor en la difusión y promoción del arte contemporáneo, dedicando especial interés a las últimas tendencias y a los jóvenes artistas es ejemplar. Su apuesta en MARTE: Mar Arza.

Coll Blanc (Culla, Castellón), bajo la dirección de Mariano Poyatos, inició una serie de intercambios con la Fundacion Laxeiro (Vigo) dirigida por el filósofo Javier Bujan, la intención es dar a conocer artistas gallegos en la Comunidad Valenciana y artistas levantinos en Galicia bajo en nombre Entre Mares. Será este el proyecto a presentar en MARTE, con obras de Mar Vicente, Pepe Beas, Din Matamoro, Eduardo Alonso, Juan Ortí, Tono Carbajo, Elena Fernández e Ignacio Pérez Cofre.

MECA Mediterráneo Centro Artístico (Almería) fue fundada por el artista y comisario de exposiciones Fernando Barrionuevo en el año 1989 con el objeto de promover y difundir el arte contemporáneo y las nuevas tendencias. Con este fin se exponen obras de Marie-Pierre Guiennot, Tomás Cordero, Nora Schöpfer, Jerónimo Muñoz, Carmen Pascual, Fernando Barrionuevo, Juan Morante, Antonio de Diego Arias, Toña Gómez, Pedro Cuadra González, Fernando Baños, Manuel Vázquez Domínguez, Belén Mazuecos y Javier Navarro Romero.

Cervantes 6 tendencias (Oviedo) nace por un profundo amor al arte, en especial la pintura y la obra gráfica y con un clara línea de actuación orientada hacia el arte contemporáneo, apostando tanto por artistas emergentes así como por creadores consagrados de alto nivel. En MARTE pueden verse las esculturas de Andrés Vicente Blasco Martínez (Valencia); la fotografía de García de Marina (Gijón) e Irene Cruz (Madrid); las esculturas de Laura Medina Solera (Ciudad Real); y la pintura de Toya García Senra (Vigo) y Andrea Rabat (Oviedo).

Irene Cruz. Urlaub vacation. Cortesía de MARTE.

Irene Cruz. Urlaub vacation. Cortesía de MARTE.

La galería de arte Fontanar (Segovia) se dedica a la promoción y difusión de artistas jóvenes así como a la organización de exposiciones de artistas ya consagrados, tanto del ámbito nacional como del internacional. En MARTE presenta la instalación “Océano Plástico” del escultor Javier Ayarza Haro, una experiencia sensorial única que invita a la reflexión sobre el grave problema de acumulación de residuos plásticos que sufren los océanos.

Isabel Bilbao (Jávea/Berlín) tiene como objetivo crear un canal directo de comunicación entre artistas y sociedad. En MARTE se presenta la obra BenDay del valenciano Toni Sánchez.

Gestión Cultural O+O (Valencia) es un centro de referencia internacional que une las distintas culturas plásticas de oriente y occidente, tomando esta mezcla como unicidad. Cuentan con las fotografías desde Berlín de Sergio Belinchón y  Raúl Belinchón; la eufonía visual de Luis González Boix; el dibujo de Juan Carlos Julián; la propuesta iconográfica de  Enriqueta Hueso; y la simbología del artista japonés Kenryo Hara.

GaleríaCuatro (Valencia) se ha distinguido siempre por su intensa actividad expositiva de artistas tanto consolidados como emergentes, apoyando la evolución y difusión del Arte. Su selección de artistas pasa por Jorge Julve, y su reflexión acerca de las imágenes que habitan en Internet; las arquitecturas cambiantes de Carolina Valls; las composiciones fotográficas de Antonio Barroso;  las reflexiones de Roberto López; y el virtuosismo de Pablo Ferrer Rabanaque.

La galería Montsequi (Madrid) tiene como objetivo la promoción de artistas contemporáneos emergentes, permitiendo que los artistas interactúen con el público a través de sus obras. Podremos hacerlo con los trabajos de Miguel Carlos Montesinos (La Vall d´Uixó); Eduardo Zapiráin Múgica (San Sebastián); Luis Granda Guerrero (México D F);  y Zvominir Kremenic (Madrid).

Trentatres Gallery (Valencia) es una propuesta expositiva para la exhibición, promoción y venta de arte, principalmente pintura, dibujo, ilustracion y fotografía. Participan en MARTE con la obra de la dibujante Raquel Carrero (Valencia); la ceramista y escultora Hélène Crécent (Bordeaux); y el arte encapsulado desde Japón de Roberto Mollá (Valencia).

Aula Nómada (galería errante) es una anomalía del sistema, un proyecto dedicado al proceso y al encuentro artístico interdisciplinar en espacios alternativos. En Marte presentan la obra de dos artistas castellonenses: la pintura sobre tabla de Ana Sansano; y los dibujos de Sergi Cambrils.

EtHall (Barcelona) es un espacio dedicado a la exhibición de proyectos específicos de dibujo y arte contemporáneos y a la presentación de publicaciones propias y afines. Podremos disfrutar de los dibujos del ganador de la segunda edición del Premio de Dibujo Museo ABC Martín Vitaliti (Buenos Aires); y de la gran conversación dibujada de Anke Becker, Veronike Hinsberg, Inken Reinert (Berlín).

plano marte

ORBITAL SPACES
A estas exposiciones, se suma el Orbital Space, con la presencia de la instalación del Premio Internacional de Arte Contemporáneo de la Diputación de Castellón; una selección de obras de Habitat Artístic del Ayuntamiento de Castellón; los trabajos de Manuel Rodríguez, Rosario Ballesteros, Rosa Toro, Juan Castro, Rafael Peralbo, Cecilia Punzo, Carmen Jiménez, Juan Ramírez y Antonio Mansilla en el stand de la Fundación Carvajal; la obra de Fanny Galera y Rosana Zaera en la Galería Octubre de la UJI; el IVC+R y el SCRC, con aportaciones de la Fundación Anzo, el MACVAC y el patronato Martínez Guerricabeitia; y las propuestas de Idear Ideas, Naranjas con Arte, Trashformaciones, Revistart y Jot Down.

CURIOSITY SPACE
En el Curiosity Space el público podrá disfrutar de las apuestas de video arte, en pases continuos, de las galerías: Nube Cultural (Perú), Convergencia Gráfica (México), Dyne (México), Comitán Catorce (México), OSP (Perú), Studio Verve (India), CCFV (Perú), QCO (USA), Tembe (Argentina), Vacui Spacii (Argentina), Alter Ego (Ecuador), Martadero (Bolivia), Caracol Studio (Argentina), Trazas (Perú), Hat Gallery (España), Addaya (España), Aula Nómada (España), Cervantes6 (España), además del proyecto Border Body Mixing Identities de It’s Liquid (a través de MECA) y las proyecciones de los ganadores del concurso Orbital from Marte.

La programación del LABORATORY SPACE y el SOCIAL SPACE se abre a la participación libre, gratuita e interactiva del público. Estas son las fechas:

11 de septiembre de 2014. 19h. Concierto inaugural con la presentación de la obra musical Marte, compuesta por José Luis Miralles Bono, a cargo de Espai Clàssic.

12 de septiembre de 2014:
12h. Chat Show: quedamos para hablar de evolución del arte con finalidad social y la comunicación para el desarrollo. Ven a tomar algo y a charlar con artistas, teóricos, coleccionistas…

12h. Intervención pictórica con miembros de Afaniad.

18h. Chat Show: quedamos para hablar de coleccionismo y conservación del arte contemporáneo.

19h. Roots and skin. Danza contemporánea dirigida por Erica Galmes, a cargo de Coppelia.

19h. ¿Esto es (M)arte? Conferencia de Joan Feliu en el Ámbito Cultural de El Corte Inglés.

13 de septiembre de 2014:
12h. Chat Show: quedamos para charlar del mundo de las Visual Arts.

18h. Hat Gallery organiza la charla y proyección La transformación del espacio.

18h. 13 de septiembre de 2014. 18h. Performance Live the System, de Miguel Andrés.

18’30h. Performance Si no puedo bailar tu revolución no me interesa, de Inés Bermejo y Eva Díez.

Inés Bermejo y Eva Díaz. Performance. Cortesía de MARTE.

Inés Bermejo y Eva Díaz. Performance. Cortesía de MARTE.

19h. Performance Tattoo Box by Mocete&Ribera. Intervención donde el espectador puede ser el artista.

14 de septiembre de 2014:
11h a 13h. Talleres infantiles Formigues en Marte. Organizado por Formigues Festival.

12h. Chat Show: hemos quedado para discutir sobre los principios del arte contemporáneo.

13h. Performance Romería del Pez Luna, de Javier Ayarza y Galería Fontanar.

Palau de la festa 2

Puedes consultar toda la información en www.feriamarte.com

Ouka Leele: “Más que quejarme, prefiero proponer”

Entrevista a Ouka Leele
Exposición retrospectiva. Galería Punto
Avda. Barón de Cárcer, 37. Valencia
Hasta el 22 de junio de 2013

“Lo bueno del arte es que estoy en mis comienzos”. Lo dice Bárbara Allende Gil de Biedma, más conocida por Ouka Leele, después de tres décadas fotografiando, pintando, escribiendo poesía y haciendo videos. Fernando Poblet en su libro Contra la Modernidad calificó así la famosa movida madrileña: “La movida es una foto fija tirada por Ouka Leele”. Y aunque el escritor asturiano no dejó títere con cabeza de aquel movimiento (“no es cuestión sino de mimetismos y de histerias”), lo cierto es que Ouka Leele fue una de sus divas. Y, sin embargo, ahí la tienen, por el largo camino de la vida reconociendo que está en sus comienzos.

Ouka Leele, junto a una de sus obras en la Galería Punto. Makma

Ouka Leele, junto a una de sus obras en la Galería Punto. Makma

La Galería Punto exhibe una retrospectiva de su obra, desde esos principios arrolladores en el Madrid de la movida, hasta los más serenos actuales. Serenos, que no exentos de una pasión por el arte que le lleva a decir: “Para mí el arte es alimento y curación”. También, poco después: “El arte es sentimiento y es medicina”. Medicina que toma a diario porque es “la filosofía que me motiva, el amor a la sabiduría”. De ahí que se pregunte acerca de “qué es esto de la vida”.

Y aunque no termina de encontrar respuesta alguna, lo cierto es que empezó en esto de la fotografía tirando de ese hilo existencial. “La fotografía es un instrumento para acercarme al mundo y a los demás”. Habla de su generación como de aquella que entendía el arte por el arte, “como una liberación”. Por eso no le interesa “ser reivindicativa”, sino ir “a lo esencial”. Y agrega: “Yo más que quejarme, prefiero proponer”. Y lo hace a base de la “explosión de color y libertad” con la que inunda su trabajo, parte del cual exhibe en la Galería Punto hasta el 22 de junio, en franca comunión con Valencia, ciudad donde “siempre parece fiesta”. Aunque esa fiesta, entreverada de escándalos y quiebras, vaya por dentro.

Ouka Leele, en Galería Punto. Makma

Ouka Leele, en Galería Punto. Makma

Ouka Leele, Premio Nacional de Fotografía 2005, es fácilmente reconocible por sus imágenes coloreadas a mano. No huye de ellas, pero quien hurgue en su obra verá que hay más, mucho más. Por ejemplo, y sobre todo, pintura. “Si fuera por horas, llevo más tiempo pintando que haciendo fotografías”. De hecho, Ouka Leele no quería ser fotógrafa, sino pintora, lo que da pie a recordar la ya legendaria frase de John Lennon: “La vida es aquello que te va sucediendo mientras te empeñas en hacer otros planes”. De manera que Ouka Leele se ha pasado el tiempo queriendo dejar la fotografía, “pero la fotografía me ha cogido y no me deja”. Lo intentó en 2002, cuando se estaba muriendo su madre y el digital penetraba con fuerza. No hubo manera.

La exposición recoge algunas de esas imágenes que ha ido creando casi a pesar suyo. Desde los retratos de Miquel Barceló, Eusebio Poncela, Ceesepe, Rossy de Palma, Alberto García-Alix o La Fura dels Baus, pasando por su famosa instantánea de La moda española (1986), hasta los desnudos, autorretratos y recreaciones de cuadros ilustres. Sus dos últimos videos y algunos poemas, que presentará en la próxima Feria del Libro de Madrid bajo el título de La llave de la jaula, también forman parte de la muestra. Porque Ouka Leele, por si cabía alguna duda, enlaza fotografía, pintura, poesía y videocreación con el mismo espíritu creativo que sirvió de arranque a su ya larga andadura. De hecho, recuerda la movida como un instante mágico en el que artistas de todo pelaje y condición se juntaban para intercambiar ideas y proyectos. “Nos unía la libertad, la investigación y la pasión”.

Cartel de teatro, 1987. Ouka Leele. Galería Punto

Cartel de teatro, 1987. Ouka Leele. Galería Punto

¿Cabe pensar en alguna conexión entre aquella movida y el actual 15-M? Ouka Leele, siempre pensando en la libertad que le proporciona el arte, reconoce un hilo conductor, cierta electricidad saltando como una chispa al comienzo de las primeras protestas estudiantiles. “Al principio del 15-M se me escapó alguna lágrima, pero luego no he vuelto a saber nada”. Y como queriendo imaginar otros mundos posibles, hecha mano de la pintura, su verdadero amor emergiendo tras la amante fotografía. “La pintura es como el reflejo de un mundo que no existe, de algo invisible”. Una manera de “interpretar cosas que no están aquí”.

Y con esa libertad que le proporciona la pintura, salta a las palabras de uno de sus poemas, El cielo que yo vislumbre, cuyo recitado parece transportar a Ouka Leele a esos mundos que no existen. De los de verdad, de la cruda realidad, ya da cuenta en el video que denuncia las vejaciones cometidas contra las mujeres en el Congo, a base de testimonios y palabras, nada de imágenes cruentas. En medio de sus  fotografías y pinturas, Ouka Leele concluye su poema y se va pensando ya en otra cosa.

Ouka Leele. Imagen cortesía de la Galería Punto

Ouka Leele. Imagen cortesía de la Galería Punto

Salva Torres