La Cabina está de moda

Posted on 31 octubre, 2018 por MAKMA

Fashion Films La Cabina
La Cabina – Festival Internacional de Mediometrajes de València
Del 14 al 24 de noviembre de 2018

La Cabina – Festival Internacional de Mediometrajes de València incluye por primera vez en su programación la nueva forma de narrar la moda a través del audiovisual. La jornada ‘Fashion Films La Cabina’, coorganizada por Barreira A+D, mostrará una selección de los mejores Fashion Films que han desfilado por festivales internacionales dedicados a este nuevo lenguaje. Profesionales expertos en diseño y moda como Maite Sebastià, directora del máster en comunicación de moda de Barreira A+D, ex redactora jefe de moda de la revista Telva y ex subdirectora de Vogue España; la periodista especializada en moda, Patricia Moreno; y Nacho Errando, director, fotógrafo y cofundador de Enredo Films; comentarán los films y participarán en un coloquio posterior.

Gucci Spring Summer. Imagen cortesía de La Cabina.

El Fashion Film es hoy una herramienta vital para la difusión en la comunicación de moda. Cada vez son más los festivales de cine que giran en torno a él creando un circuito de estas pequeñas películas de moda que comprende desde You Wear it Well, en Los Ángeles, hasta London Fashion Film Festival. Con la llegada de los 2000, tanto la moda como el vestuario se entendieron como expresiones en sí mismas dentro del ámbito cinematográfico y, por tanto, es con el nuevo milenio cuando surgen los primeros fashion films con pioneros como Nick Knight.

El primer festival dedicado exclusivamente a esta modalidad, You Wear it Well, se celebró en Los Ángeles en 2006 y fue propulsado por la periodista de moda Diane Pernet. Poco después, en Londres, comenzó la primera edición del Fashion in Film Festival. Una interesante propuesta que compartía códigos más cercanos a los festivales convencionales de cine ya que entendía los Fashion Films como una forma de arte.

Los Fashion Films comparten un medio de distribución similar al de los cortometrajes y mediometrajes. Ambos coinciden en medios de producción, distribución y consumo que deben ser entendidos desde una perspectiva diferente al del largometraje.

Wes Anderson Short Film. Imagen cortesía de La Cabina.

Festivales como La Jolla Fashion Film, Shaded View on Fashion Film, London Short Film o el mismo Berlin Fashion Film cuentan con museos, galerías de arte, escuelas de diseño, teatros y cines como sedes, convirtiendo el festival en un evento de arte creativo en el cual se imparten conferencias y clases magistrales haciéndolo más atractivo para el público configurando su validez como nueva forma de comunicación cinematográfica y reivindicando su permanencia más allá de la tendencia.

La jornada, que se celebrará el lunes 19 de noviembre en Barreira A+D, es una muestra de algunos de los fashion films que han formado parte de los mejores festivales a nivel mundial y comentados por profesionales especializados. Spike Jonze o Wes Anderson son algunos de los directores que han dirigido los Fashion Films que se verán en La Cabina y de firmas tan importantes como Kenzo, MIU MIU, GUCCI o Prada.

La XI edición de La Cabina, que se celebrará del 14 al 24 de noviembre, está organizada por el Vicerectorat de Cultura i Esport de la Universitat de València, el Institut Valencià de Cultura, Conselleria de Cultura a través de la Direcció General de Cultura i Patrimoni, el Consorci de Museus de la Generalitat Valenciana y Diputació de València. Cuenta asimismo con la colaboración del Ayuntamiento de València, Palau de la Música y el patrocinio oficial de Cerveza Turia y Caixa Popular.

Kenzo the Everything. Imagen cortesía de La Cabina.

Propuestas para el debate

Posted on 4 noviembre, 2016 por MAKMA

II edición Parlem d’Art
Propuestas de estudiantes para la reflexión y el debate
Del 21 de octubre al 16 de diciembre de 2016

El programa Parlem d’Art organizado por la Universidad de Valencia, tiene como objeto poner en valor el arte público y el arte contemporáneo a través de iniciativas que impliquen a los estudiantes, no solo como participantes, sino también como programadores. Es por ello que el Vicerrectorado de Estudios de Grado y Política Lingüística, mediante el SeDi (Servicio de Información y Dinamización) presentan una programación compuesta por mesas redondas, seminarios, ponencias y workshops, como resultado de las propuestas seleccionadas en una convocatoria previa.

Las temáticas son diversas: teatro, literatura, moda, el papel del público, música, videojuegos… En definitiva, mucho arte en su sentido más amplio. Partiendo de la diversidad de enfoques, se dirige el análisis a la sociedad más actuales y las múltiples expresiones derivadas que le dan forma. Para ello, agentes culturales clave de la ciudad de Valencia participarán en las diferentes actividades.

Todas las actividades están abiertas al público y no hace falta inscribirse.

Cartel mesa redonda Arte público 2.0. Diseñado por Boris Ramírez.

PROPUESTAS PARA LA REFLEXIÓN Y EL DEBATE

Per amor a l’art: l’art urbà com a regenerador del patrimoni cultural

Divendres, 21 d’octubre | Sala Joan Fuster i Àgora Prometeu, Facultat de Geografia i Història, Av. Blasco Ibáñez, 28, València.

1000 imatges 1 paraula

Dimecres, 2 de novembre | Saló de Graus Manuel Ardit, Facultat de Geografia i Història, Av. Blasco Ibáñez, 28, València.

El videojoc, un nou repte per a la història de l’art

Dijous, 3 de novembre | Saló de Graus Manuel Ardit, Facultat de Geografia i Història, Av. Blasco Ibáñez, 28, València.

Música contemporània: Mostrant les cartes

Dimarts, 8 de novembre | Capella de la Sapiència, Centre Cultural La Nau, C. de la Universitat, 2, València.

Art públic 2.0. D’observador a públic creador

Dimecres, 16 de novembre | Sala Joan Fuster, Facultat de Geografia i Història, Av. Blasco Ibáñez, 28, València.

El museu del futur

Divendres, 25 de novembre | Sala Joan Fuster, Facultat de Geografia i Història, Av. Blasco Ibáñez, 28, València.

La moda que constreny

Dijous, 1 de desembre | Saló de Graus Manuel Ardit, Facultat de Geografia i Història, Av. Blasco Ibáñez, 28, València.

Visions del passat i del present en les sèries i les sagues fantàstiques. De El senyor dels anells a Joc de trons

Dimecres, 14 de desembre | Aula F.3.4, Facultat de Geografia i Història, Av. de Blasco Ibáñez, 28, València.

Teatre i Trauma. El paper performatiu de la dramatització

Divendres, 16 de desembre | Saló de Graus, Facultat de Filosofia i Ciències de l’Educació, Av. Blasco Ibáñez, 30, València.

Podéis consultar el programa al completo en: blog dinamització

“Los jóvenes ya consideran la moda un arte”

Posted on 8 julio, 2016 por Neus Flores

Entrevista con el artista y diseñador de moda Manuel Fernández a propósito de
‘Fashion Art EU’
Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM)
Barra de Ferro 5, Barcelona
Hasta el 24 de julio

28 artistas de la Unión Europea unen su talento en esta fusión de moda y arte que el diseñador Manuel Fernández presenta en el Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM) de Barcelona, del 23 de Junio al 24 de Julio

Makma ha tenido la oportunidad única de entrevistarle durante su estancia en nuestro país, ya que es difícil ubicarle, porque Manuel Fernández tiene el espíritu nómada y el alma libre.

Instantánea de una de las piezas que forman parte de la exposición ‘Fashion Art’. Fotógrafía: Neus Flores.

¿Podrías contarnos cómo surgió la idea original de ‘Fashion Art’?

¡Uy, ya ha pasado mucho tiempo desde entonces!…éramos unos niños todos (ríe). Fue una idea casual y fortuita que apareció durante un desfile en Madrid (mi madre tenía una tienda de novias). El vestido que yo había diseñado para la ocasión no tenía nada de especial, no era original, y yo tenía un amigo pintor a quien propuse que le diera color. El resultado podía parecer raro, pero fue mucho mejor de lo esperado, la idea se fue extendiendo con el boca a boca y se fue conociendo entre más artistas (Manolo Valdés y Gordillo, entre ellos) y, así, hasta un total de 50 artistas. Tardé 5 años (de 1998 a 2003) en crear la primera colección, que se expuso en el Museo Nacional de Buenos Aires. A partir de ahí, hicimos la primera gira de exposiciones por Latinoamérica. La idea nace con vocación internacional, en itinerancia permanente, y así estuvimos por Uruguay, Chile, México, etc. Siempre bien acompañados de artistas locales, para la integración total del arte en su propio territorio.

¿Cómo llega tu exposición al MEAM de Barcelona?

Ésta es una exposición que ya estuvo en Bruselas. Hacía tiempo que estaba buscando una fórmula que me funcionara para exponer en los museos europeos, y a nivel internacional tenemos previsto exponer también el 15 de septiembre en Asunción (Paraguay), con una escena muy potente de 15 artistas locales y 30 artistas internacionales. La siguiente exposición será en la Habana, el 15 de noviembre, y después en Zimbabwe, en diciembre, para las navidades. Ésta, la del MEAM, es una exposición cerrada solamente a 28 artistas, representativos de los 28 estados miembros de la Unión Europea, para mantener la itinerancia en Europa. Aunque ahora, tras el Brexit, habrá que ver cómo influye la política a la ruta de nuestra exposición (su voz suena algo circunspecta).

Instantánea de una de las piezas que forman parte de la exposición ‘Fashion Art’. Fotógrafía: Neus Flores.

Por favor, cuéntanos un poco acerca de la colección que presentarás en Hamburgo este mes.

Es una colección de arte alternativo que haremos los días 14, 15 y 16, en la que el agua será un elemento muy importante con el que jugar. Será una muestra solamente de seis trajes, con un estilo mucho más joven, al que se sumará la magia y la energía del street art.

Una vez fusionados el diseño y el arte, ¿has pensado en incorporar también otras disciplinas a tu trabajo, como la música o la danza?

Siempre hay nuevos proyectos en mente, que necesitan tiempo para madurar, porque me gusta mantener la calidad de mis proyectos y no se puede ir rápido en crear nuevos formatos. Ya he hecho algunos guiños y escarceos con el teatro y la danza, pero en lo que estoy apostando más últimamente es con los fashion films (cortos de moda), sumando sinergias entre Puerto Rico y Madrid.

¿Cómo se hace la selección de los artistas colaboradores en cada colección?

Ahora mismo tengo unos 300 artistas trabajando conmigo. Para seleccionarlos busco en las redes, pero sobre todo entre mis contactos. En la actualidad es más fácil encontrar artistas que cuando empezamos. Los mismos gobiernos de los países en los que exponemos, a través del Ministerio de Cultura, ya nos indican los artistas que tienen notoriedad y gancho en su país. La selección se basa sobre todo en que se sumen proyectos variados, tanto en técnica como en estilo, y especialmente en el feeling de mi intuición (necesito que me cuenten algo, que me conmuevan). Busco que las obras de los artistas me emocionen.

Instantánea varias piezas que forman parte de la exposición ‘Fashion Art’. Fotógrafía: Neus Flores.

¿Qué le aconsejarías a un diseñador joven que justo empieza en la profesión?

Que se marque objetivos, que vea las limitaciones también, pero que siempre crea en sí mismo. En mi caso, yo quería desfilar y luchar por ello. Hay que estudiar y enfocarse, informarse y también hay que tener talento. Cuando yo entré a trabajar para Francisco Valiente se triplicaron las ventas y decidí independizarme. Hay que ahorrar un poco por si decides tomar tu propio camino, pero con ganas, ilusión y esfuerzo se consigue todo.

Para terminar, ¿crees que tu público ha cambiado con el tiempo?

Hoy en día los jóvenes están mucho más preparados, tienen más información y ya consideran la moda como un arte. Aunque he notado que la gente no lee mucho en general, sí veo que están más abiertos y tienen más interés ahora. ‘Fashion Art’ se ha asentado ya como movimiento en sí mismo, como una nueva fórmula de expresión artística.

Neus Flores

La 080 Barcelona Fashion de Miquel Suay

Posted on 29 junio, 2016 por Neus Flores

Colección primavera-verano 2017 de Miquel Suay
XVIII edición de la 080 Barcelona Fashion
Instituto Nacional de Educación Física (INEFC)
Carrer de l’Estadi, 12 – 22, Barcelona
Hasta el 1 de julio de 2016

El diseñador valenciano Miquel Suay ha mostrado su colección primavera-verano 2017, la tarde del lunes 27 de junio, en un ambiente amable y con los valores que el deporte impregna en todo el recinto del INEFC, antigua sede de los JJOO 92.

La pasarela recibe al público con luces rojas de estilo minimalista japonés, una audiencia joven y con tecnología de última generación de la escena hipster de Barcelona, donde el diseñador ofrece una línea muy personal, llena de contrastes, en las que muestra una gran variedad de texturas, y deleita a la audiencia enfocándose, sobre todo, en las curvas exuberantes y las formas sorprendentes.

Un instante de la XVIII edición de la 080 Barcelona Fashion. Fotografía: Neus Flores.

Con un diseño vanguardista, casual, y joven, usa texturas que se adaptan al hombre urbano y deportivo, con diseños en tonos neutros al inicio de la pasarela: camisas ligeras, pantalones cortos en tonos tierra, camisetas cómodas y muy llevables, diseños con semi-transparencias y relieves suaves. Las prendas se alargan progresivamente convirtiéndose en una sola pieza, o se acortan hasta media pierna, transformando los trajes en monos veraniegos, y las chaquetas en chalecos.

Sorprende también el calzado polivalente y multicolor, adaptable tanto al espacio urbano como al natural, con un espíritu anfibio de usabilidad futurista para ellos, y unos zapatos exagerados, de líneas marcadamente siderales para ellas.

Miquel Suay prevé el verano 2017 con bermudas de pinzas y gafas de sol, de líneas marcadamente mediterráneas y deportivas. Adapta también formas típicamente femeninas al universo masculino, con pantalones anchos y chaquetas entalladas, mostrando un hombre andrógino, transgresor y atrevido.

Instantánea de un momento del desfile de Miquel Suay en la XVIII edición de la 080 Barcelona Fashion. Fotografía: Neus Flores.

Los cortes en diagonal dan ligereza a unas prendas totalmente adaptadas al medio urbano y casual, en el que se aprecian las camisetas básicas combinadas con bombers tejidas en red, para terminar con una explosión de colores primarios que impactan por su sencillez, y que combinados en estampados suaves de líneas elegantes y funcionales transforman al hombre de Suay en atractivo, moderno y elegante a la vez.

Una tarde de verano en la que se ha buceado por el universo del diseñador, que propone un verano 2017 muy recomendable, de lo más cómodo y funcional, en su línea personal de estilo mediterráneo y elegante.

Neus Flores

Cuando el algodón engaña

Posted on 12 febrero, 2016 por Salva Torres

Viento, cuadriláteros, amor, peines y flechas (cómo capturarlos), de Carla Fuentes
Pepita Lumier
C / Segorbe, 7. Valencia
Hasta el 14 de febrero de 2016

Tiene aspecto angelical. Incluso el nombre artístico que usa, Littleisdrawing, apela al frasco pequeño que contiene la esencia de su liviana figura. Hasta ahí, diríase que Carla Fuentes es una especie de campanilla que bate sus alas para dibujar una realidad amable. Sin embargo, nada más lejos de la verdad. Verdad que bien pudiera estar más cerca de lo que Wyndham Lewis, citado por ella en su serie sobre ciclismo, afirma: “La función del artista es crear, hacer algo; no hacerlo bonito, como suponen las viudas, los soñadores y los marchantes de arte de aquí. En cualquier síntesis del universo debe incluirse lo grosero, lo hirsuto”.

Por eso con Carla Fuentes, el algodón engaña. Lo pasas, pensando encontrar ese aspecto amable que arroja su figura, e incluso un primer vistazo de su obra, y lo que te encuentras es la aspereza del mundo. “Me gusta que se vea el material más crudo”. De ahí, prosigue la artista, que sus trazos negros “cuanto más negros mejor”. Y concluye: “No busco la perfección ni la armonía”. Busca trasladar a sus dibujos aquello que le choca “a nivel estético”. Y lo que le choca, y acoge en la galería Pepita Lumier de Valencia, son las historias que tienen que ver con el ciclismo, el boxeo, todo lo que rodea a la conquista del Oeste, más lo relacionado con los peluqueros africanos y los moteles de Estados Unidos.

Obra de Carla Fuentes. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Para seguir aproximándonos a sus anhelos creativos, escuchemos lo que dice Eduardo Arroyo acerca del boxeo que tanto impactó a la propia Carla Fuentes, y que ella recoge en su exposición: “El pintor es un hombre solo. El boxeador es un hombre solo. El ring es un cuadrado blanco, marcado por la sangre, sudor, lágrimas. El sudor, la sangre y la resina donde se representa el drama”. Un drama que Carla Fuentes hace suyo bajo apariencia amable, mostrando a base de sus famosas líneas en el rostro, lo crudo de la experiencia humana.

Serie Moteles, de Carla Fuentes. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

No es casual que se inspire, precisamente, en artistas descarnados como Lucien Freud o desgarrados por el color como David Hockney. Viento, cuadriláteros, amor, peines y flechas (cómo capturarlos), tal es el largo título de su exposición, es un compendio de esa misma trabazón entre lo áspero y lo colorista para dar fe del drama existencial sin necesidad de grandes batallas. El viento del ciclismo, los cuadriláteros del boxeo, el amor de los moteles, los peines de esas asombrosas peluquerías y las flechas indias del salvaje Oeste, se van sucediendo en acrílico, color y grafito sobre papel capturados al vuelo por Carla Fuentes, quien subraya: “Trabajo muy intuitivamente”.

Creación de Carla Fuentes para la firma Bimba y Lola.

Lo mismo sucede en sus trabajos de moda para firmas como Bimba y Lola, Pull&Bear, Women’s Secret o Naguisa. Bajo la apariencia fresca y amable de una blusa, una chamarra, unas botas, unos zapatos o una ropa interior, emerge la contestación juvenil en forma de rostro poco cabal o de complemento chirriante. “No es el 100% de lo que muchas veces te gustaría hacer, pero la verdad es que las marcas me dan bastante libertad”. Libertad que es total en el caso de las cinco series de trabajos que presenta en Pepita Lumier. “Me apetecía que se vieran, más allá de las redes sociales”.

Hair Salon, de Carla Fuentes. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Con la sorpresa del boxeo se encontró en Los Ángeles mientras acompañaba al grupo Polock durante su gira, grupo para el que trabaja en la ilustración de sus discos. “Vi un combate y me pareció muy crudo”. A partir de ahí se interesó por las historias de Jake LaMotta, Sugar Ray Robinson, Panama Al Brown o Cassius Clay, a los que pinta con esa mezcla de pop y art brut que refleja esa doblez de lo crudo y lo cocido; del glamour y lo grosero. Lo mismo ocurre con las historias en torno al ciclismo y sus figuras: Eddy Merckx, Jacques Anquetil, Felice Gimondi, Luis Ocaña. Historias de la conquista del Oeste, con sus caballos, su cowboys e indios (“aquí la parte de los indios la tuve que dejar por falta de espacio”). Historias de las peluquerías y peluqueros africanos, con sus hilarantes cortes de pelo, sus carteles y tipografías. E historias de moteles norteamericanos que a Fuentes le impactaron por su “estética kitsch”.

Le Tour, de Carla Fuentes. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Viento, cuadriláteros, amor, peines y flechas (cómo capturarlos) sorprende por esa manera que tiene Carla Fuentes de pasarle el algodón a la vida. Una vida aparentemente amable, con destellos de cierto glamour, color y ambiente fashion, tras el cual se esconden sombras repartidas por el rostro a modo de cicatrices. Huellas del áspero mundo en combate con las luces del oropel que, a primera vista, engaña. ¡Cuidado con Littleisdrawing!

Ali en el coche, de Carla Fuentes. Imagen cortesía de Pepita Lumier.

Salva Torres

Francis Montesinos: “Falta cultura de la moda”

Posted on 9 febrero, 2016 por Merche Medina

Desayunos Makma en Lotelito
Con Francis Montesinos y Rafa Sánchez -diseñador de producción de la firma-, con motivo de su participación en la próxima Mercedes-Benz Fashion Week de Madrid
Entrevistados por Salva Torres, Jose Ramón Alarcón y Merche Medina, del equipo de redacción de Makma

Con motivo de la próxima edición de la Mercedes-Benz Fashion Week, que se celebrará en IFEMA Feria de Madrid, del 18 al 23 de febrero, Makma desayuna con uno de los iconos de la moda valenciana, a nivel nacional e internacional, desde hace más de cuarenta años, que se sigue reinventando temporada tras temporada: Francis Montesinos.

Piezas y ornamentos que forman parte de ‘Fashion Reliquary’, en el estudio de Francis Montesinos. Fotografía: Merche Medina.

“Hay una mirada, una intención con esta colección, porque es algo tuyo”

El viernes 19 de febrero, el modisto presenta su colección ‘Fashion Reliquary’, un homenaje que su firma brinda a los grandes creadores contemporáneos de la moda española, desde Jesús del Pozo a Manuel Piña, pasando por Pertegaz, Elio Berhanyer, Fortuny, Balenciaga y Paco Rabanne, entre otros. “Hay una mirada, una intención con esta colección, porque es algo tuyo”.

Montesinos incide en la necesidad de ricerca (búsqueda), como reseña el diseñador valenciano Rafa Sánchez -quien retorna al equipo del modisto valenciano tras su paso por los ateliers de Dolcce y Gabbana y Vivienne Westwood-; una búsqueda que comienza a partir de la idea primigenia de la colección y que culmina con la materialización definitiva.

Detalle gestual de Francis Montesinos durante el Desayuno Makma. Fotografía: Fernando Ruiz.

Tal y como se desprende del título de la colección O/I 16-17, ‘Fashion Reliquary’ incide en el concepto de reliquia entendido y asociado a la idea de joya u objeto preciado que se conserva cuidadosamente. Este punto de partida se implementa en el repertorio mediante su “eterno punto a mano para vestidos cortos, largos, abrigos e incluso pantalones, paleta de colores neutrales armonizados con suaves felpas en crudos, grises y verdes -fusión de Manuel Piña y Jesús del Pozo-, transparencias en encajes, organza -Balenciaga-, tules, con aplicaciones nobles de metal y piel de Paco Rabanne, paños y lanas en tonos otoñales, a lo Pertegaz. Lentejuelas, plisados, damascos a lo Fortuny, sedas en todas sus versiones y los estampados, marca e imagen grabada a fuego para la casa Montesinos, inspirados, en esta colección, en las reliquias de la iconografía católica, en color burdeos de fondo y oro, como marco excepcional de todas las ‘joyas’ de la colección”.

“No ha sido fácil de encauzar la retirada de la circulación de todas las licencias y productos que la marca tenía en el mercado”

El modisto valenciano, ‘Aguja de Oro’ en 1985 y Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes en 2006, se encuentra en un punto de inflexión decisivo y enérgico en su vida como diseñador y empresario. Una nueva etapa que, según confesaba a Makma, “no ha sido fácil de encauzar, después de algunos acontecimientos mediáticos que han condicionado la retirada de la circulación de todas las licencias y productos que la marca tenía en el mercado, así como otras desavenencias internas”. Por fortuna, Gene Simmons, bajista de la icónica banda de rock neoyorkina Kiss, se cruzaba en su camino. Admirador del diseñador y sabedor de su trayectoria profesional, le encargaba (proponía) el reto de crear su propia marca. Un proyecto muy ambicioso que le ha dado otra perspectiva del diseño y de la imagen, “un reto meterse en otra piel”, así como conocer otros procesos, protocolos y maneras de funcionar a nivel internacional. “Hay que pensar a lo grande, o haces artesanía y lujo o no puedes competir”, apuntaba Rafa Sánchez.

Detalle de parte de la estética e iconografía sobre su trabajo con Gene Simmons. Fotografía: Merche Medina.

Montesinos y Rafa Sánchez, en plena conversación sobre los pulsos presentes de la moda, coincidían en señalar y diferenciar el low fashion, basado en la búsqueda de tejidos y tendencias, a propósito de lo que se percibe o bien de lo que la moda determina y cómo se materializa en la calle -“las modas en el mundo varían dependiendo del lugar dónde vivas”-, en contraposición con la moda que encontramos en grandes cadenas de ropa -que beben de las tendencias de la moda hecha de manera más artesanal, calidad de tejidos, etc-, a unos precios más accesibles.

“La crisis ha destilado tanto a empresas como tejidos y todo el engranaje que este sector mueve”

Así mismo, Francis Montesinos se mostró crítico acerca de la formación y especialización de los mass media que escriben sobre moda y, en general, con sus comentarios y críticas. El diseñador, consciente de la juventud de la industria de la moda de este país, considera que “hay una falta de conocimiento de la historia de la moda, falta de coherencia y una deficiencia en la especialización de los periodistas que escriben sobre moda, que debería solventarse con la mayor brevedad para posicionar nuestra industria y hacerla más competitiva a nivel internacional. Falta cultura de la moda.”. Igualmente dubitativo se manifestaba el precursor de la llamada “Pasarela del Carmen” con la situación de la moda en Valencia, ciudad en la que proliferaban agencias de modelos e incipientes diseñadores a los que se les daba cabida en este tipo de eventos, a los que “habría que cuidar y formar, ya que es la única manera de crear un tejido empresarial sólido”, por lo que “ha sido una pena que, tras mi marcha, todo aquello se pervirtiese hasta el punto de desaparecer”. A pesar de ello, el modisto manifestaba su optimismo, ya que “parece que hay algo diferente, se vislumbra un resurgimiento en áreas como la cultura, la moda, la industria del textil y otras áreas” en las que “veo muchas posibilidades de recuperación”, a pesar de que en su sector “la crisis ha destilado tanto a empresas como tejidos y todo el engranaje que este sector mueve”.

Francis Montesinos (derecha) y Rafa Sánchez (segundo por la izquierda) conversan con el equipo de Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

Montesinos siempre ha sido un visionario, cuyas colecciones se han erigido en un icono testimonial de los cambios en la sociedad, habiendo sublimado el color, los bordados, la seda, el algodón, entre otros materiales puros que no se usaban en la primera línea de la confección. De este modo, el diseñador prefiere trabajar con lo que él denomina “materiales puros y nobles”, así como con el estampado -que se ha revelado en sello inconfundible de su firma- y la orientación inelubible hacia “las cosas bien hechas”, ya que “desde muy pequeño supe lo que era una camisita, una pantalonera, una tricotosa, una modista, cómo se debe hacer un cuello. Afortunadamente yo tuve la suerte de conocer a la señora Concha, ella me enseñó a coser y esto es fundamental para construir una prenda.”.

“Me veo con ganas de hacer las cosas bien, volver a empezar, con los míos, a ser yo el presidente de la marca”

Tras conversar sobre su devenir artístico, rememorando, entre otras cuestiones, su colaboración con el artista y pacifista americano Mat Lamb en “Umbrellas” y su homenaje a Dalí y a su musa Gala, para el que, “de hecho, fue la primera vez que utilizamos el digital para imprimir el estampado de las telas”, Francis Montesinos concluye el desayuno dibujando un horizonte futuro sobre el que aventura que “me veo con ganas de hacer las cosas bien, volver a empezar, con los míos, a ser yo el presidente de la marca. Estoy contento, veo que las cosas están saliendo, confío plenamente en mi equipo y eso hace que la marca vaya mucho más aprisa. Se nota que hay equipo. Vamos dirigidos al mercado internacional. Abrir este mercado es enriquecedor y muy necesario para cubrir objetivos”.

Francis Montesinos en plena conversación con el equipo de Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

Merche Medina

El diseño de Valencia toma la calle

Posted on 30 enero, 2016 por MAKMA

Valencia Disseny Week
Del 1 al 5 de febrero de 2016

La Asociación de Diseñadores de la Comunidad Valenciana (ADCV) organiza la séptima edición de la Valencia Disseny Week (VDW) con el objetivo de sacar el diseño valenciano a la calle y mostrar el talento que existe en este sector.

Del 1 al 5 de febrero de 2016 coincidiendo en fechas y con la colaboración de ‘Nos vemos en Valencia’ de Feria Valencia se pueden encontrar por la ciudad diferentes actividades relacionadas con el diseño gráfico, de producto y nuevos medios. La VDW 2016 cuenta con Turia como cerveza oficial.

Por un lado, se cuenta con la participación de tiendas y estudios de diseño que sacan a pie de calle sus propuestas. Son los llamados ‘Eventos VDW’, que nos ayudan a descubrir las actuales tendencias y novedades del diseño valenciano.

Entre los ‘Eventos VDW’ que se desarrollan durante esta edición se encuentra la exposición The beautiful 15 en Pepita Lumier de las monturas de Mouet customizadas por diferentes diseñadores. La presentación del taburete de la serie n(e)omads de Samuel Gallego. La segunda edición de ‘Diseña, Crea y Recicla’ en La Chaise. La presentación de las novedades de Corian by Dupont en el baño de la mano de Vicent Clauselly Ice Design.

Imagen de uno de los eventos de Valencia Disseny Week 2014. Lilaluchs Photography.

La nueva edición de Conecta […] en Correo Viejo, con exposiciones efímeras, talleres, mesas redondas, PechaKucha Night, conciertos. La presentación de las manillas de Olivari cuyos diseños son de Zaha Hadid, Rem Koolhaas y Marcel Wanders. Además, se activará una iniciativa propuesta por De armario a armario, alternativa de amueblamiento con ‘Intercambio – Home Edition’. Y Lebrel presentará varias piezas realizadas a partir tubos de PVC, en Dieciséis interiorismo.

Complementando estas acciones y con un objetivo más didáctico se cuenta con el taller práctico en Barreira A+D titulado ‘Apps love graphic designers’, donde se creará una App usando InDesign y 480interactive. Y las VIBRA Brand Session, con breves charlas diarias para aprender sobre el planteamiento y solución de casos reales de proyectos gráficos.

Por otro lado, están los proyectos ‘Destacados VDW’, que se diferencian por su magnitud del resto de eventos particulares, ya sea por el emplazamiento, por su producción o por la entidad que las organiza. Dentro de estas actividades, el lunes 1 de febrero, a partir de las 19.00h, en el salón de actos del MUVIM, tiene lugar la conferencia inaugural a cargo de de Francesc Rifé.

También a partir de este día se puede visitar la exposición interactiva Ana Juan, dibujando al otro lado en la Sala Josep Renau de la Facultat de Belles Arts (UPV) que permitirá una aproximación al universo creativo de esta ilustradora reconocida internacionalmente. También el lunes, inaugura su exposición colectiva Unamo design studio con el objetivo de ser un escaparate para diseñadores y colectivos.

Imagen de uno de los eventos de Valencia Disseny Week 2014 en el MuVIM. Fotografía de Marisela.

Imagen de uno de los eventos de Valencia Disseny Week 2014 en el MuVIM. Fotografía: Misael del Rosario.

El día 2, a partir de las 19.00h, la ADCV ha organizado Meet & Greet & Eat, en colaboración con Anieme / Mueble de España, un encuentro entre revistas internacionales y diseñadores para dar a conocer la creatividad valenciana de primera mano. Colaboran: Cerveza Turia, los restaurantes italianos Sorsi e Morsi y Las Naves.

También en el marco de la Valencia Disseny Week se puede visitar la exposición Carne Fresca/En el horno, en la biblioteca de la nave 1 de Las Naves. Organizada por la ADCV y comisariada por el estudio Pablus, la muestra permite descubrir las futuras promesas del diseño, ya que recoge los mejores trabajos de los estudiantes de diseño gráfico, de producto y nuevos medios de diferentes centros formativos de Valencia. La inauguración será el día 3 de febrero a las 19.00h. Ese mismo día, de 18.30 a 20.00h, el estudio de Santiago Sevillano presenta en las instalaciones de LOFT Interiorismo la familia de sillas LAP que ha diseñado para la marca Dressy de Mobliberica.

Los días 3, 4 y 5 febrero, de 10 a 14h, el Espai Alfaro, lugar de tradición artística, donde confluyen el arte, el diseño y la arquitectura, ha preparado también un ‘Evento Destacado VDW’. En él realizará visitas guiadas cada hora para conocer este espacio singular de 7.000m2, que incluye exposiciones y espacios profesionales.

La Escuela Superior de Enseñanzas Técnicas de la Universidad CEU-UCH vuelve a organizar las Jornadas ‘Design Works’ dedicadas al diseño a través de conferencias, talleres y una exposición, en su sede del Palacio de Colomina.

Por su parte, la EASD Valencia ha preparado la decimotercera edición de su ciclo de conferencias ‘Diálogos’ para los días 3, 4 y 5 febrero. Entre sus ponentes estarán: Luzifer, La Granja (interiores), Tavo Studio (gráfico), Nani Marquina (producto), Miguel Oriola (fotografía), Gemma Draper (joyería), Borja García (interiores/producto), Rocío Pastor (moda), Pica para arriba (gráfico), Eva Iszoro (moda), Javier Jaén (gráfico), Jorge Pensi (producto), Álvaro Sobrino (gráfico) y Maio (interiores).

Imagen de la Valencia Disseny Week 2014. Fotografía: Misael del Rosario.

El 4 de febrero, en el recinto ferial Ágora nude, la ADCV ha organizado en colaboración con nude de Feria Hábitat Valencia y Padima, la segunda edición de ‘Altavoz’. Un escenario, un micro, una pantalla y 90 segundos son las herramientas para ofrecer oportunidades a los diseñadores que empiezan su andadura profesional. Los participantes en esta ocasión son los jóvenes diseñadores participantes en NUDE de Feria Hábitat y la imagen ha sido desarrollada por Nueve Estudio.

También el jueves es el día elegido para la presentación de la revista Urban, nuevo proyecto editorial vinculado a la cabecera del LevanteEMV con contenidos de calidad y amplio espectro relacionados con la cultura, la moda, el diseño y, en sentido lato, el “lifestyle”. Será en el Palau de la Música i Congressos de València, Sala Iturbi.

La VDW 2016 se realiza gracias a la colaboración de Las Naves – Espai d’Innovació, los restaurantes italianos Sorsi e Morsi, Anieme, Mueble de España, Padima y DissenyCV. Además, cuenta con Turia como Cerveza Oficial VDW2016. Se pueden consultar todas las actividades en la Guía Oficial VDW 2016 “Pocket Design Guide”.

La adaptación de la imagen de esta edición ha sido llevada a cabo por Que maten al diseñador y Manu García.

Imagen de una de las instalaciones de la Valencia Dissey Week de 2014. Lilaluchs Photpgraphy.

Imagen de una de las instalaciones de la Valencia Dissey Week de 2014. Lilaluchs Photography.

Enrique Rubio: “La nostalgia está de moda”

Posted on 26 octubre, 2015 por Salva Torres

Desayunos Makma en Lotelito
Con Enrique Rubio, propietario de Cuadernos Rubio y autor de ‘Mi mamá me mima’ (Espasa)
Entrevistado por Vicente Chambó y Salva Torres, del equipo de dirección de MAKMA

Enrique Rubio lo reconoce, primero por lo bajini y luego abiertamente: “Nos la han atribuido, pero la verdad es que no se encuentra en los Cuadernos Rubio”. Se refiere a la famosa frase Mi mamá me mima, ahora convertida en título del libro que viene a rendir homenaje a su padre Ramón Rubio, fundador de la empresa en 1959, y que supone “un viaje a la nostalgia”. Viaje a través de imágenes y frases recordatorias de aquellos primeros cuadernos de caligrafía y matemáticas aparecidos en el franquismo. Eso sí, la frase ya es propiedad de la empresa valenciana: “La hemos registrado”.

Enrique Rubio, con Eva Montesinos al fondo, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

Enrique Rubio recogió el testigo de su padre ya avanzada la década de los 90, tras escuchar a alguien decir: “¿Pero aún existen los Cuadernos Rubio?” Y lo primero que hizo, en un momento de pérdida de identidad de la empresa, fue recuperar la imagen tradicional de los colores verde y amarillo de los cuadernos, y cambiar las frases con el fin de adaptarlas a los nuevos tiempos. De aquellas ‘África está habitada por negros’, ‘Los indios viven en chozas’ o ‘¿Cumples los diez mandamientos?’, se ha pasado a frases comprometidas con la igualdad, el medio ambiente, las energías renovables o la salud.

Enrique Rubio, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

“En los periodos de bonanza es cuando hay que prepararse para la crisis”

“De la marca no se vive y había que modernizarse”, explica Enrique Rubio. Modernización en los contenidos y en la forma de trabajar en plena era de Internet. De hecho, el 29 de octubre inauguran imprenta en su nueva nave de Quart de Poblet, donde además presentarán ese mismo día su Aula Museo en la que se recrea un aula de los años 60 con productos de la época.

Todo ello después de crecer en facturación y de vender “más que hace siete u ocho años”. ¿La clave? “En los periodos de bonanza económica hay que prepararse para la crisis, porque sabemos que éstas son cíclicas”. Lo que ha permitido a Cuadernos Rubio ser en todo momento una empresa saneada con facilidad a la hora de obtener financiación bancaria en tiempos de vacas flacas. Su salto al mercado alemán hace un par de años así lo demuestra. “Se vende en Alemania, pero cuesta”, reconoce Rubio, aunque subraya que se trata del mismo problema con el que se encontró su padre cuando empezó en España. También está previsto impulsar la publicación en Latinoamérica: “Está previsto que lo hagamos en 2016”.

Enrique Rubio, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito. Fotografía: Fernando Ruiz.

“Ahora los niños escriben mucho menos; su infancia es la del ordenador”

Mi mamá me mima, cuya redacción de textos para la editorial Espasa ha sido obra de Mariola Cubells, va en esa línea de recuperar el pasado con vistas a impulsarse hacia el futuro. “Se está poniendo de moda lo retro; su poder nostálgico”. Enrique Rubio no sabe exactamente por qué, pero lo cierto es que la nostalgia vende. “A la gente le emociona recordar las tardes en que coloreaban alguno de aquellos cuadernos”.

Ejemplar del libro ‘Mi mamá me mima’, de Enrique Rubio, en los Desayunos Makma de Lotelito. Foto: Fernando Ruiz.

O los ejercicios de caligrafía. “Ahora los niños escriben mucho menos, porque su infancia es la de los ordenadores, los videojuegos, las multipantallas o los iPads”. Y, sin embargo, “se ha demostrado que la caligrafía tiene un valor pedagógico muy grande, porque estimula partes del cerebro que en la infancia se halla en plena transformación”. De ahí quizás el éxito hoy en día de Cuadernos Rubio. Como se recoge en el libro, “si alguien en aquel momento le hubiera dicho [a su padre] que en 2014, por ejemplo, se iban a vender más de cuatro millones de ejemplares de aquellos cuadernillos artesanales, probablemente se hubiera partido de la risa”.

Enrique Rubio, con Eva Montesinos a su lado, en un momento de los Desayunos Makma en Lotelito, con Salva Torres (de blanco) y Vicente Chambó. Foto: Fernando Ruiz.

“En Cataluña existe un nacionalismo muy potente”

En el mercado nacional, Cuadernos Rubio se vende casi por igual en casi todas las comunidades autónomas. “Quizás algo más en Andalucía, por tener más población”, y algo menos en Cataluña, “porque si estás solo en castellano te penaliza, cosa que no ocurre en Valencia, ni tampoco en Galicia o el País Vasco”. Con todo, hace tres años que se ha traducido al catalán y, como destaca Rubio, “se nota en las ventas”. Como se nota, a tenor de su experiencia, que en Cataluña “existe un nacionalismo muy potente”.

La noticia en El Mundo Comunidad Valenciana

Salva Torres

La rabia punk en el arte contemporáneo

Posted on 26 octubre, 2015 por MAKMA

PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo
Comisariada por David G. Torres
Artium. Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo
Frantzia Kalea, 24. Vitoria
Hasta el 31 de enero de 2016

Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, presenta la exposición PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo en su Sala Norte hasta el 31 de enero. Comisariada por David G. Torres, la muestra pretende poner de manifiesto cómo en el arte actual, “más allá de divisiones entre artistas y tendencias, hay un ruido rabioso que une a muchos creadores” y que la actitud punk sigue presente en la producción artística contemporánea.

La exposición cuenta con más de 50 artistas internacionales y más de 60 obras de las más diversas técnicas: fotografía, vídeo, pintura, instalación, escultura y documentos, entre otros objetos. La inauguración el pasado 23 de octubre contó con una performance de João Onofre con la colaboración de la banda de death metal Sorgerth, además de un concierto del grupo Piztu Punk!. PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo es una producción de Artium y el Centro de Arte 2 de Mayo de Móstoles, comisariada por David G. Torres y patrocinada en Vitoria-Gasteiz por la Diputación Foral de Álava.

Obra de Jean Michel Basquiat en ‘Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo’. Imagen cortesía de Artium.

El punk como movimiento musical conoció una breve e intensa explosión en la segunda mitad de los años 70 del pasado siglo. Sin embargo, el punk como “manifestación de de la incomodidad frente al sistema económico, político, social y cultural”, tal y como lo define David G. Torres, es una actitud “hecha de rabia, velocidad, ruido, incorrección, inconformismo, anti, negación, oposición o provocación que recorre el siglo XX, que se estira más allá de los 70, más allá del contexto anglosajón y más allá de la escena musical“.

Los ecos de la actitud punk se pueden rastrear, antes de su eclosión, en movimientos como el dadaísmo o el situacionismo, pero sobre todo, y tal y como muestra la exposición, siguen vivos y son un referente en el arte contemporáneo. “Los motivos que llevan a la insatisfacción, el inconformismo, la pérdida de fe en el progreso o la crítica feroz a los iconos del sistema económico y social siguen vigentes y son intrínsecos a la práctica de muchos artistas”.

Obra de Carlos Aires en ‘Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo’. Imagen cortesía de Artium.

Seis espacios

La exposición PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo ocupa los 1.500 metros cuadrados de la Sala Norte de Artium organizada en seis ámbitos conceptuales distintos. El primero está vinculado a la importancia de la superficie en el movimiento punk: la moda, el diseño y el aspecto exterior como medios para hacer frente al convencionalismo. Esa influencia se ve en la recuperación de eslóganes, canciones y personajes, en el recurso al feísmo y el mal diseño, y en el uso del ruido y la música punk por artistas como João Onofre, Pepo Salazar, Jamie Reid, Carlos Aires o Dan Graham.

Fotografía de Jordi Colomer en ‘Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo’. Imagen cortesía de Artium.

El punk reclama un espacio para la diferencia ante una sociedad que impone límites y que deja escasas salidas. La alienación, el gore, lo psicótico, eran recurrentes en la escena punk y han sido elementos presentes en las obras de Martin Kippenberger, Paul McCarthy, Raymond Pettibon, Santiago Sierra o Jordi Colomer, como se ve en el segundo de los espacios de la exposición.

Obra de Pepo Salazar en ‘Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo’. Imagen cortesía de Artium.

Por otro lado, el punk como respuesta violenta a un sistema que considera violento encuentra ecos en obras de Jean Michel Basquiat, Jimmie Durham, Nan Goldin, Chris Burden, Claire Fontaine o Pepo Salazar. A continuación, la muestra alude a la vinculación de muchos de los protagonistas de este movimiento con el anarquismo. Su huella es uno de los elementos más identificativos del punk y configura una actitud presente en el arte contemporáneo, como puede comprobarse en piezas de Federico Solmi, Claire Fontaine, Juan Pérez Agirregoikoa, Tere Recarens o Itziar Okariz.

Obra de Chiara Fumai en ‘Punk. Rastros en el arte contemporáneo’. Imagen cortesía de Artium.

Como recuerda David G. Torres, “elcontexto en el que surge el punk en la década de los setenta está marcado por el terrorismo y las acciones violentas”. El quinto espacio de la muestra revela esta marca en obras de DETEXT, Chiara Fumai, Mabel Palacín, Tony Cokes, Christoph Draeger o Joan Morey.

Obra de Guerrilla Girls en ‘Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo’. Imagen cortesía de Artium.

La exposición se cierra con un grupo de obras que hacen referencia al sexo, muy presente en todo el movimiento punk como reivindicación libertaria. La referencia al sexo como denuncia, como reivindicación o como arma para recuperar el sarcasmo se encuentra presente en estas piezas de Guerrilla Girls, Tracey Emin, Raisa Maudit o María Pratts.

Vuelve el Festival Intramurs a Valencia

Posted on 23 octubre, 2015 por Patricia García

Intramurs, Festival per l’Art a València
Centro histórico
Hasta el 1 de noviembre de 2015

Desde el día 22 de Octubre la antigua muralla que envuelve el casco histórico de Valencia se llenará de actividades culturales y artísticas con la segunda edición del Festival Intramurs. Alrededor de cuatrocientos eventos de moda, arte, música y gastronomía tomarán las calles con una idea: el arte como impulsor del espacio público.

Una idea que comparten otros países como Holanda, modelo a seguir en arte público y referente en educación, bienestar social, cultura… Un país que este año el Festival Intramurs ha querido traer a Valencia como invitado y en torno al cual se organizará una mesa redonda el próximo 29 de octubre con el crítico de arte e investigador Jean Boumans junto a otros artistas de renombre internacional.

La iniciativa de Intramurs comenzó en noviembre del pasado año 2014 y vuelve en esta edición con mucha más fuerza. Un trabajo de todo un año que desembocará en una explosión cultural formada por conciertos de música, actuaciones de teatro y danza, intervenciones urbanas, performance, talleres, mesas redondas, desfiles de moda, ruta de gastronomía, actividades artísticas de todo tipo que ocuparán las calles hasta diez días.

Una de las propuestas más interesantes que tendrá el festival será la Ruta de Escaparates en la que participan casi cincuenta diseñadores. Un auténtico ejemplo de unidad entre los negocios locales que conforman Ciutat Vella y los artistas, que tendrán la oportunidad de exponer su trabajo y ser evaluados por críticos de arte y otros diseñadores asentados durante la tarde del 27 de octubre.

Otro de los programas imprescindibles es el de Mini Intramurs, un programa que tiene como objetivo el impulsar la didáctica del arte en un momento en el que la Educación Artística está siendo revisada y puesta en valor por gran cantidad de asociaciones y colectivos artísticos. Mini Intramurs invita a las familias a que participen en actividades de teatro, música, video arte, arquitectura o intervenciones en espacio público que promuevan la sensibilidad artística de los más pequeños.

Sin embargo, una de las intervenciones colectivas más esperadas se realizará en un espacio que colaborará por primera vez con el Festival Intramurs: la Plaza de la Virgen. Espacio simbólico de nuestra ciudad del que nunca antes el arte contemporáneo había formado parte y que llama a la participación ciudadana a partir del día 26 de octubre.

A partir del jueves 22 a las 19.00h tendrá lugar la presentación del Festival Intramurs en el Museo L’Iber y de allí los asistentes podrán trasladarse al Espacio Ideo de la mano de Jaime Vallaure para la fiesta de inauguración. Sin duda, una ocasión para que las calles del centro histórico sean reanimadas por un festival de arte y para el arte, que se suma al resto de festivales pertenecientes al PICUV (Plataforma de Iniciativas Culturales Urbanas de Valencia) y que ayudan a impulsar el movimiento cultural de nuestra ciudad.

Patricia García