La mirada crítica de Pérez Agirregoikoa en Artium

’38 de julio / 37 de octubre’, de Juan Pérez Agirregoikoa
Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo
Sala Sur
Francia Kalea 24, Vitoria
Del 12 de abril al 17 de septiembre de 2017

Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, presenta la exposición ’38 de julio / 37 de octubre’, de Juan Pérez Agirregoikoa (Sala Sur, hasta el 17 de septiembre de 2017), la mayor muestra realizada hasta la fecha por el artista donostiarra.

Afincado en París desde comienzos de 1990, Pérez Agirregoikoa proyecta una mirada perspicaz y crítica sobre la ideología, la religión, el capitalismo, la educación y la cultura, temas a los que dedica sus dianas más mordaces. El título de la exposición hace alusión a un tiempo del calendario imaginario, que hace de las efemérides políticas y revolucionarias un ritual un tanto absurdo. La exposición se concentra en trabajos realizados en los últimos quince años y también en algunas obras anteriores, inéditas o menos conocidas del artista. ’38 de julio – 37 de octubre’ es una producción del Museo Artium (Vitoria-Gasteiz) y del Centre d’Art La Panera (Lleida), con el patrocinio de El Correo, Euskaltel, EDP Energia y Fundación Vital y la colaboración del Instituto Etxepare.

Imagen de una de las obras incluidas en la exposición '38 de julio / 37 de octubre', de  Juan Pérez Agirregoikoa. Fotografía cortesía del Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo.

Imagen de una de las obras incluidas en la exposición ’38 de julio / 37 de octubre’, de Juan Pérez Agirregoikoa. Fotografía cortesía del Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo.

Juan Pérez Agirregoikoa (Donostia-San Sebastián, 1963) utiliza en su trabajo medios elementales y poco espectaculares: pintura sobre papel, textos, pancartas de tela y técnicas básicas como el carboncillo y la acuarela. Como indica el comisario de la exposición, Peio Aguirre, “aunque en una primera mirada su obra es de fácil lectura, detrás de esa capa legible el artista nos presenta elaborados comentarios que hablan de nuestro modo de vida y el comportamiento humano con una gran carga irónica. Detrás de eslóganes declamatorios, el artista presenta una cuidada reflexión sobre los códigos de representación”. En general, el contenido de sus obras se apropia y subvierte los discursos sobre el poder, la religión y la obediencia; el artista se apoya también en su interés por la filosofía política y por los aportes teóricos de Jacques Lacan al psicoanálisis.

En ese sentido, la exposición ’38 de julio – 37 de octubre’ presenta, por ejemplo, la serie ‘Ex-votos’ (1993-1994), en la que Pérez Agirregoikoa adopta esta forma popular de pintura religiosa poco elaborada para reproducir situaciones que mezclan realidad, ficción y mitología urbana. Otro caso es la obra ‘Lalangue Lavion’ (2011), para la que el artista realizó dos pancartas que fueron colocadas a modo de anuncios comerciales en la cola de una avioneta, sobrevolando la costa hasta las playas de San Sebastián en una calurosa tarde de verano. En las pancartas se podía leer “Marx, I love U. Will you marry me?” (Marx, te amo. ¿Te casarías conmigo?), y también “Il y a un ennemi” (Hay un enemigo). Toda la acción fue filmada dando como resultado un documento en vídeo.

Fotograma de la producción de vídeo 'Radio(a)phonie', de  Juan Pérez Agirregoikoa. Fotografía cortesía del Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo.

Fotograma de la producción de vídeo ‘Radio(a)phonie’, de Juan Pérez Agirregoikoa. Fotografía cortesía del Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo.

En la exposición destacan asimismo dos producciones recientes en vídeo, ‘Letra morta/Dead Letter’ (2014) y ‘Radio(a)phonie’ (2017). El primero es el que Juan Pérez Agirregoikoa realizó con motivo de la Bienal de Sao Paulo de ese año. El artista filma en los suburbios de la ciudad brasileña una película basada en ‘El Evangelio según San Mateo’, de Pier Paolo Pasolini, pero centrándose en algunos pasajes del texto bíblico que el director italiano pasó por alto. En ese sentido, la película aborda por ejemplo la conocida como “parábola de los talentos” “en la que el inversor de éxito es recompensado y el fracaso en los negocios castigado”, pasaje que para el artista es “clave para la configuración discursiva del capitalismo occidental”.

En segundo lugar, ‘Radio(a)phonie’(2017) es un vídeo realizado ex profeso para esta exposición. Aquí el artista se centra en la relación entre política y educación. Basado en el mito de la caverna de ‘La República’ de Platón –es decir, los juegos de sombras y la reflexión sobre la representación, sobre cómo vemos las cosas y cómo son en realidad- y contando con un grupo de adolescentes, el vídeo es “una mirada crítica al panorama político y las ideologías que dominan nuestra realidad más inmediata”.

Junto a estas producciones en vídeo, Pérez Agirregoikoa presenta también series de dibujos realizados con carboncillo, acrílico y acuarela, en los que aborda temas como la condición del artista, como en ‘El síndrome Muntadas’ (2009), una serie de 37 dibujos al carboncillo en los que cuestiona, con sentido del humor, lo que se considera ser «un artista de éxito». En otros dibujos se centra en cuestiones como la re-educación, la familia, la autoridad y “la cultura como forma de adiestramiento”.

En definitiva, “estos son algunos de los temas más insistentes que caracterizan la obra y la trayectoria de un artista, cuyo quehacer oscila por un lado entre el materialismo, el anti-idealismo y lo posible, y, por otro, la voluntad de una contribución sensible y singular al hecho de ser artista”.

Imagen de una de las dos pancartas pertenecientes a la obra 'Lalangue Lavion', de  Juan Pérez Agirregoikoa. Fotografía cortesía del Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo.

Imagen de una de las dos pancartas pertenecientes a la obra ‘Lalangue Lavion’, de Juan Pérez Agirregoikoa. Fotografía cortesía del Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo.

 

Fira Tàrrega. Ciudad y participación

36a edición de FiraTàrrega
Plaça de Sant Antoni, 1 Tàrrega. Lleida.
Del 8 al 11 de septiembre

La nueva edición de FiraTàrrega viene marcada por un eje conductor muy claro: la interculturalidad, la cualidad de las artes de calle que las hace capaces de dirigirse a personas y a contextos muy diferentes. Este año presenta los trabajos de 57 compañías, de 9 países, entre los que habrá 33 espectáculos de estreno.

El conjunto de la programación ofrece un cartel rico en formatos, géneros y estilos; una oferta para todo tipo de públicos y edades, donde participarán 30 compañías catalanas, 11 españolas y 16 internacionales. Un total de 60 propuestas, que tendrán lugar en diversos espacios públicos de la ciudad de Tàrrega (47 espectáculos) y en varias salas (13 montajes). Este año FiraTàrrega participa en la producción de 15 espectáculos, un 25% de la programación de esta edición.

El programa de la Fira se estructura en 5 secciones: Sección Oficial (selección de éxitos de la temporada y estrenos de ámbito internacional), Plataforma (espectáculos del Programa de Apoyo a la Creación y otros proyectos de coproducción), Ondara Park (proyectos centrados en la programación más festiva), Programa Abierto (espacio de colaboración entre el sector privado y FiraTàrrega) y Bonus tracks (con varias propuestas que complementan la programación de este año).

Para hacer más accesible toda la programación, la Fira vuelve a organizar los Itinerarios artísticos. Un total de 10 itinerarios con espectáculos para todos los gustos, que facilitarán la navegación del espectador por el programa de FiraTàrrega.

Sección Oficial. Ateneu Popular, Garbuix, 9 Barris, 20è Circ d'Hivern y V de Vavel. Imagen cortesía FiraTàrrega.

Sección Oficial. Ateneu Popular, Garbuix, 9 Barris, 20è Circ d’Hivern y V de Vavel. Imagen cortesía FiraTàrrega.

FiraTàrrega celebra su potencial intercultural

Este 2016 FiraTàrrega celebra uno de los valores más representativos de las artes de calle, su potencial intercultural. Es por ello que ofrecerá una selección de producciones que buscan superar contextos culturales concretos y dirigirse a públicos muy diversos. También contará con una selección de espectáculos centrados en la temática de la justicia social y en la construcción de ciudadanía en la Europa de hoy en día.

En esta línea, la compañía francesa Artonik, será la encargada de abrir esta edición con The Colour of Time, un ritual efímero que se origina con el fin de borrar las jerarquías y las diferencias entre las personas y de celebrar colectivamente la amistad, la interculturalidad y el mestizaje.

En la misma dirección, para celebrar el potencial intercultural de FiraTàrrega, esta edición contará con varias apuestas que giran en torno a esta cuestión. Coproducciones de gran formato como Manifesta, la última creación de los Obskené, un canto a la diferencia, festivo y lúdico; el estreno en España de Misa Fronteriza, de los mexicanos Universiteatro & Gorguz Teatro, una reflexión sobre la hibridación cultural; el estreno de Mulïer de Maduixa Teatre, un homenaje a todas las mujeres que, durante siglos de opresión, han luchado y siguen luchando por sus derechos; o el Cafe Europa de los italianos Ondadurto Teatro, una alegoría que retrata la hipocresía y los vicios de nuestra sociedad.

Novedades de FiraTàrrega 2016

Entre las novedades más importantes de este 2016, cabe destacar, dentro de la Sección Oficial, el nacimiento del #EspaiZebra, donde las compañías Baal y Les Impuxibles presentarán dos miradas sobre los lugares de paso entre sexualidades. También contaremos con la programación de #UrbanNation, un apartado dedicado a la cultura urbana que se expande para incluir los últimos trabajos de Montana Colors Cultura en colaboración con Tope, Iron Skulls Co., Get Bak, Arcopom, Ravid Goldschmidt & Quim Moya y los estadounidenses Ephrem Asherie Dance.

Este año FiraTàrrega presenta un foco artístico dedicado a Chile, una oportunidad para conocer la escena artística del país de la mano de propuestas como Fulgor, de Teatro Niño Proletario, que realizará una residencia creativa en la ciudad, dentro del Programa de Apoyo a la Creación. También se podrán ver los montajes Frames, de La Licuadora, Viaje no 9, de Teatro del Sonido y La cocina pública, de Teatro Container, esta última, ha implicado en su producción a varios vecinos de la ciudad de Tàrrega.

Sección Oficial. The Colour of Time. Compañía Artonik. Imagen Thierry Bonnet, cortesía FiraTàrrega.

Sección Oficial. The Colour of Time. Compañía Artonik. Imagen Thierry Bonnet, cortesía FiraTàrrega.

Mercado de artes escénicas y actividades profesionales

FiraTàrrega va mucho más allá de la exhibición teatral y año tras año trabaja para convertirse en un hub profesional de primer nivel, propiciando la relación entre compradores y vendedores, que contribuye a generar mercado y sinergias, posicionando el sector de las artes escénicas.

La Llotja, un pabellón ferial de 1.100 m2, es el espacio donde se producen las reuniones profesionales. Con stands, salas de actos, puntos de encuentro y los servicios necesarios, es el epicentro de las relaciones profesionales, ya que acoge presentaciones y conferencias. Los profesionales también cuentan con el Club Pro, el espacio de encuentro de tarde-noche más lúdico e informal, de conversación más distendida.

Este año FiraTàrrega ha renovado acuerdos profesionales nacionales e internacionales, que sirven como plataforma de promoción preferente, con la Associació d’Actors i Directors Professionals de Catalunya (AADPC), la Associació Professional d’Espectacles per a Tots els Públics (TTP), la Associació de Professionals de la Gestió Cultural de Catalunya (APGCC), la Xarxa Alcover de Teatres, la Asociación de Empresas de Distribución y Gestión de las Artes Escénicas (ADGAE), la Asociación de Circo de Andalucía (ACA), Xtrax (Reino Unido) y la Associazione Culturale C.L.A.P.S Spettacolo dal vivo (Italia).

Además, en la edición 2016 se incorporan dos asociaciones internacionales: Independent Street Arts Network, que aglutina a los profesionales de las artes de calle del Reino Unido, y ISACS Network, que agrupa a las entidades de la emergente escena de las artes de calle de Irlanda.

Por otra parte, cabe destacar el proyecto CASA – Circus and Street Arts Circuit, dentro del cual, del 5 al 11 de septiembre 10 profesionales de toda Europa visitarán Cataluña para explorar las artes de calle y circo, donde verán los principales espacios escénicos y de creación, además de participar activamente en la Fira, para conocer de primera mano nuestra realidad de las artes de calle y circo, con encuentros con las instituciones y entidades presentes en esta edición.

FiraTàrrega, ciudad y participación

FiraTàrrega entiende la participación de la ciudadanía como una parte clave en la gestación de las propuestas escénicas que se presentan. Y es que pretende acercar a la ciudadanía diversos proyectos de manera que no sólo se pueda ver su resultado, sino que se pueda participar activamente en el proceso. Implicar a las personas de forma activa, desde el minuto 0 del proceso de creación, proporciona una mirada diferente a los proyectos, democratizando la cultura. Por otra parte, las compañías tienen la oportunidad de interactuar con el público y de crear un diálogo con el paisaje humano y local de la localidad.

Muestra de ello, este año FiraTàrrega ha llevado a cabo una serie de talleres, castings, colaboraciones con asociaciones, escuelas y actores de la ciudad, con espectáculos que forman parte del Programa de Apoyo a la Creación. Destacan Algo de mí, algo de ti, de los mexicanos Carretera 45 Teatro; Massager, de la compañía coreana CCOT o El Diván de la peluquería de Sienta la Cabeza; y también con otros que forman parte de la programación general, como es el caso del espectáculo inaugural The Colour of Time, de la Cie. Artonik; la última creación de los valencianos El Pont Flotant; La cocina pública de los chilenos Teatro Container o #ciutatvisible los catalanes Colordellop.

Podéis consultar la programación de FiraTàrrega aquí

Ramón Llull: caballero de Dios

700 aniversario de la muerte de Ramón Llull
Eventos organizados por el Institut Europeu de la Mediterrànea

Cuando se piensa en genios polifacéticos, adelantados a su época que abrieron nuevos caminos al saber, es inevitable remitirse al Renacimiento. Pero la Edad Media también generó personajes fuera de serie que consolidaron los cimientos de la civilización. Uno de los más fascinantes es Ramón Llull. Este catalán de Mallorca, como él mismo se definía, considerado el padre de la literatura catalana, tuvo una vida intensa y provechosa, plagada de viajes y vicisitudes que podrían inspirar una gran producción cinematográfica. Con motivo del 700 aniversario de su muerte, el Institut Europeu de la Mediterrànea (IEMed) ha organizado una serie de eventos que evocan su figura a caballo de la fe y de la razón destacando especialmente su dimensión como pionero del diálogo entre religiones y culturas.

“Ramón Llull es uno de los primeros personajes interculturales cuya obra ofrece algunas pautas de pensamiento y de acción que continúan siendo vigentes en el siglo XXI”, dice Senén Florensa, presidente ejecutivo del IEMed. “Políglota autodidacta capaz de expresarse y escribir en latín y árabe, utilizó a la vez el catalán como lengua tanto de creación literaria como de transmisión científica, siendo un verdadero pionero  en la Europa medieval”.

Cubierta del libro sobre Ramón Llull.

Cubierta del libro sobre Ramón Llull.

Ramón Llull nació en Mallorca, en 1235,  en el seno de una rica familia barcelonesa. A la sazón, la isla era una encrucijada tanto militar como comercial, habitada por una gran diversidad de credos y razas. Occitanos, genoveses, catalanes y musulmanes, que integraban una tercera parte de la población.

Esta complejidad social se reflejó en la obra y pensamiento de Llull que desde niño manifestó una gran inteligencia y recibió una exquisita formación cortesana y caballeresca. Fue senescal del futuro Jaime II de Mallorca, cultivó la poesía cortesana y llevó una existencia disipada propia de su condición. Una experiencia mística, a los 30 años dio un giro radical a su vida, abandonó a su familia, los fastos mundanos y se entregó por completo al difundir el mensaje de Dios apoyado en la ciencia y la razón, a través del arte.

Pionero intercultural

Raimundus Christianus Arabicus. Ramon Llull y el encuentro entre culturas es el título de la muestra itinerante que se pudo ver en La Nau de la Universitat de València y que se trasladará a Barcelona, Lleida, Vic y Bruselas en los próximos meses. Una serie de paneles con textos en cuatro idiomas -castellano, catalán, francés y árabe-, que describen la vida de Llull en su contexto histórico. El itinerario resalta su faceta como pionero del diálogo intercultural con el mundo musulmán en una época en que el Mediterráneo era un espacio de conflicto entre religiones.

Llull se trasladó al Próximo Oriente y al Magreb, donde entró en contacto con los sabios y pensadores musulmanes de su tiempo. También se relacionó con  los poderes políticos y eclesiásticos de Roma, Francia, las repúblicas italianas y la Corona de Aragón. Uno de sus objetivos era impulsar la creación de escuelas de árabe para los misioneros.

Breviculum X. Ramón Llull.

Breviculum X. Ramón Llull.

Combinaba sus viajes y actividad misionera con la escritura, 265 títulos sobre las materias más diversas, incluida la literatura. Su obra magna, Ars llulina, es un método de métodos que integra diversas disciplinas cuyo objetivo era ser herramienta de persuasión racional. Llegar a Dios por el camino de la ciencia buscando un terreno común entre las distintas creencias.

Ramon Llull y los diálogos mediterráneos, es otra de las vertientes de esta celebración, una compilación de los trabajos de una treintena de estudiosos, historiadores medievalistas, historiadores de la ciencia, antropólogos, escritores e islamólogos conocedores de la obra lulliana.

Banda sonora

La banda sonora la aporta la formación valenciana Capella de Ministrers con un libro disco, Ramón Llull, el último peregrinaje, que se grabó en el Centro del Carmen. Carles Magraner propone un viaje musical por el Mediterráneo medieval inspirado en los itinerarios de Ramon Llull. El proyecto se presentará en los Cloister del Metropolitan de Nueva York, a finales de 2016, preámbulo al 30 aniversario de la formación valenciana.

Llull fue un gran viajero. Desde Mallorca recorrió Barcelona, Montpellier, París, Italia y el norte de África. Un misterio vela su muerte, pues no se sabe si murió en Túnez, a finales de 1315 o en su ciudad natal a principios de 1316. En todo caso fue muy longevo para su época.

700 aniversario Ramón Llull.

700 aniversario Ramón Llull.

Bel Carrasco

Historia de amor hecha con barro

A mano, de la compañía El Patio
Teatre El Musical
Plaza del Rosario, 3. Valencia
Sábado 5 (19.00 y 21.00h)  y domingo 6 de marzo (18.00 y 20.00) de 2016

A mano es una reivindicación teatral del trabajo artesanal que podrá verse en el escenario del Musical este sábado y domingo. Una historia de amor cuyo protagonista es una pequeña figura de barro a la que dan vida dos actores a cuatro manos en una alfarería.

Una pieza singular de teatro para toda la familia que ha conseguido el aplauso del público y la crítica, que la ha calificado como “una pequeña joya teatral, una obra artesanal exquisita”. Una obra que ha conseguido difusión internacional y ha recibido premios en festivales españoles (Lleida, FETEN, Encinart) y extranjeros: mejor espectáculo en Kuss Festival de Marburg (Alemania) y mejor interpretación en Festival Valise (Polonia).

Escena de A Mano. Imagen cortesía de Teatre El Musical.

Escena de A Mano. Imagen cortesía de Teatre El Musical.

La compañía riojana El Patio, fundada por Izaskun Fernández y Julián Sáenz-López, ha creado este espectáculo como una pieza de orfebrería, que se vale del barro, de objetos cotidianos y de un espacio reducido para contar una historia llena de emociones.

Teatro para toda la familia con un lenguaje original y en pequeño formato, que por sus características de visibilidad está limitado a 85 espectadores por función. Todo el público estará ubicado en el escenario del teatro para poder disfrutar de A mano con la cercanía que requiere este espectáculo.

A Mano. Imagen cortesía de Teatre El Musical.

A Mano. Imagen cortesía de Teatre El Musical. 

Miguel Andrés, el cuerpo como arma comunicativa

Sala Gótica del Institut d’Estudis Ilerdencs
Plaça Catedral s/n. Lleida
Hasta el 20 de septiembre de 2015

UNTITLED Exhibition(ism) es un proyecto expositivo propuesto por Miguel Andrés, performer y artista virtual. El proyecto se presentará públicamente en la Sala Gòtica del Institut d’Estudis Ilerdencs, en Lleida, hasta el 20 de septiembre. Así mismo tendrán lugar una serie de performances en vivo los días 24, 25 y 26 de julio, tanto en la Sala Gòtica como en el centro histórico de la ciudad de Lleida. La exposición es el resultado del premio EMBARRAT-IEI 2014, subvencionado por el Institut d’Estudis Ilerdencs (IEI), perteneciente a la Diputació de Lleida y comisariado por Anselm Ros. Todas las piezas han sido desarrolladas en el marco de la residencia artística llevada a cabo en los últimos meses en Fabra i Coats – Fàbrica de creació de Barcelona.

Miguel Andrés. Art is not only a decorative object, Diálogo sobre la función del arte, Serie fotográfica.

Miguel Andrés. Art is not only a decorative object, Diálogo sobre la función del arte, Serie fotográfica. Cortesía del artista.

UNTITLED Exhibition(ism), que será la primera exposición del artista, nace con la necesidad de expresar y dialogar a través del cuerpo para convertirlo en un arma. El artista parte de su cuerpo como lienzo en blanco para explorar lo más profundo del ser, allá donde se encuentran las cuestiones fundamentales. Para eso es necesario andar un camino y pasar por un proceso. Este proceso es precisamente el que busca y asume el artista para su obra, con su cuerpo como herramienta. De este modo la performance se convierte en el eje central de las obras generadas a lo largo de todo el proceso creativo. La investigación en este sentido adquiere un papel protagonista, tanto en lo referido a la performance, los conceptos y mensajes. Miguel Andrés propone una serie de piezas inéditas versadas en la performance y el arte conceptual para su exhibición pública en el IEI, entre las que se podrán encontrar piezas de videoarte, fotografía e instalación.

La exhibición pública de un cuerpo desnudo puede tildarse de exhibicionismo, aunque todo depende del título que se le otorgue. Miguel Andrés sólo pretende utilizar su cuerpo como arma de comunicación para remover las conciencias y parar expresar sus ideas: “Exhibirme me convierte en exhibicionista, pero cabe recordar que no hay exhibicionismo sin voyeur“, dice el propio artista y con esta premisa propone una serie de diálogos que precisan de un observador para iniciarse. Son el ser humano y todas sus inherencias los que conforman el eje central de su obra. Conciencia, comportamiento, emociones, personalidad, sexualidad, fetichismo, ego, represiones y miedos son sólo unas cuantas, porque todo lo que rodea al hombre le fascina al propio artista y merece la pena ser explorado. La investigación en primera persona es primordial en su creación, ya que se entrelaza con lo personal para transformarse en un trabajo de auto-conocimiento enriquecedor.

Miguel Andrés, Golden Fountain, Diálogo con Marcel Duchamp, Video arte, 8’ 33”.

Miguel Andrés, Golden Fountain, Diálogo con Marcel Duchamp, Video, 8’ 33”. Cortesía del artista.

La exposición UNTITLED Exhibition(ism) presenta piezas como Golden Fountain que toma como punto de partida la emblemática obra de Duchamp. El ready-made se transforma en performance para suscitar la misma pregunta que hace un siglo: ¿Qué consideramos arte? Y un poco más allá… ¿qué es verdaderamente ser artista? El debate acerca de la utilidad del arte es prolijo. Pero hay una cosa clara: ‘el arte no es sólo un objeto decorativo’ o un activo especulativo. Hay algo más, tiene que haberlo. Alma, sentimiento, conexión, mensaje, debate, pensamiento y tanto como el ser humano sea capaz de sentir.

El artista:

Miguel Andrés Yecla, nació en 1982 en Murcia y vive actualmente en Barcelona. El artista se describe como investigador, nihilista y reflexivo. Siempre le atrajeron las artes, desde niño siempre quiso ser actor, aunque acabó estudiando publicidad y ejerció como director de arte durante varios años en agencias de Madrid y Valencia. Tras la crisis de 2008 su vida cambió como la de otros tantos y fue encontrando su camino: sin saberlo había entrado en el mundo del arte. Experimentando coqueteó con varios campos de las artes visuales hasta dar finalmente con la performance y el videoarte, siendo estos el eje principal de su obra. Desde entonces ha participado en diversas exposiciones y festivales a nivel nacional e internacional obteniendo varios premios y menciones. Actualmente reside en Barcelona y dedica su vida al mundo del arte, entre otros menesteres.

Miguel Andrés. Cum dederit, Diálogo sobre la superpoblación, Video arte, 6’ 58”.

Miguel Andrés. Cum dederit, Diálogo sobre la superpoblación, Video, 6’ 58”. Cortesia del artista..

Trilogia de la Privadesa

Trilogia de la Privadesa
Nora Ancarola / Marga Ximenez

Sala Gòtica de l’Institut d’Estudis Ilerdencs
Pl. Catedral s/n , Lleida
Inauguració: Divendres 19 d’Abril a les 8 del vespre a la Sala Gòtica
Fins al 23 de Juny de 2013

Fotografía de la exposición "Trilogia de la Privadesa" cortesía de MX Espai 1010.

Fotografía de la exposición “Trilogia de la Privadesa” cortesía de MX Espai 1010.

A l’àgora

La ciutat sempre ha estat configurada al voltant d’un espai públic, l’àgora, la plaça, el fòrum. De mica en mica el lloc de trobada es va anar transformant, tot passant per estadis molt diversos fins a arribar al punt en què la localització en si és poc rellevant. La comunicació i transmissió d’esdeveniments es produeix a temps real i l’interior i l’exterior són conceptes espacials que freqüentment s’esvaeixen.

Malgrat les dificultats que comporta abordar qüestions de l’ambigu àmbit privat, l’any 2004 Nora Ancarola i Marga Ximenez van decidir treballar a partir d’experiències personals ficcionades –on el temps del que és real i la velocitat del que és transmissible es posen en confrontació–, i posar en relleu els límits de la realitat individual i la seva aparença pública. La tecnologia participa com a part dels elements utilitzats en les instal·lacions, al mateix temps que com a mitjà relacional amb les més de 70 persones que col·laboren en el projecte, algunes de les quals ja des dels seus inicis.

Al principi la intenció va ser la de realitzar un treball conjunt, tenint en compte els espais compartits –la casa, el taller, la galeria (MXEspai1010)– i els conflictes que podien produir-s’hi.

Al cap de 6 anys van concloure el treball Trilogia de la Privacitat, que consideren obert no només per la seva extensió en el temps sinó per les transformacions que s’han anat produint i l’aparició de noves idees que, en cada presentació que es fa en els diferents espais, enriqueixen i amplien la idea original.

 

Els començaments

Sibil·la, per ser la primera part de la Trilogia, és la que insinua el lloc d’allò més íntim, d’allò que de vegades roman soterrat en el nostre inconscient i treu el cap en forma d’enunciats, o gestos, que generalment ens són difícils d’interpretar. Tal com ho eren les fórmules oraculars d’aquestes endevinadores que s’anomenaven precisament sibil·les.

Sibil·la podria llegir-se així com el començament d’un camí, des del que és privat subjectiu cap al que és privat comú o comunitari. O el que pot tenir de compartible allò que sovint es creu com una experiència totalment subjectiva i intransferible.

Encara que la Sibil·la de la instal·lació no compleix el rol de profetessa d’esdeveniments futurs –que són aliens al seu propi destí–, sinó que la Sibil·la parla i reflexiona sobre si mateixa, la seva mirada, que veu en el temps, es gira cap al seu interior, cap al seu esdevenir, cap al seu passat com a nena, cap al seu present com a jove bella i sàvia, i cap al seu futur com a dona gran. Aquesta part recrea aquests tres moments.

En aquesta instal·lació, s’inicia un ascens cap a l’exterior de la cova de la sibil·la. Fins i tot podria associar-se a la metàfora d’un naixement, des del mite d’una certa feminitat, que conté la història de la Sibil·la, cap al fet de ser dona en el món. Es tractaria així d’un qüestionament de l’aprenentatge del ser femení, que comença per l’ésser nena, en una societat que li exigirà bellesa i joventut eterna i, tal com li passa a la sibil·la, la punició quan perdi aquests atributs.

En el nostre món, el càstig per aquesta pèrdua no serà el tancament en una gàbia de canari a l’entrada del temple d’Apol·lo (tal com passava en l’antiga Grècia) però sí la burla dissimulada, la precarietat laboral, la inseguretat i la insatisfacció eterna cap al seu cos, que sempre li serà aliè.

(extracte del text Temporalitat femenina en una relectura del mite de la Sibil·la d’Elsa Plaza Müller, escriptora i historiadora d’art)

 

La llar, evasió i desassossec

En Domus Aurea s’han treballat tres premisses: explorar la construcció del subjecte femení, fer-ho des de la idea de la casa com un espai real, i entendre aquesta casa com un lloc d’esdeveniments i d’experiències en el qual es produeixen situacions molt diverses, tant pel que fa a les relacions que porten moments de tensió, contradicció i desacords, com també a les situacions on brolla la individualitat, la soledat, l’intimisme i on el subjecte apareix en tota la seva nuesa.

Domus Aurea es perfila com a recurs de ficció per tal de crear una reflexió més enllà del sentit historicista del títol. Domus Aurea, que fou una mansió enorme construïda per Neró, però que mai va ser habitada (la mort el sorprèn abans de poder-ne gaudir), esdevé un motiu paradoxal i poètic que en endinsa en una problemàtica força actual i real.

Els treballs son una reflexió sobre el constructe del que és femení des d’una visió de la diferència de gènere que lliga el pes cultural amb el relativisme d’aquest mateix pes cultural, sense dogmatismes. Diguem que pensar i construir allò femení ja no pot establir-se només sobre concepcions oposades. El “jo” que esdevé en un cos “femella, dona”, així com la seva subjectivitat, expressivitat, visibilitat o incomunicabilitat, es construeix també des d’altres aspectes més ambigus, o menys clars i evidents, que no toleren definicions, ni diccionaris, ni enciclopèdies que aclareixin, mitifiquin o mistifiquin la paraula i les actituds d’aquest subjecte. Si allò femení no pot ser totalment explicat pel propi cos i la veu que ho conté, amb menys autoritat ho pot fer “un altre”.

Potser per això, ens apropem a les obres que tracten d’aquest subjecte d’una forma indirecta i a través d’al·lusions. Sens dubte per motivar, a nosaltres “espectadors i espectadores”, el nostre imaginari potencial. Tanmateix, també ens conviden a allò que expressava Dizma Lang d’una manera molt clara –i m’atorgo el dret d’utilitzar una de les seves frases–: “qui es permeti dedicar el seu temps a parlar dels altres, que també es permeti el valor de parlar de si mateix, si pot.”

(extracte del text El subjecte femení com a rastre i pertorbació en l’obra de Marga Ximenez i Nora Ancarola de Lola Donaire, historiadora i crítica d’art)

L’ètica de la cura

L’ètica de la cura Antikeres posa sobre la taula l’ètica de la cura a través del testimoni personal d’una sèrie de col·laboradors. S’ha volgut fer present un tema que molt sovint queda amagat dins l’àmbit familiar o en les persones que el pateixen en algun moment de la seva vida, conscients que allò que amaguem dins la nostra vida privada condiciona també la nostra vida pública.

Si en la mitologia clàssica, les Keres representaven els esperits femenins de la mort, les Antikeres, representarien els que tenen cura. Antikeres esdevé un projecte coral que fa referència a la cura en general, sigui tant per parlar de qui s’ocupa i té cura d’un espai i d’unes obres –com l’MXEspai 1010, tot passant pels artistes i els treballs que s’hi han exposat en els més de deu anys d’història de la galeria–, com de qui té cura d’un malalt, d’un nen o d’un ancià

No hi ha res de tan privat com el dolor, tant el físic com el psicològic, i en art s’ha experimentat sobre aquest tema, justament per situar en el límit certes convencions: des de les accions de Gina Pane i les de Marina Abramovic amb el seu propi cos, fins a les d’un Pepe Espaliu malalt de sida, d’un Bob Flanagan que patia fibrosi quística, o del testimoni d’artistes malaltes de càncer com Jo Spence o Hannah Wilke, entre d’altres.

Aquests aspectes esmentats, com la tristesa, la por, el dolor, la malaltia, la vellesa i la mort, han estat escombrats de la nostra quotidianitat pública de tal manera que, quan apareixen en les nostres vides, moltes vegades provoquen un shock i converteixen un fet natural en quelcom incomprensible i traumàtic. Els artistes que aprofundeixen sobre aquests temes situen l’espectador en un paper molt difícil, ja que mostren allò que la societat amaga, allò que temem, allò que no volem veure.

A través d’Antikeres, s’aconsegueix dur a terme el difícil exercici de fer públic allò privat per tal de testimoniar el temps que hem dedicat a cuidar o a deixar-nos cuidar, tot convertint la cura en un element social que traspassa les parets íntimes i les domèstiques i que pretén ajudar-nos a repensar un món més humà i atent a les necessitats reals de tothom.

(extracte del text Antikeres com a cloenda de Trilogia de la Privadesa de Sílvia Muñoz d’Imbert, crítica d’art i comissària d’exposicions)

 

Fotografía de la exposición "Trilogia de la Privadesa" cortesía de MX Espai 1010.

Fotografía de la exposición “Trilogia de la Privadesa” cortesía de MX Espai 1010.