¿National? No, Radical Geographics

Radical Geographics, de Rogelio López Cuenca
Institut Valencià d’Art Modern. IVAM
C / Guillem de Castro, 118. Valencia
Hasta 31 de enero de 2016

Hay una ciudad flotante y otra subterránea. La flotante es una especie de Matrix, por utilizar las palabras del propio Rogelio López Cuenca, que impide ver la otra. La subterránea, por cuanto se halla tapada por el “mundo del espectáculo, del entretenimiento y del ocio”, sólo emerge si se realiza cierta labor de “arqueología” o “psicoanálisis” de la ciudad oculta. Que es lo que ha hecho el artista malagueño, junto a nueve estudiantes de la Facultad de Bellas Artes de Valencia. El resultado se puede ver en la Galería 6 del IVAM, donde se presentaron esos contramapas o cartografías del territorio ajeno a los itinerarios programados por las instancias oficiales.

Instalación perteneciente a la muestra Radical Geographics, de Rogelio López Cuenca en el IVAM.

Instalación perteneciente a la muestra Radical Geographics, de Rogelio López Cuenca en el IVAM.

Radical Geographics, que es como Rogelio López Cuenca ha denominado el conjunto, juega poéticamente con esos dos registros de la ciudad: “Funciona como metáfora del propio proyecto”, explicó el artista. Remite por un lado a la revista National Geographic, “exitoso ingenio multimedia” que “reproduce y difunde un poderoso imaginario colonialista”, tal y como subrayó Teresa Millet, comisaria de la exposición. Y apunta por otro lado a esa “geografía crítica o radical” con la que López Cuenca pretende desvelar lo que Matrix esconde.

Radical Geographics, de Rogelio López Cuenca en el IVAM.

Radical Geographics, de Rogelio López Cuenca en el IVAM.

De manera que el mapa (no oficial) de Valencia mostrado en el IVAM, nada tiene que ver con el que recibe el turista en las oficinas de información municipal. Lo mismo sucede con el resto de itinerarios o constelaciones recogidos en el proyecto de López Cuenca: Lima, Valparaíso, México DF, Barcelona… En todos ellos, la “maquinaria de aplastamiento de las ciudades por parte de las políticas neoliberales”, va dejando paso a toda una serie de geografías críticas surgidas, según afirmó el artista, “de la reacción en contra de ciudadanos insatisfechos con esas políticas”.

Detalle del mapa de Valencia en la exposición Radical Geographics, de Rogelio López Cuenca, en el IVAM.

Detalle del mapa de Valencia en la exposición Radical Geographics, de Rogelio López Cuenca, en el IVAM.

Radical Geographics, que quiere funcionar “a modo de manuales de desorientación” (Millet), recoge en un gran mapa en proceso las diversas entradas y salidas por las que se puede acceder a la ciudad de Valencia. “No existe ni lugar ni dirección privilegiada desde donde leerlo ni cómo recorrerlo”, señaló la comisaria, de manera que tan pronto salta a la vista el Cabanyal, Salvem el Botànic, el accidente del Metro, las Fallas, los desahucios o el solar del propio IVAM, como un grupo de rock alternativo, determinados movimiento de defensa de la huerta, o el propio alcalde Joan Ribó manifestándose aburrido por el tema de las banderas.

Detalle del mapa de Valencia en la exposición Radical Geographics, de Rogelio López Cuenca, en el IVAM.

Detalle del mapa de Valencia en la exposición Radical Geographics, de Rogelio López Cuenca, en el IVAM.

“El arte permite hacer cosas que en la Academia no se pueden hacer”, apuntó López Cuenca, al tiempo que se preguntaba: “¿Esto es historia, geografía, poesía?” Sea lo que fuere, lo cierto es que Radical Geographics, en la era de Internet, termina ocupando cierto lugar oficial dentro del carácter contestatario que predomina en las redes sociales. De manera que la Valencia oficial, expulsada de la Galería 6 del IVAM, tiene como reverso la Valencia alternativa que allí se expone como territorio que sale naturalmente a flote.

Las “voces de las multitudes” que en ese gran mapa (no oficial) de Valencia aparecen, “como una red de resistencia contra el saqueo de lo común” (Millet), eclipsan ya en cierto modo la política basada en los “arquitectos estrella”. Lo cual, según López Cuenca, es reflejo de esa “reacción en contra” o carácter “revanchista” de los sufridos ciudadanos frente a los más satisfechos en Matrix. El gran panel donde se recoge toda esa geografía crítica en continuo proceso “se podrá ver posiblemente en una página web”, concluyó Millet.

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Detalle del mapa de Valencia en la exposición Radical Geographics, de Rogelio López Cuenca en la Galería 6 del IVAM.

Detalle del mapa de Valencia en la exposición Radical Geographics, de Rogelio López Cuenca en la Galería 6 del IVAM.

Salva Torres

El saqueo festivo de Iván Sikic

It’s My Party and I do What I Want To!, de Iván Sikic
99 globos ‘número 1’ de foil de 40 pulgadas / 49m3 de helio (aprox.) / 400 metros de cinta (aprox.) / 1 ladrillo de 1.7kg / Pan de oro de 22k / 7.000 chinchetas (aprox.)
Galería Luis Adelantado
C / Bonaire, 6. Valencia
Hasta el 12 de septiembre de 2015

Según informa la agencia internacional Oxfam, los 80 individuos más ricos del planeta poseen una riqueza acumulada equivalente a la del 50 por ciento más pobre, es decir, tan sólo 80 personas cuentan con igual riqueza que 3,5 mil millones de individuos juntos. Y la brecha se sigue ensanchando. En enero de 2015, Credit Suisse y la revista Forbes reportaron que al 2016, más de la mitad de la riqueza mundial estará en manos del uno por ciento de la población.

Instalación de Iván Sikic en la exposición de la galería Luis Adelantado. Fotografía de Nacho López Ortiz e Iván Sikic cortesía de Luis Adelantado.

Instalación de Iván Sikic en la exposición de la galería Luis Adelantado. Fotografía de Nacho López Ortiz e Iván Sikic cortesía de Luis Adelantado.

Esta gran divergencia viene siendo caballo de batalla de un sinnúmero de movimientos de protesta, sobre todo los que surgen al cabo de la crisis financiera global del 2008-2011, entre los que destacan el Movimiento 15-M y Ocupa Wall Street. Este último acuña el eslogan Somos el 99% para denunciar la carencia de representación de la inmensa mayoría en la toma de decisiones políticas, económicas y sociales. Pensemos, por ejemplo, en el proceso de toma de decisiones que condujo al abaratamiento del costo laboral y la reducción del gasto fiscal que hoy azotan a España, Grecia y Portugal.

Este es el contexto político y social al que Iván Sikic responde en esta ocasión al presentar It’s My Party and I do What I Want To! – o Es mi fiesta y hago lo que me da la gana. En un rincón de la galería Luis Adelantado, 99 globos de helio mantienen a flote un ladrillo cubierto de pan de oro. Durante los dos meses que dura la muestra, cada semana se añade un nuevo globo para suplementar así a los que se vienen desinflando. Estos últimos permanecen, desinflados, en el lugar en el que caen, como crudo testimonio de que su reemplazo es tan barato como inevitable. En el suelo, un pequeño batallón de chinchetas indefensas dramatizan la inanidad de su postura ante el implacable ladrillo dorado.

Instalación con chinchetas de Iván Sikic en la exposición de la galería Luis Adelantado. Fotografía de Nacho López Ortiz e Iván Sikic cortesía de Luis Adelantado.

Instalación con chinchetas de Iván Sikic en la exposición de la galería Luis Adelantado. Fotografía de Nacho López Ortiz e Iván Sikic cortesía de Luis Adelantado.

El oro como foco de codicia y arma poética de denuncia es un tema recurrente en la obra del artista peruano Iván Sikic, quien hoy reside en Nueva York tras una década en Melbourne, Australia. El pasado abril, como parte de su obra más reciente, Saqueo, Sikic esconde una pepita de oro evaluada en poco más de 2.000 dólares entre toneladas de tierra en el interior de una mansión abandonada de su Lima natal.

Acto seguido, el artista invita al público a embarrarse las manos con la oferta de regalarle la pepita a quien la encuentre. Esta lúdica búsqueda del tesoro adquiere matices sombríos al considerar la arrolladora atracción de la minería ilegal que hoy da de comer a cientos de miles de peruanos a la vez que destruye comunidades y depreda el medioambiente.

La invitación a la reflexión libre y pausada a partir de elementos simples pero a la vez cargados de potencial poético es la estrategia preferida de Sikic, quien en distintas ocasiones también ha recurrido a la performance duracional -al estilo de Marina Abramovic o del legendario Tehching Hsieh- para representar su punto de vista. En esta oportunidad, tres elementos de utilería, el oro, las chinchetas y el helio, cobran vida al dramatizar la inclemente tensión entre las grandes mayorías y el siempre boyante, eternamente de fiesta, uno por ciento.

Instalación de Iván Sikic en la galería Luis Adelantado. Fotografía de Nacho López Ortiz e Iván Sikic cortesía de Luis Adelantado.

Instalación de Iván Sikic en la galería Luis Adelantado. Fotografía de Nacho López Ortiz e Iván Sikic cortesía de Luis Adelantado.

Jorge López-Canales

Klauke y Zevallos, cuerpo a cuerpo

Cuerpo / Subversión / Fotografía
Jürgen Klauke y Sergio Zevallos
Espaivisor
C / Carrasquer, 2. Valencia
Hasta el 22 de mayo, 2015

Espaivisor presenta la primera exposición donde se muestran juntos los trabajos de Jürgen Klauke (Alemania, 1943) y Sergio Zevallos (Perú, 1962), planteando así una particular revisión del trabajo sobre el cuerpo a partir del diálogo entre ambos artistas, los cuales provienen de generaciones y lugares diferentes y se apoyan en el medio fotográfico como soporte final.

El cuerpo es uno de los elementos protagonista a lo largo de toda la Historia del Arte, convirtiéndose así en uno de los pilares en los que se ha basado la producción artística desde sus comienzos, desde la escultura de la antigüedad clásica hasta el cuerpo posthumano. Podemos, incluso, realizar una lectura de la Historia del Arte simplemente a partir del hilo narrativo corporal, sólo a partir del cuerpo y de sus representaciones y presentaciones, así como de sus diferentes concepciones y usos.

Imagen de la exposición Cuerpo/Subversión/Fotografía de Jürgen Klauke y Sergio Zevallos. Cortesía de Espaivisor.

Imagen de la exposición Cuerpo/Subversión/Fotografía de Jürgen Klauke y Sergio Zevallos. Cortesía de Espaivisor.

Klauke y Zevallos desarrollan un trabajo con unos límites porosos, y aunque la fotografía es la protagonista y es el medio a partir del cual ambos construyen imágenes para lograr una deconstrucción de las identidades y estructuras, en su trabajo hay una fuerte presencia de lo performativo. Las piezas seleccionadas para esta exposición nos muestran dos posicionamientos, que aunque a primera vista presentan muchas similitudes visuales, nos revelan dos cuerpos. Dos cuerpos que se acercan y se alejan, que poseen puntos de unión y fricción.

Imagen de la exposición Cuerpo/Subversión/Fotografía de Jürgen Klauke y Sergio Zevallos. Cortesía de Espaivisor.

Imagen de la exposición Cuerpo/Subversión/Fotografía de Jürgen Klauke y Sergio Zevallos. Cortesía de Espaivisor.

Ambos artistas buscan una subversión a través de la mirada, esa mirada que durante toda la Historia del Arte ha observado cuerpos, especialmente femeninos, desde la perspectiva patriarcal, donde la mujer es objeto para ser mirado. En estos trabajos la mirada se encuentra con un cuerpo extraño que no encaja dentro de los códigos establecidos. Ambos crean cuerpos extraños, con prótesis, posturas transgresoras o utilizando iconografías fuera de su ámbito, elementos no normativos que escapan a esas reglas construidas e impuestas y que conforman nuevas subjetividades.

Jürgen Klauke desarrolla su trabajo desde 1968 en la ciudad de Colonia, un lugar no precario, con una fuerte y sólida construcción de la escena artística a partir de las instituciones, y otros agentes que conforman el movimiento artístico de la ciudad. A principios de los años 70 el artista empieza a trabajar en unas de sus series más relevantes, Transformer, a la cual pertenecen todas las piezas presentes en esta exposición. Una de las intenciones de Klauke era realizar una crítica contra la concepción artística de la sociedad burguesa de la postguerra, pero también contra esa sociedad entendida de una forma más general, contra sus ideas y conceptos más conservadores, buscando la provocación en un contexto cerrado e inflexible.

Imagen de la exposición Cuerpo/Subversión/Fotografía de Jürgen Klauke y Sergio Zevallos. Cortesía de Espaivisor.

Imagen de la exposición Cuerpo/Subversión/Fotografía de Jürgen Klauke y Sergio Zevallos. Cortesía de Espaivisor.

Al mismo tiempo, el recurso de la construcción de imágenes sin una narración clásica  es también utilizado por Sergio Zevallos en Suburbios. Incluso podríamos definir esta estrategia con un término cinematográfico, podríamos hablar de una ausencia de raccord en las diferentes imágenes que componen las series. Zevallos nos plantea un recorrido por diversos escenarios de Lima, un desplazamiento que él mismo identifica como una deambulación. Este paseo sin rumbo o dirección establecida se convierte en fotografías que muestran momentos aislados, momentos congelados del recorrido por los diferentes escenarios de los suburbios.

En definitiva, dos cuerpos diferentes, Jürgen Klauke y Sergio Zevallos, que muestran “otros” cuerpos, cuerpos travestidos que proponen una desobediencia ante unas estructuras fijas e impuestas, desarrollando “otra” performatividad de carácter crítico y resistente.

Imágenes de la exposición de Jürgen Klauke y Sergio Zevallos. Cortesía de Espaivisor.

Imágenes de la exposición Cuerpo/Subversión/Fotografía de Jürgen Klauke y Sergio Zevallos. Cortesía de Espaivisor.

Sandra Moros

La MiCe insiste con el cine educativo

Mostra Internacional de Cinema Educatiu (MiCe)
Asociación Cultural Jordi El Mussol
La Beneficència, EASD, Colegio Mayor Rector Peset, Solar Corona, Teatre el Micalet
Del 27 al 29 de marzo, 2015

La MiCe (Mostra Internacional de Cinema Educatiu) es un festival de cine dedicado a los niños, niñas y jóvenes. Es el único festival de estas características que hay en España y sitúa a la ciudad de Valencia como referente de la educación-comunicación a nivel mundial. Una Muestra Internacional de Cine Educativo impulsada desde la Asociación Cultural Jordi el Mussol que cuenta con el apoyo de otras entidades.

La MiCe tiene como referente el cine educativo, por lo que el público al que va dirigida no sólo se limita al espectro infantil/juvenil. Dado que se programan diferentes eventos como proyecciones, conferencias, talleres… la variedad de público es muy amplia.

Cartel anunciador de la Mice 2015. Cortesía de Jordi El Mussol.

Cartel anunciador de la Mice 2015. Cortesía de Jordi El Mussol.

Ante la desaparición de otros festivales, nosotros seguimos animados, a pesar de los tiempos que corren, en poner una sonrisa en los labios de un niño y trabajar por la cultura y la infancia. Cuando todos los festivales cierran sus puertas, nosotros nos lanzamos seguir teniendo la nuestra abierta por tercer año consecutivo.

Los datos son elocuentes. En el MICe de 2013 hubo 4.000 asistentes durante dos días, se proyectaron 65 películas de 31 países, se realizaron 15 talleres audiovisuales, seis conferenciantes internacionales, además de la realización de los premios Tirant de MiCe a las producciones escolares valencianas. Se recibieron un  total de 150 películas y hubo 40 invitados internacionales.

En 2014 se superaron las cifras de la primera edición. Hubo10.000 asistentes durante los seis días que duró en esta ocasión la Mostra. Se proyectaron 260 películas de 56 países; 30 talleres audiovisuales de animación; 14 conferenciantes internacionales, y la realización de los premios Tirant de MiCe a las producciones escolares valencianas, con un total de 650 películas recibidas y 80 invitados internacionales, además de la Sección especial Mice 2014: Corea del Sur.

Imagen del video de la primera edición de la MiCe 2013. Cortesía de Jordi El Mussol.

Imagen del video de la primera edición de la MiCe 2013. Cortesía de Jordi El Mussol.

Este año, la Mostra Internacional de Cinema Educatiu durará tres días, del 27 al 29 de marzo, con la previa de los Premis Sambori-MiCe, 24 y 25 de marzo. Se ha renovado la sección Tirant con la colaboración de la Fundació Sambori, y la previsión de público es de 12.000 a 15.000 participantes.

Se proyectarán entre las dos secciones (Sambori y MiCe) de 150 a 200 películas y se espera recibir más de mil películas con alrededor de 60 invitados internacionales. Y en la Sección especial MiCe 2015: Estados Unidos.

Por otro lado, MICe d’Estiu d’Estivella se realiza en el mes de agosto aprovechando la infraestructura generada por la hermana mayor de Valencia en invierno.  Se están a su vez desarrollando gestiones para realizar una MiCe Alicante, con las películas MiCe pero con autonomía; no se tratará de una sub-sede sino de un desarrollo particular a partir de la programación MiCe en el mes de abril o mayo de 2015.

Mi Primer Festival, de Lima (Perú), cuenta asimismo con una sección de películas MiCe (noviembre de 2014), al igual que sucede en el Festival La Espiral de La Habana (Cuba). Conjuntamente con los Cines GUIU de Andorra, la MiCe tendrá cada año un día de exhibición de películas en todos los meses de enero. Se han empezado las gestiones para conjuntamente con Festicortos-Argentina, para crear una Mediateca MiCe-Festicortos auspiciada por el Centro Cultural del Consulado de España en Córdoba (Argentina).

Imagen de la primera edición de MiCe.

Imagen del video de la primera edición de la MiCe. Cortesía de la Asociación Cultural Jordi El Mussol.

Vanessa Colareta presenta Still Life: Story Behind

Vanessa Colareta. Still Life: Story Behind
Galería Nunc Contemporany
Wolstraat 15, Amberes. Bélgica
Inauguración: 15 de mayo a las 19:30 h.
Hasta el 6 de septiembre de 2014

La muestra expositiva de Still Life: Story Behind recoge obras seleccionadas de las series «Migrant» y «Éxodo».

Vanessa señala: «La idea de «Migrant» surge de la convergencia de varios factores ligados a mi experiencia personal como inmigrante y como mujer, por las sociedades que he conocido y la cultura en la que he vivido». Este cambio ha inspirado y desencadenado un deseo de compartir experiencias. Vanessa subraya el papel de las mujeres: «He decidido centrarme en las mujeres porque tienen una problemática particular, por ser mujer y por ser inmigrante. Las mujeres suelen tener condiciones laborales más precarias que los hombres. Ser inmigrantes las hace aún más vulnerables. . . «. La artista utiliza un género fotográfico inusual para denunciar este problema: la naturaleza muerta.

Vanessa Colareta, "Still Life: Story Behind" (Naturaleza Muerta. Fotografía). Imagen cortesía de la artista.

Vanessa Colareta, «Still Life: Story Behind» (Naturaleza Muerta. Fotografía). Imagen cortesía de la artista.

Vanessa Colareta, "Still Life: Story Behind" (Naturaleza Muerta. Fotografía). Imagen cortesía de la artista.

Vanessa Colareta, «Still Life: Story Behind» (Naturaleza Muerta. Fotografía). Imagen cortesía de la artista.

«La fotografía de naturaleza muerta tiene un gran potencial simbólico debido a los objetos que la componen. Estos objetos reflejan nuestra relación con el mundo y a través de ellos es posible esbozar un determinado estilo de vida o determinada una sociedad». Este tema también se desarrolló en la serie «Éxodo».

Vanessa Colareta, "Still Life: Story Behind" (Naturaleza Muerta. Fotografía). Imagen cortesía de la artista.

Vanessa Colareta, «Still Life: Story Behind» (Naturaleza Muerta. Fotografía). Imagen cortesía de la artista.

Representar objetos comunes para transmitir un mensaje de importancia social y política al espectador es una técnica poco común en la actualidad. Las naturalezas muertas de Vanessa Colareta reflejan la inestabilidad, preocupación, nostalgia e incertidumbre sobre el futuro.

Vanessa Colareta, "Still Life: Story Behind" (Naturaleza Muerta. Fotografía). Imagen cortesía de la artista.

Vanessa Colareta, «Still Life: Story Behind» (Naturaleza Muerta. Fotografía). Imagen cortesía de la artista.

Vanessa Colareta, "Still Life: Story Behind" (Naturaleza Muerta. Fotografía). Imagen cortesía de la artista.

Vanessa Colareta, «Still Life: Story Behind» (Naturaleza Muerta. Fotografía). Imagen cortesía de la artista.

Nacida en Lima, Perú en 1978, Vanessa Colareta vive y trabaja en Madrid. En 2013 fue nombrada Fotógrafa Profesional del Año en la categoría Naturaleza Muerta en los Sony World Photography Awards, Londres. Vanessa ha participado en exposiciones y eventos relacionados con las artes visuales, como «Art Lima 2014 » en la Escuela del Ejército de Lima (Perú) , » Sony World Photography Awards 2013 «, como parte del Mes de Arte , en la Casa de la Cultura en Bratislava, «Lima Photo 2013» en el Centro de la Imagen, en Lima (Perú), «Sony World Photography Awards 2013» en Somerset House de Londres y «Cafe Dossier» en La Tabacalera de Madrid , entre otros. Su educación artística comenzó en la Facultad de Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia, España y continuó con el máster en Artes Visuales y Multimedia, en la misma universidad.

Vanessa Colareta, "Still Life: Story Behind" (Naturaleza Muerta. Fotografía). Imagen cortesía de la artista.

Vanessa Colareta, «Still Life: Story Behind» (Naturaleza Muerta. Fotografía). Imagen cortesía de la artista.

Vanessa Colareta, "Still Life: Story Behind" (Naturaleza Muerta. Fotografía). Imagen cortesía de la artista.

Vanessa Colareta, «Still Life: Story Behind» (Naturaleza Muerta. Fotografía). Imagen cortesía de la artista.

Vanessa Colareta, "Still Life: Story Behind" (Naturaleza Muerta. Fotografía). Imagen cortesía de la artista.

Vanessa Colareta, «Still Life: Story Behind» (Naturaleza Muerta. Fotografía). Imagen cortesía de la artista.

Éxodo de Vanessa Coraleta

Vanessa Colareta. Éxodo
Sala Le Carré d’Art en la Alianza Francesa de Camacho
Av. Javier Prado Este 5595 La Molina, Lima (Perú)
Hasta el 31 de diciembre 2013

«A través del análisis de la comida en una cultura se pueden encontrar indicios históricos culturales socialmente relevantes» – Elisabeth Hartung, “El arte del comer”.

La Universidad San Ignacio de Loyola y Sony Alpha presentan “Éxodo”, la primera exposición individual de Vanessa Colareta en Lima. Esta artista obtuvo recientemente el premio Sony World Photography Awards 2013 en Londres, donde se le nombró Fotógrafa Profesional del Año en la categoría Naturaleza Muerta. La serie ganadora, titulada «Migrant», fue elegida entre más de 122.000 propuestas de 170 países por el Jurado de Honor Sony World Photography Awards. El jurado estuvo presidido por Catherine Meyerhoff, Directora de Proyectos Especiales de la agencia Magnum, e integrado por expertos en fotografía de todo el mundo.

El conjunto de fotografías que conforman Éxodo ha sido elaborado haciendo uso del género naturaleza muerta y se basa en testimonios de mujeres peruanas que han experimentado la migración. Las imágenes de Éxodo son interpretaciones de bodegones barrocos que abordan el tema de la emigración de mujeres en el contexto contemporáneo, poniendo énfasis en aspectos relacionados a lo laboral, lo legal y lo familiar. La fotografía de naturaleza muerta como técnica escogida para esta muestra responde a su gran potencial simbólico por los objetos que la componen. Estos objetos reflejan nuestra relación con el mundo y, a través de ellos, es posible esbozar un determinado estilo de vida o una determinada sociedad.

Vista de la exposición

Vista de la exposición Éxodo de Vanessa Colareta. Imagen cortesía de la galería 

El bodegón fue un género poco valorado en la pintura cuando se le compara con temas bélicos o religiosos, pues está relacionado con motivos adjudicados a lo femenino. Sin embargo, son pinturas complejas, cargadas de símbolos religiosos y de enseñanzas morales (los Vanitas, por ejemplo). Además, se caracterizan por la presencia del claroscuro que, según David Hockney, era consecuencia de la utilización de la cámara lúcida y la cámara oscura como herramientas de dibujo. Estos instrumentos son los predecesores de la fotografía, ya que están basados en los mismos principios de luz y óptica. Por otro lado, los bodegones tienen la posibilidad de comunicar asuntos relacionados con la política, la economía y el colonialismo de una sociedad y de una determinada cultura a través de los elementos que los componen.

Las mujeres inmigrantes conforman un colectivo doblemente vulnerable, debido al hecho de ser mujer e inmigrante. Suelen tener condiciones laborales más precarias, y el ser extranjeras las deja muchas veces en situación de desprotección social. Los textos que acompañan las imágenes son extractos de testimonios recogidos de primera mano de mujeres que han emigrando. Algunos de ellos aluden a situaciones de separación familiar, ausencia de igualdad en derechos laborales y dificultades legales que perpetúan estas carencias.

Así, el conjunto de fotografías presentado en esta exposición se inspira en la amplia simbología del bodegón clásico para representar procesos sociales híbridos como la globalización y las migraciones. Las imágenes de Éxodo intentan poner en evidencia la coexistencia de la cultura peruana con otras diferentes basándose en testimonios de mujeres que han vivido o viven la experiencia de la migración.

Naturaleza muerta con hamburguesas (serie Éxodo) 100 x 120 cm Impresión Inkjet 2013

Naturaleza muerta con hamburguesas. Impresión Inkjet. 2013. 100 x 120 cm. Cortesía de la galería