El tórrido zinc de Tennessee Williams en el Olympia

‘Una gata sobre un tejado de zinc caliente’, de Tennessee Williams
Versión y dirección: Amelia Ochandiano
Teatro Olympia
San Vicente Mártir 44, Valencia
Hasta el 11 de febrero de 2018

De la mano de José Velasco y Zebra Producciones, la conspicua obra del dramaturgo norteamericano Tennessee Williams ”Una gata sobre un tejado de zinc caliente’ recala en el Teatro Olympia de Valencia, hasta el domingo 11 de febrero de 2018.

La actriz, productora y directora de escena Amelia Ochandiano rubrica la presente versión –en plena gira nacional desde finales de 2016– a partir de la adaptación implementada por el escritor sureño para la escena de Broadway, exhortado por Elia Kazan con motivo de su estreno en el desaparecido Morosco Theatre neoyorkino, durante la lejana primavera de 1955.

Juan Diego y Alicia Sánchez durante un instante de la representación de 'Una gata sobre un tejado de zinc caliente'. Fotografía cortesía e PTC.

Juan Diego y Alicia Sánchez durante un instante de la representación de ‘Una gata sobre un tejado de zinc caliente’. Fotografía cortesía e PTC.

Con el fin de reportar a la obra ciertos céfiros de contemporaneidad, Ochandiano, amén de nutrirse con determinados vestigios del celuloide (ineludible referirse a la acomodación cinematográfica dirigida por Richard Brooks en 1958), procura focalizar aún más la atención y el peso dramático sobre conceptos tan indubitablemente universales como la verdad y la mentira, la enfermedad y la muerte, la represión y el deseo, la trémula moral o la codicia; concepciones, juicios y designios que vertebran y transforman el devenir unos personajes translúcidos y arquetípicos, gobernados por una canícula sofocante, resentida y perturbadora.

No obstante, este zinc caliente abrasa premeditadamente ciertas cuestiones capitales del original y relega a la esfera terciaria la veladura en primer plano que determina el conflicto marital de la pareja protagonista: la supuesta homosexualidad del dipsómano  Brick –encarnado por un plausible Andreas Muñoz–, otrora motivo de censura para el epatable público y asunto categórico en otros dramas del Pulitzer de Misisipi, como ‘El zoo de cristal’ o ‘Un tranvía llamado deseo’.

En cuanto a otras adecuaciones y reparto se refiere, debe agradecerse el generoso protagonismo del Abuelo, presencia pulmonar de un excelso Juan Diego, quien, provisto de prosodia asfixiante y salbutamol, confiere a la representación la necesaria serenidad escénica, el comedido silencio (cuando procede) y la pausa (frágil y quebrantable por el ímpetu), equilibrando ciertos e incontenibles excesos del primer tercio.

Andreas Muñoz, Alicia Sánchez y José Luis Patiño durante un instante de la representación de 'Una gata sobre un tejado de zinc caliente'. Fotografía cortesía e PTC.

Andreas Muñoz, Alicia Sánchez y José Luis Patiño durante un instante de la representación de ‘Una gata sobre un tejado de zinc caliente’. Fotografía cortesía e PTC.

Igualmente, destaca Alicia Sánchez en el rol de Madre, insuflando una sobresaliente credibilidad a su personaje (tal vez el más aferrado a la sustantividad). Begoña Maestre, como Maggie, solidifa y asienta la complejidad del papel a medida que transcurre la obra, tras una vehemencia preliminar que, quizás, reste poso a su incertidumbre y desasosiego. Por su parte, Marta Molina (Mae) y José Luis Patiño (Gooper) superviven con solvencia a los caracteres más predecibles o planos de la presente versión, sobre los que recaen ciertas distensiones, cuya derivada hilaridad, a mi juicio, quebranta la senda de hondura conquistada por momentos.

Concluye siendo esta gata sobre un tejado de zinc tan brumosa como apetecible. Necesaria ocasión fugaz para asomarse a los tormentosos y góticos estíos sureños de un Thomas Lanier Williams III erigido en clásico.

Un instante de la representación de 'Una gata sobre un tejado de zinc caliente'. Fotografía cortesía e PTC.

Un instante de la representación de ‘Una gata sobre un tejado de zinc caliente’. Fotografía cortesía e PTC.

Jose Ramón Alarcón

 

Nathalie X: seducción y despecho en el Talía

Nathalie X, dirigida por Carlos Martín Bazán
Con Cristina Higueras y Mireia Pàmies
Teatro Talía
C / Caballeros, 31. Valencia
Estreno: miércoles 18 de noviembre, a las 20.30h
Hasta el 22 de noviembre de 2015

Nathalie X es una obra provocativa y sensual sobre los celos, la seducción y el despecho. La historia nos cuenta un inusual acuerdo entre dos mujeres muy diferentes, una cultivada cantante de ópera y una prostituta de lujo. Un  pacto que  les conducirá del  deseo de venganza al redescubrimiento de sí mismas y que les cambiará para siempre. Tres mujeres en escena, dos actrices acompañadas por una vilonchelista; el hombre está ausente, pero sobre él gira el eje de la pieza.

Uniendo este sorprendente guión a dos excelentes actrices y a su director, tenemos todos los ingredientes para que esta obra pueda convertirse en una producción de impacto en la cartelera española.

Cristina Higueras vuelve a los escenarios después de dos años en los que ha publicado una novela negra. Su carrera la ha desarrollado principalmente en teatro, protagonizando numerosas obras entre las que destacan Galdosiana, de Fernando Méndez-Leite (2009-2010) o Agnes de Dios, de John Pielmeier (2007-2009). Además de cine y televisión.

Mireia Pàmies estudió en el Estudio de Teatro Nancy Tuñón de Barcelona. Cuenta con formación en técnicas de circo, en Voicecraft con Helen Rowson, y en máscara neutra con Cristoph Marchand. Cofundadora de la Companyia DARA, ha participado en numerosas obras de teatro, como El año que viene será mejor, dirigida por Mercè Vila Godoy y ganadora del Premio Max 2012 a la mejor autoría en catalán.

Cartel promocional de Nathalie X. Cortesía de Teatro Talía.

Cartel promocional de Nathalie X. Cortesía de Teatro Talía.

Carlos Martín Bazán es Director Artístico de la compañía Teatro del Temple y del espacio escénico Teatro de las Esquinas. Ha dirigido más de treinta producciones, entre las que destacan Ricardo III con Juan Diego, para el Teatro Español; Transición con Antonio Valero, para el Centro Dramático Nacional; No faltéis esta noche con Nuria Gallardo y Ana María Vidal, para el Teatro Español, y Goya con Sancho Gracia y José Luis Pellicena, que realizó una gira por diez países. En 2014 fue finalista a los premios Valle-Inclán por su codirección en Trenes que van al mar con Enriqueta Carballeira y Jeannine Mestre.

Philippe Blasband es cineasta y escritor de origen iraní, afincando en Bruselas. Ganador del Premio Rossel en 1990 con la novela De cendres et de fumées. Conocido en España por el guion de Una relación pornográfica interpretada por Sergi López y Nathalie Baye y dirigida por Frédèric Fontaine. Más de un año en cartel en Buenos Aires, protagonizada por Cecilia Roth y Darío Grandinetti.

La obra se ha llevado al cine en dos ocasiones, con repartos de actores reconocidos: en 2003  Nathalie, película franco-española dirigida por Anne Fontaine y música de Michael Nyman, y en 2009 Chloe, adaptación canadiense de la versión francesa, realizada por el director de origen iraní Atom Egoyan, nominada a la Concha de Oro del Festival de San Sebastián. Contó con un gran reparto: Amanda Seyfried, Liam Neeson y la gran Julianne Moore.

En teatro, la obra de Blasband fue puesta por primera vez en escena en el año 2009 en el Teatro Marigny de París-Popesco, dirigida por Christopher Lidon. La obra tuvo gran acogida de público y crítica.

Cristina Higueras, de frente, y Mireia Pàmies, en Nathalie X. Imagen cortesía de Teatro Talía.

Cristina Higueras, de frente, y Mireia Pàmies, en Nathalie X. Imagen cortesía de Teatro Talía.

“Sales del cine y no se te olvida”

Entrevista a Javier Pereira, protagonista de Stockholm
Viernes 8 de noviembre, estreno en cines de toda España

Javier Pereira lleva toda la vida metido en el mundo de la interpretación. Con tan sólo quince años le vimos en su primera serie Señor Alcalde, más adelante en El Super, Nada es para siempre o Al salir de clase. Por si fuera poco, ha trabajado con directores como Montxo Arméndariz, Daniel Sánchez Arévalo o María Ripoll. Ahora se pone en las manos de Rodrigo Sorogoyen, por segunda vez, para dar vida al protagonista masculino de Stockholm. Un film sustentado únicamente por dos actores, Aura Garrido y él, y que dará mucho de qué hablar.

Javier Pereira, en Stockholm, de Rodrigo Sorogoyen. Imagen cortesía de A6 Cinema.

Javier Pereira, en Stockholm, de Rodrigo Sorogoyen. Imagen cortesía de A6 Cinema.

Pregunta.- Stockholm iba a ser un corto que al final se convirtió en película. Tú estuviste desde el principio en este proyecto. Cuando te lo propusieron, ¿qué pensaste de él?

Respuesta.- Me parecía un reto. Veía mucho diálogo, mucho que estudiar y ensayar para luego hacer esas tomas tan largas. Aún así me atraía mucho, tenía muchas ganas y lo veía como una oportunidad de hacer un papelón. Siempre con mucha expectación y muchas ganas de sacarlo adelante porque nos hemos esforzado mucho en que salga esta película.

P.- Al estar desde el principio en el proyecto, ¿notaste una gran diferencia del corto al largometraje?

R.- Totalmente. El corto era una idea pequeñita, casi no daba tiempo, eran diez páginas. Creo que hubiese costado empatizar más con el corto, porque al ser tan pequeño no se hubiese cogido tanto cariño a los personajes, no te hubieras creído tanto el proceso. Para mí el éxito de la película es que es muy real o intenta serlo como cualquier relación, gente que hayas conocido un verano o en fiestas. Creo que todos hemos tenido noches especiales o mágicas y para contar eso necesitas tiempo, para que el público se sienta identificado.

P.- En mi opinión creo que dura lo perfecto para que puedas entrar en el juego y en cada una de las partes del mismo. 

R.- Completamente de acuerdo, creo que está muy bien que sea simétrico y que se dividan estas dos partes, la noche oscura, el día con luz. Las dos partes duran cuarenta y cinco minutos que también es un acierto porque parecen dos películas en una.

P.- Es cierto lo de la noche pintada con más oscuridad y el día con mucha más luz.

R.- Esto lo han hecho aposta, han buscado los colores y los estilos.

P.- Sólo sois dos personajes los que sustentáis la película, ¿érais conscientes de esta responsabilidad?

R.- Siempre la tenía en la cabeza, aunque a veces intentas que se te olvide para concentrarte. Sabíamos desde el principio que era una película de noventa minutos en los que todo el rato salían nuestras caras y al mínimo que un actor no te guste, cuando solamente hay dos, te desconcentras y desconectas. Para nosotros era un reto aguantar escenas tan largas, que salieran bien y que también siguiéramos con ese juego de seducción los dos, a ver quién gana y estar muy atentos.

Javier Pereira, en Stockholm, de Rodrigo Sorogoyen. Imagen cortesía de A6 Cinema.

Javier Pereira, en Stockholm, de Rodrigo Sorogoyen. Imagen cortesía de A6 Cinema.

P.- Son unos personajes que requieren mucha preparación porque ya no es sólo que sea un guión muy extenso, sino porque ambos son complejos e imagino que habréis tenido muchos ensayos para entenderlos.

R.- No hubieron muchos ensayos, sólo seis o siete días porque no teníamos tiempo, pero sí les dimos mucha importancia porque era necesario ya que no podíamos fallar en el rodaje.

P.- Un máster en interpretación por lo que veo.

R.- Bueno, no lo sé. Un buen o mal actor depende mucho de las frases que tenga que decir y del personaje. Si nosotros llegamos a poder lucirnos un poco es gracias al guión y a las frases que nos han puesto, que están muy bien hechas y por esto el actor puede sacar muchas cosas que lleva dentro. Aunque los ensayos fueron pocos, los aprovechamos al máximo porque era mucho texto. En ninguna película he hablado tanto, y he hecho otros papeles de protagonista, pero en esta ocasión es que era todo diálogo. También entraba mucho en juego lo que no estabas diciendo, porque eran dos personajes muy psicológicos, tienes que decir muy bien el texto, pero por dentro tienes que estar disimulando.

P.- Luego también el espectador no llega a saber cuando estáis mintiendo o no, hay mucho misterio.

R.- Eso está bien. Nunca se cuenta la enfermedad que tiene ella, por ejemplo. Ellos son partidarios de que lo sugerente es mejor que decirlo todo y tampoco en la vida real contamos todo. Se utiliza mucho la ironía y el humor. Esto es lo bonito de la película que hay cosas que nunca vas a saber.

P.- Dar vida a un personaje que oculta tantas cosas no debe ser nada fácil.

R.- No, es lo interesante también. Cada decisión que toma esta personaje lo haría de una manera si está solo y de otra si está con alguien y oculta muchas cosas.

P.- ¿Llegaste a conocer del todo a tu personaje?

R.- Lo intenté. No sé hasta que punto. Vi películas en las que recordaba personajes en los que me podría basar, como por ejemplo Drive, uno de los protagonistas no habla en casi toda la película y como espectador lo ves misterioso y te preguntas qué se le estará pasando por la cabeza. De cada uno cogí cosas, más la vida que le di al personaje, también hablé con amigos. Hay  gente que cuando sale de fiesta o sale de cañas es el más abierto y el más gracioso, pero cuando está en su casa se encierra, tiene sus manías y le cuesta abrirse.

P.- Además son personajes con un estado de ánimo muy bipolar.

R.- Son dos personajes que están en un momento difícil de sus vidas y no encuentran la paz y la tranquilidad, y justo se encuentran esa noche en la que pasan muchas cosas y juegan con los sentimientos.

P.- Cuando vi la película por primera vez yo pensaba que era ella la que tenía un problema, al verla por segunda me di cuenta de que tu personaje también lo tenía.

R.- Creo que son los dos. Hacemos hincapié en el de ella para que luego pase lo que pasa, pero él mío también tiene su historia. Te preguntas cómo un tío puede ser tan encantador y luego ser tan raro. Creo que su comportamiento no lo hace aposta, pero él tiene sus manías, aunque tiene que pensar en las consecuencias de sus actos. Al final esta película habla de las consecuencias; él quiere algo rápido y no piensa en el daño que puede estar haciendo.

P.- ¿Cuáles fueron las pautas que os dio Rodrigo Sorogoyen a la hora de hacer esta película?

R.- Estuvo muy encima nuestro. Tenía muy claro cómo eran los personajes y nosotros hablamos con él y llegamos a un acuerdo. Fue un trabajo en equipo y una construcción de todos.

P.- Imagino que seréis conscientes de que al ser una película que genera tantos interrogantes mucha gente nada más salir del cine no puede evitar comentarla, genera mucha conversación.

R.- Creo que es una película que al menos sales del cine y no se te olvida. Tengo amigos que ya la han visto y al día siguiente me han escrito mensajes diciéndome que se estaban acordando de la historia y de escenas de la misma. También es una película en la que algunos defienden al personaje de ella, otros a mí y otros van cambiando. Lo bueno es que hay diferentes versiones y opiniones y se puede dialogar. Seguro que si viene un grupo de gente a verla luego se toman una cerveza y la comentarán y les vendrán imágenes.

P.- La primera vez que la vi me paso eso, que no podía dejar de comentarla.

R.- Creo que es una película que es bueno ver dos veces porque te vas a fijar en muchas más cosas y puedes observar un poco más. Pasan tantas cosas y hay tanto diálogo que no te da tiempo a pillar todo la primera vez.

P.- ¿Qué escenas te resultaron a ti más complicadas?

R.- Creo que todas las de andando por Madrid, las de la Gran Vía, por los ruidos y porque estábamos todo el rato andando. También todos los planos secuencias del final, de cuando le esconde las llaves, porque esa escena no se corta, son siete u ocho minutos y tenía que salir todo en una, no hay montaje. Esa escena fue de las más difíciles, sólo hicimos cuatro tomas y había que elegir una de ellas.

P.- ¿Qué es Stockholm? Porque algunos la definen como una película de amor, otros como un drama, otros como suspense…

R.- Tiene un poco de todo. Es muy difícil ponerle una etiqueta sin ver la película, porque no la puedes vender como una comedia romántica, ni como un drama, ni como un thriller. Creo es un reflejo del momento en el que estamos y cómo nos relacionamos.

P.- Tampoco puedes hacer una entrevista o contestar a cosas de la película si no la ves.

R.- Claro, es que si no es muy complicado.

P.- ¿Qué te ha aportado a ti como actor estar en Stockholm? Porque es un paso importante en tu carrera.

R.- Mi representante según la vio me dijo: “Este es el mejor videobook que puedes tener”, y tenía razón. Para mí personalmente ha significado mucho y profesionalmente también porque yo ya me voy haciendo mayor y he intentado hacer un personaje más maduro, más serio, comparado con los personajes que había hecho antes más juveniles y alegres. Con éste quería cambiar el registro y a ver cómo va.

P.- ¿Podría ser un trabajo adecuado para empezar una etapa más madura?

R.- Sí, yo creo que es un inicio a la madurez. Es un cambio. Tengo ya 32 años y la juventud empieza a pasar y aunque no queramos ser mayores tenemos que ser responsables de la edad que tenemos y del proceso. Empecé muy joven en esto y hay que avanzar.

P.- ¿Cómo crees que has cambiado o evolucionado desde que empezaste a hacerte conocido desde muy joven por series como Nada es para siempre o Al salir de clase?

R.- Por suerte he podido ir trabajando y he obtenido mucha experiencia. También estudié en una escuela de interpretación. Entre mis estudios y el trabajo he ido evolucionando y progresando. Al final el cine es muy cuadriculado con el tema horarios; llegas y enseguida tienes que grabar. También es importante que guardes tus energías, porque luego las vas a necesitar por ejemplo si estás trabajando doce horas de noche.

P.- Empezaste con quince años en la serie Señor Alcalde, ¿qué mella ha hecho en ti la interpretación?

R.- Experiencia personal y profesional de lo que yo he podido vivir desde los catorce años trabajando en esta profesión. Todo lo que he conocido en este mundillo me ha dado mucha riqueza. He aprendido las cosas que un chaval de esa edad aprende y dentro de esta profesión otras muchas y positivas. Es una suerte saber que desde el principio te gusta esto y trabajar, es el mejor regalo que me ha podido hacer la vida.

P.- Esta película lleva promocionándose desde hace muchos meses, desde el Festival de Málaga y ha recibido muy buenas críticas, ¿os da miedo el estreno?

R.- Estamos encantados del buen boca a boca que hay. De todos los pases que hemos hecho la gente sale encantada y te dice cosas buenas. Hay gente que le ha podido gustar más o menos la película pero muy poca gente sale diciendo: “Qué mierda”. Para nosotros es importantísimo, porque si gusta es porque hemos hecho un buen trabajo y que el cinco lo hemos conseguido, y para las circunstancias de esta película y el dinero que teníamos llegar hasta aquí ha sido un logro. Lo malo es que esta película es mucho mejor que se vea sin saber mucho y que no se creen muchas expectativas porque al fin y al cabo no hay grandes cosas,  es una historia de dos personas. Si vienes sin saber qué película te vas a encontrar,  te sorprende mucho. Piensas que es la vida, es muy real, es muy identificable, si no te ha pasado a ti le ha pasado al de al lado, te hace empatizar con los dos personajes.

P.- Tienes dos películas pendientes de estrenar que son Anochece en la India y otra que terminaste de grabar hace poco llamada Serie Z. ¿Qué me puedes contar de estas dos películas?

R.- En Anochece en la India trabajo junto a Juan Diego, tengo un personaje secundario y es una película muy bonita y que va a dar que hablar. En la otra soy protagonista también, pero es una película de terror y es otro género totalmente diferente. Ahora estoy con una obra de teatro llamada Perversiones sexuales en Chicago.

Javier Pereira, en Stockholm, de Rodrigo Sorogoyen. Imagen cortesía de A6 Cinema.

Javier Pereira, en Stockholm, de Rodrigo Sorogoyen. Imagen cortesía de A6 Cinema.

Laura Alfaro

 

 

¡Qué penas de muerte!

Las fosas del olvido. Eloy Alonso
Centre Cultural La Nau
C/ Universidad, 2. Valencia
Hasta el 1 de septiembre

El sociólogo Zygmunt Bauman se pregunta, en su libro Modernidad y Holocausto, “¿cómo fue posible tal horror?”. Y dedica las casi 300 páginas del libro a intentar explicarlo. Para ello, lo primero que hace es sortear un primer, y a veces insalvable, obstáculo: “Todo sucedió ‘allí’, en otro tiempo” y “cuanto más culpables sean ‘ellos’, más a salvo estará el resto de ‘nosotros”. Se refiere, claro está, al horror nazi, pero el fondo de la cuestión también afecta a nuestra guerra civil. Bauman se mete de lleno en un asunto que, más allá de la ideología en cuestión, sin duda potenciadora de ese horror, se centra en la pregunta esencial: “¿cómo fue posible tal horror?”

Y lo primero que deja traslucir Bauman es que el odio se fomenta por el cierre estricto en torno a una bandera, a una férrea adscripción identitaria, que tienen, como reverso, un chivo expiatorio al que arrojar toda esa violencia generada por cierta pureza de raza, de genética, de esencias patrias. Una vez inoculado ese virus, lo demás viene solo: explicaciones supuestamente racionales que motiven el odio al otro, cierta legalidad que permita ajusticiar al oponente, y un aparato burocrático que transforme los crímenes en rutina administrativa. “El departamento de la oficina central de las SS encargado de la destrucción de los judíos europeos se denominaba oficialmente ‘Sección de Administración y Economía”, subraya Bauman.

Las fosas del olvido, de Eloy Alonso. PhotOn Festival. La Nau

Las fosas del olvido, de Eloy Alonso. PhotOn Festival. La Nau

Con algo parecido se encontró el fotógrafo Eloy Alonso, cuando al pasado año acudió al Archivo Militar de El Ferrol: “Entre más de cuarenta mil viejos y húmedos expedientes, encontré la huella dactilar [de su abuelo] firmando su pena de muerte”. Por eso dice que jamás ha visto su rostro en una fotografía. A su abuelo Gerardo González Iglesias lo fusilaron en las tapias del cementerio civil de Oviedo el 5 de marzo de 1938. Y esa huella dactilar representaba su último acto de resistencia y dignidad. “A veces”, cuenta Alonso, “los condenados a muerte se negaban a firmar sus condenas como última protesta y les obligaban a untar de tinta su dedo pulgar para dejar constancia legal de serles leída su sentencia”.

Cerca de una veintena de imágenes y un video, elocuentemente titulado Contra la impunidad, vienen a rescatar del olvido ese horror producto de la violencia ejercida contra muchas personas en la guerra civil, sin duda formando parte de la alargada sombra que recorrió Europa próximos al ecuador del pasado siglo. Eloy Alonso titula su exposición de La Nau, en el marco del III Festival Internacional de Fotoperiodismo PhotOn, Las fosas del olvido. Un conjunto de imágenes que contienen huellas indelebles de esos crímenes justificados por una causa ¿justa?

Las fosas del olvido, de Eloy Alonso. PhotOn Festival. La Nau

Las fosas del olvido, de Eloy Alonso. PhotOn Festival. La Nau

Porque lo que se deduce de toda esa violencia guerrera, es que se desencadena siempre detonada por argumentos indubitables, que el otro jamás llegará a comprender. He ahí tan obtuso enfrentamiento. Eloy Alonso no sólo da fe de esa terquedad con imágenes repletas de fosas, muertes, cráneos, balas y descubrimientos telúricos, sino con pertenencias personales de desaparecidos durante la guerra, postales y periódicos que aluden a tan sangrante periodo bélico. En el video Contra la impunidad, personajes de la cultura prestan su voz y su rostro como testimonio vivo de buena parte de aquella memoria sepultada: Juan José Millás, Pilar y Javier Bardem, Pedro Almodóvar, Miguel Ríos, Juan Diego y Aitana Sánchez Gijón, entre otros. Más allá de su escorada representación izquierdista, sin duda lógica si tenemos en cuenta la mayor saña nacional, lo interesante de Las fosas del olvido radica en su fondo telúrico, necrófilo, siniestro: “¿cómo fue posible tal horror?” Responder a esta pregunta exige ir más allá de las pasiones ideológicas, para adentrarse en la pulsión de muerte que anida en todos nosotros. De lo contrario, esas fosas del olvido que muestra Eloy Alonso seguirán siendo pasto de encendidos y rabiosos comentarios.

Las fosas del olvido, de Eloy Alonso. PhotOn Festival. La Nau

Las fosas del olvido, de Eloy Alonso. PhotOn Festival. La Nau

Salva Torres