La rabia punk en el arte contemporáneo

PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo
Comisariada por David G. Torres
Artium. Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo
Frantzia Kalea, 24. Vitoria
Hasta el 31 de enero de 2016

Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, presenta la exposición PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo  en su Sala Norte hasta el 31 de enero. Comisariada por David G. Torres, la muestra pretende poner de manifiesto cómo en el arte actual, “más allá de divisiones entre artistas y tendencias, hay un ruido rabioso que une a muchos creadores” y que la actitud punk sigue presente en la producción artística contemporánea.

La exposición cuenta con más de 50 artistas internacionales y más de 60 obras de las más diversas técnicas: fotografía, vídeo, pintura, instalación, escultura y documentos, entre otros objetos. La inauguración el pasado 23 de octubre contó con una performance de João Onofre con la colaboración de la banda de death metal Sorgerth, además de un concierto del grupo Piztu Punk!. PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo es una producción de Artium y el Centro de Arte 2 de Mayo de Móstoles, comisariada por David G. Torres y patrocinada en Vitoria-Gasteiz por la Diputación Foral de Álava.

Obra de Jean Michel Basquiat en 'Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo'. Imagen cortesía de Artium.

Obra de Jean Michel Basquiat en ‘Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo’. Imagen cortesía de Artium.

El punk como movimiento musical conoció una breve e intensa explosión en la segunda mitad de los años 70 del pasado siglo. Sin embargo, el punk como “manifestación de de la incomodidad frente al sistema económico, político, social y cultural”, tal y como lo define David G. Torres, es una actitud “hecha de rabia, velocidad, ruido, incorrección, inconformismo, anti, negación, oposición o provocación que recorre el siglo XX, que se estira más allá de los 70, más allá del contexto anglosajón y más allá de la escena musical“.

Los ecos de la actitud punk se pueden rastrear, antes de su eclosión, en movimientos como el dadaísmo o el situacionismo, pero sobre todo, y tal y como muestra la exposición, siguen vivos y son un referente en el arte contemporáneo. “Los motivos que llevan a la insatisfacción, el inconformismo, la pérdida de fe en el progreso o la crítica feroz a los iconos del sistema económico y social siguen vigentes y son intrínsecos a la práctica de muchos artistas”.

Obra de Carlos Aires en 'Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo'. Imagen cortesía de Artium.

Obra de Carlos Aires en ‘Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo’. Imagen cortesía de Artium.

Seis espacios

La exposición PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo ocupa los 1.500 metros cuadrados de la Sala Norte de Artium organizada en seis ámbitos conceptuales distintos. El primero está vinculado a la importancia de la superficie en el movimiento punk: la moda, el diseño y el aspecto exterior como medios para hacer frente al convencionalismo. Esa influencia se ve en la recuperación de eslóganes, canciones y personajes, en el recurso al feísmo y el mal diseño, y en el uso del ruido y la música punk por artistas como João Onofre, Pepo Salazar, Jamie Reid, Carlos Aires o Dan Graham.

Fotografía de Jordi Colomer en 'Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo'. Imagen cortesía de Artium.

Fotografía de Jordi Colomer en ‘Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo’. Imagen cortesía de Artium.

El punk reclama un espacio para la diferencia ante una sociedad que impone límites y que deja escasas salidas. La alienación, el gore, lo psicótico, eran recurrentes en la escena punk y han sido elementos presentes en las obras de Martin Kippenberger, Paul McCarthy, Raymond Pettibon, Santiago Sierra o Jordi Colomer, como se ve en el segundo de los espacios de la exposición.

Obra de Pepo Salazar en 'Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo'. Imagen cortesía de Artium.

Obra de Pepo Salazar en ‘Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo’. Imagen cortesía de Artium.

Por otro lado, el punk como respuesta violenta a un sistema que considera violento encuentra ecos en obras de Jean Michel Basquiat, Jimmie Durham, Nan Goldin, Chris Burden, Claire Fontaine o Pepo Salazar. A continuación, la muestra alude a la vinculación de muchos de los protagonistas de este movimiento con el anarquismo. Su huella es uno de los elementos más identificativos del punk y configura una actitud presente en el arte contemporáneo, como puede comprobarse en piezas de Federico Solmi, Claire Fontaine, Juan Pérez Agirregoikoa, Tere Recarens o Itziar Okariz.

Obra de Chiara Fumai en 'Punk. Rastros en el arte contemporáneo'. Imagen cortesía de Artium.

Obra de Chiara Fumai en ‘Punk. Rastros en el arte contemporáneo’. Imagen cortesía de Artium.

Como recuerda David G. Torres, “elcontexto en el que surge el punk en la década de los setenta está marcado por el terrorismo y las acciones violentas”. El quinto espacio de la muestra revela esta marca en obras de DETEXT, Chiara Fumai, Mabel Palacín, Tony Cokes, Christoph Draeger o Joan Morey.

Obra de Guerrilla Girls en 'Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo'. Imagen cortesía de Artium.

Obra de Guerrilla Girls en ‘Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo’. Imagen cortesía de Artium.

La exposición se cierra con un grupo de obras que hacen referencia al sexo, muy presente en todo el movimiento punk como reivindicación libertaria. La referencia al sexo como denuncia, como reivindicación o como arma para recuperar el sarcasmo se encuentra presente en estas piezas de Guerrilla Girls, Tracey Emin, Raisa Maudit o María Pratts.

Especies de espacios, en el MACBA

Especies de espacios
MACBA-Museu d’Art Contemporani de Barcelona
Plaça dels Àngels, 1. Barcelona
Comisario: Frederic Montornés
Hasta el 31 de enero de 2016

Un edificio fragmentado es lo que nos propone en esta ocasión el MACBA de Barcelona en su exposición Especies de espacios, título que nos remite a una libre interpretación del libro Especies de espacios de George Perec y materializa las consecuencias de su aplicación al ámbito artístico.

Logo de la exposición Especies de Espacios (Espècies d'espais). 2015. Cortesía de MACBA.

Logo de la exposición Especies de Espacios (Espècies d’espais). 2015. Cortesía MACBA.

Comisariada por Frederic Montornés, contiene más de cincuenta obras procedentes de colecciones públicas y privadas, la Colección MACBA y producciones específicas que contribuyen a la reflexión sobre los 13 espacios en los que, según Perec, “nos mostramos, somos, nos movemos, actuamos, nos relacionamos, pensamos… En suma, donde vivimos.” El transcurrir de nuestra vida, junto a las experiencias, es complicado de explicar sin un marco temporal y espacial que nos define en función del uso que hacemos de ellos, posibilitando a su vez un nuevo concepto de vida más allá de una linealidad principio-final –vida y muerte-, fragmentario y apoyado en los cimientos de los espacios por los que deambulamos y evolucionamos. Perec se convierte en el guía más adecuado y el que suministra los espacios a los que anhelamos acceder, sin una voluntad enciclopédica y sí reflexiva, en torno a los significados que cada espacio encierra para cada uno de nosotros.

Los artistas que nos ofrecen los espacios vistos desde su propia óptica son Ignasi Aballí, Lara Almarcegui, Serafín Álvarez, Martí Anson, Marcel Broodthaers, Luz Broto, stanley brouwn, Victor Burgin, Luis Camnitzer, Azahara Cerezo/Mario Santamaria, Joan Colom, Jordi Colomer, Guy Debord, Pep Duran, Andrés Fernández, León Ferrari, Lucio Fontana, Dora García, Gego, Joan Hernández Pijuan, Francisco Ibáñez, Marla Jacarilla, Adrià Julià, Emma Kay, Guillermo Kuitca, Manolo Laguillo, MAIO, Gordon Matta-Clark, Ester Partegàs, Lois Patiño, Gerhard Richter, Humberto Rivas, Pedro G. Romero, Gino Rubert, Francesc Ruiz, Edward Ruscha, Daniel Steegmann Mangrané, Saul Steinberg e Ignacio Uriart.

Leon Ferrari. Cidades. 1980. Cortesía de MACBA.

León Ferrari. Cidades. 1980. Cortesía de MACBA.

Sin ninguna pretensión de convertirse en una exposición de tesis, archivo o documentación, Especies de Espacios debe ser afrontada como una libre interpretación de un libro que deambula por lugares concretos del espacio público y privado, la intimidad y la vida pública, lo que somos y lo que el resto ven de nosotros. Una deriva de la existencia humana desde un espacio delimitado y reducido hasta la imposibilidad de poner limitaciones al espacio en general.

Jordi Colomer en la nit de l’art de Castellón

Jordi Colomer,  La-Re-Mi-La Festa de la roba bruta
Espai d´Art Contemporani de Castelló
15 de mayo de 2015, 21.30 h.
Nit de l’Art, Castellón

Presentación del vídeo La-Re-Mi-La Festa de la roba bruta que da cuenta del evento con el mismo nombre desarrollado el pasado marzo de 2014 en la población castellonense de San Mateu a iniciativa del EACC. La proyección estará acompañada de la música de la banda de Sant Mateu que interpretará música de Carles Santos. Se trata de un proyecto del artista barcelonés Jordi Colomer, que convocó la colaboración del compositor y de la Banda así como de buena parte de los habitantes de la localidad de Sant Mateu para la creación de una macro-performance, una fiesta popular, que consistía en un recorrido entre los 2 edificios de lavaderos públicos que se encuentran a uno y otro lado del centro de la ciudad y que datan de los primeros años del franquismo, con una singular arquitectura «neo-popular»o de Estilo «vernacular-español», hoy visitados por los turistas, pero en evidente desuso. En los lavaderos, mientras la banda tocaba la música delirante de Carles Santos, y el cantante iniciaba un strip-tease, los hombres y mujeres del pueblo de todas la edades -a los que se añadieron algunos forasteros de paso- enjabonaban con garbo, sábanas, calcetines y ropa interior, acto catártico colectivo encaminado a contradecir el dicho según el cual «la ropa sucia se lava en casa» e invitando por el contrario a una limpieza general nada discreta. Posteriormente todos los participantes se dirigían al segundo lavadero, donde se terminaba el proceso de enjuagado, para acabar colgando la ropa limpia en un gran tendedero instalado en plena vía pública. Durante el recorrido, una especie de procesión laica, sonaba obsesivamente la música repetitiva del La, Re, Mi, La, una pieza de Santos para piano que data del año 1979 y que fue adaptada para banda y tenor en esta ocasión a propuesta de Colomer. El evento obtuvo un formidable éxito de participación popular, y tiene vocación de establecerse como fiesta tradicional, que se celebre todos los años.

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Como señala Ignasi Duarte en el texto que acompañará el evento; «Si así fuera, estaríamos, probablemente, ante la mejor obra de Colomer hasta la fecha, ya que se trata de una apuesta para enraizar una obra artística en el territorio e inmortalizarla en la memoria colectiva, proyectándola directa hacia el futuro. Una pirueta conceptual que recogería el testigo quimérico de aquellos primeros conceptuales que aspiraron a un arte desmaterializado. O remontando la Historia del Arte, la propuesta podría interpretarse como una suerte de materialización de los relatos pintados por Brueghel. Un artificio tan vital, tan grotesco, tan ridículo y extraordinario como el hecho de pasear unas tinas de ropa sucia por las calles de un pueblo podría convertirse en la primera obra de artista reproducida como fiesta popular.

¿Quién teme al arte contemporáneo? Los habitantes de Sant Mateu no».

El trabajo se engloba en el marco de SINCRONIES proyecto producido por el Espai d´Art Contemporani de Castelló y la Universitat Jaume I de Castelló con la intención de invitar ciertas localidades de la Provincia de Castellón a acoger nuevas creaciones de Arte contemporáneo. En la edición precedente de Sincronies (2013), Lara Almarcegui realizó un proyecto en la población de Benlloch.

FORUM QUAM 2014

FÒRUM QUAM 2014
ACVIC Centre d’Arts Contemporànies (San Francesc, 1)
29 noviembre
De 10.00 a 14.00 h i de 16.00 a 19.00 h

El FÒRUM QUAM 2014 consiste en la combinación entre una mesa de debate, y la presentación de proyectos o ponencias teóricas, que incorporan sesiones comentadas de cada proyecto por los miembros que participan en el debate, y undiálogo abierto entre los participantes. Estos proyectos o ponencias serán seleccionadas mediante convocatoria pública. La sesión combinada incorpora lavisión y revisión crítica sobre temas que tienen que ver con la relación entre arte y educación en determinados contextos contemporáneos.

Participantes en la mesa de debate y en la revisión de proyectos:
Jordi Colomer, artista; Martí Peran, comisario independiente y profesor de la Universitat de Barcelona; Rosa Pera, comisaria independiente; Glòria Picazo, directora del Centre d’Art la Panera; Isabel Rueda, artista y profesora de la Universidad de Vigo; Dolors Juarez/Experimentem amb l’ART, entidad educativa que trabaja a partir del arte contemporáneo y los procesos creativos.

 

Experiencia QUAM, Jordi Canudas. Imagen cortesía de ACVIC

Experiencia QUAM, Jordi Canudas. Imagen cortesía de ACVIC

10:00-10:15 h. Presentación a cargo de Ramon Parramon
10:15-11:45 h. Intervenciones a cargo de Glòria Picazo, Rosa Pera, Martí Peran, Jordi Colomer, Dolors Juarez – Experimentem amb l’art y Isabel Rueda
11:45-12:30 h. Debate de los participantes
12:30-12:45 h. Pausa
12:45-13:00 h. Lluís Sabadell y los alumnos del taller Co-Creació ACVic – #NouMiniEspai: Co-creació d’espais expositius per a infants
13:00-13:15 h. Marta Carrasco / Sergi Selvas – Pedagogies Col·lectives activadores d’interaccions
13.15-13.45 h. Replica y debate
13:30-16:00 h. Pausa
16:00-16:15 h. Jordi Ferreiro – Allunatges
16:15-16:30 h. Joan Boy – Imatge  i intervenció. L’entorn, l’objecte i l’altre
16:30-16:45 h. Joanot Cortés / Marta Sureda – Girona.doc
16:45-17:00 h. Elisenda Belda / Gemma Carbó – Planters
17:00-17: 15 h. Marta Galán – Projecte TRANSlab d’intervencions escèniques contextuals
17:15-18:00. Replica y debate
18:00-18:15 h. Presentación del monográfico QUAM a la revista Quadern a càrrec de Maia Creus y Oriol Ocaña
18:15-18:30 h. Cierre de la jornada