Pérez Contel, precursor en la enseñanza de las artes

#MAKMAOpinión #MAKMAArtistas | Rafael Pérez Contel, un precursor en la enseñanza de las Artes Visuales en educación secundaria
28 de abril de 2020

El grabado fue una de las técnicas gráficas que Pérez Contel introdujo en las aulas, actividad que en el ámbito escolar fue inédita, revolucionaria e innovadora. Artista y pedagogo, Pérez Contel creía en los valores de la Educación por el Arte y la Institución Libre de Enseñanza.

Portada del segundo número, año tercero, de la revista Nueva Cultura con viñeta y maquetación de Pérez Contel. Revista publicada por la Alianza de Intelectuales para la Defensa de la Cultura. Algunos de los artistas que publicaron en este número fueron: Manuela Ballester, José Bueno, Francisco Carreño, Enrique Climent, Eusebio García Luengo, Manuel Romeu Peris, Juan Serrano Pons, Gori Muñoz, Antonio Ballester, entre otros. La mayoría de ellos, a partir de 1939, se exiliaron en diferentes países. Pérez Contel, Artistas en Valencia 1936-1939. Año 1986.

Amigo de Josep Renau –compañero de lucha contra el fascismo durante la guerra civil española–, encuentra, acabada esa joven etapa de su vida, su pasión por la educación, vislumbrando la importancia de las enseñanzas artísticas en los jóvenes. Pese a tener que convivir con el régimen contra el que había combatido con la imagen, la pluma y la palabra, ejerce su docencia bajo la dictadura a la que se había opuesto desde el mismo día de su sublevación. Como dibujante, diseñador gráfico y creativo, maqueta revistas, edita libros, ilustra textos y desarrolla diversas creatividades publicitarias en el período en el que no pudo desempeñarse como profesor de Dibujo –su plaza docente la obtiene por oposición en 1933–, cargo que le es arrebatado por el franquismo al acabar la guerra. La pena de cárcel impuesta y no poder disponer de puesto docente a partir del año 1939 –entre otras dificultades– no acaban con él. Persona resiliente, se queda en el país, no se exilia, asume su “nueva realidad” y, reconociendo su exilio interior, resiste y lucha “desde dentro”.

Detalle del fotomontaje de Josep Renau presentado en la Exposición Internacional de Paris sobre el traslado de los cuadros del Museo del Prado a las Torres de Serranos en València. Catálogo de la Exposición Internacional de Paris, página 147. Año 1987. Fotografía Kollar.

Sin claudicar en sus ideas educativas, su trabajo docente promueve el conocimiento del arte, la cultura, el patrimonio, la investigación, la modernidad y el progreso. En 1950 se presenta a unas nuevas oposiciones y obtiene una plaza como profesor de dibujo en el Instituto Josep de Ribera de la ciudad de Xàtiva. En este centro educativo desarrolla su actividad docente durante más de veinticinco años, llegando a ser director de dicho centro. En reconocimiento a su labor pedagógica, el 6 de noviembre de 1983, el Ayuntamiento de Xàtiva lo nombra “Hijo Ilustre de la Ciudad”.

Pérez Contel considera el grabado como un importante medio de expresión y comunicación, una técnica versátil y adecuada para que los jóvenes puedan expresar por medio del lenguaje gráfico. Su asignatura, Dibujo Técnico, no incluía esta actividad en el currículo, fue su aporte personal en favor de la educación. Promover estas actividades bajo una dictadura era una actitud rebelde, una actividad docente que iba contra el currículo nulo del régimen. Pérez Contel valora el trabajo de su alumnado y, como muestra de ello, decide publicar sus trabajos escolares en libros, catálogos y revistas, dando protagonismo al esfuerzo por el trabajo bien hecho y la creatividad de sus alumnas y alumnos. Como editor, se ocupa del proceso de diseño, maquetación, producción y distribución. Una actividad creativa en contra del pensamiento único, la uniformidad en la educación y el rigor de unas ideas franquistas que iban contra la historia progresista y moderna que, pocos años atrás, había desarrollado la Segunda República española en favor de la educación.

‘Enamorados’. Grabado de Carmina Llopis Sirera. 14 años. Año 1966.
‘Abstracción’. Grabado de Vicenta Martínez Esparza. 12 años. Año 1966.
Temas tratados en ‘Linoleografía. Expresión gráfica con linóleo’. Año 1966.

Portada e índice de ‘Linoleografía. Expresión gráfica con linóleo’. Año 1966.

Las propuestas y actividades pedagógicas realizadas en el aula generan un precedente educativo, siendo los primeros libros de textos publicados por un profesor con grabados de sus alumnos de secundaria, en la ciudad de Xàtiva –cuna del papel en Europa–, como destaca Pérez Contel en sus libros de texto.

Catálogo de la Exposición de grabados realizado en el Instituto de Enseñanza Secundaria de Soria. Año 1967.

La trayectoria docente de Pérez Contel fue objeto de una tesis doctoral realizada por el autor del presente artículo, defendida ante un tribunal compuesto por tres reconocidos catedráticos e investigadores del mundo de las artes visuales: Ricardo Marín Viadel (Universidad de Granada, UGR), Amparo Alonso Sanz (Universitat de València, UV) y Carmen Franco Vázquez (Universidad de Santiago de Compostela, USC). La tesis doctoral, titulada ‘Rafael Pérez Contel, precursor de la educación en Artes Visuales. Estudio de caso de su acción docente en centros valencianos’, fue defendida recientemente en un acto públicoen la Facultad de Magisterio de la Universitat de València, donde asistieron, entre otras personalidades, el nieto de Rafael Pérez Contel, Pablo Pérez García.

La tesis, correspondiente al Programa de Doctorado de Didácticas Específicas de la Facultad de Magisterio, estudia, por medio de una metodología cualitativa –que implica la utilización y recogida de una gran variedad de elementos: entrevistas, experiencias personales, historias de vida, textos históricos, imágenes…–, la rutina y las situaciones problemáticas y los significados en la vida de las personas, proponiendo a su vez un estudio de caso para descubrir la faceta pedagógica de este reconocido artista valenciano. El trabajo indaga en la memoria de sus exalumnos –a través de sus testimonios personales– y en los textos escritos por el propio Pérez Contel, donde se encuentran definidas sus ideas pedagógicas. Para construir su itinerario pedagógico, se ha consultado documentación de distintos centros educativos donde trabajó, así como también en bibliotecas, museos y archivos. Una inédita investigación que indaga en la historia de la educación artística, describiendo la labor docente de este reconocido escultor valenciano nacido en Villar del Arzobispo en 1909.

Algunos de estos testimonios son el del pintor y político Doro Balaguer –fundador del partido Unitat del Poble Valencià, actual Compromís–, el del cantautor Raimon, o el periodista e investigador Francisco Agramunt, quien ha escrito ampliamente sobre su obra artística junto a Juan Ángel Blasco Carrascosa, el pintor setabense Joan Ramos Monllor, el abogado Vicent Álvarez Rubio, y la investigadora Cristina Escrivà. Asimismo, cabe destacar el testimonio de su nieto, Pablo Pérez García, catedrático de Historia Moderna y Contemporánea de la Universitat de València, y el de su hijo, Juan Pérez Zarapico, profesor de dibujo, quien siguió los pasos pedagógicos de su padre en el I.E.S. Reino Aftasí de la ciudad de Badajoz, en Extremadura. El trabajo destaca la importancia de la enseñanza de estas disciplinas en bachillerato, así como las aportaciones que realizó Rafael Pérez Contel durante más de veinticinco años en el Instituto Josep de Ribera de Xàtiva. Un profesor precursor de lo que más tarde serían las especialidades artísticas en bachillerato.

Portada del libro ‘Jativa Nuestra. Treinta linoleografías de alumnos’. Año 1968

La tesis doctoral es un trabajo de investigación que visibiliza la labor pedagógica de este catedrático de enseñanza secundaria, precursor de la educación artística en España

El documento se aloja en el Repositori d’Objectes Digitals per a l’Ensenyament la Recerca i la Cultura (RODERIC) se puede acceder pinchando en el siguiente link:
http://roderic.uv.es/handle/10550/72483

Para abordar este estudio, un documento de más de 400 hojas y 260 imágenes, se recomienda buscar en el archivo por palabras clave: #grabado #bellas artes #texto #carteles #Xàtiva #instituto #testimonios #educación por el arte #pedagogía #Segunda República #libros #arte #Josep Renau #entrevistas #docencia #San Carlos #escultura #misiones pedagógicas #Institución Libre de Enseñanza #democracia #cárcel #Artistas en València.

El autor de la tesis es Maestro Nacional de Dibujo por la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano de la ciudad Buenos Aires. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de València (UPV), Máster en Didácticas Específicas por la Facultad de Magisterio (UV) y Doctor en Didácticas Específicas por la Universitat de València (UV). Es el responsable de Relaciones Institucionales de la Escuela Superior de Arte y Tecnología (ESAT) de València.

El presente artículo cierra la serie de artículos publicados en MAKMA que pueden leerse en los siguientes enlaces:

Pérez Contel, comprometido con su tiempo (I)

Pérez Contel, comprometido con su tiempo (y II)

Boletín de notas de la asignatura de dibujo del curso 1961-1962 del profesor Rafel Pérez Contel. Fotografía cortesía de Alejandro Macharowski.

Alejandro Macharowski

Shirin Salehi: memoria y dolor sobre papel

‘Dentro de un agua extraña, mi sombra’, de Shirin Salehi
Comisaria: Ana Martínez de Aguilar
Galería Ana Serratosa
Pascual y Genís 19, ático, València
Hasta el 28 de junio de 2019

“Asesinado por el cielo,
entre las formas que van hacia la sierpe
y las formas que buscan el cristal,
dejaré caer mis cabellos.

Con el árbol de muñones que no canta
y el niño con el blanco rostro de huevo.”

(Extracto de ‘Vuelta de paseo’, Federico García Lorca)
(‘Poemas de la soledad en Columbia University’, ‘Poeta en Nueva York’, 1929-30)

Resuenan como un hondo pleonasmo los versos lorquianos del paseo urbanita por la gran megápolis. Eclosiona la angustia frente al hiperbólico vacío de hormigón, craquelado de laceraciones y memoria solemne y solitaria, de naturalezas mutiladas y estrofas de raquis circular; no caben razones para el éxodo, pues todo habita aún en este penal de materia sempiterna.

Detalle de la obra 'Poemas de soledad en Columbia University', de Shirin Salehi. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

Detalle de la obra ‘Poemas de soledad en Columbia University’, de Shirin Salehi. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

Salehi transita por las avenidas cuadrangulares de aquella vasta hacienda del desconsuelo, portando consigo el eco prosódico y metafórico de las propias amputaciones, que aquí sí cantan y resuenan como una liturgia de voluntades biográficas repetitivas, a modo de mantra gestado desde la oralidad cuyo paisaje sonoro debe ser transcrito con el reiterado pulso de las ‘Cadencias del vacío’.

Así lo procura la artista teheraní, residente en España, Shirin Salehi en su serie ‘Vuelta de paseo’, bajo cuyo título –homónimo del poema del malogrado vate de Fuente Vaqueros– evolucionan diversos dibujos caligráficos, grabados y aguafuertes, planchas de cobre y pergaminos, firmes materias y quebradizos ejemplares de libro de artista que rezuman y recogen “el ritmo, el gesto y la cadencia, (…) la gestualidad de la emoción generada durante la acción, (…) el fluir instintivo de la emoción creciente que se apodera sutilmente de su cuerpo”, tal y como subraya la comisaria e historiadora del arte Ana Martínez de Aguilar en el texto curatorial de la exposición.

Imagen de una las piezas de la serie 'Todo permaneció en silencio', de Shirin Salehi. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

Imagen de una las piezas de la serie ‘Todo permaneció en silencio’, de Shirin Salehi. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

‘Dentro de un agua extraña, mi sombra’, que la Galería Ana Serratosa acoge hasta el 28 de junio de 2019, desemboca en la obra última de la autora iraní tomando pulso, a la par, de las constantes creativas sobre papel –“como un lugar donde algo sucede, no como soporte” (Martínez de Aguilar)– que han singularizado su devenir artístico durante la última década: memoria y dolor como alumbradores líricos y elementos motrices.

“«¡No conviene recordar! ¡No hay que revolver el pasado!
¡A quien recuerde lo pasado que le arranquen un ojo!»
Pero el proverbio termina diciendo:
«¡Y al que lo olvide que le arranquen los dos!»”

(‘El archipiélago Gulag’, Alexander Solzhenitsyn)

Constantes atravesadas por las evocaciones literarias, por el turbio feudo de las aflicciones que habitan en ‘Todo permaneció en silencio’ –sordas alusiones al siniestro testimonio oral recogido por Aleksandr Solzhenitsyn, mediante decúbitas incisiones y cosidos sobre papel– o en ‘Bailando con el carcelero’ –II Premio Anakaria al Libro de Artista (2015)– acerca de cuyo proyecto, inspirado en la desgarradora novela carcelaria (y crítica de los totalitarismos) ‘Invitado a una decapitación’, de Vladimir Nabokov, pueden contemplarse algunos testimonios en aguafuerte y aguatinta, en los que “la incisicón incicial dará paso al grabado, que le permite dibujar sobre planchas de metal, otorgando mayor libertad a la imaginación. Misteriosas imágenes lumínicas emergen de universos oscuros como filamentos verticales que recuerdan husos o espigas”, asevera Ana Martínez de Aguilar.

Detalle de una las piezas de la serie 'Los originales de los jardines', de Shirin Salehi, perteneciente a su proyecto ‘Bailando con el carcelero’. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

Detalle de una las piezas de la serie ‘Los originales de los jardines’, de Shirin Salehi, perteneciente a su proyecto ‘Bailando con el carcelero’. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

Desazones que habitan, igualmente, en la materia, en el objeto supeditado a la metamorfosis de los compuestos químicos actuando sobre el metal, como acontece en su proyecto de residencia florentino ‘Aguardar’, cuyas once matrices de cobre y zinc y sus ulteriores estampaciones sobre papel japonés Sekishu (‘Desaparecer de sí’) funcionan como una heurística, como un ingenio de revelación y descubrimiento, a modo de “indagación sobre el dolor, la muerte, la consunción de la materia, con lenguaje renovado”, concluye Martínez de Aguilar.

‘Dentro de un agua extraña, mi sombra’ se postula, de este modo, como una excelsa ocasión para aproximarse al recóndito y sutil acervo léxico de la obra de Salehi, sustentado por un horizonte estético equilibrado, intrínsecamente convulso y morfológicamente armónico.

La artista iraní Shirin Salehi posa junto a una de las matrices de cobre de la serie 'Aguardar'. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

La artista iraní Shirin Salehi posa junto a una de las matrices de cobre de la serie ‘Aguardar’. Fotografía: Jose Ramón Alarcón.

Jose Ramón Alarcón

La memoria lírica de Shirin Salehi en Ana Serratosa

‘Dentro de un agua extraña, mi sombra’, de Shirin Salehi
Galería Ana Serratosa
Pascual y Genís 19, València
Del 2 de abril al 28 de junio de 2019
Inauguración: martes 2 de abril de 2019 a las 20:00

La Galería Ana Serratosa acoge la exposición ‘Dentro de un agua extraña, mi sombra’, de la artista iraní Shirin Salehi (Teherán, 1982), que podrá visitarse hasta el 28 de junio de 2019, cuya inauguración tendrá lugar hoy martes, 2 de abril, a las 20:00.

La muestra, comisariada por la historiadora del arte Ana Martínez de Aguilar, reúne, bajo el título ‘Dentro de un agua extraña, mi sombra’, obras pertenecientes a las diferentes etapas de la trayectoria artística de la autora. Grabados, esculturas e instalaciones que encuentran un universo en común dentro del género de la poesía.

Imagen de una de las obras de Shirin Salehi. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

Imagen de una de las obras de Shirin Salehi. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

La obra de Salehi, caracterizada por la monocromía y la experimentación con los materiales, utiliza el papel como protagonista, entendido como el lugar donde todo sucede. En ella, el soporte se transforma y se convierte en el camino a seguir, simbolizando fisuras, rasgaduras o incisiones, con las que la autora nos habla de experiencias y tiempos pasados, pero siempre intentando proclamar la belleza y la lírica como antídotos hacia el futuro.

Martínez de Aguilar describe la muestra como “una invitación a mirar muy de cerca, a sumergirse en el silencio a través de la palabra. Una aproximación sutil y silenciosa hacia el permanente interés del ser humano por dejar su huella en la historia a través del lenguaje escrito, de la grafía.”

Shirin Salehi reside y trabaja en España desde 1999. Artista visual, investigadora y docente, ha recibido premios de residencia artística por la Casa de Velázquez (Académie de France à Madrid), Il Bisonte Fondazione (Florencia) y la Fundação Bienal de Cerveira (Portugal) y de formación por la Fundació Pilar i Joan Miró (Mallorca) y por el Centro Internacional de la Estampa Contemporánea (La Coruña).

Imagen de una de la obra 'Y otro álamo cayó (II)', de Shirin Salehi. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

Imagen de una de la obra ‘Y otro álamo cayó (II)’, de Shirin Salehi. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

Su trabajo ha recibido, entre otros reconocimientos, el primer premio al libro de artista de la Fundación Ankaria (Madrid, 2015), el premio especial Combat Prize (Livorno, Italia, 2015), premio Fundación Pilar Banús en los XXII Premios Nacionales de Grabado del Museo del Grabado Contemporáneo Español (Marbella, 2014), Premio Acqui Giovani en la XI Bienal Internacional de grabado Premio Acqui (Acquiterme, Italia, 2013) y recientemente el segundo premio en el Premio Internacional de Arte Gráfico Carmen Arozena (Madrid, 2017).

Ha participado en exposiciones en galerías, ferias e instituciones públicas y privadas en Europa desde 2009. Máster en Investigación en Arte y Creación por la facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense, a su término publicó (velado): ‘Manifiesto de una artista en tiempos de ruido’ (2016).

Detalle de la obra 'Poemas de soledad en Columbia University', de Shirin Salehi. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

Detalle de la obra ‘Poemas de soledad en Columbia University’, de Shirin Salehi. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

Diversas morfologías del collage en Hybrid

Museo del Ruso de Alarcón (Cuenca)
III Hybrid Art Fair & Festival
Hotel Petit Palace Santa Bárbara
Habitación 216
Plaza de Santa Bárbara 10, Madrid
Del 1 al 3 de marzo de 2019

El Museo del Ruso de Alarcón (Cuenca) –dirigido por la galerista y comisaria de arte Marisa Giménez Soler–, en colaboración con los comisarios y gestores culturales Merche Medina y Jose Ramón Alarcón (Ecomunicam), participa en la tercera edición de Hybrid Art Fair & Festival, que tendrá lugar en el Hotel Petit Palace Santa Bárbara, del 1 al 3 de marzo de 2019, durante la Semana del Arte de Madrid.

Hybrid. MAKMABajo el título ‘Técnicas híbridas // (re)soluciones uniformes’, los diferentes proyectos permiten configurar una aproximación a las diversas técnicas del collage, el grabado o la serigrafía, como vehículos y procedimientos de impresión y/o ejecución –nucleares o complementarios en la trayectoria de los cinco artistas– para el estudio que sustenta la relación estética, pragmática y semántica entre propósito y (re)solución, implementado por Iván Araujo, Jorge Carla, Fernando García del Real, Rosa Padilla y José Pla.

Iván Araujo (Madrid, 1971)

Sus fundamentos técnicos transitan la pintura, el grabado, el libro de artista y la escultura. Su obra gravita alrededor del objeto, símbolo, elemento vertebrador y semiótico, pieza elemental y última. Araujo hace guiños constantes al pasado artístico, a la naturaleza muerta como género, a la pintura metafísica y al eclecticismo de la Transvanguardia italiana, pasando por alegorías de la figura humana, objetos imposibles y arquitecturas citadinas. Sus maderas encontradas y ensambladas, en búsqueda de un equilibrio de formas, cortan el plano con una singular combinación de sutileza y descarnamiento.

Imagen de la obra 'Juego prohibido', de Iván Araujo. Fotografía cortesía del Museo del Ruso.

Imagen de la obra ‘Juego prohibido’, de Iván Araujo. Fotografía cortesía del Museo del Ruso.

Jorge Carla (Madrid, 1974)

De vocación temprana y carácter inquieto, se interesó inicialmente por la noción de art brut de Jean Dubuffet y todo aquello que tuviera que ver con la desmitificación del arte. Su rebeldía le acercó a la obra de Jean-Michel Basquiat o a la carga expresiva de Willem De Kooning, fascinado por los mismos fenómenos orbitales y recurrentes de la subcultura que se proyectan hasta nuestros días. Sus influencias también giran entre el informalismo, el arte povera, el neoexpresionismo y el pop y reflejos de Joaquín Torres García.

Imagen de una de las obras de Jorge Carla presentes en Hybrid. Fotografía cortesía del Museo del Ruso.

Imagen de una de las obras de Jorge Carla presentes en Hybrid. Fotografía cortesía del Museo del Ruso.

Fernando García del Real (Valencia, 1967)

Licenciado en Bellas Artes, en su obra utiliza los mismos principios del collage tradicional: ensamblar elementos aparentemente dispares para formar un todo unificado, pero sustituye las herramientas de trabajo, el ordenador y el software por las tijeras y el pegamento. Su obra es un fiel reflejo del esteta que siempre ha sido. Entiende el arte como un valor esencial y tiene un olfato especial para observar todo lo que le rodea, para buscar la belleza en cualquier rincón, desde el desconchado de una pared hasta un garabato en una hoja.

Imagen de la obra 'Chicken hair', de Fernando García del Real. Fotografía cortesía del Museo del Ruso.

Imagen de la obra ‘Chicken hair’, de Fernando García del Real. Fotografía cortesía del Museo del Ruso.

Rosa Padilla (Valencia 1949)

Licenciada en Bellas Artes, trabaja desde hace décadas en sus estudios de Moraira y Valencia, siempre cerca de ese mar que tanta influencia ejerce en ella. Posee una amplia trayectoria como artista, ha realizado multitud de exposiciones y su nombre está presente en importantes colecciones nacionales e internacionales. En su obra se reconocen influencias de sus admirados Kandinsky, Joaquín Michavila o Fernando Zóbel. En sus collages, imágenes rotundas se erigen frente a otras delicadas y sutiles, creando composiciones en las que alegría, color y belleza comparten espacio con retazos de rabia, dolor y melancolía.

Imagen de la obra 'El secreto', de Rosa Padilla. Fotografía cortesía del Museo del Ruso.

Imagen de la obra ‘El secreto’, de Rosa Padilla. Fotografía cortesía del Museo del Ruso.

José Pla (Valencia 1970)

Licenciado en Bellas Artes por la universidad Politécnica de Valencia, pintor, escenógrafo, ha expuesto en varias galerías como Lae.Sferazul, Galeria Edgar Neville, Color Elefante o Mr. Pink, entre otras. Ha participado también en exposiciones colectivas en los museos Vostell Malpartida o MuVIM y ha colaborado en proyectos con otros artistas. Recientemente ha trabajado junto a la ceramista Eugenia Boscá en distintos proyectos. En su obra se observan referencias al surrealismo, a la Bauhaus y al expresionismo, así como destellos de cine e imágenes del pop americano.

Imagen de la obra 'Ortega en Valencia', de José Pla. Fotografía cortesía del Museo del Ruso.

Imagen de la obra ‘Ortega en Valencia’, de José Pla. Fotografía cortesía del Museo del Ruso.

IX Premio Atlante del Museo de Artes del Grabado a la Estampa Digital

Convocante: Fundación Museo de Artes del Grabado a la Estampa Digital de Artes
Dotación: 12.000 euros
Modo de presentación: envío de la obra
Plazo de admisión: hasta el 31 de mayo de 2018

IX PREMIO ATLANTE DEL MUSEO DE ARTES DEL GRABADO A LA ESTAMPA DIGITAL | BASES 2017
1- Podrán participar todos los artistas nacionales y extranjeros que lo deseen. Las obras deberán estar ejecutadas necesariamente en cualquiera de los sistemas y técnicas del arte gráfico, incluidos los procedimientos digitales y electrográficos, que considere conveniente el artista.

2- Se admitirán como máximo dos obras por autor. El tamaño del papel será de 38 cm x 28 cm. El artista podrá utilizar las tintas y matrices que estime conveniente para la estampación de los originales.

3- Los grabados serán inéditos y no haber sido editados ni numerados. Los premios otorgados conllevan la edición de las obras premiadas en 25 ejemplares y su entrega a la Fundación Museo de Artes.

4- Se establecen: Premio Ramiro Carregal de grabado de 5.000€, Premio María del Rosario Martín de 2.500€, 2 premios dotados con 2.500€ cada uno y un premio especial de 2.000 €, para un artista nacido o residente Galicia. Estos premios estarán sujetos a las retenciones marcadas por la ley.

5- Junto con la obra se adjuntará la siguiente documentación: Datos del autor: nombre y apellidos. / Técnica utilizada. Medida de la plancha/ Breve currículo artístico/ Fotocopia del DNI o pasaporte. / Dirección, número de teléfono y correo electrónico.

6- Los grabados se enviarán sin enmarcar, convenientemente protegidos a la Fundación Museo de las Artes del Grabado. Lugar de Outeiro. Artes – Riveira. 15969 (A Coruña) España, del 1 de octubre de 2017 al 31 de mayo de 2018.

7- La Fundación Museo de Artes, se compromete a editar una carpeta con los 5 grabados premiados. Los ganadores, se responsabilizan de estampar, numerar y firmar los 25 ejemplares, más las 2 pruebas de artista; deberán entregar la/s matriz/ces junto a las 25 estampas a la Fundación Museo de Artes. Los 5 artistas galardonados recibirán de la Fundación una carpeta completa con los cinco grabados premiados.

8- Los trabajos seleccionados se expondrán en una de las Salas del Museo de Artes.

9- El jurado estará formado por 5 personalidades del mundo del Arte, y su decisión será inapelable. El fallo se emitirá en el plazo máximo de dos meses desde la finalización del plazo de entrega de las obras.

10- La Fundación, velará por la buena conservación de los trabajos recibidos, pero no se responsabiliza por los daños causados durante el envío y devolución de las obras. Los gastos de envío y retorno correrán por cuenta del artista. Si son envíos desde España se podrán enviar los sellos para su devolución.

11- Las obras no retiradas, ni reclamadas en el plazo de 2 meses desde la entrega de premios, pasarán a engrosar la colección de Arte Gráfico de la Fundación.

12- Las obras seleccionadas podrán ser vendidas en el transcurso de la exposición, si previamente ha sido indicado por el autor, que percibirá el importe íntegro de la venta, contactando al artista con el comprador.

13- Protección de Datos. De acuerdo a la L.O.P.D. le informamos de que sus datos personales, indicados en el punto 5, serán registrados en los ficheros automatizados o no de Fundartes con la finalidad de gestionar su participación en el concurso. Le informamos que los mismos podrán ser publicados en medios de comunicación escrito y/o digital con la finalidad de dar a conocer a los premiados y divulgar la actividad del museo. Le informamos que podrá recibir información sobre nuestra actividad, servicios y eventos, incuso a través de medios electrónicos. Vd. podrá ejercer los derechos de acceso, cancelación, rectificación, oposición mediante un escrito adjuntando una copia del D.N.I. a Fundación Museo de Artes del Grabado a la Estampa Digital, en Artes Lugar de Outeiro s/n 15.969, Riveira (A Coruña). En el caso de producirse alguna modificación de sus datos, rogamos nos lo comunique con la finalidad de mantener sus datos actualizados.

14- El hecho de participar en este concurso implica que el artista acepta las bases y renuncia a cualquier tipo de reclamación.

Para más información:
Tlf: (+34) 981 871 342
Mail: fundartes@gmail.com

Bases completas

XI Premio Internacional de Grabado y Vino Pedro Vivanco

Convocante: Fundación Vivanco – ESDIR
Dotación: 4.500 EUROS
Modo de presentación: envío de obra
Plazo de admisión: hasta el 21 de abril de 2018

Bases del XI Premio de grabado y vino Pedro Vivanco

El premio mantiene el propósito de apoyar a los artistas que emplean el grabado como
plataforma para la creación contemporánea, con la intención de aunar arte y vino, tradición
y modernidad, y con la finalidad de convertirse en un referente de la gráfica actual.
1/ PARTICIPANTES
Podrán participar artistas gráficos mayores de edad residentes en la Unión Europea,
con obras originales que no hayan sido presentadas anteriormente a otro certamen.
2/ TEMA, TÉCNICA Y TIRAJE
2a/ Tema: El mundo del vino.
2b/ Técnica: Cualquiera de las técnicas tradicionales del arte gráfico (xilografía,
calcografía, litografía o serigrafía), que podrán estar combinadas entre sí y con
procedimientos digitales.
2c/ Tiraje: todos los grabados deben llevar la firma del autor y marcarse con las
siglas BAT (han de ser inéditos y sin numerar). La Fundación Vivanco se reserva la
posibilidad de realizar una tirada seriada de los trabajos premiados. Por esta razón todos
los participantes deberán emplear una técnica que garantice un tiraje de hasta 100
ejemplares. En el caso de que la Fundación Vivanco decida realizar estampaciones del
grabado ganador, se llegaría a un acuerdo con el autor para que realice el tiraje o bien
ceda las matrices necesarias para hacerlo con su supervisión.
3/ MEDIDAS Y REQUISITOS PARA EL ENVÍO
3a/ De las dos dimensiones del soporte, la mayor no ha de superar los 80 cm y la menor
los 67 cm. Ninguna de las dimensiones del soporte será inferior a los 25 cm.
3b/ La estampa se entregará debidamente embalada y protegida. Se recomienda utilizar
un embalaje plano y rígido algo mayor que el grabado para que no sufra deformaciones
o alteraciones durante su transporte y manipulación. Dicho embalaje se reutilizará en las
devoluciones.
3c/ No se aceptarán grabados enmarcados, ni enviados con cristal o similar.
3d/ La Fundación Vivanco y la ESDIR pondrán el máximo celo en el trato a las obras
recibidas, si bien no se harán responsables de las posibles pérdidas o desperfectos
producidos durante el transporte. No se admitirán obras mal protegidas y sin la
documentación debida (ver el punto sobre presentación y fechas).
4/ PRESENTACION Y FECHAS
4a/ Cada concursante podrá presentar un máximo de dos obras originales.
4b/ El envío del grabado, incluirá:
4b.1/ El grabado convenientemente embalado (ver Apartado 3d), y con un lema
escrito en su reverso.
4b.2/ Un sobre cerrado con un lema en el exterior (el mismo que en el anverso de
la estampa). El sobre contendrá:
> El Boletín de Inscripción que encontrará al final de estas bases, impreso y
cumplimentado. También puede descargarse en www.vivancoculturadevino.es
o www.esdir.eu.
> Fotocopia del Documento de Identidad u otro documento acreditativo oficial.
> Breve currículo relacionado con la creación artística del autor y más concretamente
de su obra gráfica.
4c/ La fecha límite para la recepción de las obras será el día 21 de abril de 2018.
4d/ Las obras se entregarán en mano en la secretaría de la ESDIR o se enviarán a la
siguiente dirección:
XI PREMIO INTERNACIONAL DE GRABADO Y VINO PEDRO VIVANCO
Escuela Superior de Diseño de La Rioja (ESDIR)
Avda. de la Paz nº 9
26004 – Logroño, La Rioja, España
5/ PREMIOS, EXPOSICIÓN Y PUBLICACIÓN
Se establecen los siguientes premios:
> Un primer premio de 3.000 Euros. > Un segundo premio de 1.500 Euros.
El jurado, integrado por profesionales y estudiosos de reconocido prestigio en el campo
del grabado y de las artes plásticas, así como representantes de la Fundación Vivanco y
de la ESDIR, se reunirá a comienzos de mayo. Tras una primera selección entre las obras
presentadas se elegirán las premiadas. Todos los trabajos seleccionados se integrarán en
una exposición.
La entrega de galardones se realizará en el Museo Vivanco de la Cultura del Vino en junio.
Los dos artistas premiados serán invitados a acudir a dicho acto. Así mismo, se inaugurará
una exposición con las obras galardonadas y seleccionadas.
La Fundación Vivanco editará el catálogo digital de las obras expuestas que estará disponible
en la página de la ESDIR.
Las estampas premiadas pasarán a formar parte de la Colección de la Fundación Vivanco.
Sus autores cederán los derechos de reproducción y difusión de los trabajos a la Fundación
Vivanco que se reserva la opción de emplear reproducciones de los grabados premiados, con
la referencia de su autor, para posibles usos relacionados con la Fundación.
Bodegas Vivanco podrá elegir una estampa entre las seleccionadas para su utilización como
imagen de uno de sus vinos. Para ello acordará su adquisición con el autor, que cederá los
derechos de reproducción y difusión a la bodega.
El veredicto del jurado será inapelable. Los premios no pueden quedar desiertos.
6/ DEVOLUCIÓN DE LAS OBRAS
Los concursantes podrán recuperar todas las obras no premiadas (salvo si la Fundación
Vivanco llegara a acuerdos de adquisición con alguno de ellos).
El plazo de devolución de las obras se abrirá en noviembre de 2018, pudiendo recogerse
en mano o mediante empresa de transportes. Las recogidas in situ, deberán solicitarse
Teléfono (ESDIR): +34 941 240 993. Correo electrónico: premiograbado@gmail.com
Las obras se devolverán in situ o mediante empresa de transporte, sólo en territorio español
y exclusivamente si el concursante ha marcado la casilla del boletín de inscripción: “Deseo la
devolución de la obra”. El concursante asume los gastos que serán a portes debidos.
Cerrado el plazo de devoluciones, la Fundación Vivanco y la ESDIR no se hacen responsables
de la conservación de las obras no retiradas, entendiendo que dichas obras han sido cedidas
por el autor, por lo que pasarían a la propiedad y libre disposición de la Fundación Vivanco.

Bases completas
Imagen de portada: Viñedo (detalle), de Federica Pau, primer premio en 2017

La metafísica del objeto de Iván Araujo

‘Todas las mañanas del mundo’, de Iván Araujo
APPA art gallery
Concepción Jerónima 21, Madrid
Hasta el 21 de enero de 2018

La galería madrileña APPA art gallery acoge la exposición ‘Todas las mañanas del mundo’, una selección de más de una treinta de obras del artista Iván Araujo (Madrid, 1971) -cuyos fundamentos técnicos transitan la pintura, el grabado, el libro de artista y la escultura-, que podrá visitarse hasta el próximo 21 de enero de 2018.

Sin duda, adentrarse en el horizonte de ‘Todas las mañanas del mundo’ supone inmiscuirse en el acervo simbólico de un artista exigente para con el espectador, manejando una fértil acepción o requerimiento de esta rigurosidad que conmina al observador a ser partícipe último de cuantos elementos se concitan en su propuesta.

Para ello se requiere desperezar la energía primera, adoptar la porosidad de ideas como fundamento de partida, permitir que eclosione, vigorosa, la intelección para dejarse conducir “por ese paisaje que se vislumbra tras la mirada atenta de las cosas y que se impresiona como un sedimento en la memoria”, tal y como sugiere y manuscribe el artista a propósito de la denominación de su propuesta expositiva.

Imagen de la obra 'Bodegón Infinito XIX', de Iván Araujo. Fotografía cortesía de APPA art gallery.

Imagen de la obra ‘Bodegón Infinito XIX’, de Iván Araujo. Fotografía cortesía de APPA art gallery.

Gravita ‘Todas las mañanas del mundo’ en rededor del objeto, erigido en raquis y símbolo, en elemento vertebrador y semiótico, en pieza elemental y última; “un objeto que siempre tiene que ver con el autor” y su entorno, con el espacio que ocupa y que lo rodea. Araujo implementa, de este modo, un guiño a la naturaleza muerta como género pictórico, “como fuente de sinergias entre los distintos objetos que presenta, silenciosa pero siempre vibrante, y con una historia contada a medias entre mi descripción de un escenario y el espectador que le da vida en su imaginación”.

Y vibrante debe ser su homenaje a la propia pintura en tanto que avezado y erudito espectador de cuantas referencias conscientes y explícitas se dan cita en la inquietante nómina de lienzos que conforman una de la extremidades de la muestra. Se asilan, afianzados en sus bodegones –formulados como espacios cronológicamente suspendidos, en los que palpita la premeditada ausencia del personaje– la memoria límbica de la pintura metafísica –escenografía cuasiteatral de Giorgio de Chirico o Carlo Carrá–, el eclecticismo de la Transvanguardia italiana –y la alegoría de la figura humana que postula Domenico “Mimmo” Paladino–, el objeto imposible y teselado de Maruits Cornelis Escher o las arquitecturas citadinas y límpidas de Aldo Rossi. Incluso abandonan la bidimensionalidad del cuadro y se transmutan en apuestas escultóricas de colores patinados “que hablan de una manera silenciosa”; maderas encontradas y ensambladas en búsqueda de un equilibrio de formas, que cortan el plano con una singular combinación de sutileza y descarnamiento que se aleja del bulto redondo de la tridimensionalidad convencional, a modo de ejercicio de eclosión desde la superficie pictórica.

Imagen de la obra 'Frutero', de Iván Araujo. Fotografía cortesía de APPA art gallery.

Imagen de la obra ‘Frutero’, de Iván Araujo. Fotografía cortesía de APPA art gallery.

Deambulan por su pintura, como si de una trepidación epidérmica se tratase, los elementos primigenios, el germen de la idea (dibujo), la recurrente y obsesiva fascinación de los símbolos revelados en fetiche (el agua, los fluidos corporales, los canales neuronales, las herramientas del artista): “Se convierte entonces la pintura, el mismo hecho de pintar, en la re-presentación (en el sentido de volver hacer presente) de lo que yo llamo el universo de imágenes interiores. Este universo está poblado de símbolos que flotan en el cuadro y que a modo de satélites gravitan describiendo elipses imaginarias y solapándose entre planos de pura pintura. Pintar no es un hecho aislado, marginal o referenciable a determinadas situaciones o estados de ánimo, sino es la consecuencia última y final de mirar hacia dentro, de la búsqueda del autoconocimiento”.

Y de entre cuantos objetos de culto se congregran, ineludible resulta ser la omnipresencia del libro, no solo demandado por Araujo como fuente de inspiración, sino pretendido como hontanar de creación y “contenedor de las imágenes y de la poesía”, apuesta morfológica y lírica sobre la que el autor deposita su oficio en la especialidad en la edición gráfica, mediante la técnica del grabado calcográfico, y la edición contemperonáea o de libro de artista.

Se asite, por tanto, a un espacio en el confluyen factores como el trabajo volumétrico y de sedimento, los aguafurtes a linea directa y las aguatintas, fondinos, las posibilidades expresivas de las matrices reiteradas y planchas, de la estampación y el collage; rudimentos que axulian a reflexionar sobre la resolución y el tiempo, sobre la serenidad y la incertidumbre “de lo que está por venir (…) el libro de artista es la proyección de muchas de las ideas que están ahí, vibrando, pero no se sabe cómo van a germinar”.

Imagen de la obra 'Casa de la lluvia', de Iván Araujo. Fotografía cortesía de APPA art gallery.

Imagen de la obra ‘Casa de la lluvia’, de Iván Araujo. Fotografía cortesía de APPA art gallery.

Si ‘Todas las mañanas del mundo’, además, principia una dialéctica sobre el objeto en el espacio interior-exterior, en ‘Todas las casas que hay en mí’ – instalación de doce arquitecturas que completa el recorrido– Iván Araujo materializa la casa/símbolo que tan presente parece haberse aferrado a su trayectoria e imaginario estético, componiendo una polisémica fábula de introspección arquitectónica acerca del lar como útero materno; casas prácticamente ciegas que exhortan al abismo de ausencias y a un lirismo punzante que proviene de ciertas sugestiones: ‘Casa de la lluvia’, ‘Casa para los días lentos’, ‘Casa de las lágrimas perdidas’, casas en las que confinar los turbios enveses de la imaginación y el crudo misterio de las “pequeñas historias contenidas” en cada una de ellas.

Ensueños y enigmas que nosotros, espectadores, debemos aportar como rúbrica definitiva de ‘Todas las mañanas del mundo’, permeable cosmogonía antihermética que “invita a ser interpretada, a ser recorrida por dentro”. Porque, según sentencia el propio Araujo, “cada uno ve en la obra lo que necesita y quiere ver, pero siempre hay unas claves que están inmersas en la obra y que exigen al espectador una cierta lucha con el cuadro. Desde luego, en mi trabajo pretendo que sea así”.

El artista Iván Araujo posa frente a la obra 'Bodegón Infinito XVI', presente en 'Todas las mañanas del mundo'. Fotografía: Merche Medina.

El artista Iván Araujo posa frente a la obra ‘Bodegón Infinito XVI’, presente en ‘Todas las mañanas del mundo’. Fotografía: Merche Medina.

Jose Ramón Alarcón

 

 

Carmen Calvo o la metafísica de lo cotidiano

‘Peces de colores en la azotea’, de Carmen Calvo
Galería Ana Serratosa
Pascual y Genís 19, ático, Valencia
Inauguración: miércoles 29 de noviembre de 2017
Hasta el 28 de febrero de 2018

La galería Ana Serratosa inaugura el próximo miércoles 29 de noviembre su próxima exposición, protagonizada por la artista Carmen Calvo (Valencia, 1950).

Bajo el título ‘Peces de colores en la azotea’, la muestra reúne obra de nueva producción completamente inédita de la reconocida autora. Piezas creadas a partir de disciplinas que viajan desde la escultura, el grabado y la fotografía, hasta la video-proyección y el collage. Este último, intrínseco a la obra de la valenciana desde el inicio de su trayectoria como artista en 1969.

Comisariada por el Catedrático de Historia del Arte Rafael Gil Salinas, la exposición es un claro reflejo del particular universo personal de Carmen Calvo que, en palabras de Gil Salinas, se hace presente “tanto a partir del lenguaje que utiliza como de sus constantes fantasías, preocupaciones, sueños y desvelos”.

Imagen de la obra 'Golfos sombríos', de Carmen Calvo, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

Imagen de la obra ‘Golfos sombríos’, de Carmen Calvo, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

Entre los temas tratados, se encuentran metáforas hacia la educación, la familia, el sexo, la religión, el amor y la reminiscencia a la infancia. Temas que tratan de ser biografías de aquello que los elementos que componen las obras han vivido.

Por otro lado, entre los procesos artísticos empleados por la autora, destaca la búsqueda de la tridimensionalidad a través del uso de objetos “que no han sido diseñados con fines artísticos, sino que han sido redescubiertos por la artista […] trazando un diario de preocupaciones, alegrías, ilusiones, tristezas, sueños, pérdidas y encuentros”.

La obra de Carmen Calvo es una obra cargada de matices -y en el caso de esta exposición, de mucho color-, cuya complejidad radica “no tanto en hallar su correcto significado, como en dejarse seducir por el juego de sus imágenes”. Así pues, Calvo muestra las imágenes que inundan su presente para hallar respuesta a cuestiones pasadas, aspirando mostrar un arte que tiende a lo surreal.

Entre el vasto currículum de la artista destaca su presencia en la 47ª Bienal de Venecia (1997), junto a Joan Brossa; y distinciones como el Premio Nacional de las Artes Plásticas (2013) o la medalla de la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Su obra figura en colecciones como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el IVAM, la Fundación Bancaja o el MACBA, entre otras.

Imagen de la obra 'Soñando con vistas al invierno', de Carmen Calvo, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

Imagen de la obra ‘Soñando con vistas al invierno’, de Carmen Calvo, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Galería Ana Serratosa.

 

La razón cromática de Joaquín Capa en Galería 9

‘Colores abiertos’, de Joaquín Capa
Galería 9
Conde de Salvatierra 9, Valencia
Hasta el 16 de junio de 2017

Galería 9 acoge, hasta el 16 de junio de 2016, la exposición ‘Colores abiertos’, del artista santanderino Joaquín Capa, una selección de lienzos y obra gráfica enmarcada por la propia galería, reportadora de un lúcido testimonio conceptual que perfila, perseverantemente, la idiosincrasia del trabajo de uno de los excelsos e imprescindibles artistas y grabadores españoles del último medio siglo, autor de más de ochocientas ediciones de grabado a lo largo de su extensa trayectoria.

‘Colores abiertos’ supone un ejercicio reiterativo de las claves que vienen particularizando el devenir de sus inquietudes, asentando un mapa testimonial que huye, premeditadamente, de los microcosmos de la realidad no pictórica, solidifando un sostenido ejercicio de reflexión acerca los elementos y componentes esenciales de la pintura, polarizados en torno de motivos cromáticos que gozan ya de preeminencia desde la nominación de cada una de las obras, abogando por la centralidad del color que habita, verbigracia, en ‘Círculos azules color’, ‘Gris amarillo’, ‘Yellow yellow color’ o ‘Azul oro color’.

Imagen de la obra 'Seaside', de Joaquín Capa, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Galería 9.

Imagen de la obra ‘Seaside’, de Joaquín Capa, presente en la exposición. Fotografía cortesía de Galería 9.

Concebidas como un encuentro molecular con los límites de la materia, las manchas de color formulan espacios abstractos, se erigen en filtros imperfilados de la realidad, en la que habitan las geometrías euclídeas, las circunferencias que moran, como una constante, en casi toda su obra gráfica y pictórica, a la que incorpora, como una dilatada novedad, el empleo de tonos fluorescentes que, combinados con el empleo de tonos unificados del collage, posibilitan piezas como las que pertecen a la serie ‘Variante’ -‘Variante Amarilla (Frankfurter Allgemeine)’, ‘Variante Amarilla (The Times)’ y ‘Variante Dos Flo (Il Messaggeri)’, a la que debe sumarse la ‘Variante’ del periódico ABC, no presente en la exposición-.

La obra, la existencia y el oficio de Joaquín Capa debe entenderse mediante un planteamiento de equilibrios entre los céfiros informalistas que rubrican sus influjos y la evolución heterodoxa de su dominio con el grabado, técnica con la que su punta seca sobre el zinc ha propiciado sus definitivos surcos como referencia incuestionable en este universal territorio de la impresión y cuyos fundamentos -en sempiterna huida de los plúmbeos academicismos- se han transformado en sostenido magisterio internacional, de América Central a la cosmpolita ciudad de Bhopal -en el centro de la India- en la que le fue premiado en su I Bienal Internacional, o sus sucesivas visitas a la Universidad de Baroda -en el centro oeste del vastísimo país asiático-, desde los albores de los años ochenta.

La relación de Capa con el grabado se gesta desde la estocástica, desde su primigenio manejo con el dibujo a plumilla en tinta china, recién cumplida su formación pictórica en la Escuela de Bellas de San Fernando -en la que sería alumno de primer curso de Antoñito López (cálido diminutivo con el que el artista se refiere al ínclito pintor de Tomelloso)-, en pleno distanciamiento de los postulados realistas que se manejaban por la gélida Meseta Central, trufada de vetustos radiodores y otros motivos de lo consuetudinario que alimentaban el manejo con los óleos.

Imagen de detalle de la obra 'Variante Amarilla (The Times)', de Joaquín Capa, presente en la exposición. Fotografía: Merche Medina.

Imagen de detalle de la obra ‘Variante Amarilla (The Times)’, de Joaquín Capa, presente en la exposición. Fotografía: Merche Medina.

Se revelan, entonces, la figuras del grabador de orgien griego Dimitri Papagueorguiu -erigido en referencia de la técnica y sus enseñanzas desde el madrileño Estudio Boj, por el que han transitado los más ínclitos grabadores del horizonte artístico español desde 1958, Joaquín Capa entre ellos- y el artista británico Stanley William Hayter, uno de los grabadores más relevantes del siglo XX, en cuyo taller parisino -compartiendo vecindad con el conspicuo escultor suizo Alberto Giacometti- Capa, becado por la Fundación Juan March, incursiona, a mediados de los años setenta, en los territorios del empleo del color a través del aprendizaje de la técnica que porta, homónima, el también químico y geólogo londinense.

Ambas formaciones magistrales alimentan la focalización y predilección del artista santaderino durante más de tres lustros de dedicación exclusiva con las prensas, el entintado de láminas y las suaves crestas de metal que rebaban la superficie de la obra, y no sería hasta mediados de los años ochenta cuando se reconcilia con la pintura, sobre la que vuelca toda su experiencia con el grabado y a la que nutre con la interacción de texturas y el raspado como fuente de visualización de la tela, con el fin de controlar cuanto de indómito y mórbido habita en el lienzo como soporte. Existe en Capa, en consecuencia, una estrecha consanguinidad entre el grabado y la pintura, mediante una constante metodológica que impide el simultaneismo, en tanto que el artista concibe ambos territorios como oficios distintos que requieren de postulados formales antagónicos.

‘Colores abiertos’ permite, de este modo, aproximarse al oficio del sobresaliente acerbo técnico y creativo de un artista cuya perseverante inquietud por la síntesis aditiva del color ha posibilitado la génesis de un surco de abstracción que porta consigo la firma inconfundible y estilística de Joaquín Capa.

El artista Joaquín Capa delante de una de las obras pertenecientes a la exposición 'Colores abiertos', en Galería 9. Fotografía: Merche Medina.

El artista Joaquín Capa delante de una de las obras pertenecientes a la exposición ‘Colores abiertos’, en Galería 9. Fotografía: Merche Medina.

Jose Ramón Alarcón

 

 

Iconografía de mujer en el Ayuntamiento

Imágenes de la mujer en el arte moderno valenciano (1880-1936). Construyendo géneros   Comisariada por Mireia Ferrer Álvarez
Sala de Exposiciones del Ayuntamiento
C / Arzobispo Mayoral s/n. Valencia
Hasta el 10 de julio de 2016

La exposición ‘Imágenes de la mujer en el arte moderno valenciano (1880-1936). Construyendo géneros’,  plantea una aproximación desde la perspectiva de género a los modelos representacionales mediante los cuales se ha construido la imagen de la mujer en la modernidad y cómo esta ha jugado un papel determinante en la conformación de las prácticas sociales y de nuestro imaginario colectivo. La muestra ha sido comisariada por Mireia Ferrer Álvarez, profesora del Departament de Història de l’Art de la Facultat de Geografia i Història de la Universidad de Valencia.

La exposición se estructura en cuatro temas: Mujer, muerte y enfermedad; Femme Fatale; el ángel del hogar y la New Woman. En ellos se abordan tipologías iconográficas como la Ofelia moderna, la tísica sublime, el dolce far niente, las vírgenes a medias, la animalidad, la mujer diablo, Eros y Tanathos, la prostitución, o la Nueva mujer.

Vista general de la exposición. Imagen cortesía de la comisaría.

Vista general de la exposición. Imagen cortesía de la comisaria.

Componen la muestra más de medio centenar de pinturas, grabados y dibujos, de artistas valencianos, entre los que se cuentan Joaquín Sorolla, Cecilio Pla, Manuel Benedito, José Benlliure, José Mongrell, José Manaut, Antonio Fillol, Arturo Ballester, Peppino Benlliure, Fernado Cabrera Cantó o Alfred Claros, entre otros.

Una propuesta para meditar sobre el papel del arte como reflejo de la mentalidad de una época y al mismo tiempo como elemento activo en la construcción del imaginario colectivo femenino.

Cartel de la exposición.

Cartel de la exposición.