Pinazo por partida doble

Pinazo. La historia y el retrato. De la gran tradición al modernismo
Centre Cultural Bancaixa
Plaza de Tetuán, 23. Valencia
Museo de Bellas Artes de Valencia
C / San Pío V, 9. Valencia
Hasta el 8 de enero de 2016

El Museo de Bellas Artes y la Fundación Bancaja, muy oportunamente, han sumado fuerzas para presentar por partida doble la obra de Pinazo, que es como debería presentarse siempre. Porque Pinazo, tal y como demostraron los comisarios de ambas exposiciones, José Ignacio Casar Pinazo y Javier Pérez Rojas, tiene al menos una doble lectura. No sólo la que figura en el título del conjunto expositivo, que va de la historia al retrato y de la tradición al modernismo, sino en lo que concierne al contenido mismo de su trabajo, entreverado de claridades y sombras, de pulcritud y tenebrismo.

El propio Pérez Rojas aludió a Ramón Gómez de la Serna para decir que son “dos y una misma”, parafraseando una de sus famosas greguerías, las exposiciones presentadas al unísono en Bancaja y Bellas Artes. Y, por seguir el ejemplo, cabría citar esta otra para ahondar en Pinazo: “Lo más humano que tiene la calle es el recodo”. Y es que la obra del artista de Godella está llena de esos recodos, de esa manera de ir en una dirección para enseguida encontrarle las vueltas a la pintura. Por eso “del Pinazo bohemio” se va “al más oficial reclamado por las instituciones” (Rojas) sin que se pierda un ápice de su audacia.

Javier Pérez Rojas observando una de las obras de Pinazo.

Javier Pérez Rojas observando una de las obras de Pinazo.

En el Museo de Bellas Artes se da cuenta del Pinazo “más introvertido”, mientras Bancaja acoge ese otro “más transversal”, según explicó Casar Pinazo, reflejado en sus retratos a personajes de la sociedad de la época. Retratos a cuya profundidad se refirió Pérez Rojas al decir que iban “del naturalismo al expresionismo”, algo que no hacía “ningún pintor de entonces”, remachó el comisario. Las 131 obras, repartidas entre ambos espacios, muestran esa doblez, de la que el cuadro ‘Últimos momentos del rey don Jaime el Conquistador….’ no es más que uno de sus ejemplos.

Esta obra, cedida por el Museo del Prado bajo rigurosas condiciones de traslado y montaje y nunca antes vista en Valencia, tiene su doble literal en esa otra realizada para la Diputación, ambas expuestas en paredes enfrentadas. ‘La Caridad (Santa Mónica)’, igualmente inédita, también se duplica e incluso triplica mediante sendos estudios de su composición. Y las cuatro estaciones, serie de retratos de la familia Jaumandreu, juegan también con las dobleces que fue señalando Pérez Rojas referidas a la primavera y el verano, el otoño y el invierno: “Primavera en tanto encarnación de la belleza floreciente junto al verano voluptuoso, y del otoño como tiempo de negocio al invierno más estéril e improductivo”, con sus respectivos personajes encarnando esas diferencias.

Vista de la exposición de Pinazo en Bancaja.

Vista de la exposición de Pinazo en Bancaja.

Las 131 obras expuestas, provenientes de diferentes instituciones como el Museo del Prado, el IVAM, el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) o la propia Casa Museo Pinazo, entre otros, muestran la dificultad de encajar a Pinazo en un género e incluso de caracterizar un género como el retrato, que en su caso se desdobla entre la pose oficial y el gesto naturalista, entre lo obvio y lo obtuso. Pérez Rojas, que habló del retrato como un “ejercicio complejo”, destacó el premio que por uno de ellos recibió Pinazo, siendo la primera vez que alguien lo obtenía en el marco de una exposición nacional.

El propio Ignacio Pinazo, en su discurso de ingreso en la Real Academia de Bellas Artes, subrayó la importancia del retrato desde el Renacimiento, poniendo como ejemplo los de Velázquez o El Greco, a los que se sumaría Goya, como apuntaron los comisarios. Retratos repletos de claroscuros, incluso allí donde parece dominar el encanto infantil. Inquietantes la mayoría de ellos. Como inquietante es el grito desgarrado que lanzó en ese discurso Pinazo: “Faltan maestros y sobran profesores”. De nuevo su modernidad, ahora que las clases magistrales y el tradicional maestro empiezan a ser reemplazados por Internet. Su pintura histórica “proponiendo relatos que conectan con el presente tanto desde puntos de vista simbólicos como plásticos”, concluyen los comisarios.

Exposición de Pinazo en Bancaja.

Exposición de Pinazo en Bancaja.

De Picasso TV a Picasso y el museo

Picasso y el museo
Fundación Bancaja
Plaza de Tetuán, 23. Valencia
Inauguración: jueves 29 de octubre
Hasta el 28 de febrero de 2016

Fundación Bancaja inaugura el próximo 29 de octubre la exposición Picasso y el museo, que estará presente en el Centro Cultural Bancaja hasta febrero de 2016 y que reúne una selección de más de 200 obras de Picasso entre grabados, óleos y fotografía.

Cartel de la exposición Picasso y el Museo. Cortesía de Fundación Bancaja.

Cartel de la exposición Picasso y el Museo. Cortesía de Fundación Bancaja.

La exposición refleja la importante fuente de inspiración que supusieron museos como El Prado, el Louvre, Museo del Trocadero o el Museo Ingres de Montauban en la obra de Pablo Picasso.

La exposición cuenta con obras procedentes de la Colección Fundación Bancaja, que se suman a las cedidas por el Museo Picasso de Málaga, la Fundación Picasso. Museo Casa Natal – Ayuntamiento de Málaga, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y la Fundación Telefónica.

Esta nueva propuesta expositiva permite conocer cómo Picasso mantuvo toda su vida la contemplación de las obras en los museos como método de aprendizaje y reinterpretación artística gracias a la inspiración de grandes autores como Zurbarán, El Greco, Goya, Velázquez, Delacroix, Rembrandt o Rafael.

En la mente del artista, proyecto de ESAT en la exposición Picasso y el museo. Imagen cortesía de ESAT.

En la mente del artista, proyecto de ESAT en la exposición Picasso y el museo. Imagen cortesía de ESAT.

Además, la muestra contará con la instalación interactiva En la mente del artista, desarrollada en colaboración con la ESAT, Escuela Superior De Arte y Tecnología, que permitirá a los visitantes participar activamente en la sala de exposición e interactuar con la exposición.

La vertiente didáctica estará también presente en este proyecto a través de talleres dirigidos a escolares y familias, personas mayores, personas con discapacidad y personas en riesgo de exclusión social.

Imagen de la exposición Picasso TV. Fundación Bancaja

Imagen de la exposición Picasso TV, que acogió Fundación Bancaja este año 2015.

250 cuadros famosos versionados por niños

Exposición de los PequeArtistas
Alumnado de PintaValencia, mucho más que una academia de pintura
Galería Jorge Juan, Entrada Gran Vía Marqués del Turia, 59
De lunes a sábado, de 9 a 21 h.
Buses 2, 3, 41 y 80
Hasta el 30 de octubre de 2015

En pleno centro de Valencia, y hasta final de mes, se puede disfrutar de una enorme pared repleta de cuadros firmados por el alumnado infantil de la escuela de arte PintaValencia. La exposición, con más de 250 versiones de cuadros famosos pintados por niños y niñas, muestra el trabajo realizado por los pequeños durante el curso pasado, inspirados por artistas tan relevantes de la Historia del Arte como El Greco, Frida Khalo, Warhol, Vermeer, Leonardo da Vinci, van Gogh, Dalí, Hopper, Lichtenstein, Hockney, Velázquez, Turner o Goya, entre muchos otros.

Algunos cuadros de la exposición, versionando a Khalo, Sorolla, El Greco, Miró o Velázquez

Algunos cuadros de la exposición, versionando a Khalo, Sorolla, El Greco, Miró o Velázquez

La escuela de arte PintaValencia (Na Jordana, 12) surge como un espacio en la ciudad donde todo el mundo pueda desarrollar su creatividad de forma amena, personalizada y con horario flexible. «En algún momento nos vimos con las fuerzas necesarias para emprender y, aunque el camino no es nada sencillo, al final acaba mereciendo la pena. “Jamás el esfuerzo desayuda a la fortuna” es una cita de Fernando de Rojas que tenemos muy presente», explica Iris Bonora, profesora y co-directora de la escuela.

La lata de sopa Campbells de Warhol, entre el perro semihundido de Goya y el beso de Klimt

La lata de sopa Campbells de Warhol, entre el perro semihundido de Goya y el beso de Klimt

En PintaValencia trabajan a diario para acercar el arte tanto a adultos como a niños y niñas mediante el dibujo, la pintura y el modelado, además de incentivar el interés por conocer aspectos de cultura general relacionados con la Historia del Arte. La educación artística aporta importantes aspectos positivos tanto a niños como a adultos, como la capacidad de potenciar la imaginación, algo muy útil a la hora de resolver cualquier tipo de circunstancia o problema; además de favorecer en el aumento de la confianza y la autoestima. Diversos estudios demuestran que el estímulo a través de las artes plásticas provoca el aumento de la capacidad de concentración y memorización, mejorando significativamente el rendimiento académico en el resto de asignaturas no artísticas.

La noche estrellada de Vincent Van Gogh, al lado de  "Habitación de hotel" de Hopper, y varias Fridas y una joven de la perla, de Vermeer

La noche estrellada de Vincent Van Gogh, al lado de “Habitación de hotel” de Hopper, varias Fridas y una joven de la perla, de Vermeer

“La respuesta que hemos tenido hasta ahora en nuestros talleres siempre ha sido muy positiva, los niños acaban interiorizando y aprendiendo historias relacionadas con el arte, y con la cultura en general, que los hace mejores observadores, más atentos y despiertos. El arte, sin duda, los hace mejores personas.”, afirman los organizadores de la muestra Pequeartistas.

Vista general de la exposición

Vista general de la exposición

Más información en www.pintaValencia.com
250 cuadros famosos versionados por niños

Arte y literatura en el Cine d’Estiu del Carmen

Cine d’Estiu
Claustro Gótico del Centro del Carmen
C / Museo, 2. Valencia
Del 18 de julio al 30 de agosto
Entrada gratuita. 22.00 horas

La película ‘Los amantes de Montparnasse’, de Jacques Becker, sobre la vida del afamado pintor Amadeo Modigliani inaugura la tercera edición del Cine d’Estiu en el Centro del Carmen de Valencia. En esta ocasión, el ciclo se centrará en películas de arte y literatura que acoge el claustro gótico del antiguo convento, al aire libre y de forma gratuita.

Fotograma de 'Los amantes de Montparnasse', de Jacques Becker, en el Cine d'Estiu del Centro del Carmen.

Fotograma de ‘Los amantes de Montparnasse’, de Jacques Becker, en el Cine d’Estiu del Centro del Carmen.

Cada viernes y sábado, desde el 18 de julio al 30 de agosto, el Consorcio de Museos proyectará 14 películas basadas en la vida y obra de artistas, así como novelas que han sido trasladadas a la gran pantalla. A ‘Los amantes de Montparnasse’ le seguirán títulos como ‘La Banda Picasso’, de Fernando Colomo, dedicada al autor malagueño; ‘La Pasión de Clamille Claudel’ (Bruno Nuytten), sobre la escultora del siglo XIX Clamille Claudel, musa de Rodin, y ‘Renoir’ (Gilles Bourdos), sobre el autor impresionista francés.

Fotograma de 'La pasión de Camille Claudel', de Bruno Nuytten, en el Cine d'Estiu del Centro del Carmen.

Fotograma de ‘La pasión de Camille Claudel’, de Bruno Nuytten, en el Cine d’Estiu del Centro del Carmen.

Este año se incluye un conjunto de películas de género bélico coincidiendo con el aniversario de la I Guerra Mundial, con títulos como ‘Senderos de gloria’, de Stanley Kubrick, o ‘La Gran Guerra’, de Mario Monicelli. Además, dentro de las películas de arte, se ofrecerá un pequeño guiño a la conmemoración del IV Centenario de El Greco con la película ‘El Caballero de la mano en el pecho’, de Juan Guerrero Zamora.

Previamente a cada película, habrá una breve presentación que introducirá a los espectadores en la obra de los artistas y los enmarcará en el entorno de la época. El profesor y guionista valenciano, Javier Bosch, será el encargado de presentar los filmes. Bosch es Master en Guión Cinematográfico por la UAB, y ejerce como profesor, asesor y guionista. Actualmente se encuentra preparando una película documental sobre la vida en los años de la Siderurgia de Altos Hornos en el Puerto de Sagunto.

Fotograma de 'La Banda Picasso', de Fernando Colomo, en el Cine d'Estiu del Centro del Carmen.

Fotograma de ‘La Banda Picasso’, de Fernando Colomo, en el Cine d’Estiu del Centro del Carmen.

‘Los amantes de Montparnasse’ muestra los últimos años de vida del pintor Amadeo Modigliani y de su joven amante, la estudiante de pintura Jeanne Hébüterne. Hoy día admirado, reconocido y muy cotizado, Modi (como le llamaban sus amigos) no vendió prácticamente un sólo cuadro antes de su muerte.

Dirigida por Jacques Becker en 1958, ‘Los amantes de Montparnasse’ propone un acercamiento naturalista, intenso, atmosférico y romántico a la vida del pintor más que estrictamente biográfico. Becker realiza un retrato veraz de la vida bohemia, el amor trágico y la ciudad, temas y ambientes que le eran afectos desde ‘París Bajos Fondos’ (Casque D’or, de 1952).

Kirk Douglas en un fotograma de 'Senderos de gloria', de Stanley Kubrick, en el Cine d'Estiu del Centro del Carmen.

Kirk Douglas en un fotograma de ‘Senderos de gloria’, de Stanley Kubrick, en el Cine d’Estiu del Centro del Carmen.

Lleva la trágica vida de Modigliani a su terreno con una dirección sobria pero envolvente y, sin dejar de ser fiel a la vida real del artista, elude los detalles que no sirven propósito de su película: realizar un retrato no sólo de Modigliani sino también de la misma condición del artista moderno ante la comercialización del arte. Un retrato, a su vez, del hombre y de la mujer ante la crueldad del mercado.

La progresión dramática de la película va in crescendo, golpe a golpe, y es impensable sin la inspirada interpretación de Gérard Philipe, Lilli Palmer y Anouk Aimée. Imposible olvidar, igualmente, la intervención de Lino Ventura como el oportunista y malvado tratante de arte Morel.

Christa Théret en un fotograma de 'Renoir', de Gilles Bourdos, en el Cine d'Estiu del Centro del Carmen.

Christa Théret en un fotograma de ‘Renoir’, de Gilles Bourdos, en el Cine d’Estiu del Centro del Carmen.

El Greco, también arquitecto a su ‘maniera’

El Greco Architeto. Algo más que retablos, de Joaquín Bérchez
Centro del Carmen
C / Museo, 2. Valencia
Hasta el 31 de agosto

El historiador y sociólogo del arte Arnold Hauser apuntó que la pintura de El Greco, Doménico Theotocópuli (1541-1614), llegaba a disolver las formas terrenales. Todo lo sólido, incluido el orden que la perspectiva favorecía, era “liquidado” por obra y gracia del artista cretense afincado en Toledo. De forma que la realidad, valga el juego de palabras, aparecía deformada, transmitiendo ese punto de irrealidad que media entre el reino de los vivos y el de los muertos. El manierismo de El Greco no se manifestó únicamente en su pintura, sino que se alargó, tanto como sus figuras, al terreno de la arquitectura que él también exploró.

Una de las obras de la exposición 'El Greco Architeto. Algo más que retablos', de Joaquín Bérchez, en el Centro del Carmen.

Una de las obras de la exposición ‘El Greco Architeto. Algo más que retablos’, de Joaquín Bérchez, en el Centro del Carmen.

Joaquín Bérchez se hace cargo de esta última faceta menos conocida de El Greco, en la exposición ‘El Greco Architeto, algo más que retablos’. Exposición que mediante 15 fotografías y un video subraya la importancia del marco arquitectónico en la obra del autor de ‘El entierro del señor de Orgaz’, uno de cuyos detalles aparece en una de las imágenes expuestas en el Centro del Carmen.

Bérchez repasa con sumo cuidado fotográfico y un video, en el que colaboran Juan Peiró (edición) y Juan Castro Zuzuarregui (música), la actividad artística de El Greco en el ámbito de la arquitectura. Y lo que conmueve observar es esa íntima conexión entre la disolución de las formas terrenales en su pintura y la necesidad de expresarlo arquitectónicamente, mediante alargadas columnas verticales y remates a la maniera de los clásicos, mostrando su peculiar punto de vista.

Fotografía de Joaquín Bérchez en la exposición 'El Greco Architeto. Algo más que retablos', en el Centro del Carmen.

Fotografía de Joaquín Bérchez en la exposición ‘El Greco Architeto. Algo más que retablos’, en el Centro del Carmen.

La misma pasión que le llevó a romper con las frías geometrías, para que se desencadenara en el interior de su obra esa tempestad de formas desproporcionadas, aparece en los retablos que Joaquín Bérchez nos acerca fotográficamente también a su manera. Encuadrando la imagen para revelar detalles inadvertidos y alternando en el video pintura y arquitectura como danzando entre sí, Bérchez va desplegando en su exposición el mismo diálogo que El Greco sostuvo entre lo terrenal y lo celestial.

Pilastras estriadas y anguladas, vista cenital de alguna bóveda, detalles de capiteles, de fustes columnarios o de diversos retablos, en Illescas o el propio Toledo, conforman la orografía de El Greco Architeto, según la singular percepción de Bérchez. Un recorrido por la pintura del manierista atormentado, que Joaquín Bérchez realiza tomando como referencia el insigne marco que la contiene.

Fotografía de Joaquín Bérchez en la exposición 'El Greco Architeto. Algo más que retablos', en el Centro del Carmen.

Fotografía de Joaquín Bérchez en la exposición ‘El Greco Architeto. Algo más que retablos’, en el Centro del Carmen.

Sin duda, algo más que retablos es lo que nos ofrece la exposición del Centro del Carmen. Porque al igual que la pintura de El Greco parecía querer salirse del cuadro, también la arquitectura en la cual se enclavaba ofrece dudas acerca de sus límites. Esa sensación de continuo desarraigo o perpetua disgregación, ya sea por disolución de las formas o realidades entreveradas, es lo que revela la exposición El Greco Architeto. Una maniera diferente de celebrar el cuarto centenario del fallecimiento de Doménico Theotocópuli, artista incomprendido y silenciado durante siglos y desde hace ya tiempo objeto de académicas y, a veces, de luminosas interpretaciones. Como la de Joaquín Bérchez.

Fotografía de Joaquín Bérchez en la exposición 'El greco Architeto. Algo más que retablos'. Centro del Carmen.

Fotografía de Joaquín Bérchez en la exposición ‘El greco Architeto. Algo más que retablos’. Centro del Carmen.

Salva Torres

Joaquín Bérchez y El Greco

Joaquín Bérchez. El Greco Architeto, algo más que retablos
Centro del Carmen
C/ Museo, 2. Valencia
Inauguración: 3 de julio, 20 h.
Hasta el 31 de agosto de 2014

Al calor del cuarto centenario del fallecimiento de Doménico Theotocópuli “El Greco” (Candía, Creta, 1541 – Toledo, 1614), esta exposición ofrece al espectador -por medio de la fotografía y del video- un recorrido visual por los hitos más importantes de su actividad artística en España en el ámbito de la arquitectura, en especial del arte del retablo.

La presente exposición tiene sus orígenes en la de “El Greco, Architeto de Retablos. Fotografías Joaquín Bérchez”, cuyo catálogo fue presentado a primeros de año en la Real Academia de San Carlos de Valencia. Con la cooperación del Instituto Cervantes, la exposición se encuentra recorriendo en buena medida el periplo vital y geográfico de El Greco, antes de arribar a España, itinerándola por sus sedes de Atenas, Nápoles y Palermo. Del mismo modo el Ayuntamiento de Heraklion (la antigua Candía, Creta), lugar de nacimiento de El Greco, la ha expuesto durante el mes de marzo en la Basílica de San Marcos.

Joaquín Bérchez. Retablo mayor del templo del Hospital de la Caridad de Illescas. Imagen cortesía del autor.

El Greco y la arquitectura
El Greco, formado primero en Creta, después en Venecia (1568-1570) y Roma (1570-1577), llegó a Toledo en 1577. En este ambiente toledano, El Greco, al lado de su gran producción artística como pintor, desarrolló su actividad como architeto, es decir, como diseñador de retablos, interviniendo junto con su hijo Jorge Manuel en su traza, ensambladura y dorado.

El Greco asombraría con su estilo personal, por su peculiar gusto con los esplendores del oro bruñido, pero sobre todo aflorarían también las lecciones aprendidas de la arquitectura de vanguardia que conoció durante su estancia en Venecia y Roma (de Andrea Palladio, pero muy en particular de Miguel Ángel), ahora revisitadas desde su innovadora personalidad y desde los usos de la arquitectura española. En sus obras de madurez brotaría una renovada concepción moderna del lenguaje clásico de la arquitectura de la Antigüedad, al modo de la que Vasari  (leído y anotado por el Greco) sugirió a partir de la arquitectura desarrollada por Miguel Ángel.

Como ha escrito el propio autor: “El Greco nos descubre una apostura clásica y un modo de operar con la arquitectura que inesperadamente nos lanza al siglo XVII con una coherencia no contemplada hasta entonces en España, anunciando temas de la gran arquitectura del moderno clasicismo llamados a cobrar protagonismo en el episodio que tradicionalmente llamamos Barroco y en el que tanta y dispar influencia ejercieron las ideas y realizaciones de Miguel Ángel”.

Joaquín Bérchez. Retablo de la Capilla Ovalle, Toledo. Imagen cortesía del autor.

El marco y su violenta poética de las sombras
En EL GRECO ARCHITETO, ALGO MÁS QUE RETABLOS (fotografías y vídeo-instalación),  Joaquín Bérchez indaga -desde una personal estrategia fotográfica y desde el vídeo, a cargo de Juan Peiró- la dimensión creativa del rico y plural diálogo entre el marco y la pintura del Greco.  A través de ellas nos hacen leer y vivir la concepción global con que el Greco meditó el marco de sus pinturas y su eco en la arquitectura y ambientes eclesiásticos que las acogían.

Sus imágenes focalizan el modelo de pala italiana, con lienzos de gran tamaño, desconocido en España; el inventivo consumo del motivo palladiano procedente de  la famosa Basílica de Vicenza; su reelaboración del capitel jónico de volutas angulares (“alla michelangiolesca”); las madrugadoras miradas  al proyecto de Miguel Ángel para la basílica de San Pedro; los insólitos perfiles de sus marcos sobrepujando capiteles y frisos; o el vigor plástico de sus fustes columnarios soldados entre sí, desfibrados en estrías.

Joaquín Bérchez. Capilla y retablos del Hospital Tavera. Imagen cortesía del autor.

Las fotografías captan estos registros en un deliberado deseo de prescindir de la palabra y de adormecedoras ficciones académicas. Buscan ahondar en el misterio de la mirada ante la vehemente poética de la sombra que inunda sus retablos,  con sus violentos retranqueos y fragmentación de las formas clásicas.

Antonio Bonet Correa, director de la Real Academia de San Fernando, en el catálogo de la exposición ha afirmado de estas imágenes: “Las fotografías que Joaquín Bérchez ha realizado de las obras pictóricas de El Greco las sitúan dentro de su original marco arquitectónico. El resultado de sus imágenes es nuevo y sorprendente. Bérchez ha hecho unas fotografías de una nítida e impecable conclusión, muy diferentes a las que habitualmente se han divulgado, especialmente en los libros de historia del arte que no son más que una sucesión de láminas de sus pinturas sangradas y fuera del contexto arquitectónico en el que se encuentran o se encontraban originariamente”.

Joaquín Bérchez. Retablo Capilla Colegio de San Bernardino. Imagen cortesía del autor.

 

Tocar (y de qué manera) el arte

Museo de Bellas Artes

Arte para tocar

Bilbao

C/ Museo Plaza, 2

El arte se democratiza a marchas forzadas. Ya está a disposición de casi todos los sentidos. La vista, por supuesto, y el oído, mediante una audio-guía. El olfato es más difícil, pero de momento ya se ha incorporado también el tacto. Así da gusto. Arte para tocar es una actividad pionera que el Museo de Bellas Artes de Bilbao, en colaboración con Iberdrola, ha puesto en marcha gracias a la técnica Didú creada por Estudios Durero. Novedosa técnica que permite conocer la pintura a través del tacto, por lo que todas aquellas personas con algún tipo de discapacidad visual tendrán ahora el arte al alcance de su mano. Democratización de los sentidos y, con ello, del público que hasta hace nada se perdía tamaña experiencia.

Podrán “ver” las grandes obras de la pintura a través de la yema de sus dedos. Obras como las puestas a disposición por el Museo de Bellas Artes, sacadas de su colección permanente. Nada menos que La Anunciación, de El Greco; Mujer sentada con un niño en brazos, de Mary Cassatt; Lot y sus hijas, de Orazio Gentileschi; Figura tumbada en el espejo, de Francis Bacon, y San Sebastián curado por las santas mujeres, de José de Ribera. Todas ellas intervenidas mediante la técnica Didú de los bilbaínos Estudios Durero, que confiere a esas imágenes texturas y un relieve de hasta cinco milímetros a superficies planas.

El resultado salta a la vista, sin duda, pero permite que el salto se produzca igualmente a través de la yema de los dedos. Digitalización manual que tiene su origen en la técnica más avanzada. El proceso es como sigue. A partir de una fotografía de la imagen en alta resolución, de cada una de las cinco grandes obras referidas, se van definiendo los volúmenes y texturas con una tinta especial. Un trabajo que puede llevar 40 ahoras. Después se necesitan otras 12 horas de aplicación de un procedimiento químico que consigue dar volumen a elementos inicialmente planos.

Sobre ellos se imprime luego la imagen real con los colores originales y en formato de 80 x 120 cm. El resultado final es la pintura con relieve para que pueda ser recorrida por las manos, con la ayuda de una alocución audio-guía. De esta manera, el arte pasa por el sentido del tacto, mezclado con el del oído, para que las personas con alguna discapacidad visual puedan “ver” lo que antes les estaba vedado. De momento, estas cinco grandes obras de El Greco, Cassatt, Bacon, Gentileschi y Ribera. Pero la técnica Didú está esperando nuevas obras que intervenir; nuevas instituciones dispuestas a revelar obras de su colección a personas incapaces hasta ahora de poder hacerlo. ¿Ver para creer? No: ahora basta con tocar, y de qué manera.

Salva Torres

Martín Begué, un Sigfrido callejero

Fundación Chirivella Soriano

Sigfrido Martín Begué. El lado valenciano

Valencia

Palau Joan de Valeriola

C/Valeriola, 13

Hasta el 2 de junio

Con un nombre tan wagneriano, Sigfrido Martín Begué (Madrid, 1959-2010) parecía destinado a la rimbombancia épica. Su obra así lo atestigua y, quienes le conocieron, pueden dar fe igualmente de su deslumbrante y espitosa prodigalidad verbal. Pero habría que matizar, a su vez, esta manera intempestiva, casi nietzscheana, de recordar al que fue tildado como “pintor de la movida”. Porque Martín Begué, siendo un torrente de imaginación creativa, prefirió rebajar las alturas épicas al terreno más prosaico, mordaz y sarcástico de la cultura popular.

Y así, moviéndose a saltos entre los rápidos que van del clasicismo a la vanguardia, este artista madrileño tempranamente desaparecido ha ido dejando un reguero de pólvora con su irreverente obra. El director del Consorcio de Museos, Felipe Garín, afirma que Martín Begué aceptó las reglas del juego para subvertirlas, principio de todo acto revolucionario. Como el que protagonizó, que es a lo que íbamos, en 2001 con su Pinocho de 23 metros de altura para la falla Na Jordana. Tituló la inolvidable falla Pinotxada universal. Unos meses después, ya en el plano de la tragedia histórica, se produjo el derrumbamiento de las torres gemelas de Nueva York.

Y es que Martín Begué siempre se ha movido a rebufo de ese temperamento épico rebajado por los vientos alisios de su ironía. El Pinocho de Na Jordana, que el comisario Vicente Jarque recuerda como una de las mejores fallas que ha tenido ocasión de ver en vida, sirvió para remover las estancadas aguas de la fiesta fallera. Vestido con indumentaria del siglo XVIII, matamoscas en mano, actitud pensativa y larga, larguísima nariz afilada, el Pinocho de Martín Begué sirvió precisamente para eso: para echarle un par de narices a la tradicional quema de ninots.

De hecho, esa nariz, que al Pinocho del cuento le crece con cada mentira, es la nariz que siempre tuvo Martín Begué para la pintura. Su olfato le decía que las reglas pictóricas y sociales estaban para saltárselas, a condición de respetar el trasfondo del que se nutre su acto trasgresor. Las crecidas y oblongas narices de su Pinotxada universal revelaban cierta mentira de una fiesta fallera que pedía a gritos aires de renovación. Como la propia pintura, de la que Martín Begué se ocupó de dar cumplida cuenta. Ahí están, por ejemplo, sus versiones de La isla de los muertos, de Arnold Böcklin, y el Entierro del conde Orgaz, de El Greco, transfiguradas en La isla de los cuadros y El entierro de la pintura, respectivamente.

La Fundación Chirivella Soriano subraya el lado valenciano de un pintor siempre a orillas del humor, la irreverencia y la indudable calidad plástica. Su amistad con el artista fallero Manolo Martín, con quien trabajó en su taller para poner en pie tamaño Pinocho, le permitió a su vez realizar las Euromeninas con motivo de la presidencia española de la Unión Europea. Velázquez y Duchamp, juntos; de nuevo la tradición y el acto rupturista cogidos de la mano. Como cogidas de la mano van en la exposición de Chirivella Soriano la pintura, el diseño de muebles (con Loewe al fondo), singulares escenografías, esculturas como la “divina” de El Cid y una planta dedicada a su pasión por el cine, amén de los numerosos bocetos de Pinocho.

Martín Begué, como recuerda Vicente Molina Foix, sabía moverse “entre las grandes arterias de la ciudad y la periferia rústica y hasta un poco canalla”. Y lo hacía “sin perder la compostura”. He ahí su olfato, su enorme nariz fallera y su talento a caballo entre lo alto y lo bajo; la tradición clásica y la trasgresión vanguardista. Aquel Pinocho de 2001, realizado paso a paso y con todo lujo de detalles en el taller de Manolo Martín, se derrumbó además como mandan los cánones: con la verticalidad apropiada y sin perder, como Martín Begué, la compostura. Un artista de los pies a la cabeza.

Salva Torres

 

 

La cremà de Martín Begué

Fundación Chirivella Soriano

Sigfrido Martín Begué

Inauguración: viernes 1 de marzo

C / Valeriola, 13. Valencia

La Fundación Chirivella Soriano inaugura Sigfrido Martín Begué. El lado valenciano, una exposición comisariada por Vicente Jarque, fruto de la colaboración con el Consorci de Museus de la Comunitat Valenciana. La muestra no pretende presentar el conjunto de su obra pictórica posterior a la expuesta en el Centro Cultural Conde Duque, es decir, su pintura desde 2001, ya que desde ese año hasta su muerte apenas terminó algo más de veinte óleos, junto a no mucho más de otras tantas acuarelas aparte de numerosos bocetos, ilustraciones y piezas varias. Sino que, según nos explica el comisario Jarque, “las pinturas para esta exposición han sido seleccionadas con el propósito de ubicar el trabajo de Sigfrido Martín Begué en Valencia en el contexto de su trayectoria fundamental como pintor”.

La idea, por tanto, de esta exposición estriba en presentar un conjunto de pinturas que sirvan para hacer entender al espectador que los años de trabajo de Martín Begué en relación con Valencia no sólo iban mucho más allá de unos intereses de orden meramente artesanal, presuntamente menor, sino que se fundaban en una poética compleja de la que podemos encontrar, en su pintura (su actividad fundamental, sin duda) hallazgos antecedentes y figuras coetáneas, en todo caso derivadas de una trayectoria tan brillante y polifacética como extraordinariamente coherente.

Jarque ha detallado algunas de las obras que forman parte de esta exposición, como antecedente y fundamento tanto visual como intelectual del conjunto de las Euromeninas. Se podrá ver, sin duda, Las Meninas-Malic, de 1995, así como Caja de música soltera (1992), en donde ya aparecen los moldes de Duchamp. Lo mismo puede decirse respecto a los muebles realizados para la firma Loewe en 1995, de pinturas como Septenario (1986), Torre con perro (1987) o Máquina de cine (1992).

La conexión entre la falla para Na Jordana en 2001 (el efímero Pinocho de 20 metros de altura, rescatado en la exposición junto a la maqueta, las figuras y los bocetos diseñados por Sigfrido) y el Pinocho de 1991 (concebido, por tanto, diez años antes) y los posteriores Pinochos de Art-cidente y Pinnarciso parece obvia, en palabras de Jarque.

Martín Begué se ha planteado la situación problemática de la pintura en el presente (algo evidente igualmente en sus Meninas duchampianas): La isla de las pinturas (2002, como evocación de la famosa obra de Boecklin), Storie della vera pintura (con estructuras arquitectónicas análogas a los muebles-ciudad para Loewe) y El entierro de la pintura (obviamente alusiva al Orgaz de El Greco).

El resto de las pinturas que se podrán ver enlazan con la misma de manera más específica, pero más suelta. L’Alpha-belgue, una imagen de Tintín, tiene que ver con registros subjetivos: el interés de Martín Begué por el personaje (posible compañero de Pinocho), por la “línea clara” de Hergé y, por qué no, por Bélgica (a la que veía, como Marcel Broodthaers, determinada por las conchas de los mejillones), en cuya capital presentó sus Euromeninas. Santa Bárbara se vincula con la afición mediterránea a la pirotecnia. Suso5V50 es la imagen de un cochecito semejante a una carroza para el 125 aniversario de la falla Na Jordana.

Salva Torres