Zenet encabeza el cartel musical de Circuito Bucles

VI Circuito Bucles Danza
Centre del Carme (C / Museo, 2, de Valencia) y otros espacios del barrio del Carmen
Del 20 al 28 de octubre de 2018

La sexta edición del festival CIRCUITO BUCLES DANZA tendrá lugar del 20 al 28 de octubre en el barrio de El Carme, de València. Bajo el lema de ‘Subversivos’, propone una experiencia artística rebelde y agitadora en espacios alternativos, acercando al público las últimas tendencias culturales vinculadas a la danza e incorporando nuevas perspectivas artísticas y estéticas creativas.

Un total de 30 actuaciones de danza, un certamen coreográfico, tres clases magistrales, cuatro talleres familiares ‘’Nanobucles’, un taller de inclusión social, cine danza y cuatro conciertos de música en directo componen una amplia programación que se concretará principalmente en el Centre del Carme, así como en talleres de artistas emblemáticos del barrio del casco antiguo.

Zenet durante una actuación. Imagen cortesía de Circuito Bucles Danza.

Zenet durante una actuación. Imagen cortesía de Circuito Bucles Danza.

Da entrada a conciertos en directo

Circuito Bucles Danza se abre, por primera vez, a ofrecer conciertos de música en directo. Cuatro actuaciones en el Centre del Carme comprenden el programa de este año. El cartel musical lo encabeza el cantante malagueño Zenet. Actuará el 21 de octubre a las 20.15h, interpretando su particular revisión de géneros antiguos actualizada y pasada por su filtro personal, donde se mezclan la copla, el son, el bolero, el chotis, el tango, la chanson. Todo bajo el lenguaje común del jazz. En el universo Zenet hay dos personas claves: la guitarra de José Taboada y sus magníficas composiciones musicales y los grandes versos del poeta Javier Laguna.

Premio de la música al Artista revelación en 2009. Premio de la música al mejor álbum de fusión y Premio al mejor disco de jazz de los Premios de la música independiente con su álbum ‘Si sucede conviene’. Zenet, además, fusiona sobre el escenario sus dotes de actor, bailarín o mimo. Estudió Arte Dramático en Escuela Superior de Málaga completando su formación artística en diversos cursos magistrales con Anne Foreman (RoyalShakespeare Co.), Caroline Carlson, Albert Vidal y Toni Escartín, entre otros. Por esa misma época participa en diversas creaciones colectivas, mezclando el teatro clásico y moderno, la danza, las marionetas y la mímica con Mirapalo teatro, Quique Utrera, Delirius, Isidoro Poo.

Completan el cartel musical: Frukatinka, la banda valenciana que fusiona el pop con ritmos de hip-hop, electrónica y techno, actuará el 20 de octubre, a las 20.30h. El 26 de octubre a las 21.30 será el turno para el Dj valenciano, Sergio Mañez. Por último, la banda set madrileña, Pheromone Blue, formada por 3 músicos de jazz, fusión y rock que remezclan en directo música electrónica e instrumentos en directo, actuará el 27 de octubre a las 22.00 horas.

Zenet. Imagen cortesía de Circuito Bucles Danza.

Zenet. Imagen cortesía de Circuito Bucles Danza.

Metro cuadrado. Danza, espacio y reflexión

Entrevista a Edwin Valentín, director de Metro cuadrado
Grupo de danza 33 Volts
Teatre Carme, Carrer de Gregori Gea, 6, Valencia
Del 18 al 21 de octubre de 2018

¿Somos conscientes del espacio que ocupamos?
La velocidad con la que transitamos los lugares apenas deja tiempo para una toma de conciencia real del espacio que habitamos. En el mundo en que vivimos, se impone más que nunca repensar la forma en la que consumimos tiempo y espacio, conocedores de que ambos son compartidos y en muchas ocasiones efímeros. El arte, y más concretamente la danza, siempre interesada en el movimiento, ha investigado y conformado la manera en que vemos el cuerpo. Ahora, la concepción de este ha cambiado para terminar fundiéndose en un todo. Fagocitados por una rutina opresora que vacía de sentido nuestros trayectos, sumergiéndonos en dinámicas donde se desdibujan los límites de nuestra frontera de contacto.

Sin duda, la danza es el mejor catalizador a través de la cual el ser humano puede expresar sus ansiedades y miedos, experimentar con sus emociones y dirigir su fuerza, tanto hacia lo individual como a lo colectivo. Las residencias del Carme Teatre acogerán en este mes octubre la práctica e investigación en torno al movimiento hecho danza. Gracias al grupo 33 Volts, dirigido por Edwin Valentín, podremos disfrutar de la belleza ecléctica de un espectáculo en el que las Bellas Artes se funden para conformar una crítica reflexiva del espacio, el yo y el nosotros.

Edwin Valentín estudió en la Escuela Nacional de Antropología e Historia de México, su país de origen, de donde parte la inspiración de sus obras. Licenciado y especializado en Antropología Física, sus proyectos ahondan en los fenómenos sociales y culturales que tienen como punto de referencia el cuerpo y su relación con el entorno. Su formación artística comenzó en un Bachillerato de Artes y Humanidades, ligado al Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), en el que se especializó en danza.

En 2014 quedó en 4º lugar en la primera edición del concurso “Encuentro Creadores de Danza, Premio Movimiento Original”, de la Ciudad de México, en la cual presentó por primera vez el proyecto Metro cuadrado, que estrena en Valencia el próximo jueves 18 de octubre.

Fotografía de Edwin Valentín, cortesía del director.

Fotografía de Edwin Valentín, cortesía del director.

 ¿De dónde surge Metro cuadrado?

El contexto de la ciudad de México es el de vivir en una ciudad enorme en la cual las dinámicas que tu generas o que la propia ciudad te genera, te ponen en un estado de alerta. Más allá de la situación del país, el hecho de cómo convivir con tanta gente, es lo que me inspiró. Cuando has de ocupar el transporte público para moverte a cualquier lado, entras en relación con un todo, en un estado en el cual ves a las personas y no te queda otra opción que estar cuerpo a cuerpo, en una ciudad en la que todas las horas se han vuelto “hora pico”, en algunas líneas de metro. Por mucho que trates de evitarlo el espacio personal se pierde y termina por generarse una masa. El hecho de cruzarme la ciudad de México, de norte a sur para trabajar me hizo pensar en esas personas que hacen todos esos tránsitos constantemente.

Un día que estuve en un paradero de autobús esperando el trasporte, empecé a agobiarme por el ruido de los puestos ambulantes, el tráfico, la gente, el cansancio etc. y traté de voltear la cabeza hacia arriba para respirar y ver hacia el cielo. Me encontré con una enredadera de cables y me di cuenta de que no había espacio por ningún sitio. De ahí sale Metro cuadrado, de esa sensación en la que te preguntas ¿estamos viviendo esto?, ¿de dónde viene? y ¿para dónde vamos? En ese momento, mi punto de apoyo fue el metro de la ciudad que sirvió para la primera exploración de la obra.

Al momento de mudarme a Valencia, me encuentro con una ciudad en la que se siente totalmente lo contrario, en la cual yo tengo espacio, mi cuerpo lo vive distinto, se llega a relajar de otra manera. Descubro esta ciudad, nueva para mi y la siento totalmente contraria, los mismos traslados se hacen sin tanta gente, y no siento la misma sensación que en México. Entonces fue cuando me planteé ¿cómo estas personas viven  la relación con la sobrepoblación mundial?, ¿cómo se vive la sobrepoblación mundial en una ciudad como Valencia? y ¿qué pasa con este concepto?, ¿se piensa? De ahí, decido retomar Metro cuadrado aprovechando la oportunidad que generan las residencias del Carme Teatre. Estas me permiten generar un proyecto para trabajar las visiones de cómo los habitantes de una ciudad más pequeña sienten la sobrepoblación aunque, tal vez, pueda parecer que no está tan presente ese concepto o imagen. Tenia todavía esa sensación de que se podía indagar más en Metro cuadrado, explorando los distintos ángulos de donde tratar este tema. Desde un principio me interesó tener bailarines de aquí para que ellos me hablaran de sus vivencias y ver cómo sus cuerpos las expresan.

 Háblanos de la obra ¿en que consiste?

La obra parte de la danza contemporánea y podría definirse como tal porque el principal elemento del cual comunicamos es el cuerpo y el movimiento. Nos apoyamos de video, de artes plásticas, etc. La música es esencial ya que el espectáculo es mudo. La piezas sonoras no son del todo melódicas y hay algunas que transmiten sonidos ambientales con el fin de generar una sensación concreta. El sentido del oído está muy presente dentro de la pieza, por lo tanto, hablamos de danza contemporánea apoyada en otras artes.

¿Metro cuadrado tiene un punto experimental?

Si, los bailarines van a ser quienes a través de su cuerpo trasladen una serie de sensaciones al público. Siempre les pido que hablen y que conozcan el concepto que trabajamos en la obra, con el fin de que ellos lo reflexionen e investiguen y me vayan contando a través de sus experiencias y su vida cómo sienten esta relación entre ellos y la reducción de espacio. A partir de esta reflexión previa, comienzan a investigar el movimiento que posteriormente integrarán dentro del discurso. Este proceso a mi me enriquece tanto a nivel personal como profesional, nutriendo también el trabajo y la obra en sí, en la que se pueden ver un conjunto de emociones diversas.

Detalle de los bailarines ensayando Metro cuadrado. Fotografía cortesía de Edwin Valentín

Detalle de los bailarines ensayando Metro cuadrado. Fotografía cortesía de Edwin Valentín

¿Cómo fue el proceso de selección del equipo de Metro cuadrado?

El proceso de selección de bailarines fue un poco largo, porque al principio tuve que buscar personas que quisieran integrarse dentro del proyecto. Buscaba en primer lugar, que más allá de que fueran bailarines tuvieran una buena condición física, porque la propuesta tiene varios momentos de mucha fisicalidad, en la cual el cuerpo se pone muy al límite. El equipo lo conformamos Cristina Martí (Conservatorio Superior de Danza del Institut de Teatre Barcelona), Ivan Colom (Conservatorio Superior de Danza de Valencia), Pablo Caracol (Ilustrador y bailarín), Natalyd Altamirano (Asistente de dirección, actriz y bailarina y yo mismo como antropólogo físico, director, coreógrafo y bailarín.

¿Qué te pareció el espacio del Carme Teatre?

Tenía mucha ilusión de representar en el Carme Teatre. La primera vez que conocí la sala, en su sede actual, me provocó bastante. Es una sala no muy grande en la cual el público está muy cerca de lo que está sucediendo. Cuando entré inmediatamente lo pensé, “aquí yo podría representar Metro cuadrado”. Desde un primer momento, la sala en mi mente se prestaba para realizar esta obra en la que quería que la gente estuviera cercana a lo que hiciéramos en escena. El Carme Teatre es el espacio perfecto.

¿Podríamos afirmar que hay un tono crítico en la obra?

Mi intención es que el público reflexione sobre la sobrepoblación y llegue a pensarlo como algo que no está tan lejano, que se vea como un espejo que refleja una sociedad. En nuestro planteamiento, confluyen muchos elementos que sirven para hablar de este tema y hacer pensar al público que somos distintos elementos. Existe una complejidad mayor, no por estar separados unos de los otros y que aquí en Valencia no se viva esta situación de sobrepoblación, no significa que en otro lado no esté pasando.

El fin último es que el arte comunique alguna emoción, sentimiento o imagen, que mueva al público hacia esta reflexión. Nosotros a partir de las emociones, el movimiento y las imágenes pretendemos que al público se le genere algo en su ser que lo haga reflexionar. Para mi es muy importante este tema y considero que es algo relevante de que hablar. La población mundial va en aumento. No está mal que vaya en aumento, pero hemos de darnos cuenta que no somos los únicos, la humanidad no es lo único que habita en este espacio.

¿Crees que Metro cuadrado se podría lanzar a la calle?

Sí, es una buena manera de acercar la danza al público en general. Yo creo que el arte debe ser más accesible, con apoyo del gobierno y de las instituciones, y tiene que haber un hábito y una educación por consumir arte en la sociedad. Creo que ahora más que nunca la gente necesita ser muy empática, sentir y saber qué es lo que están sintiendo los demás. En estos tiempos todo es tan rápido que la gente necesita tomarse un tiempo para reflexionar eso que está sintiendo, y el arte ayuda en este proceso.

¿Si te dieran la oportunidad de lanzar Metro cuadrado a la calle lo harías?

Sí, sin pensarlo, lo haría.

¿Para cuándo la próxima obra? ¿Alguna idea de futuro en mente?

Tengo varias ideas en mente, pero hay una en especial que me está moviendo mucho desde hace unos meses atrás. Primero habría que terminar Metro cuadrado, seguir representando la obra hasta donde se pueda y una vez asentada, empezar otra investigación. Yo que veo México en la distancia y me genera muchas emociones y pensamientos, hay algo sobre mi país de lo que quiero hablar, quizás no sobre él, pero sí partiendo del mismo. Creo que en el próximo proyecto México estará más explícito que en Metro cuadrado, que ya está más globalizado. Considero que la obra debería estar abierta y continuar. Se puede adaptar a otras circunstancias, espacios y bailarines.

Logotipo del grupo de danza 33 Volts. Imagen cortesía de Edwin Valentín

Logotipo del grupo de danza 33 Volts. Imagen cortesía de Edwin Valentín

Andrés Herraiz Llavador

Bestias con los 10 Sentidos

Bestias
Festival 10 Sentidos
Mayo de 2019

Somos brutos, somos feroces, somos crueles. Somos indomables, somos impulsivos, somos temerarios. Somos viscerales, somos imprevisibles, somos violentos. La violencia impregna distintos ámbitos de nuestra sociedad y forma parte de nuestro día a día. El Festival 10 Sentidos desatará en 2019 a las bestias. A aquellas con las que convivimos, a aquellas a las que disculpamos, a aquellas que tememos, a aquellas que reconocemos frente al espejo. ¿Pero somos así por naturaleza o lo aprendemos? ¿Por qué son tan frecuentes la hostilidad y la crueldad entre los seres humanos?

El Festival 10 Sentidos, en su VIII edición, pretende reflexionar acerca del concepto de violencia, que nos abruma y nos fascina a partes iguales, que nos rodea y nos persigue, y generar un diálogo para desmantelar el sistema violento e injusto en el que vivimos.

Anthony Hopkins en 'El silencio de los corderos'.

Anthony Hopkins en ‘El silencio de los corderos’.

Por ello, el Festival 10 Sentidos, que se ha consolidado en València como una propuesta que trata de visibilizar, a través de propuestas artísticas diferentes, realidades de nuestra sociedad, quiere sacar de la jaula a esas bestias en su próxima edición, que se celebrará en mayo de 2019. Creadores nacionales e internacionales se darán cita un año más en un encuentro referente de las artes vivas en Valencia y escaparate de artistas con distintas capacidades.

El Festival 10 Sentidos cuenta de nuevo con el patrocinio principal de Caixa Popular, que se implica una vez más en esta edición para formar parte y colaborar mientras se pone en marcha toda la estructura y la programación. La entidad sigue comprometida en dar soporte a esta cita que aúna dos de los pilares fundamentales de su filosofía, la cultura y la implicación social y solidaridad.

El festival anima a creadores de todas las disciplinas a enviar sus propuestas para participar en la programación artística de esta VIII edición a través de una convocatoria para la presentación de sus trabajos.

10 Sentidos pone en marcha el Open Call 2019 con el que se abre el plazo para la presentación de propuestas que guarden relación con el lema de este año, Bestias. Artistas locales, nacionales y del ámbito internacional de cualquier disciplina escénica, visual y artes vivas, podrán enviar sus trabajos para formar parte de la programación. El plazo está abierto hasta hasta el próximo 12 de noviembre. La dirección para el envío de proyectos es info@festival10sentidos.com y para facilitar la recepción de los trabajos es necesario indicar en el asunto del mensaje el nombre de la convocatoria ‘Open Call 2019’.

Esta convocatoria no es la única vía que utiliza el festival para articular la programación. La Dirección Artística selecciona propuestas y trabajos de forma paralela a lo largo de todo el año. El Festival 10 Sentidos, patrocinado por Caixa Popular, programó el año pasado más de 50 actividades, recibió alrededor de 125 artistas de todo el mundo y tuvo presencia en casi 30 sedes de la ciudad.

Obra de Cristian Newman. Imagen cortesía de Festival 10 Sentidos.

Obra de Cristian Newman. Imagen cortesía de Festival 10 Sentidos.

Elena Ledda en la VI Mostra Viva del Mediterrani

VI Mostra Viva del Mediterrani
11 espacios de Valencia
Del 3 al 21 de octubre de 2018

Más de 200 artistas y 10 países participarán este año en la VI edición de Mostra Viva del Mediterrani que se celebrará del 3 al 21 de octubre en Valencia. En torno a 65 actividades relacionadas con la música, la danza, el circo, la literatura, el arte, la narración oral, la formación educativa y múltiples debates se desarrollarán en los 11 espacios que albergarán los eventos del festival. Bajo el lema ‘Un mar de culturas’, la edición de este año revisará la diversidad y proximidad cultural de los países participantes y al mismo tiempo la evolución de su propia tradición cultural hacia la contemporaneidad.

Tras haber conseguido que el Ayuntamiento de Valencia volviera a asumir la organización de la Mostra de València Cinema del Mediterrani, mantenida durante el último lustro por Mostra Viva, el festival ha apostado por diversificar y ampliar su oferta con la incorporación de una sección dedicada al videoarte y un Aplec de Dansa. La Nau, Octubre CCC, MuVIM, Centre del Carme, Colegio Mayor Rector Peset, Jardines del Turia, Palau de la Música, Sala Off, Plaça dels Furs, Cines Albatexas o el Instituto Francés serán los espacios donde tendrán lugar las actividades hasta el 21 de octubre.

Acto de presentación de Mostra Viva del Mediterrani en el Centre del Carme. Imagen cortesía de la organización.

Acto de presentación de Mostra Viva del Mediterrani en el Centre del Carme. Fotografía de Raúl Gregori por cortesía de la organización.

Este notable crecimiento en cuanto al número de actividades y participantes coloca a la ciudad de Valencia y a Mostra Viva como referentes culturales del Mediterráneo ya que su programación permitirá tener durante el mes de octubre una visión global de la tradición y la modernidad cultural de países como Italia, Francia, Argelia, España, Túnez, Portugal, Turquía, Palestina, Bosnia o Rumanía.

Durante la celebración del festival, Mostra Viva entregará en el transcurso de un acto que se celebrará el 19 de octubre en el Centre del Carme sus premios Pont del Mediterrani. Este año, además de los galardones que concede la asociación a personas y entidades que han contribuido a la recuperación de Valencia como epicentro cultural del Mediterráneo, se entregarán otros concedidos por votación popular y dedicados a la música, la literatura y las artes escénicas y visuales.

“Mostra Viva del Mediterrani ofrecerá una programación abierta para todos los públicos y sensibilidades a fin de que un año más sea punto de encuentro de la sociedad civil y anime a que Valencia refuerce su carácter de ciudad abierta y participativa, auténtico referente cultural del Mediterráneo”, aseguró su presidente de honor Vicent Garcés.

Jonatan Penalba. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Jonatan Penalba. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Trobada de Música del Mediterrani
Palau de la Música y Claustro de La Nau. Del 10 al 14 de octubre

La Trobada de Música del Mediterrani contará este año con la presencia de la gran estrella italiana Elena Ledda, una de las grandes damas de la música mediterránea. El encuentro combinará tradición, modernidad y mestizaje. En el programa figuran también la actuaciones de la cantante turca Çiğdem Aslan, el valenciano Jonatan Penalba, la Orquesta Flamenca de Flautas, así como la cantante bosnia Amira Medunjanin. Todas las actuaciones serán en el Palau de la Música y con entrada gratuita hasta completar aforo.

El ciclo concluirá con una producción musical que unirá en La Nau al cantautor Andreu Valor, la Sociedad Escolar Musical de l’Olleria y el Cor de l’Eliana. El espectáculo ofrecerá un repertorio de poetas valencianos y catalanes con arreglos para banda.

El Colegio Mayor Rector Peset albergará durante las fechas del certamen los talleres “Música del Mediterráneo”, destinados a estudiantes del Conservatorio Superior de Música y ofrecidos por los artistas participantes en la Trobada, aunque estarán abiertos al público en general.

Batucada flamenca. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Batucada flamenca, de Kultrún Batucada. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Aplec de Dansa
Sala Off, Plaça dels Furs, Estación de metro Xàtiva. Del 18 al 20 de octubre

La oferta de la nueva sección de danza, materializada en el Aplec de Dansa que se celebrará este año por primera vez, comenzará el jueves 18 en la Sala Off con el espectáculo ‘De aquí para Allá’ de Pepe Cantó, Paloma Calderón y Toni Aparisi y la danza española de la mano del Conservatorio Superior de Danza de Valencia. L’Aplec continuará el viernes 19 en el mismo lugar con las actuaciones de la compañía de Sara Guirado y Taconterra; el sábado será el turno del colectivo Lamajara con su proyecto ‘Labranza’ y de Ana Síscar y Rocío Giner que alternarán la danza oriental con el flamenco. Todos los espectáculos de la Sala Off contarán con música en directo y tendrán un precio de 6 euros en sesiones dobles.

Además, l’Aplec de Dansa también trasladará las actuaciones a la calle con la ‘Batucada Flamenca’ de Kultrún Batucada que tendrá lugar el miércoles 17 en la parada de metro de Xàtiva, y la Dansa al Carrer, el sábado 20 en la Plaça dels Furs, con la Escuela Mar en Danza y Taconterra con su Mascletà Flamenca y les dansaes de la Federación Valenciana de Folclore. Los cines Albatexas albergarán el día 17 de octubre una velada de videodanza así como una mesa redonda con la presencia de algunas personalidades del mundo de la danza. También se ofrecerá una Masterclass impartida por la compañía Lamajara en el Centre del Carme el jueves 18 de octubre, evento abierto al público previa inscripción.

Cartel de la VI edición de Mostra Viva, por cortesía de la organización.

Cartel de la VI edición de Mostra Viva, obra de Sento Llobell, por cortesía de la organización.

Artes visuales
Instituto Francés, Octubre CCC, Centre del Carme. Del 4 al 31 de octubre

Cuatro exposiciones se inaugurarán durante los días del festival. El Instituto Francés exhibirá desde el 5 de octubre el proceso de elaboración del cartel de este año, obra del artista Sento Llobell, así como un resumen de su obra como ilustrador. Un día antes, el Centre Octubre mostrará un proyecto vinculado a artistas de ambas orillas del Mediterráneo que han colaborado con la ONG Jiwar a través de la residencia de artistas en Barcelona bajo el título ‘Mediterráneo de talentos y deseos’.

Asimismo, ofrecerá una mirada en torno al arte como esperanza en zonas de conflicto bélico. El proyecto de la ONG Creart exhibirá los trabajos educativos y artísticos realizados en la franja de Gaza, creados por niños y adolescentes palestinos y donde el arte funciona como herramienta psicosocial y educativa para la paz. Por último, el Centre del Carme (desde el 16 de octubre) dará a conocer algunas imágenes que pertenecen al proyecto ‘Carrícola (La Vall d’Albaida) Biodivers’, en el que como propuesta de sostenibilidad, se establece cada año un proyecto de diálogo entre arte y naturaleza.

Obra de Silvia Carpizo. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Obra de Silvia Carpizo. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Videocreación
Octubre CCC. Del 15 al 17 de octubre

La nueva sección de Mostra Viva mostrará los trabajos creativos de las artistas Silvia Carpizo, Victoria Cano y Monique Bastiaans, tres formas diferentes de entender el videoarte y reflexionar sobre la creación. Mientras la primera basa su trabajo en la animación del arte mural urbano, la obra de Cano combina su propia creación pictórica con la composición del músico Emilio Calandín, interpretada por el clarinetista Luís Fernández; Cano une así pintura y música. Bastiaans muestra, por su parte, el proceso de creación de sus obras, en su mayor parte efímeras. Las artistas, tras las proyecciones de sus respectivos trabajos, participarán en debates con los asistentes a las mismas.

Artes de calle/circo
Jardines del Turia. Del 9 al 21 de octubre

Los Jardines del Turia, a los pies del Palau de la Música, volverán a convertirse este año en un gran escenario de teatro de calle y circo. Durante tres fines de semana consecutivos, compañías de diferentes países del Mediterráneo ofrecerán una muestra de cómo cada cultura entiende el universo de este arte tan singular, participativo y próximo al espectador. Compañías y artistas como La Finestra Nou Circ, El Fedito, Elefanti, Circ Bower, Parada, Eddy Eighty o Asaco Producciones, serán algunos de los participantes de esta serie de espectáculos para todos los públicos que se ofrecerán en sesiones gratuitas de mañana, tarde y noche. Durante los días del festival también se celebrarán en el mismo espacio talleres educativos para los más pequeños donde se enseñarán diversas técnicas circenses, desde el malabarismo hasta el maquillaje o el universo del payaso en general.

Sherezade Bardaji. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Sherezade Bardají. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Narración oral
Centre del Carme. 5 y 6 de octubre

Siete sesiones ofrecerá este año el ciclo de narración oral en el que a viva voz, se transmiten cuentos, leyendas y emociones procedentes de diversos países del Mediterráneo pero que comparten un fin común, hacer volar la imaginación y conservar la tradición oral como ejercicio de transmisión y conservación cultural y memoria histórica y literaria.

Este viaje por culturas y tradiciones llegará a través de las narraciones de Djamila Hamitou Sandouk, Susu Benítez, Wassila Berber, Eva Andújar, Sherezade Bardají o María Molina. Cada uno de los narradores y narradoras, utiliza una técnica personal para envolver a público de todas las edades en un mundo de fantasía y realidad onírica. La tradición oral de los pueblos mediterráneos se ha transmitido de generación en generación a través de los siglos.

Mostra educativa
MuVIM. Del 12 al 21 de octubre

Mostra Viva del Mediterrani hace un año más una apuesta por la divulgación  y la educación de valores animando al público familiar a que participe en sus talleres educativos. Durante los tres fines de semana del certamen, estas actividades en las que se aprende jugando, permitirán adentrarse en el mundo del cine, el arte y la cultura mediterránea y sus orígenes a través de actividades lúdicas y talleres. Las sesiones tendrán un aforo limitado.

Elena Ledda. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Elena Ledda. Imagen cortesía de Mostra Viva.

Las escénicas delicias del Bosco en Sagunt a Escena

‘El jardín de las delicias’, de Marie Chouinard
Sagunt a Escena
Teatro Romano de Sagunto
Jueves 9 de agosto de 2018 a las 22:30

Sagunt a Escena continúa su programación con un espectáculo de la mejor danza internacional, ‘El jardín de las delicias’, creación de la coreógrafa canadiense Marie Chouinard para su compañía, realizada en coproducción con la Jheronimus Bosch 500 Foundation de Holanda, con motivo del quinto centenario de la muerte del pintor.

La propuesta está dividida en tres actos: ‘El jardín de las delicias’, ‘Infierno’ y ‘Paraíso’, inspirada en el famoso tríptico del Bosco, la misma división de la obra expuesta en el Museo del Prado. Chouinard no ha querido reproducir las mismas escenas en la coreografía, pero se postulan algunas imágenes que nos recuerdan a las del cuadro.

La coreógrafa afirma que “no ha intentado representar la obra original”, pero los que acudan al espectáculo presenciarán un “reflejo” del cuadro, en tanto que no se ha concebido de un modo independiente del concepto original de Jerónimo Bosco, desarrollándose en simbiosis conceptual con la ínclita obra del pintor oriundo del extinto Dudaco de Brabante. En cuanto a la forma de llevarlo a escena el espectáculo está formada por gestos sencillos de los bailarines que se dejan llevar por la posición de sus cuerpos.

Un instante de la representación de 'El jardín de las delicias', de Marie Chouinard. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.

Un instante de la representación de ‘El jardín de las delicias’, de Marie Chouinard. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.

La reputación internacional de esta compañía, fundada en 1990, tiene sus raíces en la primera creación de Chouinard en 1978, un solo titulado ‘Cristalización’. Este trabajo demostró inmediatamente su originalidad e integridad y fue seguido por medio centenar de trabajos que incluían espectáculos de acción, trabajos vocales, instalaciones y películas, en las que perfeccionó su interés por la investigación formal y los misterios del cuerpo humano en todos sus aspectos.

De 1978 a 1990, Marie Chouinard actuó sola en el escenario, viajando alrededor del mundo, absorbiendo varias culturas, técnicas y filosofías, que transformaría en un lenguaje personal con una resonancia universal. Desde entonces la coreógrafa explora la poética del cuerpo en directas, inteligibles y siempre sorprendentes maneras. Cada pieza es una odisea a través de la historia de la humanidad, mientras evita la cronología o la linealidad de una narrativa.

Con un trabajo despojado de su desnuda esencia se consigue un efecto teatral casi operístico, los elementos del arte vivo son traídos a un primer plano a través de varias técnicas de composición y puesta en escena. Aunque sus obras puedan ser percibidas como provocadoras, son senderos hacia la libertad y la compasión, donde el humor es posible.

Un instante de la representación de 'El jardín de las delicias', de Marie Chouinard. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.

Un instante de la representación de ‘El jardín de las delicias’, de Marie Chouinard. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.

Además de directora de su compañía, Marie Chouinard es presidenta fundadora del Premio de la Danza de Montreal, artista de danza asociada del Centro nacional de Artes de Canadá y directora de danza de la Bienal de Venecia.

Desde su fundación en 1990, la Compañía Marie Chouinard ha actuado por todo el mundo y coproduce sus creaciones con socios como la Bienal de Venecia, el Festival de Danza Internacional ImPulsTanz (Viena), el Théâtre de la Ville (París), el Festival TransAmériques (Montreal) y el Centro Nacional de Artes (Ottawa). La compañía tiene un gran repertorio de trabajos y la mayoría sigue representándose a nivel internacional. ‘La Consagración de la Primavera’ ha sido representada durante más de 25 años y se ha convertido en un clásico en la historia de la danza contemporánea.

Los trabajos de la coreógrafa también aparecen en los repertorios de grandes compañías de ballet como el Ballet Nacional de Canadá, São Paulo Companhia dance, Ballets de Monte-Carlo, el Göteborgs Operan y el Gulbenkian Ballet. Además, desde 2015, Marie Chouinard ha creado trabajos para otras compañías, como la Martha Graham Dance Company y los Ballets de Montecarlo.

Un instante de la representación de 'El jardín de las delicias', de Marie Chouinard. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.

Un instante de la representación de ‘El jardín de las delicias’, de Marie Chouinard. Fotografía cortesía de Sagunt a Escena.

 

#Identidad para la nueva temporada del IVC

Avance de programación 2018-2019 de los teatros Principal y Rialto de València

El Institut Valencià de Cultura (IVC) ha presentado el avance de la programación de artes escénicas para la temporada 2018-2019 en el teatro Principal y en el teatro Rialto de València, bajo el lema #Identidad. Al acto han asistido el director general del IVC, Abel Guarinos, y el director adjunto de Artes Escénicas del IVC, Roberto García.

El director general del Institut Valencià de Cultura, Abel Guarinos, ha explicado que “con el lema #Identidad queremos dar un paso adelante después del cambio de filosofía que ha significado la temporada 17-18 respecto de las temporadas pasadas. Profundizamos en la apuesta por la coherencia de la programación y por una marca pública de calidad. De este modo, esta temporada 18-19 busca la identidad de los teatros Rialto y Principal de València, es decir, busca singularizar las salas y ponerlas en valor”.

“Además, la producción propia reflexionará sobre las múltiples caras de este concepto de identidad: la identidad de barrio, la identidad digital, la identidad europea, la identidad emocional, la identidad cultural o la identidad de clase”, ha concluido Guarinos.

El Teatro Rialto se convierte esta temporada en un centro que programará producciones propias. Un proyecto que supone un cambio de paradigma trascendental y que tendrá el objetivo de conectarse con la sociedad, gracias al Plan de desarrollo de audiencias ‘Habitamos el teatro’.

El Teatro Principal, por su parte, se ratifica como un centro de exhibición de referencia en artes escénicas por la calidad de sus propuestas y donde se estrenarán también producciones de gran formato. Una nueva programación que lleva el lema “Un TEATRO PRINCIPALmente para ti”.

Como señala el director adjunto de Artes Escénicas, Roberto García, “tenemos como objetivo fundamental esta temporada la captación y la fidelización de públicos para conseguir el acceso de toda la sociedad a nuestra actividad cultural y, especialmente, del público joven que, en estos momentos, se siente alejado de la oferta cultural general”.

Asimismo, desde el IVC se continúa trabajando para fomentar la creación e impulsar las industrias escénicas. La apuesta por la producción propia se duplica en la temporada 2018-2019 y pasamos de 4 a 9 producciones propias de teatro y de 1 a 3 producciones de danza.

Esta temporada también significa la recuperación de los Premios de las Artes Escénicas Valencianas, con los que el IVC quiere reconocer el trabajo y la excelencia de los profesionales valencianos. La gala de entrega será retransmitida por À Punt televisión y, a partir de septiembre, se darán detalles de esta.

Teatro Principal de València

Según Roberto García: “El Teatro Principal tendrá una programación de lujo con algunos de los nombres de referencia de las artes escénicas en el ámbito valenciano, estatal e internacional”.

Un instante de la representación de 'Cronología de las bestias', protagonizada por Carmen Machi. Fotografía: Javier Naval.

Un instante de la representación de ‘Cronología de las bestias’, protagonizada por Carmen Machi. Fotografía: Javier Naval.

La temporada empezará con el estreno mundial de ‘Santos, i ara què’, creación de Ximo Solano, un homenaje al genial pianista, compositor, pintor, escultor y ‘performer’ de Vinaròs Carles Santos y a su obra. En octubre se podrá ver ‘Cronología de las bestias’, protagonizada por Carmen Machi, una comedia negra de suspense que reflexiona sobre la mentira.

‘Antígona’, coproducción del IVC con la Compañía Ferroviaria de Elche, estrenada en Sagunt a Escena, se podrá disfrutar durante el mes de noviembre. Una versión libre inspirada en el clásico de Sófocles con las posibilidades que ofrecen los nuevos lenguajes expresivos. El mejor teatro balear llegará a finales de noviembre con dos producciones del Teatro Principal de Mallorca: ‘La nit de Catalina Homar’ y ‘Les darreres paraules’, que giran alrededor del personaje del archiduque Lluís Salvador. Para acabar noviembre asistiremos al estreno de la producción del IVC ‘Sorra blava’, de Alejandro Tortajada y Laura Sanchís, proyecto ganador de la convocatoria abierta “Cinc elevat a cinc”. En diciembre se programará el último espectáculo del actor Alberto San Juan, ‘Mundo obrero’, producida por Teatro del Barrio y Teatro Español, una obra sobre la lucha obrera que alcanza desde finales del siglo XIX hasta los nuestros días. En Navidad se repondrá ‘Tic-Tac’, la producción propia premiada como mejor espectáculo musical en la última edición de los Premios MAX de artes escénicas. Después será el turno de la deliciosa comedia ‘La valentía’, la última obra del prestigioso dramaturgo Alfredo Sanzol.

‘El preu’, un texto de uno de los más grandes dramaturgos del siglo XX, Arthur Miller, se podrá ver en el Principal el mes de febrero. Pere Arquillué y Ramón Madaula interpretan, bajo la dirección de Sílvia Munt, a dos hermanos que se reencuentran en el desván de la casa familiar después de 16 años sin hablarse. Igualmente, el mes de febrero estará dedicado a un ciclo de espectáculos internacionales. Se podrán ver el circo de la compañía francesa The Rata Pack con ‘Speakeasy’, obra que recrea en el escenario los bares clandestinos que surgieron en Estados Unidos durante la ley seca, y el teatro físico de la compañía británica Ghecko, con ‘Missing’.

El musical vuelve en marzo de la mano de la compañía Dagoll Dagom, que hacía 13 años que no pasaba por València, con su último espectáculo,‘Maremar’, una adaptación de ‘Pericles, príncep de Tiro’, de William Shakespeare, con música inspirada en la obra de Lluís Llach.

Recreación escénica de los etílicos sótanos clandestinos durante la ley seca, en ‘Speakeasy’, de The Rata Pack.

Recreación escénica de los etílicos sótanos clandestinos durante la ley seca, en ‘Speakeasy’, de The Rata Pack.

La programación se completa con tres estrenos mundiales que llenarán el teatro Principal hasta el final de la temporada. Se trata de ‘El Muro’, de la compañía valenciana La Teta Calva, creación de Maria Cárdenas y Xavo Giménez con música de Carles Chiner; la nueva producción de danza del IVC, dirigida por la prestigiosa coreógrafa alcoyana Sol Picó, y una coproducción del IVC, la Diputació de València y el Festival Griego de Barcelona, escrita y dirigida por Jordi Casanovas, sobre el cambio de ciclo histórico que se inició el año 92, con el declive de la Ruta del Bakalao, los crímenes de Alcàsser y una nueva manera de hacer política tan personal como irresponsable. Un espectáculo que lleva por título ‘Valenciana (la realitat no és suficient)’.

Teatro Rialto

“El Teatro Rialto estrena su nuevo proyecto «Habitamos el Rialto», que tiene como objetivo crear una comunidad de espectadores y espectadoras vinculada de manera profunda a los procesos de creación y exhibición de las producciones propias. Un plan de desarrollo de audiencias destinado a la captación y la fidelización de nuevos públicos, especialmente los espectadores y espectadoras jóvenes”, ha explicado Roberto García.

El Teatro Rialto trabajará con una red de institutos de Secundaria que colaborarán con este nuevo proyecto. Se trabajará conjuntamente con el alumnado y el profesorado para desarrollar experiencias físicas y emocionales con los montajes que pasarán por la sala.

De esta manera, participarán en las obras asistiendo a los ensayos, llevando los equipos artísticos a los centros, organizando coloquios, elaborando los programas de mano, creando un club de espectadores, convirtiéndose en reporteros de los procesos, trabajando con profesionales para aprender a crear contenidos y a usar las herramientas digitales. Con todo eso aprenderán a entender y a amar a las artes escénicas. En definitiva, conseguir que el alumnado se sienta cocreador y corresponsable, y así construir espectadores activos, críticos y no estandarizados.

Imagen del cartel de la obra '‘I tornarem a sopar al carrer’, de Begoña Tena y Xavier Puchades, realizado por la artista Po Poy.

Imagen del cartel de la obra ‘‘I tornarem a sopar al carrer’, de Begoña Tena y Xavier Puchades, realizado por la artista Po Poy.

También se crearán sinergias con otras instituciones como la Universitat de València, el Institut Valencià de la Juventut y las escuelas de arte dramático para implicar a todas estas comunidades en el proyecto del Teatro Rialto. Todo relacionado a una apuesta sin precedentes por la producción propia.

La temporada en el Rialto empezará con la coproducción ‘I tornarem a sopar al carrer’, de Begoña Tena y Xavier Puchades, un espectáculo que nace de las conversaciones con los vecinos y vecinas del barrio del Cabañal y que reflexionará sobre la identidad de barrio. Noviembre será el mes de la obra ‘Alexandria’, de Guadalupe Sáez y Mertxe Aguilar, un espectáculo sobre la identidad digital que mezcla teatro, música y videomapping, y que nos habla de cómo la huella digital que dejamos en manos de las grandes corporaciones y las redes sociales han cambiado radicalmente nuestra identidad y la manera de relacionarnos.

En diciembre podremos disfrutar de ‘Faust’, de Arturo Sánchez Velasco y Jaume Policarpo, una revisión del clásico de Goethe desde una óptica contemporánea y con una seductora estética que mezcla actores con títeres de tamaño natural y una escenografía cautivadora, que reflexionará sobre la identidad europea.

La danza será la protagonista en enero con ‘Més a prop’, de Noèlia Liñana, un montaje que tiene el objetivo de acercar la danza al público adolescente y joven a través del reconocimiento y la identificación de las emociones. El gran clásico valenciano y universal ‘Tirant lo Blanch’, de Joanot Martorell, sube al escenario los meses de febrero y marzo con una coproducción del IVC con la Compañía Nacional de Teatro Clásico. El espectáculo, llamado ‘Tirant’, escrito y dirigido por Paula Llorens y Eva Zapico, planteará una nueva y sorprendente versión que mezcla la palabra y el teatro físico para hablar de identidad cultural.

‘Tot explota’, creación de Carla Chillida, es la propuesta para los meses de marzo y abril. Un espectáculo comprometido socialmente que nos habla de identidad de clase en los tiempos actuales y de las nuevas y sutiles maneras de explotación de las personas. La última producción del IVC en mayo será ‘Tórtola’, texto de Begoña Tena, nacida en el primer Laboratorio de Dramaturgia ‘Insula Dramataria’ Josep Lluís Sirera, que será dirigida por Rafa Calatayud.

Además, el Rialto continuará como una de las sedes del festival Danza València durante el mes de abril y, ya para cerrar la temporada, se podrán ver las lecturas dramatizadas de textos del segundo Laboratorio de Dramaturgia ‘Insula Dramataria’.

Un instante de la representación de 'Cronología de las bestias', protagonizada por Carmen Machi. Fotografía: Javier Naval.

Un instante de la representación de ‘Cronología de las bestias’, protagonizada por Carmen Machi. Fotografía: Javier Naval.

 

 

El Festival Serenates llega a los 5.000

Festival Serenates
Claustro del Centre Cultural La Nau
C / Universitat, 1. Valencia
Del 24 de junio al 8 de julio de 2018

Un total de 5.000 personas han asistido al Festival Serenates, organizado por la Universitat de València y el Institut Valencià de Cultura en el Claustro del Centre Cultural La Nau y en la plaza del Patriarca. El Festival, que ha llegado a su 31ª edición, ha incluido la celebración del encuentro de músicas y danzas del Mediterráneo ‘Polirítmia’, sumando así 13 noches de conciertos entre el 24 de junio y el 8 de julio.

La media de asistencia a todos los espectáculos del ciclo ha sido de 384 personas, el 80% de la ocupación de las localidades disponibles (un máximo de 482 plazas). El número de artistas que han participado en el Festival ha sido de 290, y ha destacado la apuesta por la juventud (el 72% eran menores de 26 años), así como por la música valenciana al tratarse de grupos valencianos excepto los de los días 30 de junio, que actuó la Orquesta de la Universidad de Alcalá, y 2 de julio, con Milo Ke Mandarini.

Kontakte y Mara Aranda en el Festival Serenates. Imagen cortesía de La Nau.

Kontakte y Mara Aranda en el Festival Serenates. Imagen cortesía de La Nau.

El Festival Serenates ha sido coproducido por la Universitat de València y el Institut Valencià de Cultura de la Generalitat Valenciana, y ha contado con la colaboración del Ayuntamiento de València, la Diputación de Valencia, la Fundación Banco Sabadell, el Palau de la Música de València, la EASD (Escola d’Art i Superior de Disseny) y el Palau de les Arts de València, que se ha incorporado en esta edición.

La idea de utilizar el claustro del edificio histórico de la Universitat como marco para ofrecer al público valenciano un festival musical de verano –que dedica, especialmente, su programación a la música compuesta e interpretada principalmente por músicos valencianos– ha tenido desde las primeras ediciones un éxito rotundo.

Una de las novedades de este año ha sido la celebración del ‘Festival Polirítmia. Trobada de músiques i danses de la Mediterrània’, con cinco conciertos en colaboració con la Gran Fira de València, tres de los cuales tuvieron lugar en la plaza del Patriarca el pasado fin de semana con un carácter especialmente popular.

Dentro de la línea habitual del Festival Serenates, este año se ha diseñado una amplia y ecléctica programación que abrió la compañía teatral Komos, acompañada del Coro Eutherpe, una novedosa puesta en escena dentro del contexto de Serenates que, con la obra ‘Novecento’, aunó artes escénicas y musicales. También la Orquestra Filharmònica de la Universitat de València estrenó una producción propia en un espectáculo donde debutó el Grup de Dansa de la Universitat reinterpretando la tradición a través de músicas y coreografías. El programa continuó con la Orquestra de València, una gala lírica a cargo del alumnado del Centro de Perfeccionamiento Plácido Domingo del Palau de les Arts, Capella de Ministrers, los artífices de la musicomedia Melomans, la Orquesta de la Universidad de Alcalá, el Orfeó Universitari de València con el grupo de percusión PerKu-Va y las danzas de Innovatori de Moviment, Milo Ke Mandarini, Efrén López Quartet, Kontakte + Mara Aranda, Teixint Terres y, para cerrar el Festival, la agrupación de baile y música popular Rascanya.

En el marco de Serenates, se han estrenado muchas obras o se han reencontrado después de siglos de olvido en los diversos archivos musicales valencianos. Además, muchos grupos valencianos han debutado artísticamente en este escenario, puesto que este festival se ha convertido en una buena plataforma para la promoción y la difusión de uno de los mejores y mayores bienes culturales valencianos: la música.

La Orquestra Filarmónica de la Universitat de València y el Grup Dansa en el Festival Serenates. Imagen cortesía de La Nau.

La Orquestra Filharmònica de la Universitat de València y el Grup de Dansa en el Festival Serenates. Imagen cortesía de La Nau.

Los Fantasmas de “Prácido Domingo”

‘No hay que ser una casa para tener fantasmas’, de la compañía Prácido Domingo
Espacio Inestable
Aparisi i Guijarro 7, Valencia
5 y 6 de Julio de 2018

El pasado 5 de Julio tuvo lugar la interpretación de la danza teatro ‘No hay que ser una casa para tener fantasmas’, realizada por la compañía Prácido Domingo en la sala Espacio Inestable. La sala, en este 2018, ha cumplido su 20 aniversario como compañía teatral y 15 años como sala de exhibición. A modo de celebración realizaron un ciclo de obras de danza para acabar la temporada.

‘No hay que ser una casa para tener fantasmas’ es una obra que nos habla de nuestros fantasmas, de cómo forman parte de nosotros y cómo pasan de un cuerpo a otro sin que nos demos cuenta. Esta obra trata del amor, el dolor, el sufrimiento, la angustia, la calma y todas esas sensaciones que nos causan las experiencias que vivimos en nuestro día a día y que nunca se separan de nosotros. Estos fantasmas toman el control de nuestro cuerpo convirtiéndonos en sus marionetas, simples desechos de carne a su merced, dejándonos dos opciones: seguir bajo su control o luchar contra ellos.

Fotografía de la obra 'No hay que ser una casa para tener fantasma'. Imagen cortesía de Prácido Domingo.

Fotografía de la obra ‘No hay que ser una casa para tener fantasma’. Imagen cortesía de Prácido Domingo.

La obra se asienta en tres pilares fundamentales: la danza butoh, el Aikido y la danza contemporánea. La danza butoh tiene su origen tras finalizar la II Guerra Mundial; se buscaban nuevas formas de expresión con el cuerpo que representaran la situación que se vivía en Japón durante la década posterior a la explosión de las bombas atómicas. El bailarín se convierte en una marioneta y con ella intentan expresar los temas más internos del yo, nuestros fantasmas. La danza butoh es una danza tranquila y muy expresiva que, en esta obra, se ve interrumpida por el Aikido, de movimientos bruscos y secos. El Aikido es un arte marcial que busca la defensa personal y el conocimiento total del individuo tanto corporal como espiritualmente. La danza contemporánea actúa de aglutinante final entre el Aikido y el butoh.

La obra se debate entre esta dualidad. Los actores pasan de la tranquilidad al conflicto y viceversa. El Aikido y la danza butoh forman un todo en el escenario al igual que lo hace el yin y el yang en el taoísmo. Esta dualidad explica nuestro eterno conflicto con nuestros fantasmas. En la obra, el control es total cuando hacen de marionetas, formando figuras imposibles y agarrándose de formas impensables, siendo arrastrados por quien les controla en ese momento. El contraste del Aikido nos lleva a una danza frenética, pero silenciosa, acompañada simplemente por las pisadas de los bailarines y sus jadeos.

La obra tiene lugar en un escenario vacío, con unos pocos focos que iluminan los cuerpos de los bailarines de una forma tenue. Los focos forman luces y sombras por todo el escenario, con las que juegan, creando, así, formas abstractas acompañadas con susurros y risas de los intérpretes, posibilitando un espacio onírico perfecto para recrear nuestra relación con los fantasmas que nos rodean.

Fotografia de la obra 'No hay que ser una casa para tener fantasmas'. Imagen cortesia de Prácido Domingo.

Fotografia de la obra ‘No hay que ser una casa para tener fantasmas’. Imagen cortesia de Prácido Domingo.

Prácido Domingo es una compañía teatral gallega compuesta por Belén de Bouzas, Francisco y Diego Martínez, exalumnos de la ESAD de Galicia. Con esta obra consiguieron el primer premio en el certamen Xuventude Crea, organizado por la Xunta de Galicia.

Espacio Inestable cerró la temporada con ‘La femme qui marche’, de Natalia Fernades, una obra que trabaja con la idea del conocimiento a través del cuerpo y la experiencia física como motor del pensamiento. El 4 de Septiembre de 2018 volverán a abrir sus puertas con el Festival Internacional de Teatro y Danza.

Fotografía de los tres actores de la obra: Belén de Bouzas, Francisco y Diego Martínez. Imagen cortesía de la compañía Prácido Domingo

Fotografía de los tres actores de la obra: Belén de Bouzas, Francisco y Diego Martínez. Imagen cortesía de la compañía Prácido Domingo

José Antonio López

Gustavia o la tragedia convertida en gag

Gustavia, de La Ribot y Mathilde Monnier
La Mutant
C / Joan Verdeguer, 22-24. Valencia
Sábado 2 de junio de 2018, a las 20.30h

La danza regresa a La Mutant y lo hace con un montaje que trae a València a dos referentes europeos de esta disciplina: la española María José Ribot (conocida artísticamente como La Ribot) y la francesa Mathilde Monnier, las cuales unieron sus talentos para crear un espectáculo estrenado en 2008 en el Festival de Montpellier y que desde entonces se ha paseado con gran éxito por medio mundo.

La Ribot y Mathilde Monnier. Imagen cortesía de La Mutant.

La Ribot y Mathilde Monnier. Imagen cortesía de La Mutant.

‘Gustavia’ surge de la atracción de ambas artistas por el burlesco clásico de Chaplin, Keaton o los hermanos Marx, y por las múltiples posibilidades que ofrecía su adaptación al lenguaje corporal. Al mismo tiempo, ofrece una reflexión sobre el feminismo en la época actual y sobre el papel del artista en la sociedad, convirtiendo la tragedia en un gag continuo en el que conviven el teatro de variedades y el teatro del absurdo. Dos mujeres, en definitiva, que interpretan siempre un mismo personaje, y cuyas representaciones abarcan desde animales exóticos a ilusionistas, pasando por vedetes, equilibristas y boxeadores.

La Ribot y Mathilde Monnier poseen una extensa e influyente trayectoria que se despliega a nivel mundial. El papel de La Ribot ha sido fundamental no solo en la renovación de la danza de las últimas tres décadas, sino también en la afirmación de un lugar dentro del arte contemporáneo.

La Ribot y Mathilde Monnier. Imagen cortesía de La Mutant.

La Ribot y Mathilde Monnier. Imagen cortesía de La Mutant.

La enorme trascendencia de estas artistas va más allá de sus obras, y alcanza también aquellos contextos que han creado y/o dirigido a lo largo de sus carreras: La Ribot con la fundación y dirección del departamento de enseñanza e investigación sobre las artes en vivo Art/Action de Ginebra –ciudad donde reside– y Monnier con la dirección, entre otros, del Centro Coreográfico Nacional de Montpellier o el Centro Nacional de Danza en Pantin.

La representación de ‘Gustavia’ en La Mutant supone, además, la primera colaboración entre la Regidoria d´Acció Cultural del Ayuntamiento y el Institut Français de España – Antena de València. De este modo, se establece un convenio para fomentar propuestas artísticas en los teatros municipales del TEM y La Mutant.

La Ribot y Mathilde Monnier. Imagen cortesía de La Mutant.

La Ribot y Mathilde Monnier. Imagen cortesía de La Mutant.

Alien Express gana el Certamen Coreográfico 10 Sentidos

Alien Express / Natasa Zavolovšek
Ganador del Certamen Coreográfico 10 Sentidos
Viernes 11 de mayo de 2018

El Certamen Coreográfico 10 Sentidos se ha asentado como un referente dentro de los certámenes coreográficos en Europa para creadores emergentes del panorama nacional e internacional. El Festival 10 Sentidos, que cuenta con el patrocinio principal de Caixa Popular, en su apuesta por una programación donde conviven artistas consagrados y nuevos talentos, ofrece cada año esta convocatoria coreográfica que recibe alrededor de 300 propuestas de todos los continentes.

Alien Express / Natasa Zavolovšek, llegados de Liubliana (Eslovenia), fueron los ganadores de la edición 2018 con una pieza titulada ‘Our friends Tony’. Con este trabajo el dúo se centra en comunicar o hacer visible algo que no está ahí. Por su parte, Denis Santacana, compañía de Danza de Bilbao, logró el premio simbólico del Público con la pieza ‘Encuentros’, interpretada por Victor Fernández y Denis Santacana. El jurado quiso además realizar una mención especial a Alexandre Fandard, llegado de Francia, y a Louis Thuriot y Borna Babić, de Groninga.

Los diez coreógrafos finalistas mostraron sus obras ante un jurado profesional formado por Àngels Margarit, directora del Mercat de les Flors (Barcelona), Assen Assenov, director de ONE Foundation for Culture and Arts (Bulgaria), Laura Kumin, directora del Certamen Coreográfico de Madrid, Mar Jiménez, coordinadora del Festival Dansa València, Aja Jung, directora de Belgrade Dance Festival (Serbia), Anders Beyer, director de Bergen International Festival (Noruega) y Fons Dejong, programador de Theater aan het Vrijthof, Maastricht (Países Bajos), que decidió la pieza ganadora con un premio dotado con 2.000 euros.

Alien Express. Certamen Coreográfico 10 Sentidos por cortesía del festival.

Alien Express. Certamen Coreográfico 10 Sentidos por cortesía del festival.