El mapa sonoro de Antoni Abad en el EACC

Antoni Abad, blind.wiki
Espai d´art contemporani de Castelló
Calle Prim, s/n, Castelló de la Plana
Del 4 al 8 de abril de 2016

El EACC desarrolla un programa de actividades relacionadas con la exposición en curso. La «experiencia pedagógica» es gratuita, se adapta a la edad de los alumnos que visitan el centro e incluye actividades que permiten una mejor comprensión de la muestra.

Además, el centro ofrece talleres que se desarrollan en dos vías paralelas. Los talleres de artista y de cineastas permiten el acceso a los mecanismos de creación desde la experiencia de los invitados. Los talleres didácticos tienen la intención de facilitar una mejor comprensión de todo aquello que envuelve la creación contemporánea,  ofreciendo herramientas teóricas y prácticas que pueden ser aplicadas tanto a nivel personal como profesional.

Antoni Abad. Blind.wiki. Cortesía del artista.

Antoni Abad. Blind.wiki. Cortesía del artista.

El taller blind.wiki está concebido para participantes con diversidad visual, que utilizan teléfonos móviles con el objetivo de experimentar el proceso de gestación de un grupo de comunicación mediante grabaciones de audio geolocalizadas en la web.

En reuniones diarias se proponen, debaten y deciden los temas a tratar, organizando las transmisiones móviles en función del consenso a que el grupo haya conseguido llegar. La folksonomía y la geo-localización son parte intrínseca de la experiencia, generando una cartografía pública digital que prima la voz colectiva del grupo, sobre la expresión individual.

Se organizarán excursiones de mapeado en grupo en las calles, donde los participantes registrarán grabaciones de audio geolocalizadas, que se publican automaticamente en la web del proyecto por medio de la aplicación para teléfonos móviles blind.wiki

El mapa sonoro resultante de la experiencia, será accesible tanto desde los teléfonos móviles mediante la app blind.wiki, como en la web del taller.

Antoni Abad. Blind.wiki. Cortesía del artista.

Antoni Abad. Blind.wiki. Cortesía del artista.

TEST, una plataforma desde la periferia

TEST. Muestra de arte y creatividad
El Convent, Espai d’art
Carrer Hospital, 5, Vila-real, Castellón
Inauguración: sábado 5 de marzo a las 12.00 h.
Hasta el 1 de mayo

Test” es una muestra de arte y creatividad que tiene como epicentro la ciudad de Vila-real en Castellón. Como la misma palabra indica, “Test” quiere convertirse en un espacio donde poder hacer crecer los trabajos y las carreras de aquellos artistas que más necesitan un apoyo a su esfuerzo y tenacidad. El atractivo de esta muestra será tratar de orientar los recursos para cubrir las necesidades reales de los diferentes agentes artísticos. Para tal fin se ha pensado poner todo el esfuerzo en aportar a la exhibición interesantes propuestas plásticas, así como la edición de un catálogo personalizado a cada artista que le pueda servir como herramienta dinamizadora y promotora de su trabajo, haciendo de TEST una ineludible cita para los amantes del arte y una importante plataforma de apoyo a los artistas. En esta edición “Test” cuenta con la participación de cuatro artístas de nivel como son: Desi Civera, Cohete Fernández, Vicente Tirado y Felipe Pantone.

En prime lugar, la obra de Desi Civera se enmarca bajo la idea de “Desengaño”. Que en palabras de la propia artista es:

Este proyecto nació de una necesidad personal: tejer una red de personas unidas por un fino hilo, un sentimiento, aquel que se produce cuando los retratados se enfrentan a la realidad que ellos perciben de sí mismos en contraposición con lo que yo veo en todos y cada uno de ellos. Cuando los retratados se encontraron con sus retratos cobró sentido todo el proyecto: allí nació el verdadero desengaño, inspirado en la madrileña calle de Madrid, cuna y testigo de tantas

desilusiones como personas que la transitan. He buscado generar contrastes entre las personas retratadas. Eran todas muy diferentes, pero al verse sometidas al desengaño, a ese espacio que había creado para ellos, se dieron cuenta de que hay sensaciones muy primarias que nos hacen semejantes.”

El resultado, fueron 30 retratos, fruto de una pieza de videoarte de donde la artista extrajo los fotogramas claves de cada retratado cuando hablaban de su percepción de desengaño, serigrafías, un muro donde uno de los retratos cogió vida a través de una intervención en directo y un artbook que recoge tanto figurativa como conceptualmente las entrañas de todo el proyecto.

Por medio de la experimentación con distintas técnicas, su intención última es capturar la expresividad y esencia del ser humano en diferentes situaciones. Desde muy pequeña empezó a expresarse con la pintura y después de muchos años de formación alrededor del mundo se instala en Madrid y su carrera despega a toda velocidad, convirtiéndose en una de las artistas más importantes de la escena contemporánea.

Desengaño nº 7, Desi Civera, 2015. Cortesía de la artista.

Desengaño nº 7, Desi Civera, 2015. Cortesía de la artista.

Otra de las participantes de esta muestra de arte y creatividad es Cohete Fernández, en cuya obra podemos apreciar matices de nostalgia que acompañan toda su trayectoria. La artista considera el dibujo como la base de la expresión plástica, utilizándolo como herramienta para trazar su cosmología y ontología imaginarias, por lo que podemos decir, que toda su obra es el resultado de un ejercicio terapéutico de comprensión e introspección.

Curiosidad y quimera como conceptos clave para yuxtaponer y realizar imposibles, para jugar a la transmutación alquímica, añadir y multiplicar brazos o cabezas. Inventar un macrocosmos biológico, buscar el origen, lo mágico, investigar el ser andrógino cabalístico y regresar a un feudalismo donde se incluye el octavo pecado, la tristeza. Es así como Cohete Fernández nos catapulta a su medievalismo estético, ofreciendo una experiencia visual de lo más inquietante.

Cohete Fernández, sin título, 2016. Cortesía de la artista.

Cohete Fernández, sin título, 2016. Cortesía de la artista.

Vicente Tirado (1967, Castellón de la Plana) dirige la atención, mediante sus trabajos fotográficos, al paisaje como síntoma del contexto social y económico de nuestro tiempo. El territorio convertido en la principal materia prima de la que obtener riqueza, a veces mediante la explotación directa de sus recursos y otras por la apropiación de sus valores simbólicos, como promesa de unas determinadas cualidades con las que refrendar la venta de productos.

Con este trabajo Vicente Tirado aborda el poder de sugestión de las imágenes y su uso publicitario, para abrir una reflexión acerca del anhelo de naturaleza que caracteriza al individuo contemporáneo, cada vez más dependiente y rodeado de artificialidad. El deseo abstracto contenido en la idea de la naturaleza y del paisaje acaba convertido en una mercancía más, una herramienta de la que servirse a través de la publicidad para elevar al status de lo idílico a productos como los automóviles, a pesar de sus consecuencias ambientales.

La cultura de consumo ha conseguido mercantilizar el aspecto de lo cotidiano hasta vaciar de contenido el disfrute de los hábitos sociales elementales, primando el tener y el parecer como hito de unas vidas más representadas que propiamente vividas. En esa tensión de fuerzas e intereses es fundamental el cuestionamiento personal y colectivo, para el desarrollo de capacidades críticas que nos rediman de estas décadas de banalidad.

Vicente Tirado del Olmo, Go further, Cámara oscura. Cortesía del artista.

Vicente Tirado del Olmo, Go further. Cortesía del artista.

En último lugar el artista Felipe Pantone al agenciarse del nombre de la marca líder en la codificación cromática corporativa, deja constancia de su interés por reflexionar sobre los procesos homologadores de la comunicación global. Indagando en el potencial subversivo de minar los lenguajes artísticos, científicos y electrónicos practicando la hibridación, apostando por la impureza y el contagio de medios tipográficos, figurativos y abstractos.

En esa búsqueda de una comunicación esencial, su léxico tiende a la destilación formal, quedando matizadas las alusiones a dichas corrientes tecno-urbanas: fauces felinas entre tipografías callejeras, pulso expresivo versus depuración matemática, murciélagos convertidos en geometría computacional, del átomo al cosmos.

El universo rizomático y virtual en el que habitamos encuentra su correlato en las pinturas de Pantone, una obra sensible al entorno, sea éste las paredes de una galería o tabiques suburbanos. Como artista del graffiti, subvierte la frialdad euclidiana de la arquitectura urbana al introducir múltiples dimensiones potenciales desplegándose por los muros asépticos de las metrópolis.

Felipe Pantone, Kinetic Mundi, Frans-Montana Suiza. Cortesía del artista.

Felipe Pantone, Kinetic Mundi, Frans-Montana Suiza. Cortesía del artista.

”41 x 33” en Galería Cànem

41 x 33
Galería Cànem
C/Antonio Maura, 6. Castellón de la Plana
Hasta el 8 de marzo de 2016

La consolidada y consagrada Galería Cànem ofrecerá hasta el mes de marzo una muestra con parte de la obra gráfica editada por la galería en el taller de Pilar Dolz. El nombre que recibe la exposición, ”41 x 33” es una referencia a las medidas del soporte- papel, que supone el factor denominador común de todas ellas, además de coincidir con el 41 aniversario de la inauguración de esta misma galería.

Las obras pertenecen a diversos y variados autores como : Ramón Roig, Manuel Saez, Joan Cardells, Vicent Carda, Rafael Marti Quinto, Evarist Navarro, Wences Rambla, Nuria Besé, Carme Vidal, Pepe Nebot, Pepe Agost, Lidon Fabra, Isabel Tristán, Javier Loren, Rosa Torres, Manilo Rey-Fueyo o la misma Pilar Dolz. Los cuales, han tenido todos ellos, algún tipo de relación con la galería durante estos 41 años de impecable trayectoria.

Cabe destacar que otra de las constantes -además de las medidas-, de la exposición, reside en la técnica y el soporte empleado para ella, ya que todas se encuentran realizadas mediante la técnica del aguafuerte sobre papel, esto es así, con el fin de dar uniformidad al conjunto de la muestra que se nos ofrece.

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En ellos sentiremos la luminosidad de la tinta, la tactilidad de los surcos, la firmeza del trazo… toda su sensualidad, incluso el ritmo de la música amada. Con ellos descubriremos que toda obra es en esencia un poema tanto impresa sobre el soporte-papel, como en el libro íntimo.

Los grabados se encuentran numerados correspondiendo a la serie editada de una plancha. Esto nos dice que es una obra múltiple; pero todas ellas son obras originales, perdiéndose la condición de unicidad, y exclusividad. En la era de la reproducción técnica conseguimos popularizar el arte, haciéndolo de consumo común (por lo menos posibilitandolo) saboreándolo personalmente.

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De esta manera cada uno puede satisfacer el deseo de posesión, sabiendo que a la vez que individual hay un anhelo de compartir. El taller de Pilar Dolz ha conseguido desde una plancha, una matriz, multiplicar la originalidad de la obra, llegar al observador, que deviene comprador múltiple, variado y diverso. Así de los grabados podemos decir como escribía S. Espriu: “Varios son los hombres y diversas las hablas y convendrán todos a un único amor, la obra de arte … que nos hermana y humaniza”.

Porque  es, precisamente, a partir de la obra (la cosa llamada obra) que podemos hablar de arte.

Primera exposición de Nástio Mosquito en España

METANOEO, Nástio Mosquito
Espai d’art Contemporani de Castelló
Del 29 de enero al 15 de mayo de 2016

Nástio Mosquito (Angola, 1981) es un artista multimedia, cuya actividad artística se ha desarrollado en el campo de la performance y la instalación, enfrentando en su trabajo a distintos estereotipos culturales y situándose él mismo en una posición central para problematizar tanto su identidad personal como la de su público. Protagonista de sus piezas audiovisuales, utiliza la confusión identitaria para plantearnos el modo como la «locura humana» se manifiesta en la vida moderna.

La obra de Mosquito no resulta fácil de clasificar. En METANOEO, su primera exposición en España, recurre al lenguaje popular, de la música y de imágenes periodísticas para hacer aflorar tensiones presentes en la política, la vida contemporánea, la filosofía, la práctica curatorial y el mercado global del arte. El resultado es una serie de piezas descritas como divertidas, frescas, cínicas, profanas y vulgares, abarcando el cine, la música, la performance teatral, el vídeo y la instalación, frente a las cuales resulta difícil permanecer indiferente.

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En formas diversas Mosquito nos señala un futuro con distinciones claras entre las diversas formas artísticas, entre la cultura popular y las bellas artes y en el que la categorización de las identidades culturales se habrá convertido en algo superfluo o irrelevante. Su propia conciencia como miembro del mundo del arte convive con su preocupación por la política africana y concretamente por la angoleña —plasmada en su tratamiento del legado de la larga y sangrienta guerra civil de su país—, las políticas sexuales, el consumismo desenfrenado y otros síntomas de la globalización.

Formado en la industria de la televisión, donde trabajó como director y cámara, la práctica artística de Mosquito sobresale por su energía, inteligencia e ingenio. También ha participado a menudo en conciertos y festivales de música, realizando sus performances en el contexto de la creación visual y manteniendo una activa presencia online. En sus obras Mosquito ocupa el centro de la escena asumiendo frecuéntemente y mediante imitaciones diversos papeles para expresar ideas que se le ocurren, no tanto a partir de sus creencias personales como de observaciones sobre las contradicciones del comportamiento humano, tan patentes en la existencia moderna.

La distancia entre su identidad real y esas caracterizaciones le permiten expresarse de diversas formas: transgresor, cool, cínico, irreverente o vulgar. En viñetas complejas que evocan una larga tradición de poesía recitada e improvisación musical, nos brinda una dimensión alternativa a la forma en la que experimentamos el arte, así como las tensas realidades de nuestra sociedad globalizada.

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Un personaje frecuente en su trabajo es el de «Nástia», un sabiondo con falso acento ruso, un auténtico monstruo producto de la Guerra Fría, que representa a la perfección todos esos adjetivos. Nástia, el alter ego de Mosquito, surge periódicamente en su obra para proponer un retrato contradictorio del artista que sugiere un estado de ambivalencia constante.

El artista describe esa dualidad, su identidad alternativa, como «una forma de crear espacio… de incitarte a ver las cosas de otra manera». En la exposición se muestra la obra Nástia’s Manifesto (2008), una proyección circular cuyas palabras clave son: Hypocritical, Ironic y Do Not Give a Fuck (Hipócrita, irónico y no importa una mierda).

El lenguaje, deliberadamente provocativo, evidencia la fascinación del artista por la retórica. En sus propias palabras: «Me encanta el lenguaje, esas palabras que transmiten ritmo, deconstrucción… Uso todo lo que tengo a mano».

En Demo de Cracía (2014) el artista aparece en un estudio para rodar un videoclip para su single. Ahí, frente a una gran pantalla verde, danza y actúa antes de lanzarse a un discurso sobre Angola y la identidad. En esta exposición se estrenan la video instalación My father has no surname (2016) y la audio instalación Storytelling (2016).

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METANOEO es una colaboración con el artista español Vic Pereiró, colaborador habitual en los últimos 6 años. Junto a Vic Pereiró, Nástio forma el colectivo artístico llamado Nastivicious. Colectivo que para esta exposición produce una obra nueva obra: So much trouble in the world (2016), también se muestran sus piezas anteriores: Acts (2012) y iFind (2015). En definitiva, su aparente alegre performatividad, se convierte en un marco para hablar de temas que recorren desde la historia colonial hasta la dinámica geopolítica variable de las relaciones humanas. La poderosa presencia personal de Mosquito, el hábil sentido de la dinámica espacial y el humor perspicaz se combinan para desafiar nuestras percepciones de lo que consideramos confortablemente familiar.

Nuevas tecnologías, nuevas sensibilidades

Dentro de las publicaciones que realiza la Universitat Jaume I de Castellón, destaca de entre sus novedades el libro: ”Nuevas tecnologías, nuevas sensibilidades. Escenarios actuales y futuros para el arte y el diseño.” Escrito por Julia Galán Serrano, Francisco Felip Miralles y Vicente Chulvi Ramos, en el que a través de sus doscientas páginas analiza de una forma minuciosa y visionaria las sinergias que acontecen en el panorama creativo actual desde las que poder anticipar escenarios futuros de actuación.

Este libro de contenido científico, es fruto del proyecto de investigación ”Interconexiones entre el Diseño y el Arte actual” financiado por la Universitat Jaume I, y que ha sido evaluado por personas expertas de esta misma universidad, mediante el procedimiento de revisión por pares, doble ciego.

paginas 64-65

Nos encontramos en un escenario donde la democratización de las Nuevas Tecnologías de la Información y Comunicación ha unido al planeta con una celeridad sin precedentes. En un momento en el que las TIC han colonizado todas las esferas del devenir humano, el análisis y reflexión sobre las tendencias desarrolladas durante los últimos años en el campo de la creatividad permite dibujar un horizonte definido por un giro hacia la nanotecnología, la hiperconectividad, la maduración de las comunidades virtuales y una mayor presencia del trabajo telemático, que hacen posible perfilar nuevos campos de actuación para el arte y el diseño desde diferentes ámbitos.

El presente libro aborda un análisis en profundidad del actual panorama creativo reflexionando sobre las sinergias que acontecen entre ciencia, tecnología, arte y diseño, contribuyendo a definir mejor los escenarios actuales y a perfilar futuros campos de actuación en el marco de estas disciplinas desde el estudio de cuatro áreas: la ciudad inteligente como entidad compleja, orgánica y participativa, el hábitat como un espacio sensible marcado por la interconexión, la relación entre robótica, cuerpo ampliado y tejidos inteligentes, y el análisis del espacio virtual de la comunicación como escenario de redes emergentes y creación colaborativa, ofreciendo un análisis tanto de los proyectos pioneros como de las contribuciones más destacadas de los últimos años en cada uno de estos campos.

paginas 68-69

Ciencia, tecnología, arte y diseño han mantenido desde siempre estrechos vínculos entre sí, estableciendo relaciones mutuas de retroalimentación que hicieron posible la cristalización de propuestas creativas de influencia directa en el panorama social y cultural de cada momento. El avance de la técnica ha permitido al ser humano crear nuevas herramientas con las que transformar su entorno, diseñando nuevos productos para dar soluciones a carencias concretas y desarrollando propuestas artísticas que impulsaron la génesis de nuevos lenguajes y permitieron explorar las posibilidades de otros. Dichos lenguajes han determinado el carácter de la comunicación del ser humano a través de los siglos, permitiéndole transmitir y compartir ideas complejas, asegurando la creación y transferencia del conocimiento.

En la actualidad nos encontramos en un mundo donde los escenarios de la comunicación han cambiado, y donde la democratización de las Nuevas Tecnologías de la Información y Comunicación (NTIC) ha unido al planeta con una celeridad sin precedentes. El nuevo escenario generado, multicultural y globalizado, hace reflexionar sobre el papel del diseño y el arte, y de cómo estos son generados y consumidos desde plataformas previamente inéditas.

El presente libro propone un análisis en profundidad del actual panorama creativo desde el que reflexionar sobre el devenir del arte y el diseño, identificando escenarios actuales y perfilando futuros campos de actuación en el marco de estas disciplinas. Para las materias más asentadas se han tenido en consideración teorías y referentes bibliográficos que, aún siendo elaborados hace tiempo, a día de hoy continúan considerándose válidos, mientras que para materias de estudio más recientes se han considerado textos y aportaciones que, sin contar todavía con la óptica que proporciona una dilatada perspectiva temporal, son reconocidos actualmente como significativos en sus respectivos campos científicos.

paginas 94-95

El texto se inicia con un recorrido histórico por los principales antecedentes, analizando destacados movimientos artísticos de vanguardia en los que la creación de nuevas propuestas nacía de la integración de las nuevas tecnologías con una singular maquinaria conceptual, citando las obras que mayor relevancia e influencia tuvieron en el panorama creativo posterior. Realizar un análisis histórico limitado a la evolución de la tecnología resultaría estéril, dado que por sí misma carece de un interés más allá de la pura catalogación formal, por ello en el libro se aborda el estudio de la tecnología siempre en sinergia con el arte y el diseño en cuatro áreas diferenciadas, pero entre las que existen marcados vínculos y en las que ha demostrado ser un fértil recurso para proyectar nuevas creaciones: la ciudad, el hogar, la vida artificial y el espacio virtual.

De este modo, los flujos de información que acontecen en el tejido urbano actual permiten percibir la ciudad como una entidad compleja, orgánica y participativa, siempre en continuo movimiento, viendo emerger por un lado nuevos campos de actuación para el diseño, centrados en facilitar las tareas cotidianas a los ciudadanos, y por otro nuevos espacios para la expresión plástica, desde los que considerar la ciudad inteligente como protagonista de nuevos discursos creativos. De forma similar, se aborda el hábitat presente y futuro como un espacio sensible marcado por una creciente conectividad, desde el que se están redefiniendo gran parte de las funciones y sentido de los objetos y productos con los que diaria y estrechamente convivimos. Por otro lado, los avances en robótica, cuerpo ampliado y tejidos inteligentes están retomando algunas de las premisas y conceptos propios de la vida artificial, para ofrecer nuevos dispositivos funcionales de fácil integración en el propio cuerpo desde los que mejorar el devenir del ser humano.

paginas 98-99

Por último, un análisis del espacio virtual de la comunicación ayudará a comprender el alcance de los nuevos medios para la transmisión del conocimiento y la construcción de redes y comunidades paralelas a las físicas desde las que explorar nuevas formas de creación. Dentro del contexto mutable de Internet, nos encontramos con una plataforma que seguirá evolucionando pareja a la política, la economía y la cultura, albergando un conocimiento que continuará un paulatino alejamiento de la concepción de stock estático, para afianzarse cada vez más como un flujo distribuido, donde los usuarios de la Red, a través de su participación, actuarán como sus comisarios.

portada libro

Más información:

http://www.tenda.uji.es/pls/www/!GCPPA00.GCPPR0002?lg=ES&isbn=978-84-16356-02-7&id_art=1467

Taller de arte sonoro en el EACC

El próximo 12 de diciembre, dentro de los programas didácticos que acoge el Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC) tendrá lugar el taller ”CARTOGRAFÍAS SONORAS: apuntes en torno al arte sonoro”.


DESCRIPCIÓN
Un mapa puede ser utilizado como modelo de ordenación, pero también como una invitación a trazar rutas previstas o imprevistas, por ello, y aprovechando la exposición de Ryoji Ikeda el Espai propone un seminario entorno al presente del arte sonoro, sus protagonistas y el modelo de exposiciones que lo acogen. De este modo, y con la ayuda de Juan Cantizzani, Antonio de Egipto, Ramón González-Arroyo, José Manuel Costa y Edu Comelles esperamos poder ayudar al público asistente a trazar sus propios recorridos, plantear posibles atajos o descubrir paisajes sonoros hasta ahora desconocidos.


PROGRAMA
Juan Cantizzani (Colectivo Weekend Proms) y Antonio de Egipto (Bandaàparte Editores)
MASE. Historia y presencia del Arte Sonoro en España
De todos los terrenos artísticos, quizás el que haya experimentado mayores avances tanto en su recepción como en su generación, sea el Arte Sonoro. Este es un concepto angélicamente indefinible, lo cual lo hace más libre pero no menos efectivo. Y, más allá del concepto, son obras, intervenciones concretas ante las que el público puede tener una experiencia directa, sin la necesidad de mediaciones teóricas o intelectuales. Es el inmediato poder del sonido. Un arte, si se quiere, para todos los públicos. MASE trata de continuar la línea de investigación sobre Arte Sonoro en el Estado Español iniciada por el proyecto Sensxperiment en 2006. Ya entonces, se pusieron en circulación una serie de materiales básicos y referenciales reflejados tanto en una publicación física cómo en una web específica (http://mase.es/old).

Desde aquel año 2006, el Arte Sonoro ha ido convirtiéndose en algo mucho más familiar para los públicos españoles. La puerta de entrada al conjunto del proyecto es una nueva web http://mase.es como espacio de documentación, repositorio, base de datos, archivo y banco de recursos, así como la nueva publicación que contienen algunas de las líneas de investigación generadas por el proyecto MASE durante su nueva edición celebrada entre 2012 y 2014.

De este modo y durante la ponencia se expondrán diversos aspectos y procesos de trabajo que el proyecto puso en marcha en esta nueva edición,

Así como una introducción a los contenidos de la publicación y líneas abordadas.

Weekend Proms (Juan Cantizzani) es un colectivo de producción cultural con sede en Lucena (Córdoba), que trata de generar y dinamizar espacios y redes de accióne investigación donde poner a prueba, explorar o desarrollar procesos de trabajo e iniciativas vinculadas con la práctica artística y su relación conla esfera pública, social e institucional.

Dedica especial atención aquellas propuestas que emplean o parten del sonido como medio de transmisión, producción de conocimiento y reflexión, como elemento de creación de subjetividad, como herramienta de observación social y práctica crítica. La actividad del colectivo da comienzo en 1994, constituyéndose como Asociación Cultural en el año 2000. Desde entonces vienen poniendo en práctica distintos procesos de trabajo, tratando de propiciar, apoyar y visibilizar diversas iniciativas que se inscriben en estos ámbitos.

http://weekendproms.tumblr.com

Bandaàparte editores (Antonio de Egipto)es una editorial independiente andaluza, nacida en octubre de 2012, que da cabida en su catálogo a lo que llaman “noescritores”, creadores que aun viniendo de disciplinas diferentes a la escritura encuentran en este medio una forma más de canalizar susinquietudes. Todo esto en torno a 4 colecciones (Narrativa, Poesía, Gráfica y Ensayo). Entre sus autores encontrarás músicos, gente del cine, delmundo de la tecnología, periodistas, artistas plásticos, visuales, sonoros… En la colección de ensayo apostamos por obras divulgativas que enprincipio podrían estar destinadas a minorías pero de las que creemos que no están reñidas con lo comercial. Las publicaciones de Bandaàparteestán reforzadas por un cuidado trabajo de edición.

www.bandaaparteeditores.com

Ramón González-Arroyo
El Sonido como Entidad Espacial. Arte Sonoro y Música Electroacústica.
Los mecanismos de nuestra percepción unidos a una concepción espacial del sonido han sido ejes fundamentales en la experimentación y creación de Arte Sonoro y Música Electroacústica. Se han trazado así dos líneas de evolución independientes, que acaso se han encontrado allá o aquí.

Ramón González-Arroyo. Realiza sus estudios musicales en Madrid, continuando posteriormente en Utrecht, La Haya y París. Entre sus maestros: C. Bernaola, L. de Pablo, G. M. Koenig y H. Vaggione. Realiza cursos de informática musical en IRCAM, GRM y ACROE/ZKM. Combina su labor creativa como compositor con la investigación musical, colaborando o dirigiendo diversos proyectos en diferentes instituciones europeas. The Choreography of Sound, su proyecto más reciente, enmarcado en la investigación artística y que tuvo como sede el Instituto de Música Electrónica (IEM) de Graz, se adentra en la interacción entre materia sonora y espacio para explorar distintas formas de concepción del sonido musical. Surgen así diversas obras musicales, como Topoi o Fantasyu (on matter and color) que buscan potenciar la plasticidad del sonido musical como motor de creación. Sus obras, instrumentales, electroacústicas o de instalación, han estado presentes en diversas temporadas, festivales o museos de Europa, como Wien Modern, Berliner Inventionen, Musique en Scéne, Multiphonies, Signale, o el Kunstmuseum Bonn, Essl Museum de Viena y Koldo Mitxelena de San Sebastián.

José Manuel Costa
El arte sonoro expuesto
Una observación sobre la forma en que se ha presentado el arte sonoro y los problemas a que se ha enfrentado, lejos de suponer una mera cuestión técnica, explica muchas de características y problemas que definen las peculiaridades y la experiencia personal del mismo arte sonoro. Exponer un arte que también suena supone un profundo cambio de paradigma en el mismo concepto museístico. Comprender los problemas técnicos, administrativos, ergonómicos e ideológicos que plantea este tipo de práctica, supone en realidad comprender también la práctica en sí.

José Manuel Costa. Crítico de artes visuales y sonoras, periodista y comisario de exposiciones. Mientras estudiaba Medicina en la UCM, se incorporó al equipo de Onda 2, una de las FM de los primeros setenta que vinieron a renovar, no ya la música programable sino incluso la misma forma de hacer radio en España, actividad que continuó como uno de los fundadores de Radio 3 en RNE. Prácticamente al mismo tiempo empezó a escribir en revistas especializadas de música (Vibraciones, DiscoExpress), participando en la fundación de alguna de ellas (Ozono) y recalando finalmente en un recién nacido El País como crítico de música no clásica en obtener el Premio Nacional de la Crítica, pasó a fundar y dirigir Radio El País. A continuación saltó a la recién abierta revista La Luna de Madrid como subdirector de la misma, para luego pasar a ABC y fundar, junto a Catalina Luca de Tena el “Suplemento de las Artes” en ABC.

Edu Comelles
AGOST
Presentación en directo del disco Agost publicado en directo por el sello Spa.RK de Barcelona. La intervención se divide en dos partes, una breve explicación introductoria sobre el concepto y la producción del disco acompañada de una reflexión sobre el uso musical y compositivo de grabaciones de campo o paisajes sonoros y su puesta en escena performativa y gestual.

Agost es un disco creado utilizando, única y exclusivamente, el sonido de una copa de vino. El autor ha explorado las posibilidades sonoras, musicales y compositivas del acto de rozar con el dedo el cuello de una copa de vino o percutir el propio vidrio. El material ha sido sampleado, estirado, disminuido y transformado hasta crear un universo sonoro único. El cual se ha conjuntado con las intervenciones en el disco de cuatro músicos aportando la guitarra, el chelo y la percusión al trabajo de grabaciones de campo del propio Edu Comelles.

Edu Comelles. Doctor en Bellas Artes, MSc en Diseño de Sonido (Edinburgh University) MA en Artes Visuales y Multimedia por la Universidad Politécnica de Valencia. Actualmente se encuentra involucrado en varios proyectos artísticos individuales y colectivos que entran en relación directa con el paisaje sonoro y la composición. Edu Comelles trabaja desde el año 2006 en composición sonora. Sus trabajos han sido publicados por varios sellos discográficos de libre distribución, tales como Resting Bell (Berlín), Test Tube (Portugal), Impulsive Habitat (Portugal) o Audiotalaia (España). Ha participado en festivales llevando al directo su proyecto personal y Cello + Laptop en colaboración con Sara Galán. Su obra ha sido expuesta o difundida en el Museo Reina Sofía de Madrid, el CCCB de Barcelona o en el MUAC de Ciudad de México entre otros. Es el fundador y director de Audiotalaia, una plataforma dedicada a la difusión y producción de músicas experimentales en España y también co-dirige, junto a Juanjo Palacios, la plataforma de difusión LEA Ediciones, centrada en grabaciones de campo. Actualmente trabaja junto a Fernando Ortuño en la Escuela Superior de Diseño de Valencia desarrollando un proyecto de investigación que plantea modelos expositivos para el arte sonoro y las músicas experimentales.

Horario: De las 11.30 h a las 14.00 h y de las 16.00 h a las 18.30 h
Precio: 5 € público en general
Modo de inscripción: A través de la dirección electrónica actividades@eacc.es
Fin de la inscripción: Viernes 11 de diciembre
Plazas Limitadas: Hasta cubrir aforo

Lee Bul y la caída del optimismo utópico

Lee Bul
Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC)
C/ Prim, s/n. Castellón
Inauguración: 12 de junio, 20 h.
Hasta el 27 de septiembre de 2015

Lee Bul (1964, Corea), está considerada una de las artistas coreanas más importantes de su generación. Nacida en plena dictadura militar en Corea del Sur, se licenció en escultura por la Universidad Hongik a finales de los ochenta. Sus obras se interesan por la política en su sentido más amplio, para luego ahondar en muchas variantes de un idealismo muy humano que permea la cultura y la civilización. Su trabajo se apropia de diferentes dispositivos intelectuales desde la política de género, el idealismo, la modernidad, la ciencia-ficción o el desarrollo tecnológico. La influencia de todo ello se expresa a través de sus dibujos, fotografías, y performance (documentados a través del vídeo). Desde el principio siguió un camino iconoclasta creando obras que cruzaron las fronteras de los géneros y las disciplinas de manera provocativa. Los primeros trabajos basados en performances callejeras, muestran a una Lee Bul cubriéndose todo el cuerpo de esculturas blandas, que eran al mismo tiempo seductoras y grotescas.

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A partir de 1990 el trabajo escultórico cobra una especial relevancia evolucionando hasta la creación de instalaciones de enorme ambición. Sus esculturas Cyborg femeninas de los noventa se inspiraban en elementos de la historia del arte, la teoría crítica, la ciencia ficción y la imaginación popular para explorar las inquietudes provocadas por los avances tecnológicos disfuncionales, a la par que aludían a iconos de la escultura clásica.

Las obras más recientes de Lee Bul tienen doble inquietud; a la vez centradas en el futuro y restrospectivas, seductoras y sugerentes de ruinas. Esculturas suspendidas como lámparas de araña, a modo de complejos ensamblajes que brillan con abalorios de cristal, cadenas y espejos, que evocan de una forma conmovedora castillos en el aire. Estas esculturas reflejan esquemas arquitectónicos complejos de principios del siglo XX, así como imágenes arquitectónicas totalitarias surgidas de las experiencias de Lee Bul en su Corea militar. Ejemplo de ello son las obras After Bruno Taut (Beware the Sweetness of Things), 2007 y Untitled (“reflective highway”), 2010.

La exposición del Espai recoge algunos de sus trabajos escultóricos donde se pone de manifiesto la caída del optimismo utópico, generando formas más propias de un imaginado escenario de futuro tan deslumbrante como imposible, con obras como Bunker (M. Bakhtin), 2007/2012, Via Negativa, 2012 y Souterrain, 2012.

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Lee Bul.  A Perfect Suffering (2011). Cortesía EACC.

Quizá la más explícita de sus obras sea Mon grand récit: Weep into stones… (2005), con su topografía montañosa reminiscente de los rascacielos descritos por Hugh Ferriss en su libro The Metropolis of Tomorrow (1929). Una torre de transmisión cercana emite un mensaje LED parpadeante extraído de Hidriotafia (1658) de Thomas Browne: “weep into stones / fables like snow / our few evil days.” (“llorar hasta volverse de piedra es fábula: las aflicciones producen callosidades, las desgracias son resbaladizas, o caen como la nieve sobre nosotros”). Varias maquetas a escala se sostienen sobre andamios: una carretera en bucle elaborada de contrachapado curva, una ínfima Torre de Tatlin, una escalinata de estilo Modernista que aparece en la Dolce Vita de Fellini, y una sección transversal invertida de Santa Sofía.

La exposición se acompaña de una publicación, producida en colaboración con el Artsonje Center, de Seúl; el Musée d’Art Moderne GrandDuc Jean de Luxemburgo; IKON Gallery de Birmingham, el Korean Cultural Centre UK de Londres y el Musée d’art moderne et contemporain Saint-Étienne Métropole. Esta exposición ha itinerado por los espacios anteriormente mencionados y finalizará en el Espai d’art contemporani de Castelló.

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Lee Bul. Mon grand récit: Weep into stones… (2005). Cortesía EACC.

EACC: Encuentro con Bleda y Rosa

Espai Amics. Encontres. Bleda y Rosa
Espai d’art contemporani de Castelló (EACC)
17 de abril de 2015, 20 h.
Entrada libre

María Bleda (Castellón, 1969) y José María Rosa (Albacete, 1970) trabajan en equipo desde principios de los años 90. El núcleo fundamental de su trabajo es la representación del territorio, con el que buscan resaltar el complejo cruce de culturas y tiempos que lo conforman. El poso del tiempo, la huella y la memoria son los elementos intangibles que construyen sus obras. A lo largo de compactas y destacadas series como “Campos de fútbol”, “Campos de batalla”, “Ciudades” y “Origen”, Bleda y Rosa han consolidado una propuesta que registra la historia latente que habita en los espacios, un pasado que ellos exploran activando nuestro imaginario y nuestra memoria.

Bleda y Rosa. Cortesía EACC.

Bleda y Rosa. Cortesía EACC.

Destacables son sus exposiciones en Kunsthalle zu Kiel (2003), Universidad de Salamanca y CAAC (2009), Real Jardín Botánico (Ante el Tiempo, PHE 2010); así como su participación en Mediterranean: between reality and utopia, The Photographers’ Gallery, Londres (2004) o MANIFESTA 4, Frankfurt a.M. (2002). Su obra se encuentra en colecciones de museos como MNCARS, Musée d’Art Moderne de Céret-EPCC, FNAC. Fonds National d’Art Contemporain, CGAC, MUSAC y ARTIUM, entre otros. En 2008 fueron galardonados con el Premio Nacional de Fotografía.

José María Rosa y María Bleda. Cortesía de los artistas.

José María Rosa y María Bleda. Cortesía de los artistas.

Espacios de anticipación

Espacios de anticipación
Simposio sobre diseño espacial contemporáneo en instituciones artísticas
Espai d’art contemporani de Castelló (EACC)
C/ Prim, s/n. Castellón
2 de mayo de 2014

PROGRAMA

10:30 11:30 Dpr-Barcelona
11:30 12:00 Descanso
12:00 13:00 Santiago Cirugeda
13:00 13:30 Panel de discusión con Dpr-Barcelona, Santiago Cirugeda
y José Luis Pérez Pont

16:00 17:00 Federica Bueti
17:00 17:30 Descanso
17:30 18:30 Markus Miessen
18:30 19:00 Panel de discusión con Federica Bueti, Markus Miessen
y Mijo Miquel (Autoformato)

19:30 Presentación del libro La pesadilla de la participación
de Markus Miessen, editado por Dpr-Barcelona

Una fase paralela de Espacios de anticipación tomará lugar en junio de 2014 en el Kunstverein ar/ge kunst Galerie Museum (Bolzano, Italia). En esa nueva parte del proyecto, las contribuciones de artistas y profesionales de diferentes geografías y momentos históricos se propondrán en la forma de una exposición documental a modo de investigación. Piezas de arte, documentos y proyectos serán reunidos en torno a las temáticas tratadas en el simposio en el EACC, con la intención de profundizar y contemplándolas bajo otra perspectiva.

INSCRIPCIÓN

Lugar: Espai d’art contemporani de Castelló
Precio: 10€ (gratis para los alumnos del Master de Artes Visuales y Multimedia de la UPV)
Forma de pago: en la recepción del EACC
Fin de las inscripciones: hasta cubrir plazas (plazas limitadas)
Para más información: actividades@eacc.es (tel. 964 72 35 40)

Destinado a estudiantes o profesionales de las siguientes disciplinas: arquitectura, bellas artes, historia del arte, comunicación audiovisual, artes escénicas, filosofía, diseño y sociología, así como cualquier persona interesada.
Los estudiantes que acudan al simposio obtendrán medio crédito.

«Este futuro todavía no tiene nombre, aún estamos en su umbral. Si los últimos cuarenta años han estado marcados por los ‘posts’ (post-guerra, post‑colonialismo, post-comunismo), al menos hoy parece que nos encontramos en un periodo de anticipación —una era en la que los museos de arte contemporáneo pueden ayudarnos colectivamente a sentir y entender.»

Claire Bishop, Museología radical1

«En último término, la idea de comunidad desemboca en filosofías e ideologías marcadas por el miedo y la impotencia: La comunidad como una experiencia decepcionante y el compromiso hacia ella como una exigencia fracasada (aquello que falta).»

Marina Garcés, El compromiso2

ESPACIOS DE ANTICIPACIÓN

Cuando la novela se desarrolla en la modernidad como el formato más frecuentado por la narración, impone una distancia entre el narrador y la audiencia. Se trataba de una distancia espacial pero también de una temporal. En conjunción con su capacidad de distribución de las historias, producía asimismo una separación entre los individuos a través del objeto libro. El libro aparecía como un dispositivo de aislamiento. Contar una historia no suponía más un tiempo compartido, en parte porque no era un espacio compartido en el que la gente se encontraba y ponía en común sus experiencias obtenidas a través de viajar o escuchar a otros. Las consecuencias de la muy conocida proposición3 de Walter Benjamin se podrían fácilmente traducir del dispositivo libro al montaje de exposiciones ya que fueron paralelas temporalmente en su aparición. El contar historias fue separado de sus ecosistemas habituales en espacios sociales tal como las piezas de arte fueron extraídas de sus contextos, conformando la experiencia moderna de la visita a una exposición: individuos aislados que deambulan y supuestamente en silencio4 miran las obras de arte. Con el desarrollo del capitalismo, la oralidad sufrió una pérdida de su valor a través de la separación radical del objeto y el sujeto, así como entre los sujetos.

Hay ciertamente en la actualidad una falta de espacios públicos (casi se diría comunes). Hay ahora una urgencia de ágoras, espacios de encuentro y discusión crítica, más allá de los modelos de participación los que hemos presenciado en las instituciones (de arte). Si en los últimos veinte años hemos asistido a un inmenso número de proyectos que promovían procesos participativos sin una visión crítica, es solo recientemente cuando aparecen agentes que se aproximan al fenómeno con una mirada analítica. Como apunta Markus Miessen, la participación ha sido más una herramienta de promoción que un proceso crítico en si mismo5. Cuando observamos cómo los movimientos sociales están repentinamente apareciendo en las diferentes geografías en el mundo, deberíamos tomar consciencia de la manera en la que esos grupos organizan sus acciones porque existe una correlación con las instituciones de arte: tienen impacto en cómo los espacios se diseñan y cómo la experiencia se reorganiza. La cuestión que emerge entonces es cómo desde ese hecho se pueden repensar las instituciones en términos de cultura de la asamblea, por usar la expresión de Miessen. Esta falta de una arena política parece demandar, adaptadas a las condiciones actuales, que se traigan de vuelta los espacios de experiencia que Benjamin presentaba como extinguidos. Esto nos lleva al problema de cómo restaurar las relaciones entre el sujeto y el objeto además de cómo generar la experiencia del espacio común.

Parece que no podemos ya eludir el compromiso hacia la construcción de la experiencia del nosotros. Se abre entonces una pregunta de fondo, una pregunta fundamental: ¿Qué nos compromete con los otros y hasta qué punto?6 Si pensamos en como los diferentes agentes se organizan en el espacio, los términos no son solamente arquitectónicos sino también coreográficos. Si estudiamos la etimología de la palabra coreografía, encontramos que es la escritura de un coro, de una pluralidad de voces, o tonalidades o idiomas7. Los acelerados cambios socioeconómicos que se están dando en la actualidad reformulan las relaciones entre las personas y entre ellas y los objetos. Esta reestructuración de las relaciones tiene un reflejo en como el espacio se formula y en como los cuerpos concurren en las instituciones artísticas. Es posible trazar como se da una incorporación de la criticalidad en el propio cuerpo y como la cuestión de lo performativo y el contexto aparece una y otra vez. Esto apunta hacia las diferentes posiciones que estos agentes situados toman, resultando en una práctica interdisciplinaria donde los diferentes roles permutan. El foco de atención se expande extensivamente desde la pieza de arte hacia todos los elementos que conforman la exposición8, produciendo una profunda reflexión sobre como todos esos elementos operan y sus bordes se desenfocan. Desde los comisarios hasta los visitantes y los críticos, pasando por los arquitectos y, obviamente los artistas —por mencionar algunos— incluyendo las piezas de arte y la prensa, todos están envueltos en la producción de espacio y relato que da forma a la exposición.

En los últimos años, algunos agentes han estado reflexionando sobre todos estos procesos. En términos de narración y organización, es pertinente citar el análisis realizado por Claire Bishop: «Está tomando cuerpo un modelo de museo más radical: más experimental, menos arquitectónicamente determinado y que ofrece una mayor involucración política con nuestro momento histórico. (…) No hablan en el nombre del uno por ciento sino que intentan representar el interés y las historias de aquellas representaciones comunes que son (o han sido) marginalizadas, dejadas de lado y oprimidas. Esto no significa que se subordinan a la historia en general sino que movilizan el mundo de la producción visual para inspirar la necesidad de mantenerse en el lado correcto de la historia»9. A pesar de que ella escribe sobre museos con colecciones, presenta una cierta actitud, que se puede rastrear en otros tipos de instituciones artísticas.

La investigación que se presenta en este simposio trata acerca de cómo hay un desplazamiento en algunas instituciones de arte hacia la reconfiguración de la experiencia de visitar una exposición como una experiencia de colectividad, donde lo oral re-emerge como una herramienta crítica. Este momento de construcción del nosotros ofrece un momento de anticipación, proponiendo otra manera de pensar y diseñar el espacio, una con las condiciones necesarias para ejercitar una imaginación política. Si miramos al programa del EACC desde sus comienzos, ha estado presentando una gran cantidad de propuestas que trabajan en estas líneas. Este simposio trata de esas líneas de trabajo que vienen desde el pasado para repensarlas y proyectarlas hacia el futuro.

Lorenzo Sandoval

1.
BISHOP, Claire, Radical Museology, or, What’s ‘Contemporary’ in Museums of Contemporary art?, Koenig Books, London, 2013.
2.
GARCÉS, Marina, El compromís, CCCB Breus, Barcelona, 2013.
3.
BENJAMIN, Walter, El narrador, (1936). Editorial Taurus, Madrid, 1991.
4.
Como claramente lo describe Dorothea von Hantelmann: «El tiempo es un factor vital aquí. Las obras de arte clásicas tienden a comprimir el tiempo en el objeto en lugar de manifestarlo. Pero, ¿cómo podría el tiempo ser descomprimido de nuevo en la exposición? En el último Renacimiento y en los gabinetes de curiosidades del Barroco, solía ser el propio príncipe quien presentaba los objetos a los visitantes. Las galerías de pinturas del XVII y del XVIII eran lugares de conversación. (…) La percepción del arte requería de la palabra hablada para poder llegar a ser un evento social. Este tipo de conversación enriquecía las piezas, no solo con el lenguaje sino también con el tiempo. Así, se enlazaban la pieza de arte aislada con una duración temporal, un percepción repetida y el pensamiento.» Von HANTELMANN, Dorothea, Notes on the Exhibition, in doCUMENTA 13 The Book of Books, Hantje Cantz, Ostfildern, 2012.
5.
«La participación ha devenido un radical chic, uno de moda entre los políticos que quieren estar seguros de, en vez de producir contenido crítico, la herramienta deviene lo que se supone que ha de ser leído como criticalidad.» MIESSEN, Markus, The Nightmare of Participation. Crossbench Praxis as a Mode of Criticality, Stenberg Press, Berlin, 2010.
6.
GARCÉS, Marina, Ibid. cit.
7.
ROJO, Paz. Video entrevista en http://escenasdiscursivas.tkh-generator.net/2011/04/interview-paz-rojo/#more-45
8.
Un ejemplo muy relevante es la serie crítica iniciada por After All Books sobre el tema Historia de las exposciones, en las que realizan análisis extensos sobre cada una de las exposciones que incluyen en la serie. http://www.afterall.org/books/exhibition.histories
9.
BISHOP, Claire, Ibid. cit.

“19 hours at the kiosk, Haus der Kulturen der Welt, Berlin, 2012; commissioned by Valerie Smith; spatial design and programming by Studio  Miessen. Photography by Eugster and Affolter.”

“19 hours at the kiosk, Haus der Kulturen der Welt, Berlin, 2012; commissioned by Valerie Smith; spatial design and programming by Studio Miessen. Photography by Eugster and Affolter.”

CONFERENCIAS:

César Reyes Nájera. Dpr-Barcelona:
La Ciudad Después del Bienestar

¿Cómo será vivir en las ruinas ideológicas del capitalismo? Esta charla explora las posibilidades de las ciudades post-bienestar. Ciudades relacionales con tecnologías y sistemas de producción distribuida. Donde otras formas de retribución e intercambio potencien el valor del diseño social y el espacio urbano no mercantilizado. Superado el capitalismo y su deuda como fuerza motriz, podremos generar espacios más allá de la promesa del crecimiento y la retórica de la austeridad?

Santiago Cirugeda:
Malversaciones culturales, el derecho a la diferencia

Las estrategias de ocupación o intervención urbanas (desde la legalidad hasta el vacío legal). El replanteamiento de la normativa y el estudio sistemático de los códigos civiles y urbanísticos. Las Prótesis a edificios que permita la ampliación de las capacidades de lo construido o la ocupación de estructuras construidas. Todo ello bajo el prisma del reciclaje como metáfora de trabajo.
Por último las reservas urbanas de espacio público y la ampliación de las capacidades del ciudadano; conjuntamente con la idea de construir desde la institución conformaran parte del discurso.

Federica Bueti:
Te espero en la barra
Historias de encarnaciones, relaciones y encuentros

¿Dónde y cómo nos encontramos? ¿Qué compartimos cuando compartimos? ¿Cómo convertirse en médium de otras voces y prácticas? ¿Puede una barra transformarse en un espacio abierto a los encuentros? Usando imágenes y objetos, mediante una obra en una exposición, una tarde en un bar; utilizando ideas, experiencias compartidas, opiniones y pasiones. Nos conectamos y desconectamos por intuiciones, objetos inusuales, emociones. En ocasiones nos aproximamos tanto que somos capaces de ver con la mirada del otro; otras veces, nos perdemos entre nosotros, o nos malinterpretamos. Recurriendo a ejemplos de prácticas artísticas, curatoriales o de escritura, esta conferencia-ensayo debate tipos de médium, encarnación y de vida en (y con) otros.

Markus Miessen:
Crossbenching

«Markus Miessen ha puesto su mirada en las maneras actuales de creación formal, encontrándolos congelados en una suerte de edad del hielo política de estilo casi soviético, de pseudodemocracia y pseudoparticipación. Miessen concibe el proceso de diseño del temprano siglo XXI como uno en el que unos cínicos Muppets globalizados, despojados de cualquier tipo de alegría, representan unos rituales vacíos y superados que hunden sus raíces en un capitalismo incuestionable, una corrección política de estilo zombi y una democracia electoralista “de pega”. Los resultados finales de estos rituales no pueden dar lugar a otra cosa que a diseños y estructuras que encarnen, en el mejor de los casos, unas rancias estéticas acomodaticias: un lugar y un espacio que él denomina con descaro Harmonistan, un reino cuyos habitantes creen resueltamente que “mayoría equivale a inteligencia”.
Y aunque en esto se detecta inmediatamente un cierto tufo a Ayn Rand o a criptofascismo, como medio de escape, y con la creación de un cambio crítico y productivo como objetivo, Miessen aboga, por el contrario, por unas vigorosas intrusiones interdisciplinarias, un mundo de intromisiones en lugares a los que no hemos sido necesariamente invitados, con las que empecinadamente generar nuevos espacios e ideas tan desconocidos como inesperados. Él defiende la transformación de los individuos en unos profesionales sin afiliaciones, unos “outsiders no invitados” que busquen activamente el conflicto, despreciando la textura mortinata de la cultura de hoy, un mundo cuyo modo de diseño “por defecto” es el del consenso reflexivo. Lo que podría haber sido un campo minado destructor de una carrera, es, sin embargo, un camino a seguir asombrosamente inteligente y planteado con la profundidad que se percibe como futurista y correcto.» Douglas Coupland

Presentación del libro

La Pesadilla de la Participación
Markus Miessen

En línea con el estado de la profesión en los tiempos que corren, este libro cierra la trilogía sobre Participación, con la que Miessen reclama la figura del «outsider desinteresado» alguien no sujeto a los protocolos existentes y que se anima a lanzar propuestas solamente armado de su inteligencia y la voluntad de generar un cambio en su entorno. Miessen propone una forma urgente de participación que traspase el consenso político interesado e inefectivo. Un agente de conflictos constructivos, que refresque los campos del conocimiento con una nueva mirada. A veces, «la democracia» tiene que ser evitada a toda costa.

Imagen Simposio

Imagen Simposio cortesía EACC

TEST: muestra de arte y creatividad

TEST: muestra de arte y creatividad
Convento Espacio de Arte de Vila-real
C/ Hospital, 5. Vila-real
Inauguración: 15 de marzo a las 11:00 h.
Hasta 15 de junio de 2014

En unas horas dará comienzo la segunda edición de la muestra de arte y creatividad TEST de Vila-real, en ella se desarrollará la exposición colectiva compuesta por ilustraciones de María Herreros con textos de Jorge Herrero, fotografías de Raúl Pérez y pinturas de Ana Sansano. En la que Sam3, artista urbano internacional, realizará un mural al aire libre.

María Herreros y Jorge Herrero, "Piscolabis" (ilustración y texto). Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.

María Herreros y Jorge Herrero, “Piscolabis” (ilustración y texto). Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.

Ana Sansano, "Viari" (técnica mixta). Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.

Ana Sansano, “Viari” (técnica mixta). Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.

Tras la primera edición del pasado 2013, TEST pretende ayudar en el crecimiento de trabajos y carreras de artistas emergentes, con propuestas que aúnan riesgo y calidad, ofreciendo así un apoyo a los creadores actuales. Al mismo tiempo, se trata de una cita para los amantes del arte, al que se le suma un aspecto formativo para el desarrollo de la creatividad de los más pequeños en formato taller.

Esta edición de TEST está dirigida y comisariada por Pascual Arnal.

Sam3, fotografía de un mural del artista. Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.

Sam3, fotografía de un mural del artista. Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.

Raúl Pérez, imagen de la serie fotográfica ·"Días de él". Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.

Raúl Pérez, imagen de la serie fotográfica ·”Días de él”. Imagen cortesía del Convento Espacio de Arte de Vila-real.