Los flujos arquitectónicos de Keke Vilabelda

Flow, de Keke Vilabelda
Kir Royal Gallery
C / Reina Doña Germana, 24. Valencia
Inauguración: jueves 21 de enero, 20.00h

Kir Royal Gallery Valencia presenta por primera vez la exposición individual del joven artista Keke Vilabelda (Valencia, 1986) con una selección de su obra más reciente. Bajo el título Flow, Vilabelda compone un itinerario visual a través de diferentes escenarios urbanos, con la hibridación de materiales y técnicas como denominador común. Pintura, fotografía, escultura e incluso videoarte. Cemento, plástico, hierro, espuma o ladrillo, con estas armas el artista crea superposiciones y transparencias, brillos y opacidades.

Flow tiene que ver con el movimiento, con las secuencias arquitectónicas, con los ritmos y con el fluir. En todas las piezas el artista intenta crear flujos visuales, jugando con la repetición formal y con la combinación de diferentes materiales y técnicas (sobre todo cemento y metacrilato).

Obra de Keke Vilabelda. Imagen cortesía de Kir Royal Gallery.

Obra de Keke Vilabelda. Imagen cortesía de Kir Royal Gallery.

Juega con la idea de enfrentar texturas, pensando en esa arquitectura en la que el cristal, el acero, el hormigón, todo se adhiere con gran artificialidad y espectacularidad. En relación a esto, el uso del neón remite a lo aparente, una llamada de atención que nos deslumbra, ocultando el vacío, la superficialidad y quizá la decadencia de unos edificios en muchos casos deficientes.

En palabras del crítico de arte Juan Bautista Peiró, “en estos trabajos se libra una inteligente batalla entre algunos conceptos esenciales de la práctica pictórica, tales como el tratamiento de los materiales, las relaciones compositivas, el manejo de texturas en su doble acepción matérica y visual; en definitiva, la profunda identificación entre el qué y el cómo. Pero el trabajo de Keke Vilabelda se sitúa en las antípodas de cualquier reduccionismo o simplificación formalista o decorativa. Antes al contrario, hay un decantamiento reflexivo y experiencial que ha venido desarrollando en estos últimos años”.

Obra de Keke Vilabelda. Imagen cortesía de Kir Royal Gallery.

Obra de Keke Vilabelda. Imagen cortesía de Kir Royal Gallery.

Otro aspecto a destacar es la aparente virtualidad de las obras, el tinte digital de unos escenarios preprogramados, que hacen caso omiso al contexto, siguiendo los mismos patrones en cualquier ciudad del mundo. Al mismo tiempo, en estas piezas grandes Vilabelda trata de cuestionar la propia pintura y hacer que no parezca pintura, sino luz. Y jugar con la fotografía para que no parezca fotografía sino materia, pintura.

En un segundo grupo de obras de la nueva serie Skyline, tridimensionales y fijas a la pared, Vilabelda crea unas plataformas que hacen referencia a horizontes urbanos. Algunos fragmentos tienen un carácter de ready-made, objetos que el artista encontraba durante sus viajes y acumulaba en su estudio. Pruebas de color o de texturas, quizá sobrantes de otras obras mayores.

Tras convivir un tiempo con estos objetos, han pasado a conformar una especie de paisaje, retratando el trabajo de los últimos años del artista. Al colocar estas piezas una junto a otra, surge una metáfora de lo que ocurre en el paisaje urbano, una serie de relaciones construidas en el tiempo, con sus roces, sus contradicciones, opacidades y transparencias, superficies mates y brillantes, sólidas o huecas, blandas y duras… cada una con su identidad propia puesta en relación con el resto.

“Ambas series, desde estrategias particularmente diferenciadas, confluyen en ese común escenario urbano en el que se (re)presenta el fluir cotidiano de la existencia humana”.

Obra de Keke Vilabelda. Imagen cortesía de Kir Royal Gallery.

Obra de Keke Vilabelda. Imagen cortesía de Kir Royal Gallery.

 

Las piel de la escultura de Teresa Tomás

La piel de la escultura, de Teresa Tomás
Sala de la Muralla
Col.legi Major Rector Peset
Plaza del Horno de San Nicolás, 4. Valencia
Inauguración: jueves 14 de mayo, a las 20.00h
Hasta el 14 de junio, 2015

La exposición ‘La piel de la escultura’, de Teresa Tomás, presenta la película y la serie pictórica incluidas en la obra interdisciplinar SON. La suite SON es una reflexión en torno a la representación de la invisibilidad de la música a través de los instrumentos musicales. Se estructura en torno a las familias instrumentales que constituyen la orquesta y que dan nombre a las tres esculturas protagonistas.

La película se desarrolla en tres movimientos: la escultura sin peana, la escultura ingrávida y la escultura invisible. El primer movimiento, titulado ‘Cuerdas’, plantea la liberación de la escultura al desprenderse de su punto de anclaje. ‘Viento’ perderá su peso/gravedad, en el segundo movimiento de la suite, al elevar el vuelo como un pájaro. Para concluir, ‘Percusión’ trascenderá la gravedad en favor de la invisibilidad, en un psicodélico rito iniciático.

Obra de Teresa Tomás en 'La piel de la escultura'. Imagen cortesía de Col.legi Major Rector Peset.

Obra de Teresa Tomás en ‘La piel de la escultura’. Imagen cortesía de Col.legi Major Rector Peset.

Hace años, Teresa Tomás inició su producción pictórica buscando la libertad del objeto, negando la fisicidad de la escultura y con el deseo de dar vida a sus figuras. En ‘Los ojos del ángel’ imaginó una serie de cuadros que representaban la visión de un ángel. Las pinturas de sus iris se convirtieron en el elemento procesual de la serie escultórica, un intento de otorgar órganos visuales a la escultura a través de la pintura.

Sin embargo, el verdadero cuestionamiento de su materialidad se reveló en la exposición ‘Pión entra en el juego’, donde las esculturas lograron liberarse de la peana y emprender el vuelo en la pintura mediante un juego de combinatoria.

El desarrollo de la presente serie surge a partir de la transferencia conceptual entre la escultura, la imagen pictórica, la imagen virtual y la imagen-movimiento. Este intercambio ha favorecido la disolución de los límites y ha creado espacios transversales de convergencia y diálogo donde poder reflexionar sobre el objeto. En ‘La piel de la escultura’, Teresa Tomás se reafirma en la idea de que los cuadros son esculturas, no son pinturas. Cierra un ciclo en el que intentando restar materialidad a la escultura en el medio pictórico otorga fisicidad a la escultura virtual en la pintura.

Obra de Teresa Tomás en 'La piel de la escultura'. Imagen cortesía de Col.legi Major Rector Peset.

Obra de Teresa Tomás en ‘La piel de la escultura’. Imagen cortesía de Col.legi Major Rector Peset.

La realización de animaciones ha influido en su actual concepción del cuadro. SON es su tercera película producida mediante programas de modelado, animación y renderización 3D. Las imágenes pictóricas están basadas en fotogramas seleccionados de la película SON. Un viaje alucinante desde la escenografía surreal, misteriosa y laberíntica de ‘Terciopelo azul’, a la carga emocional de ‘Caramelo’, de la sensualidad y el dramatismo de ‘Seda Roja’ a la musicalidad de ‘Cromado’, de la ingravidez y el peso de ‘Globo’ al rito psicomágico de ‘Cristal’.

Teresa Tomás (Valencia, 1964) es licenciada en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València, iniciando su trayectoria en la práctica de la escultura en 1985 y exponiendo con regularidad en las galerías Postpos, Der Reiter y My Name’s Lolita Art, en Madrid y Valencia.

Obra de Teresa Tomás en 'La piel de la escultura'. Imagen cortesía de Col.legi Major Rector Peset.

Obra de Teresa Tomás en ‘La piel de la escultura’. Imagen cortesía de Col.legi Major Rector Peset.

Practica una producción multidisciplinar a la que suma la pintura, la fotografía y el video, participando en muestras internacionales como: Sur-Sud, Pieza a pieza, Área industrial o La casa que ríe; y nacionales como Formalismos de los 90, Imágenes de culto o Al oeste, entre otras. Ha participado periódicamente en ferias como ARCO. Forma parte del fenómeno pictórico de la figuración postconceptual y ha intervenido en las recientes muestras Aire de Familia y Travesías.

Sus animaciones han sido seleccionados para proyectarse en festivales internacionales como Ultramar (Brasilia), Miradas de Mujer (Buenos Aires), Desafíos (Japón), Qui Vive? (Moscú), Avant Music Festival (Moscú), Vidifestival (Moscú), Spanish Video Art (Hong Kong), CeC ‘09 y ‘10. Spanish videoworks (India), Video Shorts (Amsterdam), Video Art Festival Miden (Grecia), Fuga Gráfica (Buenos Aires) y Optica Festival (Buenos Aires y Paris), Y en festivales nacionales como: Art Inevolution (Valencia), VIA-LAB (Badajoz), Pre-bem (Burgos), Observatori (Valencia), Madatac (Madrid), AlterArte (Murcia), Optica Festival (Córdoba y Gijón), Espacio Enter (Canarias), Festival Miradas de Mujer (Madrid), entre otros.

Obra de Teresa Tomás en 'La piel de la escultura'. Imagen cortesía de Col.legi Major Rector Peset.

Obra de Teresa Tomás en ‘La piel de la escultura’. Imagen cortesía de Col.legi Major Rector Peset.

 

El haiku en piedra de Cristina Iglesias

Cristina Iglesias
Museo de Bellas Artes de Bilbao
Plaza del Museo, 2. Bilbao
Hasta el 13 de abril, 2015

La apariencia de esta obra, su forma, es la del tejadillo de una tienda cualquiera, un lugar público, corriente, que pasa totalmente desapercibido. Pero cuando uno se fija en ella y se acerca, descubre la filigrana oculta de una piedra semipreciosa sumergida en una luz apagada, translúcida, abstraída en su mundo cromático interno.

Este juego que las vetas del alabastro hacen con la luz que le llega indirectamente desde arriba, hacen que el objeto, que es una piedra, se convierta en un cristal. Combina las propiedades luminosas del vidrio con la textura natural de la piedra, cobrando así matices refinados. Seguramente sería por esta sutil belleza secreta por la que en el pasado tallaran con ella objetos sagrados y funerarios.

Detalle de la obra de Cristina Iglesias expuesta en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. Cortesía del museo bilbaíno.

Detalle de la obra de Cristina Iglesias expuesta en el Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Como un haiku japonés, su discreta sencillez transforma de un modo recogido y femenino el lugar de la sala donde se ubica, al fondo de un corredor que las térreas esculturas de Basterretxea proponen abruptamente como bosque.

Y sin embargo, no por femenino menos escabroso y rotundo. La voluptuosidad de la piedra no oculta la delicada belleza del cristal, su relieve.

“Siempre me ha atraído -dice la autora- la geografía de los objetos, los pequeños detalles que hacen de la orografía un mapa nuevo, un descubrimiento que se observa más con los ojos del alma que con los del cuerpo”.

Obra de Cristina Iglesias en el Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Obra de Cristina Iglesias en el Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Iñaki Torres

Las mujeres pixeladas de Fabio Camarotta

Tattoo You, de Fabio Camarotta
Galería Alba Cabrera
C / Félix Pizcueta, 20. Valencia
Hasta finales de noviembre

“Para mí, el órgano del fotógrafo no es el ojo (que me aterra), sino el dedo: lo que va ligado al disparador del objetivo”. Si esto es lo que piensa Roland Barthes en ‘La cámara lúcida’ acerca del trabajo del fotógrafo, qué decir de Fabio Camarotta y su quehacer como artista plástico que va de la fotografía al dibujo, de éste a la pintura y de la pintura a la imagen “pixelada”. Pues que combina el ojo, los dedos de sus hábiles manos y hasta sus pies a la hora de realizar su obra. Una obra que empieza siendo figurativa y concluye abstracta. Al igual que sus modelos, cuya percepción inicial es bellamente traslúcida para acabar misteriosamente difuminados tras el largo proceso creativo del artista. Proceso que ha dado en llamar Pressed Paints o pinturas prensadas.

Tattoo You, de Fabio Camarotta en la galería Alba Cabrera. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Tattoo You, de Fabio Camarotta en la galería Alba Cabrera. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

De todo ello da buena cuenta la exposición que, bajo el título de Tattoo You, acoge la galería Alba Cabrera. En ella, Fabio Camarotta recoge tres de sus obsesiones: el cuerpo de la mujer, el tatuaje (al igual que antes fue el tabaco) como temática a la hora de trabajar, y el misterio de la abstracción fruto del azar creativo. Así lo va precisando el propio artista: “El cuerpo de la mujer me interesa muchísimo”. Luego: “Me encanta ver una chica bonita tatuada”, como antes fue el tabaco y “lo provocativo del humo”. Y finalmente: “Parto de la fotografía y de un dibujo perfecto que voy cubriendo con pintura, para pixelarlo al poner un cristal encima”.

La pintura prensada o Pressed Paint de Fabio Camarotta es una técnica inventada por él, quizá llevado por ese afán de “pasar de un extremo al otro” que tanto seduce al artista. En un extremo, la fotografía, donde el ojo que aterraba a Barthes se ocupa del cuerpo femenino para recoger su belleza tatuada. De ahí, al dibujo, siguiendo el mismo camino de perfección que anima al voyeur en su búsqueda del fetiche imaginario. Y sobre el dibujo, a modo de mapa cuadriculado, Camarotta va depositando con minuciosidad de relojero pintura acrílica que va del blanco al negro. “Empiezo por lo claro para ir poco a poco hacia lo oscuro”. Las gotas de pintura que suministra en la superficie bajo un orden sumiso, son las que luego cobrarán vida propia al colocar un cristal, que el artista prensa con sus manos e incluso con los pies una vez subido encima. E voilà.

Obra de Fabio Camarotta para 'Tattoo You' en la galería Alba Cabrera. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Obra de Fabio Camarotta para ‘Tattoo You’ en la galería Alba Cabrera. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Lo que en principio eran cuerpos femeninos bellamente reconocibles, se transforman, por obra y gracia de Fabio Camarotta, en figuras abstractas “pixeladas” por efecto de esa impresión del cristal. Nada, pues, de fotografía. En Tattoo You, como en otras obras del artista, lo que hay es un laborioso trabajo plástico que va, efectivamente, de la figuración a la abstracción; de la percepción traslúcida al misterio de la carne convertida en depósito de azarosas combinaciones. “Una vez colocado el cristal encima ya todo es producto del azar”. Y eso es lo que a Fabio Camarotta le maravilla: la libertad de las gotas de pintura una vez aplastadas por el vidrio; sus imprevistos caminos.

De esta forma, el cuerpo femenino, en esta última serie tatuado, adquiere bajo el dominio plástico de Camarotta las proporciones de un vasto territorio por explorar. Y al igual que los buenos amantes se entretienen recorriendo palmo a palmo el cuerpo de la mujer, también Fabio Camarotta explora las enormes posibilidades que le ofrece su pintura prensada, para deleitarse y deleitar al espectador con los misterios de su obra abstracta. Un mapa de sensaciones que la galería Alba Cabrera despliega hasta finales de noviembre.

Obra de Fabio Camarotta para 'Tattoo You' en la galería Alba Cabrera. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Obra de Fabio Camarotta para ‘Tattoo You’ en la galería Alba Cabrera. Imagen cortesía de Alba Cabrera.

Salva Torres